Gioielli antichi: una guida ai tesori senza tempo e alla loro storia abbagliante

Ogni gioiello antico racchiude una storia. Segreti nascosti di epoche passate, che si manifestano in catene d'oro lavorate ad arte, spille delicate e pietre preziose scintillanti: i gioielli antichi aprono una finestra affascinante sulla storia culturale dell'umanità.

Consideriamo il periodo Biedermeier, tra il 1815 e il 1848: nell'arco di tre decenni, vennero creati gioielli che erano ben più di un semplice ornamento.  Incarnavano il nascente culto dell'amicizia e fungevano da preziosi ricordi.  I gioielli da lutto vissero una straordinaria rinascita e si trasformarono in preziosi ricordi che esprimevano profondi legami emotivi.

Esaminando i diversi periodi della gioielleria, si rivelano influenze e tendenze sfaccettate che hanno plasmato il design di un'epoca specifica.  Lo storicismo , dal 1840 al 1890, segnò una svolta: l'avvento dell'industrializzazione rese per la prima volta i gioielli realizzati a macchina accessibili a fasce più ampie della popolazione.  Era in atto una rivoluzione tecnologica: la galvanica, scoperta da Hermann von Jacobi , trovò applicazione industriale a partire dal 1885 e cambiò radicalmente la produzione di gioielli.

Pochi altri oggetti sono più adatti allo studio storico-culturale dei gioielli. Lo sviluppo del design del gioiello racconta una storia continua di trasformazione. Si va dai tesori delicatamente smaltati del XV secolo, con le loro raffigurazioni figurative e gli intricati motivi floreali, alle radiose ametiste e alle vibranti tormaline verdi degli anni '20. Queste ultime sono oggi considerate l'apice dell'arte orafa. 

Basta ammirare questi tesori senza tempo per riaccendere la gioia della bellezza e l'arte di vivere di epoche passate. Non siete d'accordo?

Gli inizi: gioielli antichi nell'antichità e nel Medioevo

Le radici dell'arte orafa risalgono al V millennio a.C. Anche i reperti della cultura di Varna in Europa dimostrano un livello sorprendente di maestria che avrebbe plasmato tutti i periodi successivi della gioielleria. Gli Etruschi in Italia e i Traci nei Balcani crearono gioielli straordinari, spesso strettamente legati a pratiche religiose: un'eredità che continua a risuonare ancora oggi.

Materiali e tecniche tipici dell'antichità

Nell'antico Egitto, il metallo degli dei. Come il sole, non invecchiava mai, incarnando così la ricerca dell'eternità. Gli orafi egiziani erano maestri nell'arte del colore, combinando il metallo prezioso con pietre semipreziose come il lapislazzuli e il turchese, o incorporando vetro colorato e smalto. Ogni colore aveva un significato speciale e si credeva che offrisse protezione a chi lo indossava.

Il gruppo di gioielli in oro raffigurato nella Getty Villa è composto da una retina per capelli con un medaglione sbalzato di Afrodite ed Eros; un diadema con un elaborato nodo di Eracle; due paia di orecchini a cerchio con terminali a forma di testa di Capricorno; un paio di orecchini a disco con una figura di Eros; un paio di braccialetti da braccio a forma di serpente arrotolato; un paio di braccialetti a forma di serpenti arrotolati; due anelli intarsiati con intagli, uno raffigurante Artemide; l'altro Fortuna che regge una doppia cornucopia; 28 perle assortite e un orecchino a bottone; e una collana di perle d'oro a forma di conchiglie di ciprea.

Nell'antico Egitto, i gioielli non avevano una funzione puramente decorativa. Avevano il compito di conferire poteri magici, una sorta di eternità portatile. Per questo motivo, numerosi gioielli sono stati ritrovati come corredi funerari, testimoni silenziosi di questa profonda credenza.

Lo sviluppo tecnologico può essere tracciato attraverso esempi concreti: oggetti ricoperti di foglia d'oro venivano già creati nell'Egitto preistorico. Catene d'oro con 24 conchiglie cave adornarono in seguito anche tombe non reali. Il Medio Regno portò nuove forme come scarabei e pesci e introdusse tecniche innovative come il cloisonné e la granulazione.

I Romani perfezionarono queste tecniche. Nella granulazione dell'oro, saldavano insieme minuscole perle d'oro per creare motivi complessi. La filigrana veniva realizzata utilizzando i fili metallici più fini, disposti in intricati viticci o motivi a foglia. Anche la lavorazione di materiali minerali e organici in cammei – ritratti incisi in agata, onice, corniola o avorio – raggiunse un notevole apice nell'antichità.

Simbolismo e funzione nel Medioevo

Nel Medioevo , l'importanza dei gioielli si espanse notevolmente. Fungevano da specchio della società, riflettendo gerarchie sociali, credenze religiose e tendenze culturali. Poiché la maggior parte delle persone era analfabeta, i gioielli si evolsero in una forma di comunicazione non verbale che rivelava informazioni su chi li indossava a colpo d'occhio.

Per la nobiltà, i gioielli sfarzosi significavano molto più del semplice lusso. Dimostravano potere e influenza, ma anche legami con terre lontane e rotte commerciali. La Chiesa usava abilmente i gioielli per visualizzare la fede: i simboli religiosi nei gioielli servivano come costante promemoria della fede e come protezione dalle forze del male.

Anche per la gente comune, i gioielli avevano un significato profondo. Tramandati come cimeli di generazione in generazione, preservavano la storia familiare. Nelle zone rurali, potevano persino fungere da sorta di conto di risparmio, fusi o venduti in caso di necessità. L'acquisto di gioielli antichi rimane ancora oggi un modo comune per monetizzare pezzi di valore.

La rigida gerarchia medievale si manifestava chiaramente nell'uso dei gioielli. Alcuni materiali e forme erano riservati a specifiche classi sociali: un semplice anello di rame identificava un artigiano, mentre una catena d'oro tempestata di pietre preziose indicava senza dubbio un nobile.

Dalle spille agli anelli con sigillo: forme in divenire

La fibula era uno dei gioielli più versatili dell'Alto Medioevo. Questa spilla metallica, basata sul principio dell'odierna spilla da balia, sostituì la semplice spilla da balia e servì a fissare gli abiti. Oltre alla sua funzione pratica, si evolse in un oggetto poliedrico: gioiello, oggetto simbolico e base per pendenti (pendilia).

Dopo la caduta dell'Impero Romano, le tribù germaniche portarono con sé la propria competenza nella lavorazione dei metalli preziosi. I Merovingi svilupparono ulteriormente la tecnica del cloisonné : sottili strisce di metallo venivano saldate su una base per formare dei ventagli, che venivano poi riempiti con pietre preziose, granati o pasta vitrea colorata.

Gli anelli con sigillo incarnavano un legame speciale tra gioielleria e funzione pratica. La loro storia inizia in Egitto, dove i faraoni indossavano elaborati anelli d'oro o pietre preziose con incisioni di geroglifici e simboli protettivi come lo scarabeo. I Greci li trasformarono in strumenti di sigillo incisi con scene mitologiche. Nell'Impero Romano, fungevano sia da gioielli che da strumenti pratici per contrassegnare i documenti. Il Medioevo li elevò a simboli di potere e identità familiare, ornati con stemmi ed emblemi araldici.

Particolarmente degno di nota fu il cambiamento nell'uso dei materiali: mentre nell'antichità esisteva una tipica "piramide di materiali" , composta da molti metalli non ferrosi e pochi oggetti in metallo prezioso, questo rapporto si invertì nell'Alto Medioevo. Le spille ad arco della Germania occidentale erano prevalentemente realizzate in argento dorato: una piramide di materiali capovolta, che si può osservare anche in piccole spille, croci in foglia d'oro e corredi funerari.

Rococò e Classicismo: Transizione all'Eleganza

I rivolgimenti sociali del XVIII secolo si riflettevano direttamente nel design dei gioielli. Il Rococò e il Classicismo segnarono più di semplici cambiamenti stilistici: incarnarono un passaggio fondamentale dall'opulento splendore della vita di corte a un'estetica fondata su ideali classici.

Ornamenti floreali e sfarzo cortese

Dal 1730, lo stile rococò cortese definì il gusto dell'alta borghesia europea. L'opulenza era fondamentale: sontuosi motivi floreali e decorazioni stravaganti dimostravano a prima vista lo status di chi li indossava. Nastri, ghirlande e interi bouquet adornavano i gioielli, a volte incastonati con pietre preziose colorate, a volte completamente incastonati in diamanti. Le spille mobili sugli ampi abiti delle dame di corte incarnavano perfettamente lo spirito dell'epoca: tutto doveva brillare, luccicare e attirare l'attenzione.

L'omonimo motivo rocaille definì innumerevoli modelli di gioielli di quest'epoca. Elementi decorativi a forma di conchiglia e volute si estendevano sui gioielli in curve organiche e composizioni asimmetriche. I collier de chien, indossati vicino al collo e caratterizzati da pendenti centrali di grande effetto, accentuavano il décolleté femminile. Gli orafi incastonavano prevalentemente diamanti in argento, una scelta deliberata per esaltare al massimo la brillantezza delle pietre.

Ciò che appare sorprendente, visto da una prospettiva odierna, è che a quei tempi la purezza di un diamante ricopriva un ruolo subordinato. Le dimensioni contavano più della perfezione – un principio che sarebbe cambiato solo in seguito.

Influenza dell'antichità sul design

Il Classicismo nacque come consapevole controcorrente all'eccessivo ornamentazione del Rococò. A partire dagli anni Ottanta del Settecento, questo stile influenzò anche la moda orafa europea. di Johann Joachim Winckelmann per l'antichità contagiò quasi tutta l'Europa: una vera e propria euforia per i modelli greco-romani permeò tutti i settori dell'arte.

Il cambiamento di stile non avvenne dall'oggi al domani. Le fasi intermedie, come lo stile Luigi XVI , influenzato dal gusto di Maria Antonietta, combinavano ancora la chiarezza geometrica con simboli naturali e animali sottilmente giocosi. Frutti, rami e uccelli adornavano i disegni prima che lo stile intrecciato segnasse la transizione definitiva verso un classicismo essenziale.

Col passare del tempo, l'ornamentazione divenne sempre più sobria. I modelli antichi influenzarono sempre più il design e la semplicità sostituì l'ostentazione. Acciaio e strass – vetro incolore e tagliato – furono ampiamente utilizzati nella gioielleria. Il colore lasciò il posto a una tavolozza ridotta: perle, diamanti e imitazioni di diamanti ora dominavano le eleganti creazioni.

Cammei e anelli marquise come fenomeno della moda

Le gemme conobbero una rinascita a metà del XVIII secolo . Le immagini incise nella pietra e nella conchiglia avevano già affascinato il mondo antico, ma l'ascesa del turismo le trasformò nel souvenir italiano per eccellenza. Due tecniche dominarono l'arte delle gemme: gli intagli raffiguravano stemmi, figure e scene incise al contrario nel materiale, mentre i cammei presentavano l'immagine in rilievo e correttamente orientata.

L'Italia, in particolare la regione intorno a Napoli, divenne un centro per la produzione di cammei. Durante il Grand Tour, i ricchi europei visitavano monumenti antichi e scoprivano in questi preziosi cammei in conchiglia il souvenir ideale della joie de vivre del sud. Indossati come spille, pendenti o miniature incorniciate, raffiguravano ritratti di sovrani, divinità antiche e scene mitologiche.

Luigi XV creò un'icona della gioielleria francese anello Marquise Marchesa di Pompadour , furono creati anelli dalla forma ovale allungata e dalle estremità appuntite, ispirati alla delicata curva delle sue labbra. Questa forma a "navetta" simboleggiava eleganza e raffinatezza ed è sopravvissuta come un classico fino a oggi.

Biedermeier e storicismo: Romanticismo e ritorno alla tradizione

Le ferite delle guerre napoleoniche guarirono lentamente, ma lasciarono dietro di sé un profondo desiderio di pace e sicurezza. Tra il 1820 e il 1870, l'Europa si rivolse alla sfera privata, un'epoca che oggi conosciamo come il periodo Biedermeier. La famiglia, l'amicizia e la quieta bellezza della vita quotidiana passarono in primo piano. I gioielli improvvisamente non furono più solo uno status symbol dei potenti, ma divennero un'espressione intima dei sentimenti umani più profondi.

Gioielli dell'amicizia e pezzi da lutto

Mai prima d'ora i gioielli ricordo avevano acquisito un significato così emotivo. Amicizia e ricordi si sono evoluti in preziosi simboli di connessione umana.  In delicati medaglioni, le persone conservavano ciocche di capelli dei propri cari, piccole lettere o altri ricordi, per portarli sempre con sé. Le spille con ritratto tenevano il volto amato di familiari o amici vicino al cuore.

Particolarmente toccanti erano i gioielli realizzati con i capelli delle persone care.  Questi braccialetti o spille creavano un legame unico, quasi magico, tra chi li indossava e il ricordo. Scambiarsi i capelli come pegno d'amore era  comune nel XVIII e XIX secolo quanto lo è oggi scambiarsi braccialetti dell'amicizia.

I gioielli da lutto ricoprivano un ruolo speciale.  Le miniature dei ritratti incorniciate venivano esposte apertamente, non erano affatto destinate esclusivamente a un lutto silenzioso e privato.  La pratica di commissionare anelli commemorativi o da lutto durante la propria vita, da distribuire a parenti e amici selezionati al proprio funerale, ci appare oggi sorprendente. Questa tradizione dell'anello commemorativo risale al XIV  secolo, quando i testatori inglesi stabilirono nei loro testamenti che spesso centinaia di anelli dovessero essere distribuiti come ricordo ai parenti in lutto.

Carenza di materiali e soluzioni creative

Dopo le Guerre di Liberazione, si verificò una grave carenza di metalli preziosi e le risorse finanziarie degli orafi che commissionavano i lavori erano fortemente limitate.  Ma la necessità è madre dell'invenzione: gli orafi svilupparono comunque tecniche straordinarie per creare gioielli preziosi. L'"oro schiumato" divenne la soluzione caratteristica dell'epoca: l'oro veniva steso fino a uno spessore sottilissimo, modellato in oggetti tridimensionali e poi stabilizzato con stucco, resina e sabbia.  Spille, collane e bracciali venivano realizzati con la lamina d'oro più sottile, che veniva poi riempita con resina o gesso per garantire la necessaria resistenza.

Gli artigiani dimostrarono la loro creatività anche nell'uso di leghe di base: Tombac e Pinchbeck imitarono abilmente il caldo colore dell'oro.  I gioielli in granato erano quasi esclusivamente incastonati in tombacco, una lega di ottone priva di oro, o in un quarto d'oro con una finezza di soli 250/1000.  Persino il ferro trovò spazio nella produzione di gioielli: il cosiddetto Fer de Berlin ricordava un delicato pizzo nero ed è ancora oggi molto popolare.

Riscoperta delle vecchie tecniche nello storicismo

Il 1848 segnò ufficialmente la fine del tranquillo periodo Biedermeier, ma il suo linguaggio stilistico continuò a vivere.  Ancora negli anni '70 del XIX secolo, un "Secondo Biedermeier" il suo periodo di massimo splendore, a testimonianza del duraturo amore per i prodotti di quell'epoca pacifica.

L'intero periodo fu caratterizzato da un'affascinante coesistenza di diversi movimenti: Romanticismo, Tardo Classicismo, Realismo e Storicismo coesistevano contemporaneamente. La rigida disciplina del Classicismo si dissolse. I designer di gioielli riscoprirono lo stile Rococò e fecero rivivere lo splendore cortese dell'epoca prenapoleonica.  Altri cercarono ispirazione in periodi ancora più lontani del Medioevo.  La natura locale trovò per la prima volta spazio nei design: foglie di quercia e rose furono immortalate nell'oro.

Lo storicismo, dal 1840 al 1914, trasse vantaggio dai progressi tecnologici del suo tempo: motori a vapore, navi a vapore, ferrovie ed elettricità resero le gemme colorate più facilmente reperibili.  Tutti gli stili precedenti conobbero una rinascita e la riproduzione fedele dei gioielli barocchi permise allo splendore delle epoche passate di risplendere di nuovo.

Art Nouveau e Art Déco: l'alba del modernismo

Intorno al 1900, il mondo della gioielleria si ribellò alle proprie tradizioni. L'Art Nouveau ruppe radicalmente con tutto ciò che era stato precedentemente considerato bello – e appena trent'anni dopo, l'Art Déco fece lo stesso con l'Art Nouveau. Due movimenti che difficilmente avrebbero potuto essere più diversi, ma uniti nel loro coraggio di cambiare.

Forme organiche e motivi naturali nell'Art Nouveau

Immaginate: gioielli che sembrano appena stati raccolti da un giardino incantato. L'Art Nouveau, tra il 1890 e il 1910, trasformò spille e collane in opere d'arte viventi. Cos'era successo? L'insoddisfazione per una produzione di massa senza anima aveva scatenato una rivolta creativa.

Nata a Parigi, questa nuova estetica conquistò l'Europa, "Art Nouveau" "Stile Secessione" in Austria e "Arts and Crafts" in Inghilterra . Il movimento era unito da un obiettivo comune: la fine delle copie storiche e il passaggio a design originali.

Linee curve ora attraversavano i gioielli come un sistema nervoso organico. I critici deridevano le "linee a frusta ", ma gli artisti creavano mondi di curve fluide che imitavano piante, capelli e acqua. Libellule spiegavano le ali su spille, serpenti si avvolgevano attorno a bracciali e silhouette femminili si fondevano con ornamenti floreali per formare seducenti opere d'arte.

René Lalique incarnava quest'epoca come nessun altro. I suoi progetti Cartier

Geometria e innovazione nell'Art Déco

1925 a Parigi: l '"Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes" diede il nome a un nuovo stile. L'Art Déco non celebrava la natura, ma la macchina. Mentre i ruggenti anni Venti promettevano prosperità economica, la gioielleria trovava ispirazione nei grattacieli e nel design industriale.

Qui la geometria regnava sovrana: triangoli, cerchi e rettangoli si disponevano in rigorose simmetrie. Motivi a gradini e a zigzag adornavano elementi decorativi come le facciate Art Déco in miniatura. Le linee precise riflettevano la fede nel progresso di un'epoca che abbracciava tecnologia e modernità.

Da dove provengono questi design? Nel 1922, la scoperta della tomba di Tutankhamon scatenò una vera e propria mania per l'Egitto . Motivi aztechi si mescolarono a motivi babilonesi. L' architettura di New York e Berlino si rifletteva in creazioni di gioielli in miniatura. L'iconico sautoir, una lunga collana che arrivava fino alla vita, incarnava perfettamente l'elegante sensualità dell'epoca.

Nuovi materiali e tecniche di macinazione

Entrambe le epoche sperimentarono audacemente con i materiali. L'Art Nouveau riabilitò il metallo "di base": corno, corallo e smalto divennero partner alla pari di oro e diamanti. La tecnica del plique-à-jour creò smalti traslucidi che brillavano come gocce d'acqua ghiacciata. Opali e pietre di luna, con il loro misterioso luccichio, completavano perfettamente le forme organiche, trasformando i gioielli in metallo in vibranti meraviglie naturali.

L'Art Déco, d'altra parte, prediligeva il platino: più resistente dell'oro, più durevole, più moderno. L'oro bianco conquistò i salotti. Contrasti forti caratterizzarono quest'epoca: onice nero accanto a diamanti scintillanti, smeraldi luminosi in montature geometriche accanto a zaffiri blu intenso e rubini scintillanti.

I nuovi tagli rivoluzionarono la lavorazione delle pietre preziose: taglio smeraldo, taglio Asscher, taglio baguette e taglio trapezoidale, con le loro sfaccettature nette, enfatizzavano la chiarezza geometrica dell'epoca. Ogni pietra divenne un elemento architettonico di una nuova estetica che intendeva la gioielleria come espressione di modernità.

Mid-Century e Vintage: dalla gloria del dopoguerra alla cultura pop

Il mondo si risvegliò da un lungo e oscuro sogno. Dopo gli anni di privazioni della guerra, la società desiderava ardentemente glamour, colore e vitalità, e i gioielli erano pensati per soddisfare questo desiderio.  Forme morbide e fluide e ornamenti sontuosi conquistarono i laboratori orafi. Ciò che emerse segnò l'inizio di una nuova era: lo stile Mid-Century, che tradusse l'euforia del dopoguerra in oro scintillante e diamanti splendenti.

Stile retrò e ritorno del colore

Gli anni '50 – l' "Età d'Oro del Design" – plasmarono il design moderno della gioielleria come quasi nessun altro decennio. Un nuovo ottimismo permeava la società e questo spirito si manifestava in magnifiche e colorate creazioni di gioielli.  Mentre il platino era stato riservato agli scopi militari durante gli anni della guerra, prosperità e opulenza tornarono.

"I diamanti sono i migliori amici delle donne" : la leggendaria frase di Marilyn Monroe catturava perfettamente lo spirito dell'epoca. Eleganza e femminilità erano ancora una volta in primo piano, e i diamanti brillavano in abbondanza.  Le forme astratte a forma di ramo con diamanti di vari tagli, che ricordavano i fuochi d'artificio notturni, erano particolarmente popolari e catturavano l'atmosfera ottimistica dell'epoca.

Design iconici degli anni '50 e '60

L'oro testurizzato dominava il mondo della gioielleria degli anni '50. Il linguaggio del design di questo decennio era inconfondibile:

• Catene a coda di volpe, corde intrecciate e filo intrecciato
• Rete, doppie croci e cuciture decorative
• Scanalature e perforazioni

Gioielli in oro e perle coltivate facevano parte dell'outfit quotidiano, mentre i gioielli con diamanti erano riservati alla sera.  Ametista, turchese, topazio e corallo riportavano il tanto agognato tocco di colore.

Gli anni '60 proclamarono poi un rivoluzionario atteggiamento "tutto è concesso". Oro giallo, platino e argento si unirono a cristalli di pietre preziose a forma di drusa per creare mondi di gioielleria completamente nuovi.  I turchesi furono tagliati a cabochon e armonizzati con diamanti scintillanti.  Persino la corsa alla luna ispirò gli orafi: in tutta Europa, sperimentarono design futuristici per le superfici.

Il vintage come oggetto da collezione con storia

I gioielli vintage raccontano storie diverse rispetto ai tesori d'antiquariato.  Mentre questi ultimi devono avere almeno un secolo, i gioielli vintage comprendono pezzi realizzati 20 anni fa in poi, tra il 1920 e il 1980.  Questi pezzi incarnano lo stile della loro epoca e possiedono quindi un fascino nostalgico particolare.

Oggi, la bigiotteria vintage è uno dei settori del collezionismo .  Gli intenditori cercano pezzi firmati: le aziende che portavano con orgoglio il loro nome solitamente garantivano una qualità superiore.  Mentre marchi come Coro, Lisner e Monet rimangono accessibili, i pezzi firmati di Hattie Carnegie, Chanel e Dior raggiungono prezzi elevati.

Gli anni del dopoguerra hanno consacrato la gioielleria come arte indossabile, che caratterizzava sia chi la indossava che chi la creava. Questa liberazione dalle tradizioni della gioielleria convenzionale affondava le sue radici nei principi modernisti e nei movimenti d'avanguardia: un'eredità culturale che sopravvive nell'apprezzamento odierno dei gioielli vintage.

Contemporaneo e senza tempo: ciò che resta, ciò che viene

Perché oggi ci rivolgiamo sempre più spesso ai gioielli antichi? La produzione di massa dei nostri tempi risveglia un profondo desiderio di autenticità e unicità.  I ​​gioielli antichi soddisfano questo bisogno in un modo molto speciale: ogni pezzo porta con sé una storia e possiede un carattere distintivo.

Interpretazioni moderne di stili classici

I designer di gioielli contemporanei hanno riscoperto il passato.  Attingono a un ricco patrimonio di tecniche e forme storiche, fondendo sapientemente l'eredità di epoche passate con le abitudini di indossamento odierne.  Le complesse tecniche di incisione e incastonatura delle pietre preziose dei nostri antenati stanno vivendo una rinascita, reinterpretate per gioielli che incarnano modernità e tradizione. 

Pietre dal taglio tradizionale e catene con maglie di grandi dimensioni sono tornate di gran moda.  Gli artigiani gioiellieri si considerano custodi del patrimonio storico e stanno dando nuova vita alle tecniche antiche.

Stratificazione e individualità nello stile dei gioielli

La tendenza del layering ha cambiato radicalmente il modo in cui indossiamo i gioielli. Abbinare più gioielli contemporaneamente è diventato un modo per esprimere la propria personalità.  Invece di abbinare armoniosamente due collane delicate, si opta consapevolmente per i contrasti. 

Le maglie della catena dovrebbero differire significativamente per dimensioni, spessore e design.  La base dovrebbe essere composta da almeno tre catene: idealmente una con un ciondolo a forma di medaglione, una con un girocollo e un'altra catena a contrasto.

conclude  Ourania Marmara nel suo articolo su WELT . Individualità, sostenibilità e libertà creativa ne sono il fulcro.  Pezzi ereditati o di seconda mano hanno una seconda possibilità e diventano parte di uno stile vibrante e contemporaneo.

Perché i gioielli antichi sono di nuovo richiesti oggi

La rinascita dei gioielli antichi ha solide ragioni:

• L'  eccezionale maestria artigianale  delle epoche passate si distingue nettamente dai metodi di produzione odierni.
• Indossare gioielli vintage riflette la crescente  consapevolezza della sostenibilità.
• Ogni pezzo è  unico e ha una sua storia  : la patina gli conferisce un carattere inconfondibile.

È in atto anche un fenomeno interessante: le case di gioielleria stanno riacquistando i loro pezzi storici per i propri archivi, il che ne accentua la scarsità.  Le persone desiderano  pezzi unici con una storia,  anziché beni di massa anonimi.  Di conseguenza, la gioielleria vintage si sta trasformando in uno dei settori di mercato in più rapida crescita.