L'impressionnisme dans les arts visuels : caractéristiques, artistes, œuvres célèbres

L'impressionnisme est né en France entre 1860 et 1870 , et s'est ensuite répandu dans une grande partie de l'Europe dans les années 1890.

L'impressionnisme atteignit son apogée entre 1863 et 1883. Avant même cette date, il avait été influencé par ses figures de proue, Claude Monet , Édouard Manet et Edgar Degas . L'impressionnisme exerça une forte influence sur les mouvements artistiques , et de nombreux artistes lui restèrent fidèles même durant la expressionniste .

Découvrez avec nous la beauté de l'impressionnisme , un mouvement artistique révolutionnaire caractérisé par la représentation d'impressions fugaces et le jeu de la lumière et des couleurs.

Des artistes tels que Claude Monet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Berthe Morisot et Pierre-Auguste Renoir  des tableaux fascinants durant cette période stylistique des arts visuels , capturant la beauté de la vie quotidienne et de la nature.

L'impressionnisme : une brève introduction

L'impressionnisme fut un mouvement artistique révolutionnaire du XIXe siècle qui inaugura une nouvelle ère en peinture. Les impressionnistes souhaitaient non seulement représenter la réalité extérieure, mais surtout les impressions et les émotions qu'ils éprouvaient face à un sujet. La lumière et la couleur y jouaient un rôle central.

Le terme « impressionnisme » en tant que style artistique provient du mot français « impression ». Ce mouvement artistique a été nommé d'après le tableau de Claude Monet intitulé « Impression, soleil levant » , présenté lors de la première exposition du mouvement à Paris en 1874.

Un critique d'art de l'époque utilisa ce terme de manière moqueuse pour décrire l'ensemble du style, mais les artistes eux-mêmes l'adoptèrent pour désigner leur mouvement. L'impressionnisme est généralement situé entre 1860 et 1920.

Ce qui caractérisait ce mouvement artistique, c'était que les artistes commençaient à observer consciemment leur perception . Parallèlement à l'avènement de la photographie, la représentation méticuleuse des motifs ne semblait plus essentielle.

Ils reconnaissaient que les contours des objets sont créés par la conscience individuelle. En réalité, l'œil perçoit avant tout les couleurs et les formes ; les contours ne sont que des interprétations. Les impressionnistes aspiraient à un retour à la « perception pure » ​​et à la représentation de la réalité dans sa forme originelle.

Les peintres impressionnistes étaient fascinés par les effets de la lumière. Pour reproduire la lumière naturelle dans leurs tableaux, ils ont mis au point une nouvelle technique utilisant de petits traits et des points . Il en résultait une légèreté et un dynamisme particuliers dans leurs œuvres.

Les impressionnistes travaillaient principalement en plein air ou dans leurs ateliers afin de tirer parti des variations de la lumière. Certains artistes peignaient le même sujet à différents moments de la journée ou à différentes saisons pour en saisir les nuances. Pour ce faire, ils développèrent de nouvelles techniques picturales permettant d' des contours plus doux .

Ils reconnaissaient que la perception change rapidement d'un instant à l'autre et qu'il est impossible de saisir pleinement un seul moment. C'est pourquoi ils utilisaient une technique picturale rapide pour consigner leurs impressions avant qu'elles ne s'estompent. Les impressionnistes privilégiaient l'observation pure, sans interprétation ni construction.

Avec ces points focaux et ces caractéristiques, l'impressionnisme est devenu le point de départ de la peinture moderne .

Leurs œuvres représentaient typiquement des paysages et des scènes de boulevard avec des dames élégamment vêtues, ainsi que des danseuses et des femmes à leur toilette. Elles intégraient aussi souvent des motifs de la vie quotidienne, comme la vie parisienne.

L'une des expositions les plus célèbres de cette période fut la Troisième Exposition d'Art Indépendant à Paris en 1877. Les œuvres des impressionnistes y furent présentées au public pour la première fois. Cet événement révolutionna le monde de l'art et ouvrit la voie au succès de l'impressionnisme.

Auguste Rodin est considéré comme une figure majeure de l'impressionnisme en sculpture. Ce style artistique se caractérise, notamment sculpture surface texturée et animée . En photographie, l'impressionnisme est plus communément appelé pictorialisme .

Les pictorialistes furent les premiers à expérimenter la photographie couleur et appréciaient les images floues. L'un des photographes les plus importants de l'impressionnisme autour de 1900 fut Heinrich Kühn (1866-1944), installé à Vienne.

Si vous souhaitez en savoir plus sur l'impressionnisme, poursuivez votre lecture ! Dans les sections suivantes, nous approfondirons le sujet et examinerons de plus près les caractéristiques, les artistes et les œuvres les plus célèbres de ce mouvement.

Précurseurs et pionniers

Les peintres romantiques Eugène Delacroix , John Constable , William Turner et Richard Parkes Bonington , ainsi que les artistes de l' École de Barbizon et les peintres d'Honfleur, furent d'importants précurseurs de l'impressionnisme. Charles-François Daubigny fut considéré comme le chef de file d'une « école impressionniste », bien que ses compositions fussent encore académiques et classiques. Il exposa néanmoins des esquisses de paysages au Salon, ce qui fit de lui un précurseur de l'impressionnisme.

Dès le XVIIIe siècle, l'Angleterre manifesta une plus grande ouverture à la peinture de paysage que la France. Cet engouement fut probablement influencé par le jardin paysager anglais, qui recréait un environnement naturel, ainsi que par les débuts de l'industrialisation.

Des artistes tels que Constable, Turner et Richard Parkes Bonington s'efforçaient, dans leurs œuvres, d'allier rigueur scientifique (voir les études de nuages ​​de Constable) et atmosphère. Les motifs se fondant progressivement en nuages ​​de couleur dans les tableaux de William Turner, en particulier, illustrent parfaitement cette idée. Le peintre s'attachait à saisir l'effet du paysage et à le représenter avec habileté et précision.

John Constable travailla principalement dans le Suffolk et ses environs londoniens. Il s'inspira du réalisme détaillé, des subtiles nuances de couleurs, de la luminosité et des motifs sobres de la peinture de paysage hollandaise du XVIIe siècle. À partir des années 1820, ses œuvres furent également connues à Paris, où il reçut la médaille d'or au Salon « Le Char à foin »

Les peintres de l'École de Barbizon, tels que Camille Corot et Jean-François Daubigny, représentaient la forêt de Barbizon, la vie rurale et les animaux dans leurs paysages. Jean-François Daubigny était particulièrement réputé pour ses paysages atmosphériques, presque esquissés.

Gustave Courbet s'est concentré sur les paysages forestiers et rocheux du Jura, utilisant la peinture à l'huile comme médium et influençant les futurs impressionnistes. Ces derniers, à leur tour, furent inspirés par des peintres baroques tels que Frans Hals et Diego Velázquez.

L'école d'Honfleur, sur la Côte de Grâce, regroupait principalement les artistes Eugène Boudin et Johan Barthold Jongkind. Boudin menait une vie modeste à Honfleur et fut le premier professeur de Monet. Ses toiles se caractérisent par des paysages de plage et de marine, ainsi que par l'admiration que Corot portait à leurs « beautés météorologiques ».

Détails sur l'appellation de l'impressionnisme

L’impressionnisme doit son nom – comme mentionné au début – à une critique dévastatrice de Louis Leroy lors de la première exposition collective des peintres plus tard connus sous le nom d’« impressionnistes » en 1874.

Les artistes avaient organisé eux-mêmes l'exposition dans l'atelier parisien de Nadar, n'ayant pas été admis au Salon. L'initiative des trente artistes exposants s'intitulait « Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs » .

Le critique d'art Louis Leroy a inventé le terme Impressionnisme en développant le titre de l'œuvre de Claude Monet « Impression : Soleil levant » (1872) en un terme désignant un groupe et un style.

La prédominance du terme « impressionnisme » s'explique notamment par le fait que les artistes eux-mêmes ne parvenaient pas à trouver un nom propre à leur mouvement. Le terme « impression » désigne la perception subjective du monde avant tout traitement rationnel des impressions sensorielles. Cette définition était déjà ancrée dans le discours esthétique.

Au XIXe siècle, le terme « impression » , tout comme celui de « poche » , désignait des croquis rapides qui saisissaient une première impression immédiate du sujet. À l'inverse, « étude » un rendu plus lent et plus précis.

Monet a transformé l'esquisse en œuvre d'art en la présentant lors d'expositions. Le critique d'art Leroy considérait cette esquisse comme une vision naïve que l'artiste n'avait pas encore structurée et rationalisée.

La rumeur persiste encore aujourd'hui que les tableaux impressionnistes ont été créés spontanément.

Dès 1877, le critique Frédéric Chevalier observait avec justesse que l'impression de spontanéité créée par les impressionnistes provenait de leur technique brute. La perspective apparemment aléatoire de leurs œuvres était, en réalité, l'expression d'une disjonction délibérément provoquée.

Principales influences sur le développement de l'impressionnisme

La plupart des pères fondateurs de l'impressionnisme avaient encore une vingtaine d'années, à l'exception de Pissarro, qui avait déjà la trentaine, et étaient en train de développer leur style . Monet s'intéressa particulièrement aux peintres novateurs Eugène Boudin et Johan Barthold Jongkind , qui saisissaient les effets fugaces de la mer et du ciel grâce à leurs techniques picturales riches en couleurs et structurées.

Avec ses amis de l'atelier de Gleyre, Monet adopta la méthode de Boudin consistant à peindre exclusivement en plein air – la peinture de paysage – et à observer directement la scène, au lieu de réaliser une toile à partir d'esquisses en atelier. Après la fermeture de l'atelier de Gleyre en 1864, Monet, Renoir, Sisley et Bazille s'installèrent temporairement dans la forêt de Fontainebleau, où ils se consacrèrent à la peinture de paysage.

La forêt de Fontainebleau avait déjà attiré d'autres artistes, notamment Théodore Rousseau et Jean-François Millet, qui soulignaient que l'art devait refléter la réalité de la vie quotidienne.

L'atelier de Gleyre et les élèves de l' Académie Suisse étaient tous inspirés par le célèbre artiste Édouard Manet , qui, à l'instar du peintre réaliste Gustave Courbet, représentait objectivement des thèmes modernes. Dans l'art de Manet, les sujets traditionnels s'effacent au profit de l'actualité et des circonstances de son époque, tandis que l'attention se porte sur la manipulation délibérée de la couleur, du ton et de la texture, érigée en fin en soi pour l'artiste.

Ce motif devint un moyen de réaliser des compositions artistiques, mêlant aplats de couleur et coups de pinceau précis, minimisant ainsi la profondeur de la perspective. L'accent était alors mis sur les motifs et les relations à la surface du tableau, plutôt que sur l'illusion de l'espace tridimensionnel.

Pissarro et les jeunes artistes rencontrèrent Manet et Degas au Café Guerbois vers 1866.

La transgression des tabous par les impressionnistes

Non seulement la technique artistique, mais aussi le choix des sujets des tableaux furent critiqués. Soudain, des représentations réalistes de la vie furent présentées, qui parurent inexactes et superficielles aux yeux du public.

Certains motifs étaient considérés comme immoraux et scandaleux car ils abordaient des sujets tabous, comme « Le Déjeuner sur l'herbe » , datant de 1863. Les impressionnistes rencontrèrent peu de compréhension pour leur style pictural auprès des collectionneurs d'art et des salons parisiens, ce qui les amena à organiser leurs propres expositions.

Gustave Courbet présenta ses œuvres « Un enterrement à Ornans » (1858) et « L’Atelier » (1863) dans son propre « Pavillon du Réalisme ». Les œuvres de Manet, Whistler, Cézanne et Pissarro ne furent pas non plus reconnues au Salon. Lorsque le jury n’accepta qu’un tiers des 5 000 œuvres soumises au Salon de 1863, cela provoqua un tollé général et contraignit l’empereur Napoléon III à intervenir.

Avant le vernissage, il visita l'exposition et examina toutes les œuvres refusées. L'Empereur décréta que les artistes « refusés » auraient leur propre exposition au Palais de l'Industrie : le Salon des Refusés . Cependant, de nombreux artistes refusèrent d'y participer par crainte d'être eux aussi refusés.

Napoléon III adoucit le verdict du jury en autorisant l'exposition des œuvres refusées. Le président du jury, le comte Nieuwerkerke, les fit accrocher au Salon des Refusés, espérant susciter l'indignation du public. Quelque 40 000 visiteurs purent ainsi admirer, entre autres, « Le Déjeuner sur l'herbe » « Symphonie en blanc n° 1 : La Fille en blanc » de James McNeill Whistler , deux œuvres qui provoquèrent un véritable scandale.

Bien qu'il n'y ait pas eu de suite au Salon des Refusés, celui-ci a considérablement affaibli la domination du Salon et de l'Académie. Dans les années qui suivirent, de plus en plus d'artistes s'unirent pour former des associations d'exposition autogérées (par exemple, la Société des Artistes Indépendants , fondée en 1884 et importante pour le néo-impressionnisme ; le Salon d'Automne , fondé en 1903 et important pour les premières présentations du fauvisme et du cubisme).

Après plusieurs années, les impressionnistes connurent le succès. Les milieux intellectuels, en particulier, apprécièrent et acquirent leurs œuvres, ce qui contribua à la large diffusion de l'impressionnisme.

Expositions, groupes et associations importants

Dans les années 1860, les œuvres de la plupart des artistes d'avant-garde étaient acceptées au Salon , l'exposition publique annuelle organisée par l'État à Paris. Cependant, vers la fin de la décennie, elles étaient régulièrement refusées. Les artistes dénonçaient l'injustice du système de jury du Salon et les désavantages que subissaient les tableaux de petit format comme les leurs lors des expositions.

Il était prévu d'organiser une exposition distincte, mais la guerre franco-prussienne (1870-1871) interrompit ces projets. Frédéric Bazille , qui dirigeait ces efforts, fut tué au combat.

Fin 1873, les discussions reprirent et la Société Anonyme Coopérative d'Artistes-Peintres, Sculpteurs, etc. fut fondée. Parmi ses membres figuraient Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas et Morisot, un autre artiste d'avant-garde présenté au groupe par Manet. Le collectif avait pour objectif d'organiser des expositions, de vendre des œuvres d'art et de publier une revue.

La Société Anonyme choisit délibérément un nom qui ne suggérait aucune école d'art particulière. Pour sa première exposition en 1874, ses membres invitèrent un large éventail d'artistes issus de leur réseau. Bien que Manet ait refusé d'y participer, une trentaine d'artistes acceptèrent l'invitation, offrant ainsi une présentation diversifiée de styles et de techniques variés.

Certains critiques louèrent les efforts du groupe pour se démarquer du courant dominant, mais la majorité resta sceptique quant à leur art et formula des critiques acerbes. Le tableau de Monet de 1872, « Impression, soleil levant », valut au groupe le surnom moqueur d’« Impressionnistes », forgé par le journaliste Louis Leroy dans le magazine satirique Le Charivari en 1874.

Sur le plan financier, l'exposition ne fut pas un succès et entraîna finalement la dissolution de la Société Anonyme.

Dans les années qui suivirent, certains des artistes ayant fondé la Société Anonyme entre 1876 et 1886 organisèrent sept autres expositions . La participation fut variable, certains artistes, dont Cézanne et Guillaumin, hésitant dès le début. Lors de la préparation de chaque exposition, des désaccords surgirent entre les groupes quant à l'usage du terme « impressionnisme » et à l'unité stylistique qui y était associée, donnant lieu à des débats particulièrement vifs lors des trois dernières expositions.

Au fil des années d'expositions, les participants ont développé leurs propres styles personnels et individuels, mais ils sont tous unis par les principes de liberté vis-à-vis de la technologie, une approche personnelle plutôt que conventionnelle des thèmes et une représentation fidèle de la nature.

Le mouvement impressionniste se dissout au début des années 1880, chaque artiste poursuivant de plus en plus ses propres intérêts et principes esthétiques. Malgré sa courte existence, il a été à l'origine d'une révolution dans l'histoire de l'art , jetant les bases techniques pour des artistes tels que Cézanne, Gauguin, Georges Seurat et Vincent van Gogh , ainsi que pour le mouvement post-impressionniste.

L'impressionnisme a ouvert la voie à des artistes ultérieurs de la peinture occidentale pour s'écarter des techniques et des approches traditionnelles des sujets.

Caractéristiques et particularités – Comment reconnaître les tableaux impressionnistes ?

L'impressionnisme se caractérise par des compositions ouvertes et lumineuses, créées par des coups de pinceau visibles mais délicats. Une importance particulière est accordée au rendu précis de la lumière et de ses variations.

Le style pictural impressionniste rend la nature compréhensible et accessible, mais non pas par la méthode naturaliste habituelle, plutôt par une technique qui semble dissoudre les contours.

Impressionnisme : Couleurs vibrantes

L'impressionnisme se caractérisait par des exigences techniques telles que l'utilisation de peintures synthétiques conservées dans des tubes en fer-blanc, de chevalets portables, de toiles pré-apprêtées et de parasols. Ces derniers servaient non seulement à protéger du soleil, mais aussi à préserver la luminosité naturelle des couleurs.

L'invention des peintures synthétiques a permis aux peintres de peindre directement en extérieur. L'impressionnisme se caractérisait avant tout par ses couleurs vives et éclatantes .

Contrairement au réalisme et à la peinture de salon, les couleurs sombres étaient évitées. On privilégiait en revanche le jaune de chrome, les tons orangés et roses, le vert et l'outremer. La proportion de blanc de plomb, utilisé pour éclaircir les couleurs, augmentait également.

Coups de pinceau libres et application spontanée de peinture

La manière dont les impressionnistes peignaient est distinctive et souvent reconnaissable à leur coup de pinceau . Comparé aux coups de pinceau lisses et à peine visibles des peintures romantiques et réalistes, les impressionnistes utilisaient un coup de pinceau plus libre et plus audacieux .

Ils utilisaient souvent des coups de pinceau plus courts et plaçaient les couleurs aux nuances différentes les unes à côté des autres.

Les couleurs étaient mélangées le moins possible sur la toile afin un contraste simultané et de rendre les couleurs plus éclatantes. Une autre technique utilisée par les impressionnistes pour accentuer l'éclat des couleurs consistait à peindre sur une toile blanche.

Composition et perspective de l'image

Dans l'impressionnisme, la définition précise d'une peinture n'était pas primordiale. L'accent était plutôt mis sur des coups de pinceau libres et visibles, qui estompaient la netteté des formes.

Cela permettait de distinguer les éléments les plus importants des éléments moins importants, comme c'était le cas dans les peintures réalistes et romantiques. Les peintres impressionnistes abandonnèrent également la perspective tridimensionnelle et la représentation de la perfection et de la symétrie qui avaient été populaires des périodes précédentes

Pour les artistes impressionnistes, le défi consistait à représenter le monde tel qu'il leur apparaissait réellement.

Ils reconnaissaient la beauté des imperfections et des changements éphémères du monde qui nous entoure.
Pour poursuivre cette approche, une nouvelle pratique se répandit parmi les peintres impressionnistes : la peinture en plein air , c’est-à-dire en extérieur, sur le lieu même de l’événement.

Monet et d'autres artistes ont découvert qu'en peignant dans leur environnement naturel, ils pouvaient mieux saisir un instant unique et imparfait. De cette manière, ils parvenaient à une compréhension plus intime du monde.

Choix des motifs et des thèmes dans les peintures impressionnistes

Outre la forme artistique, étude de la vie moderne était également une préoccupation centrale pour les impressionnistes , comme l'avait un jour exigé Charles Baudelaire.

Leur répertoire thématique englobait les paysages, les figures, les portraits et les natures mortes , et ils étaient unis non seulement par leur style pictural, mais aussi par leur rejet des sujets historiques ou littéraires . Les artistes se sentaient ainsi liés les uns aux autres à bien des égards.

Les loisirs de la riche bourgeoisie , dont étaient issus la plupart des impressionnistes, servaient souvent

Cela comprenait les lieux de divertissement , les opéras (avec danseurs et loges), les boulevards animés de Paris , les bateaux à voile et à rames , ainsi que les vacances d'été sur terre et en mer .

La mode, les hippodromes, les jardins et les parcs également parmi les sujets abordés dans les peintures impressionnistes.

femmes peintres impressionnistes se consacraient principalement monde domestique et aux thèmes féminins tels que la maternité et les portraits de membres de la famille .

Influences japonaises

Le contenu des tableaux impressionnistes n'était peut-être pas révolutionnaire, mais leur composition l'était assurément. Les frontières entre les figures et le fond s'estompaient , donnant l'impression que les figures faisaient davantage partie d'un ensemble plus vaste que d'en être le sujet principal.

Les scènes semblaient saisies sur le vif, comme un instantané, et non mises en scène. Cette approche novatrice, qui coïncidait avec l'avènement de la photographie, s'inspirait des estampes Ukiyo-e

Le style Ukiyo-e utilisait le raccourci et l'asymétrie pour suggérer le mouvement et l'action dans une scène. Pour les artistes impressionnistes, cette technique venue d'Orient devint un outil essentiel dans la découverte d'un style pictural nouveau et moderne.

L'impressionnisme en Allemagne

Les Macchiaioli étaient un groupe d'artistes italiens qui s'installèrent en Toscane dans la seconde moitié du XIXe siècle. Actifs plus de dix ans avant les impressionnistes français, ils furent influencés par divers peintres du XIXe siècle tels que Camille Corot, Gustave Courbet et l'École de Barbizon.

Leurs visites à Paris, et notamment à l'Exposition universelle de 1855, furent une source d'inspiration majeure. Leur œuvre comprend des scènes de batailles du Risorgimento, des motifs militaires, ainsi que des paysages et des scènes de la vie paysanne et bourgeoise.

Ils sont surtout connus pour leurs petits tableaux, semblables à des esquisses, qui leur ont valu leur surnom (le terme « Macchia » fait référence à des compositions colorées esquissées). Le tableau de Giovanni Fattori, « La Rotonda dei Bagni Palmieri », .

Artistes impressionnistes importants d'Italie :

• Giuseppe Abbati (1836–1868)
• Odoardo Borrani (1833–1905)
• Guglielmo Ciardi (1842-1917)
• Giovanni Fattori (1825-1908)
• Pietro Fragiacomo (1856-1922)
• Eugenio Gignous (1850–1906)
• Silvestro Lega (1826–1895)
• Giuseppe de Nittis (1846-1884)
• Andrea Pavanello (1842-1906)
• Daniele Ranzoni (1843–1889)
• Raphaël Sernesi (1838-1866)
• Télémaque Signorini (1835-1901)

L'impressionnisme en Espagne

L'impressionnisme, mouvement artistique venu de France, se manifeste en Espagne à partir de 1880 environ, et plus particulièrement à partir de 1900. Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923), originaire de Valence, est sans conteste l'un des représentants les plus importants de l'impressionnisme espagnol. Ses œuvres se caractérisent par leurs scènes côtières baignées de lumière, capturant des instants spontanés de loisirs.

Mais Sorolla n'est pas le seul à avoir contribué, avec ses peintures de jardins et de genres, à la fascination pour l'impressionnisme espagnol. Des artistes comme Eliseo Meifren y Priog , Santiago Rusigñol y Prat et Joaquín Mir Trixet joué un rôle important dans cet engouement. La diversité des styles et des motifs au sein de ce mouvement témoigne de la vitalité et de la créativité artistiques de cette époque.

Peintres impressionnistes espagnols importants :

• Aurélien de Beruete (1845-1912)
• Francisco Domingue (1842-1920)
• Marià Fortuny (1838–1874)
• Francisco Gimeno Arasa (1858-1927)
• Carlos de Haes (1826–1898)
• Joaquim Mir (1873–1940)
• Ignacio Pinazo (1849–1916)
• Dario de Regoyos Valdés (1857-1913)
• Martín Rico et Ortega (1833-1908)
• Joaquin Sorolla (1863-1923)

L'impressionnisme en Grande-Bretagne

Les liens étroits entre les artistes français et ceux installés en Grande-Bretagne ont joué un rôle crucial dans la diffusion de l'impressionnisme français outre-Manche. James McNeill Whistler et John Singer Sargent  ; leur influence a été déterminante pour le développement de l'impressionnisme britannique.

Le peintre Walter Sickert . Il visita l'atelier de Degas pour la première fois en 1883 et en tira une profonde inspiration. La fondation du New English Art Club en 1885, avec la participation de John Singer Sargent, Stanhope Forbes et Thomas Cooper Gotch, offrit une tribune à des artistes tels que Sickert, Philip Wilson Steer, Frederick Brown, Theodore Roussel et Bernhard Sickert, leur permettant de présenter leurs œuvres à un public plus large.

Cependant, une controverse concernant l'orientation de la NEAC a conduit les « Impressionnistes londoniens » à quitter le groupe et à présenter leur propre exposition à la galerie Goupil Ces développements ont contribué de manière significative à l'établissement et à la reconnaissance de l'impressionnisme britannique.

Peintres impressionnistes importants de Grande-Bretagne :

• George Clausen (1852–1944)
• Wynford Dewhurst (1864-1941)
• Augustus Edwin John (1878–1961)
• Henry Herbert La Thangue (1859–1926)
• John Lavery (1856–1941)
• William Orpen (1878–1931)
• William MacTaggart (1835–1910)
• Philip Wilson Steer (1860–1942)
• James Abbott McNeill Whistler (1834–1903)

L'impressionnisme en Russie

L'impressionnisme en Russie est associé à une multitude d'artistes talentueux, parmi lesquels des noms célèbres comme Ilya Repin, Isaac Levitan , et surtout Valentin Serov et Konstantin Korovin . C'est à partir des années 1880 que les artistes russes, qui ont enrichi leur formation par des voyages en Europe occidentale, notamment en Italie et en France – y compris à Paris –, ont été de plus en plus fascinés par l'influence de l'impressionnisme.

Ce nouveau mouvement artistique se caractérisait par une application saisissante de la peinture et l'utilisation de teintes claires. Cependant, contrairement à d'autres pays, l'impressionnisme en Russie, vers 1900, n'était qu'un style parmi d'autres. La tradition de la peinture d'histoire et de genre, avec une approche réaliste-symboliste, ainsi qu'une représentation lyrique des paysages, continuèrent d'être cultivées.

Cependant, surtout à partir des années 1890, un engouement passionné pour les paysages ruraux ensoleillés s'est développé en Russie, destiné à renforcer et à consolider l'identité nationale.

Peintres impressionnistes russes importants :

• Lev Samoïlovitch Bakst (1866-1924)
• Alexandre Nikolaïevitch Benoua (1870-1960)
• Constantin Ivanovitch Gorbatov (1876-1945)
• Igor Emmanuilovitch Grabar (1871-1960)
• Konstantin Alexeïevitch Korovine (1861-1939)
• Isaac Ilitch Lévitan (1860-1910)
• Vladimir Yegorovich Makovsky (1846–1920)
• Vassili Grigoriévitch Perov (1834-1882)
• Vassili Dmitrievitch Polenov (1844–1927)
• Illarion Mikhaïlovitch Pryanishnikov (1840-1894)
• Valentin Alexandrovitch Serov (1865-1911)
• Constantin Andreïevitch Somov (1869-1939)
• Vassili Wassiljewitsch Vereshchagin (1842–1904)
• Sergueï Arsenievitch Vinogradov (1869-1938)

La fin de l'impressionnisme

Au fil du temps, les impressionnistes ont recherché avec une intensité croissante la création d'œuvres d'art durables, et des artistes tels que Renoir, Cézanne et les pointillistes y sont parvenus grâce à diverses techniques. Ce phénomène s'est manifesté dès la huitième exposition impressionniste en 1886.

Paul Cézanne se retira dans le sud de la France et se consacra à Montaigne-Sainte-Victoire et à des aplats de couleurs de plus en plus abstraits. Pierre-Auguste Renoir exprima également des doutes quant à l'impressionnisme, lassé de poursuivre des instants fugaces. Il aspirait à un art d'une qualité durable et éternelle, un art qui puisse à nouveau être exposé dans les musées.

Inspiré par les maîtres anciens italiens et par Jean-Auguste-Dominique Ingres, Renoir refléta cette influence dans ses peintures néoclassiques à partir de 1887. Le développement de l'impressionnisme fut poursuivi par Claude Monet, qui commença à peindre des séries d'œuvres dès 1876.

Sa première œuvre de ce genre – le tableau de la gare Saint-Lazare à Paris – fut présentée dès 1877 lors de la troisième exposition impressionniste. Dans les années 1880, il entreprit de nombreux voyages et développa davantage le concept de la peinture sérielle, qu'il illustra au début des années 1890 à Giverny et avec ses tableaux de la façade de la cathédrale de Rouen.

Que restait-il ? L'héritage des impressionnistes

En Occident, les réactions, les critiques et les réinterprétations de l'impressionnisme ont profondément influencé de nombreux mouvements artistiques modernes. L'esprit impressionniste a non seulement façonné les arts visuels, mais a aussi exercé une influence durable sur la musique et la littérature.

En musique, on s'est efforcé de créer des atmosphères ou des ambiances, une pratique particulièrement en vogue en France à la fin du XIXe siècle. Les écrivains et poètes français, quant à eux, ont reflété l'impressionnisme par des variations syntaxiques et une prose fragmentaire.

Aujourd’hui, les œuvres des impressionnistes sont très recherchées sur le marché de l’art, suscitant un vif intérêt auprès des collectionneurs privés et des institutions publiques. Sotheby’s a vendu *Meules* de Monet pour 110,8 millions de dollars, établissant un nouveau record pour l’artiste. La même année, le musée d’Orsay à Paris a organisé des rétrospectives consacrées à Berthe Morisot, figure majeure de la peinture impressionniste.

Les œuvres impressionnistes peuvent être admirées dans de nombreuses institutions publiques renommées à travers le monde, notamment le musée Marmottan Monet à Paris, le Metropolitan Museum of Art à New York, la National Gallery à Londres, le musée d'Orsay à Paris, le Museum of Fine Arts à Boston et le musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg.

Les meilleurs livres et les plus beaux livres d'images sur l'impressionnisme

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« L’impressionnisme : un monde de couleurs et de lumière », par Norbert Wolf

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« L’impressionnisme : les grands maîtres de l’art », par Florian Heine

Ce livre richement illustré présente les réalisations du mouvement impressionniste dans un format pratique et attrayant. Il offre une multitude d'images et d'informations sur les principaux artistes de l'époque, retrace leur évolution créative dans le traitement de la lumière et de l'espace, et met en lumière l'influence des nouvelles découvertes scientifiques sur leur art.

Richement illustré, l'ouvrage présente des œuvres de Manet, Monet, Renoir et d'autres impressionnistes importants, accompagnées de détails biographiques et d'un contexte historique.

« La peinture impressionniste. 1860-1920 », par Ingo F. Walther

Bien que l'impressionnisme soit un mouvement artistique répandu ayant donné naissance à de nombreuses œuvres, nombre de ses aspects restent inexplorés. Cet ouvrage est précisément consacré à ces domaines méconnus, en mettant l'accent sur des artistes négligés tels que Berthe Morisot, Lucien Pissarro et Gustave Caillebotte.

De plus, cet ouvrage éclaire la peinture impressionniste au-delà des frontières françaises, offrant une vision d'ensemble de ce genre artistique. Grâce à des analyses pertinentes et des découvertes inédites, il comble une lacune importante dans la recherche sur l'impressionnisme et invite le lecteur à découvrir la diversité et la beauté de ce mouvement artistique sous un angle nouveau.

« L’impressionnisme » par Karin H. Grimme

Ce fascinant aperçu du monde impressionniste nous plonge au cœur des chefs-d'œuvre de quelques-uns des artistes les plus importants de leur époque. Aux côtés de figures mondialement connues comme Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot et Camille Pissarro, des artistes moins connus mais tout aussi talentueux sont également mis en lumière.

Des personnalités telles que Marie Bracquemond, Médardo Rosso et Fritz von Uhde méritent sans aucun doute d'être reconnues pour leur travail.

Depuis son lancement en 1985, la collection Basic Art Series est devenue une ressource incontournable pour les amateurs d'art et les créateurs du monde entier. Grâce à son contenu exceptionnel et à la diversité des artistes présentés, elle s'est imposée comme la collection de livres d'art la plus vendue de tous les temps.

« Impressionnisme : la collection Hasso Plattner » d' Ortrud Westheider

Aucune collection comparable ne présente la peinture de paysage impressionniste de manière aussi exhaustive et convaincante, tant dans son évolution que dans son iconographie, que celle rassemblée par Hasso Plattner au cours des dernières décennies. Plus de cent tableaux sont désormais exposés en permanence au musée Barberini de Potsdam, qu'il a fondé.

Ortrud Westheider, directrice du musée Barberini, utilise cette collection pour guider le public à travers l'histoire de l'impressionnisme français.