Du djembé africain à la caisse claire brésilienne , découvrez avec nous la diversité des paysages sonores des percussions et des rythmes distinctifs du monde entier.
L'Afrique est réputée pour la richesse et la diversité de ses traditions de percussions . Au fil des siècles, les différentes cultures africaines ont développé une impressionnante variété de tambours, qui diffèrent par leur forme, leur taille et leur sonorité.
Le djembé est sans doute l'un des tambours africains les plus connus et est originaire d' Afrique de l'Ouest . Il se compose d'une caisse de résonance en bois recouverte de peau animale et se joue traditionnellement à la main. Un autre tambour populaire est le bougarabou , également appelé « tambour parlant » .
Ce tambour, de forme fine, peut produire différentes hauteurs de son grâce à un système de tension ajustable, permettant ainsi de jouer des rythmes complexes.
Bien qu'il existe de nombreux types différents de tambours africains, ils partagent tous un objectif commun : célébrer le rythme et la communauté avec les autres.
Tout d'abord : expression « musique traditionnelle africaine » est vague et désigne une musique jouée en Afrique subsaharienne, considérée comme peu ou pas influencée par l'extérieur de la région. Le terme « traditionnel » sous-entend une musique africaine restée historiquement inchangée, distincte des influences postérieures à la période coloniale européenne.
Cependant, la musique africaine a toujours été façonnée par les échanges et le développement culturels régionaux, et ne peut souvent être attribuée à des groupes ethniques spécifiques. Une telle distinction néglige la forte influence de la musique arabe et surestime les importations culturelles occidentales d'un point de vue eurocentré.
La musique de l'époque coloniale au Cap-Vert a été façonnée par des influences sud-américaines, caribéennes, portugaises et ouest-africaines, tandis que la musique plus ancienne de Madagascar était principalement influencée par l'Asie du Sud-Est. De manière générale, il est évident que la musique traditionnelle africaine a toujours été, et demeure, en constante évolution.
La musique africaine se caractérise fondamentalement par la répétition, qui permet aux auditeurs d'atteindre un état de quasi-transe et de s'imprégner pleinement de la musique. La musique occupe une place centrale dans tous les événements, même les plus quotidiens, et une fête ne saurait se concevoir sans la présence du musicien adéquat.
Les tambours africains possèdent l'étonnante capacité de « chanter » et de « parler » . Les motifs musicaux qu'ils créent trouvent souvent leur origine dans le langage.
Pour être compréhensibles et significatifs, les battements individuels d'un rythme doivent varier nettement en hauteur et en timbre. Les tambours parlants, dont la maîtrise exige souvent des années de pratique, peuvent même transmettre des mots et des phrases entières.
Les recherches historiques démontrent clairement que les cultures musicales africaines sont en constante évolution. C’est pourquoi l’expression « musique traditionnelle africaine » qu’une conception occidentale idéalisée, utilisée aujourd’hui pour accroître la valeur marchande de la musique africaine en Occident, alors même qu’elle est objectivement dénuée de tout fondement.
Le djembé trouve ses origines dans l'Afrique de l'Ouest ancienne et est connu depuis le XIIIe siècle, époque de la fondation du royaume du Mali. Cet instrument fascinant se compose d'une cuve creuse recouverte de peau animale et appartient à la des membranophones .
De par sa forme et sa conception à une seule peau, il est également connu sous le nom de tambour en forme de gobelet à une seule peau . Bien que l'on ignore la date d'apparition du djembé, il demeure un élément important de la musique et de la culture africaines encore aujourd'hui.
Le mot « djembé » se compose de deux parties : « dje » , qui en bamana (langue du Mali) signifie « rassemblement », et « be » , qui signifie « accord ». Ceci éclaire le sens du nom. Le djembé rassemble et unit les peuples.
Les Bamana disent aussi : « Anke dje, anke be » , ce qui signifie quelque chose comme « rassemblons-nous pour parvenir à une compréhension commune » .
Au sens large, le terme « djembé » désigne également les rassemblements organisés pour les mariages, les funérailles ou les naissances, ainsi que de nombreuses autres occasions où les gens se réunissent pour renforcer les liens communautaires et la compréhension mutuelle. Il s'agit des rassemblements sociaux traditionnels d'Afrique de l'Ouest, qui sont presque toujours rythmés par la musique, les danses et les chants au djembé.
L'origine des rythmes extrêmement complexes et multiformes du djembé est principalement due au peuple malinké , qui vit pour la plupart au Mali et en Guinée.
L'Afrique de l'Ouest est souvent considérée comme le berceau des rythmes. Les populations de cette région entretiennent un lien étroit avec la nature et sont profondément imprégnées du monde rythmique. Leur sensibilité rythmique leur permet d'harmoniser leur respiration et leurs mouvements.
La vidéo suivante offre un bref aperçu et présente quelques sources d'inspiration pour les rythmes africains du djembé :
Le tabla indien est un exemple fascinant de la diversité et de la complexité des traditions des tambours à main . Ces tambours se composent d'une paire de tailles différentes, chacune étant jouée avec les doigts et les mains.
Le plus grand tambour s'appelle le dayan et le plus petit, le bayan . Chaque tambour possède une hauteur et un timbre différents, permettant la création de rythmes complexes. Le tabla est utilisé dans de nombreux genres musicaux, tels que la musique classique indienne et la musique fusion .
Jouer du tabla exige beaucoup de pratique et de maîtrise. Un musicien doit être capable d'exécuter différents coups sur les deux tambours pour créer un rythme. De nombreuses techniques, telles que les roulements, les flams et les doubles coups, peuvent être utilisées.
Traditionnellement, les tablas étaient fabriqués en bois, mais il existe désormais des versions avec une armature en plastique ou en métal. Il est important de veiller à acheter des instruments de haute qualité, car des matériaux de moindre qualité peuvent altérer le son.
Des accessoires tels que des housses ou des supports sont également disponibles et facilitent la pratique du tabla. Il est important de veiller à la qualité lors de l'achat d'accessoires.
Si vous souhaitez apprendre à jouer du tabla indien, de nombreuses formations sont possibles : ateliers avec des joueurs ou des professeurs expérimentés sur place, ainsi que des cours en ligne, ne sont que quelques exemples.
De manière générale, le tabla indien est sans conteste l'un des tambours à main les plus fascinants au monde. Avec ses rythmes complexes et sa capacité à produire une grande variété de sons, il constitue un véritable joyau dans l'univers des instruments de percussion.
Le tabla est souvent considéré comme la reine des tambours et des percussions et est l'instrument rythmique le plus populaire en Inde. Il se compose de deux tambours, le bayan (tambour basse profonde) et le dayan, qui sont presque toujours joués ensemble.
Le terme « Tabla » peut désigner la paire de tambours ou le Dayan seul, qui est parfois également appelé Tabla.
Ces deux tambours possèdent un corps fermé à sa base. L'extrémité supérieure est généralement recouverte d'une peau de chèvre. Une seconde peau (kani) est fixée sur le bord de la peau principale. Au centre de cette peau se trouve une zone noire appelée GAB, qui confère à l'instrument son timbre caractéristique et permet une grande variété de tonalités et de modulations.
Il faut beaucoup de savoir-faire pour mélanger correctement ce GAB afin de l'appliquer ensuite sous forme de pâte – composée principalement de farine de riz et de limaille de fer – qui peut être multicouche (jusqu'à 8 couches).
Lors du jeu, les deux tambours sont placés sur des anneaux (Bira) pour leur donner de la stabilité.
Il existe de nombreuses théories sur l'origine du tabla. Certains pensent qu'il dérive du pakhavaj, tandis que d'autres affirment qu'il a été introduit dans la musique classique indienne au XIIIe siècle par Amir Khusrau, au même titre que le sitar et d'autres instruments. Cette dernière théorie suggère également que le tabla serait originaire de l'Extrême-Occident.
Le terme « tabla » provient du mot arabe « tabl » et désigne de manière générale un tambour. La première description scientifique d'un instrument ressemblant fortement au tabla moderne remonte à 1808.
Au cours des 50 années précédant cette date, de nombreuses peintures de style moghol représentent ces paires d'instruments dans le nord-ouest de l'Inde : des paires cylindriques en bois au Pendjab et des paires hémisphériques en métal ou en argile dans la région de Delhi-Rajasthan-Oudh.
Il semble que vers le milieu ou la seconde moitié du XVIIIe siècle, ces deux variantes aient été combinées : le « tabla » punjabi à accord fixe a été choisi pour la main droite ; le « duggi » de Delhi à accord variable a été utilisé pour la main gauche.
On pense que plusieurs modifications ont été apportées à l'instrument entre 1750 et 1850. Le tabla utilisé aujourd'hui n'a probablement pas plus de 70 à 100 ans.
Informations complémentaires sur le tabla indien :
Le tabla se joue avec les doigts des deux mains, posés sur des anneaux de tissu. Il offre une large palette de sonorités.
Leur musique est principalement utilisée en Inde, au Pakistan et au Bangladesh, aussi bien dans la musique folklorique que religieuse.
Le bayan est chargé de jouer la partie basse du duo de percussions. Son corps est généralement en cuivre chromé.
Pour jouer du bayan, l'index et le majeur alternent leur fonction, ou bien les deux sont utilisés simultanément. Le talon de la main repose légèrement sur le bord de la peau du tambour, ou une légère pression est exercée sur celle-ci pour modifier la hauteur du son.
La tradition des percussions japonaises, également connue sous le nom de Taiko , est l'une des traditions de percussions les plus anciennes et les plus fascinantes au monde.
Les imposants tambours en bois sont joués avec une grande passion et une énergie débordante par les groupes de taiko. Le son des taiko est puissant et intense, souvent accompagné d'autres instruments comme la flûte ou le shamisen.
Une technique particulière pour jouer du taiko consiste à frapper différentes parties du tambour, comme la grosse caisse ou la caisse claire. Cela crée un rythme complexe qui captive le public.
Un autre point fort des spectacles réside souvent dans les mouvements synchronisés des musiciens, qui ajoutent une dimension visuelle à la musique. Bien que la pratique du taiko ait été à l'origine réservée aux hommes, les femmes se sont imposées avec succès dans cette tradition ces dernières années.
La taille et le poids des tambours représentent néanmoins un défi, tant pour les hommes que pour les femmes. Pour celles et ceux qui s'intéressent à cet art fascinant, de nombreux ateliers et cours sont désormais proposés, ainsi que des accessoires tels que des baguettes et des housses pour transporter les tambours.
Les enfants, en particulier laisser libre cours à leur créativité et développer leur sens du rythme en jouant des impressionnants tambours en bois . De tous les instruments japonais, le taiko est probablement le plus facile à apprendre et le plus populaire. On peut en jouer à tout âge et il a un effet apaisant.
Ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur le monde des percussions japonaises trouveront sur Internet de nombreux sites web proposant des informations sur différents groupes de Taiko ainsi que des annonces de concerts et d'ateliers.
Le taiko, terme désignant le « grand tambour », est plus communément appelé wadaiko (où « wa » est le préfixe commun à tout terme japonais). Des fouilles archéologiques ont montré qu'il existait déjà durant la période Jōmon (131-134 av. J.-C.).
Les plus anciens tambours de style taiko proviennent de Chine. De là, ce type de tambour s'est répandu en Corée. Durant la période Kofun, les habitants de la péninsule coréenne et de l'archipel japonais n'étaient pas encore séparés, et grâce à ces importants échanges culturels, le taiko a également atteint l'archipel japonais.
À l'origine, il était probablement utilisé dans des rituels chamaniques pour invoquer divers kami, notamment Susanoo, le dieu des tempêtes et de la vie.
En Chine, les tambours étaient déjà fréquemment utilisés dans les temples à la place des cloches ou des gongs, et avec l'importation du bouddhisme (du IVe au VIe siècle), ses instruments ont également suivi au Japon.
Les samouraïs reconnaissaient l'efficacité des tambours taiko et les faisaient jouer avant une attaque : cela visait à épuiser psychologiquement l'adversaire et, d'autre part, à plonger leurs propres combattants dans une frénésie meurtrière – une sorte de possession extatique – qui conduirait à ce que Dieu pénètre sur leur champ de bataille.
Durant la période Sengoku (1467-1591), le taiko était utilisé pour encourager les soldats pendant les batailles et pour synchroniser leurs battements de cœur avec le rythme du tambour afin d'accroître leur force.
Déjà à cette époque, le taiko n'était pas seulement un instrument militaire, mais aussi une source de rythme dans la vie quotidienne. Il annonçait le retour des chasseurs au village et l'approche des typhons.
Aujourd'hui encore, on peut entendre le Taiko lors de festivités, de tournois de sumo ou en accompagnement de représentations de Kabuki ou de Nô.
Ces dernières années, Düsseldorf devenue le centre d'une communauté croissante de résidents japonais qui perpétuent leurs traditions même à distance.
Des cérémonies du thé sont régulièrement organisées à la Maison Edo, Journée du Japon annuelle célèbre la culture d'Extrême-Orient, des arrangements floraux d'ikebana l'origami , en passant par les essayages de kimonos traditionnels et les démonstrations dans le village de samouraïs, ainsi que l'art moderne du manga.
Les prestations des batteurs japonais sont particulièrement populaires et le public les attend avec impatience.
Les percussions latino-américaines constituent un sujet fascinant englobant une grande variété d'instruments. Le trio conga , bongo et timbales est particulièrement populaire et trouve son origine dans la musique cubaine .
Ces trois tambours possèdent chacun une sonorité distinctive et sont souvent utilisés ensemble pour créer des rythmes complexes. Le conga est le plus grand des trois et se pose généralement au sol, tandis que les bongos sont généralement placés par paires sur un support.
Les timbales des tambours , aux sonorités différentes, généralement placés sur un support.
son riche et complexe et peuvent être joués individuellement ou en groupe. Si ce type de percussion vous intéresse, n'hésitez pas à consulter les accessoires disponibles en ligne.
De nombreuses boutiques en ligne proposent une catégorie dédiée aux instruments de percussion latino-américains, allant des tambours aux accessoires assortis tels que les battes ou les sacs de rangement.
Il existe des tambours spéciaux pour enfants, à faible volume et de tailles adaptées.
latino- américaine est inextricablement liée au rythme et aux instruments , notamment les percussions latino-américaines, qui lui confèrent sa sonorité caractéristique.
Le terme « percussions latines » désigne une grande variété d'instruments de musique appartenant aux percussions, des instruments à membrane, des lamellophones et/ou des idiophones . Les musiciens qui jouent de ces instruments de percussion sont appelés percussionnistes .
La musique latino-américaine varie considérablement d'une région à l'autre, et les Caraïbes se distinguent de l'Amérique du Sud et de l'Amérique centrale continentales tant par leur mentalité que par leur instrumentation. Néanmoins, ces pays et leurs cultures partagent une histoire commune.
Ainsi, la culture – y compris sa musique – représente une fusion de trois cultures de base fondamentalement différentes :
Plusieurs empires (Espagne, Angleterre, Pays-Bas, France et États-Unis) ont laissé leur empreinte sur l'Amérique latine.
De même, les nations africaines ont exercé leur influence par le biais de la traite négrière. Divers rythmes africains nous sont parvenus. La convergence de structures musicales, de styles de jeu et de modes de pensée variés a donné naissance à une profusion de formes et à une riche palette sonore.
Les instruments de percussion peuvent être classés comme suit. Il existe différents types de tambours, par exemple les bongos (une paire de tambours à une seule peau), les timbales (composées de deux tambours à une seule peau de taille identique placés sur un support à trois pieds), les congas (tambours à une seule peau), les pandeiros (petits tambours à main semblables au tambourin) et les surdos (tambours à corps métallique), ainsi que beaucoup d'autres.
Les tambours sont de tailles variables et sont généralement tenus entre les genoux et frappés avec les doigts. Cela inclut également des instruments de percussion improvisés tels que des caisses à poissons, des caisses en bois et même des claves (bâtons sonores).
Les idiophones à hochet produisent un son de crécelle distinctif et pénétrant, qui constitue souvent le rythme de base de diverses danses. Ils diffèrent par leur construction et les matériaux utilisés, tels que le bambou, le métal ou le plastique. On peut citer comme exemples les maracas , les tubos (tubes à secouer) et les chocalhos .
marimba est un instrument de musique important originaire d'Afrique et appartenant à la famille des instruments à baguettes en bois . Sa conception la plus courante consiste en un cadre auquel sont fixées des lames de bois de différentes longueurs – semblable à un xylophone – dont les extrémités inférieures sont munies de caisses de résonance en bois.
Ces petites planches de bois sont frappées avec deux maillets et des balles en caoutchouc pour produire un son percussif. Le marimba est présent dans tous les pays d'Amérique latine et est même l'instrument national du Guatemala.
De plus, les pots bourdonnants ( cuíca ) et les archets musicaux ( birimbao ) sont également utilisés dans les percussions latino-américaines.
L'utilisation des instruments de percussion est particulièrement mise en valeur dans les danses à rythmes multiples. Ces danses sont principalement exécutées en 2/4 ou 4/4 et peuvent être interprétées instrumentalement ou avec chant.
Ce sont pour la plupart des danses folkloriques traditionnelles , composées d'un mélange d'éléments espagnols, africains et créoles, et qui se présentent sous diverses variantes régionales.
cumbia est un exemple de danse folklorique métisse afro-caribéenne . Cette danse peut être chantée ou accompagnée uniquement d'instruments. Les maracas et les tambourins . Les tambourins sont des tambours étroits à deux peaux.
Les maracas sont un instrument de musique très répandu que l'on agite. Elles se composent de deux sphères de taille à peu près égale remplies de pierres, de sable ou de graines, et munies d'une poignée. Leur action rythmique produit des sons.
Les musiciens qui jouent des maracas sont appelés maraqueros. Ces instruments sont également utilisés dans le merengue , une danse folklorique très rapide au rythme syncopé. Il existe de nombreuses variantes régionales de cette danse, chacune ayant son propre nom.
Une version plus lente de cette danse est courante sur la côte atlantique de la Colombie et du Venezuela. Outre les maracas, on utilise également de petits tambours appelés cajas , que l'on porte autour du corps à l'aide de lanières ou de cordons, ainsi que divers idiophones comme les guacharacas.
Les guacharacas (aussi appelées guiros ou « concombres de samba » reco-reco brésilien .
La salsa combine des éléments de diverses techniques musicales issues des danses susmentionnées .
Le bodhrán est un tambour sur cadre irlandais qui a suscité un intérêt considérable ces dernières années. Avec son son caractéristique de basse et de caisse claire, il est devenu partie intégrante de la tradition musicale irlandaise.
Le bodhrán se compose d'un cadre en bois ou en métal et d'une membrane, traditionnellement en peau de chèvre. Sa conception simple et sa riche palette sonore le rendent adapté à tous les styles musicaux, des airs traditionnels irlandais aux sonorités fusion modernes.
De plus, de nombreux accessoires tels que des baguettes, des sacs et des manuels d'instructions facilitent la pratique du bodhrán.
Le bodhrán est un type de tambour sur cadre que l'on retrouve sous diverses formes à travers le monde. Bien que son origine ne soit pas tout à fait claire, il est manifestement apparenté au tambourin parvenu en Irlande par les routes commerciales en provenance d'Europe du Sud
Le mot « bodhrán » vient de l'irlandais « bodhar », qui signifie sourd, terne ou étouffé. Il est également associé aux sons creux et au son d'un tambour. Fait intéressant, depuis le Moyen Âge, le mot anglais « to bother » (embêter) dérive de « bodhar ». De nos jours, le mot « bodhar » n'est plus utilisé.
La plus ancienne mention du mot « bhodhrán » figure dans un texte médical du XVe siècle, qui décrit un abdomen distendu accompagné du son d'un tambour (bhodhrán). D'anciens dictionnaires confirment également que le mot « bodhrán » était utilisé avant 1827.
Dans des illustrations d'un peintre irlandais nommé Maclise datant d'environ 1850, on peut voir un tambour sur cadre où la main gauche du joueur touche l'intérieur de la peau du tambour et la main droite semble effectuer le mouvement typique.
Des études complémentaires (voir Ireland.de – Bodhrán – le tambour sur cadre insolite ) ont montré que plusieurs fabricants de bodhrán étaient déjà établis dans certaines régions du Kerry dans les années 1920. À cette époque, ils étaient produits non seulement pour les musiciens locaux, mais aussi pour les touristes, car le bodhrán était déjà un souvenir populaire.
Le premier enregistrement connu date de 1927 ; on y entend une flûte et un tambour. Cependant, il est difficile de déterminer s’il s’agit d’un bodhrán à cymbalettes ou d’un tambourin.
Au cours des cinquante dernières années, son utilisation comme instrument de musique a connu une transformation radicale. Cette évolution est intimement liée à celle de la musique traditionnelle irlandaise. Si, jusqu'aux années 1950, cette musique était principalement jouée pour la danse, à partir de cette époque, elle s'est également développée en une forme d'art à part entière, sur scène.
Sean O'Riada a joué un rôle clé dans ce développement , en amenant la musique traditionnelle irlandaise sur les scènes de concert et en fondant l'ensemble Ceoltóirí Chualann, le groupe précurseur de l'ensemble toujours actif The Chieftains.
Le style de jeu moderne s'est développé au cours des dernières décennies et continue d'évoluer. Une peau de tambour accordée plus bas permet au musicien de produire une gamme de sonorités beaucoup plus étendue qu'avec d'autres tambours sur cadre.
Chez une personne droitière, la main droite tient le tipper, également appelé cipin , et effectue un mouvement de torsion unique pour créer le rythme.
On produit différentes hauteurs de son avec la main gauche en touchant la peau du tambour de diverses manières. La combinaison des deux mains crée des sonorités et des rythmes fascinants. Cette complexité n'a cessé de croître au cours des quarante dernières années.
Dans les années 1960, on atténuait le son ouvert en posant simplement la main sur la peau du tambour ; puis on y ajouta différentes hauteurs de son. Cela rendit le jeu plus nuancé, et finalement, des rythmes et des motifs rythmiques d'autres cultures furent intégrés.
Aujourd'hui, on peut même entendre le bodhrán comme un instrument de basse dans la musique irlandaise, avec des lignes de basse jouées.
Beaucoup y voient un mélange de batterie et de basse, qui conserve ses sonorités et rythmes caractéristiques. Cependant, le risque d'une trop grande variété de jeu existe, au détriment de la musique elle-même.
Le bodhrán reste un instrument d'accompagnement ; il doit souligner la mélodie plutôt que de la masquer – car souvent, la simplicité est la clé.
batterie électronique offre une fusion moderne de différentes traditions rythmiques . Ce type d'instrument de percussion est équipé de plusieurs tambours et percussions, permettant de produire des sonorités variées.
Ce style combine souvent des éléments de rythmes africains, de percussions latino-américaines et de taiko japonais.
Il en résulte une richesse sonore sans pareille. Les caisses claires et les grosses caisses en bois, ainsi que les djembés et les bougarabous, sont particulièrement appréciés. Les accessoires tels que les baguettes ou les pédales peuvent également jouer un rôle important.
Les instruments de percussion, dont est issue la batterie, possèdent une histoire ancienne et riche. Les plus anciennes traces de cymbales et de tambours remontent au VIIe siècle avant J.-C. Des sculptures et des peintures de tambours et de cymbales, réalisées par les Romains et les Égyptiens, ont été découvertes dans des tombeaux antiques
Le mot tambourin vient du français « tambour » , lui-même d'origine multiculturelle. Ce mot dérive du persan « tabῑr » et de l'arabe « ṭubūl » – les tambourins marocains sont fabriqués du même bois que les caisses claires .
On trouve des tambours partout dans le monde et dans toutes les cultures – l’histoire de ces instruments doit donc être très ancienne.
Des bassins ont été mis au jour dans les tombes des anciens Grecs, qui croyaient qu'ils pouvaient éloigner les mauvais esprits. Des peintures de bassins utilisés comme instruments lors de festivités ont également été découvertes parmi leurs vestiges.
L'invention de la première pédale de grosse caisse en 1887 par J.R. Olney a été cruciale pour le développement de la batterie. Par la suite, en 1899, le premier modèle produit en série fut fabriqué par William F. Ludwig, tandis qu'aux États-Unis, les lois dites « d'interdiction de jouer du tambour » étaient promulguées, interdisant aux esclaves de jouer de leurs tambours à main traditionnels.
Cela a conduit à la culture de la musique rythmique africaine avec des instruments de percussion européens et orientaux.
Le premier kit de batterie complet a finalement été commercialisé en 1918 par la Ludwig Drum Corporation .
À l'époque, il n'y avait pas de pied de charleston , et la pédale de grosse caisse actionnait également une petite cymbale. Les batteries étaient alors « Jazz Drum Sets Saale I à III » . Il existait aussi des versions simplifiées appelées Piccadilly et Shimmy.
En 1927, ils proposaient déjà une large sélection de batteries, y compris une batterie valise .
L'origine du pied de charleston peut être attribuée à plusieurs personnes. Vic Berton, par exemple, est considéré comme le premier à avoir expérimenté un pied de charleston , mais il n'a pas réussi à le breveter.
De l'avis général, Papa Jo Jones est le premier maître du charleston. Il a sublimé cet instrument et exploité pleinement ses possibilités sonores. De plus, il a montré aux autres batteurs comment utiliser le charleston à son plein potentiel.
Il a déplacé la fonction de « rythme » de la grosse caisse au charleston, ce qui a largement contribué à la place dominante qu'occupe désormais ce dernier dans le jeu de batterie.
Informations complémentaires sur l'histoire et la technique de jeu de la batterie :
Dans un orchestre classique, les timbales la base et assurent la cohésion rythmique.
Les grandes timbales sont généralement utilisées par paires et, avec leurs graves profonds, elles offrent une assise solide à l'ensemble de l'orchestre. Elles en sont, pour ainsi dire, le cœur .
La timbale , instrument de percussion de la famille des instruments à sons cutanés, produit des sons en faisant vibrer une membrane.
Ces timbales sont généralement hémisphériques et souvent en cuivre. Leur extrémité supérieure est recouverte d'une peau en plastique, tandis que dans les orchestres classiques de haut niveau, on utilise encore des peaux de chèvre ou de veau.
Il existe cinq tailles différentes de timbales . Une configuration standard utilise généralement quatre tailles différentes, chacune produisant un son distinct. Chaque timbale permet de jouer environ six notes différentes en tendant la membrane (peau).
La gamme tonale est fixe et peut être ajustée à l'aide de vis, de pédales ou de manivelles, selon le type de timbales.
Augmenter la tension produit un son plus aigu. De plus, la hauteur du son peut également être modifiée pédale
Les mailloches utilisées pour jouer des timbales sont en bois ou en tube. La tête de la mailloche, par exemple, est en bois, en feutre ou en caoutchouc et influence fortement le son. Les timbales jouées avec une mailloche en feutre produisent un son doux ; à l’inverse, une mailloche en bois produit un son plus dur.
Le jeu se déroule dans la zone située près du bord, du côté du joueur, et s'arrête juste avant le centre. Plus on joue près du centre, plus le son est fort. Parfois, un tissu est placé sur le centre et d'autres zones pour atténuer le son.
Les timbales sont principalement utilisées dans la musique orchestrale classique et les fanfares ; cependant, elles sont aussi occasionnellement utilisées dans la musique pop et le folklore.
Contrairement à la batterie, dont l'importance en tant qu'instrument soliste dans l'orchestre est encore relativement récente, les timbales jouent un rôle important dans la musique orchestrale depuis des siècles.
Les timbales trouvent leur origine dans le milieu militaire . Lors des campagnes, le timbalier accompagnait le général à cheval, donnant les signaux d'attaque ou de retraite. Ce métier jouissait d'un grand prestige au sein de la cavalerie. L'héritage musical de cette histoire marquante se retrouve encore aujourd'hui dans toute la littérature pour timbales.
De Bach à Beethoven en passant par Strauss , les timbales, tout comme la trompette, symbolisent souvent les aspects royaux, militaires et cérémoniels – que ce soit dans les symphonies, les oratorios ou les opéras.
Même dans les symphonies de Mahler, on retrouve le motif de la guerre dans le rythme des timbales . Le concept fondamental de ces motifs historiques persiste à travers toute l'histoire de la musique – et c'est précisément ce qui rend cet instrument si fascinant.
Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplôme de webdesign obtenu avec succès dans le cadre d'études universitaires (2008). Développement continu des techniques de créativité grâce à des cours de dessin en plein air, de peinture expressive et de théâtre/jeu d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art grâce à de nombreuses années de recherches journalistiques et à de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions du monde de l'art et de la culture.
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