De l'artiste tombant à l'entrepreneur: idées commerciales d'art qui fonctionnent

En 2023, le marché mondial de l'art était d'environ 68 milliards de dollars. Ce nombre indique que les concepts commerciaux dans le domaine de l'art artistique sont plus susceptibles que jamais. Les artistes de toutes sortes peuvent bien vivre de leur profession et n'ont plus à vivre une vie en tant qu'artiste . La vente d'art en ligne n'a jamais été aussi facile. De nombreuses personnes talentueuses ont fondé des entreprises prospères à partir de zéro.

Le choix de votre idée d'entreprise est une partie élémentaire de la création d'une entreprise d'art. Ce choix façonne votre identité entrepreneuriale, votre clientèle et la façon dont les autres voient. Pour garder une entreprise, plus que la création d'art est nécessaire. Vous devez créer votre identité de marque, commercialiser votre travail, gérer votre inventaire et gérer les paiements.

La bonne approche peut aider à transformer les idées commerciales créatives en projets artistiques réussis, présenter des talents et contactez-nouser les clients qui apprécient leur travail. Cet article montre des idées commerciales artistiques éprouvées qui aident les fondateurs à devenir des propriétaires d'entreprise prospères et en même temps de rester fidèles à leur passion artistique.

01 Commencez par le bon réglage

Les artistes savent que les talents créatifs ne peuvent pas constituer une entreprise florissante. La façon de penser entrepreneuriale fait la différence. Des études montrent que 70% des personnes sont aux prises un syndrome d'imposteur Une forte façon de penser devient la base décisive de la gestion d'une entreprise d'art rentable.

Placer sur un processus créatif holistique

Les artistes à succès combinent aujourd'hui les frontières entre les disciplines. Si vous élargissez vos compétences dans d'autres types de pratique créative, plus de groupes cibles et des opportunités supplémentaires vous ouvrent. L'art informatique des conceptions créatives ou visuelles des musiciens peut montrer de nouvelles façons de s'adresser au public.

Découvrez de nouvelles voies au-delà de votre développement artistique pour promouvoir votre art au-delà des chemins traditionnels.

Surmonter la peur et le syndrome de l'apsapeur élevé

La toile vide effraye de nombreux artistes - que ce soit réel ou la nouvelle version métaphorique d'un nouveau projet commercial. Les artistes sont souvent confrontés à ce que les experts le «syndrome de l'imposteur» . Ce modèle psychologique vous fait douter de votre succès, bien que vos compétences et vos succès aient clairement été prouvés.

"En réalité, la sécurité n'est pas toujours le meilleur endroit",

nous a dit une fois un expert en développement artistique. La peur de l'échec devient une excuse pour rester dans votre propre zone de confort au lieu de prendre des risques commerciaux intelligents. Par conséquent, de nombreux artistes talentueux ne transforment jamais leur passion en une entreprise florissante.

Leur façon de penser distingue les artistes financièrement réussis de ceux qui ont des difficultés. Les artistes à succès considèrent également leur art comme un produit et pas seulement comme une expression créative. Notez que la peur est normale - il vous suffit de vous traiter.

Ainsi, vous pouvez contrôler le syndrome de l'imposteur:

• Documentez votre progression et votre succès dans un "fichier de vantardise".
• Trouvez le soutien communautaire des collègues des artistes.
• Pratiquez pour prendre de petits risques calculés.
• Concentrez-vous sur le processus au lieu de rechercher la perfection.
• Notez que les travaux même inachevés ou «infructueux» enseignent des leçons précieuses.

Un artiste prospère l'a mis au point contre nous:

"En surmontant le syndrome de l'imposteur, il ne s'agit pas de le faire disparaître complètement. Il s'agit de pouvoir continuer."

La voie commerciale exige que vous acceptiez la vulnérabilité et considérez les revers comme des opportunités d'apprentissage.

, la psychologue Elizabeth Cox a acquis une connaissance importante du syndrome d'imposter. Dans son TED Talk, très intime, elle explique les mécanismes psychologiques derrière le phénomène et propose des solutions pratiques.

Cox souligne que le syndrome d'imposter n'est pas un signe de faiblesse, mais paradoxalement se produit souvent chez des personnes particulièrement compétentes. Elle explique ce paradoxe: plus nous en savons, plus nous devenons conscients les limites de nos connaissances. Les débutants surestiment souvent leurs compétences tandis que les experts les sous-estiment - un phénomène connu comme un effet de poussée de la plongée.

Un autre aspect important de la recherche de Cox est le rôle des attributions - c'est-à-dire comment nous expliquons le succès et les échecs. Les personnes atteintes d'un syndrome impressionnant ont tendance à faire ceci:

• Attribuer des succès à des facteurs externes (bonheur, aide des autres)
• Pour attribuer les échecs des facteurs internes (manque de capacité)

Ces schémas d'attribution augmentent le sentiment d'être un fraudeur et rendent difficile le développement d'une confiance en soi. Comment surmonter le syndrome de l'imposteur? Dans votre vidéo et dans le matériel pédagogique ajouté, Cox propose des stratégies d'adaptation :

Fixez des objectifs réalistes pour votre entreprise d'art

Le succès de votre entreprise d'art dépend de la détermination des bons objectifs. Seulement 9% des personnes atteignent leurs objectifs, principalement parce qu'ils se fixent des objectifs irréalistes ou mal structurés.

Le cadre cible intelligent aide à éviter les erreurs fréquentes. Smart signifie:

• Plus précisément : définissez clairement ce que vous voulez réaliser.
• Mesurable : enregistrer les critères en béton pour poursuivre les progrès.
• Disponible : assurez-vous que les objectifs atteignent vos ressources actuelles.
• Pertinent : organisez-le avec votre vision artistique plus complète.
• En temps opportun : définissez certains délais pour l'achèvement.

Les petites étapes créent une dynamique énorme. Pour donner un exemple: au lieu de vouloir vendre "plus d'art" "vendre 25 pièces originales d'ici décembre" . Planifiez ensuite en arrière - Définissez votre taux de création mensuel et votre stratégie marketing pour soutenir ces ventes.

Faites attention à la «pensée future magique» - ne croyez pas que votre avenir j'aurai plus de temps, de conduite ou de ressources que maintenant. Planifiez des défis, prenez régulièrement des pauses et acceptez que la construction d'une entreprise nécessite un travail continu au fil du temps.

Concentrez-vous sur quelques objectifs spécifiques au lieu de tout essayer à la fois. Une feuille de route claire avec des attentes réalistes et des étapes de mise en œuvre aide à transformer votre passion artistique en un modèle commercial solide.

L'économie artistique a besoin d'une pensée créative et entrepreneuriale. Avec la bonne attitude - accepter les peurs et en même temps fixer des objectifs réalisables - vous pouvez guider votre entreprise sans perdre votre étincelle créative.

Développer de solides compétences indépendantes et commerciales

La plupart des artistes travaillent initialement indépendants, ce qui comprend la prise en charge du travail créatif, puis la gestion des clients, le marketing et la finance. Ces compétences commerciales sont essentielles dès le début afin de pouvoir survivre en tant qu'entreprise à long terme.

Créez un site Web de portfolio professionnel avec votre meilleur travail et maintenez une marque précise sur toutes les plateformes de médias sociaux. Utilisez un lecteur vidéo AI pour créer du contenu publicitaire de manière efficace qui améliore votre site Web. Si vous répondez immédiatement et respectez les délais, ils font la promotion de votre image et gagnent la confiance de vos clients.

02 Transformez votre art en produit

Les artistes peuvent mettre en œuvre leurs compétences en produits rentables. Les plateformes en ligne, les marchés numériques et les médias sociaux permettent aux artistes de gagner beaucoup d'argent en même temps avec leur créativité.

Vendre des œuvres d'art originales en ligne

Les artistes peuvent vendre des pièces originales sans provisions de galerie en ligne et atteindre les clients du monde entier. Les galeries physiques nécessitent généralement une commission de 30 à 60%, mais les plateformes en ligne ne nécessitent pas autant. Artpal et Fine Art America permettent aux artistes de vendre des originaux sans commission. Cette configuration vous aide à garder le contrôle des prix et des relations avec les clients.

Des photos de haute qualité sont essentielles pour la vente en ligne d'originaux. Même la meilleure œuvre d'art a l'air mauvaise avec des images inférieures. De plus, il est utile d'indiquer des détails sur la taille, les matériaux et l'histoire derrière chaque pièce afin de contactez-nouser les acheteurs potentiels.

Offrir des imprimés d'art et des téléchargements numériques

Le segment de l'impression artistique se développe plus rapidement que toute autre partie de l'industrie artistique. Les téléchargements numériques sont un excellent moyen d'atteindre un revenu stable à faible coût. Selon Coherent Market Insights, le marché de l'art numérique atteindra un volume de 12,1 milliards de dollars d'ici 2030.

Comment créer des impressions à vendre:

• Numérisez les œuvres d'art par balayage à haute qualité (au moins 300 ppi) ou photographie professionnelle.
• Modifiez les fichiers afin de correspondre aux couleurs et aux contrastes d'origine.
• Enregistrez-le dans des formats appropriés (JPEG, TIFF ou PDF) pour simplement l'imprimer.
• Marquez considérablement les tailles de pression.

Les prix sont cruciaux. Etsy a plus de 300 000 offres de téléchargement numérique avec des prix de 1 euro pour des conceptions simples jusqu'à plusieurs centaines d'euros pour des œuvres d'art premium. Les artistes devraient prendre en compte des facteurs tels que l'unicité, la complexité et l'utilisation destinés à déterminer les prix.

Utiliser des plates-formes d'impression à la demande

Les services imprimés à la demande (POD) ont fondamentalement changé la scène des ventes d'art. Les artistes peuvent télécharger des conceptions une fois et les vendre sur plusieurs produits sans avoir à se soucier de l'inventaire ou de l'expédition.

Les avantages vont au-delà du pur confort. Aucun frais de paiement préliminaire pour l'entreposage ne signifie moins de risque financier. Les plates-formes POD se développent avec votre entreprise - la production s'adapte automatiquement à la hausse des commandes sans que l'artiste ait à faire des travaux supplémentaires.

Printify , Gelato et Society6 sont des options de pod populaires. Chaque plate-forme a des produits, des intégrations et des portées de profit différents. Le contrôle de la qualité est d'une importance cruciale pour la sélection du bon partenaire de service. De nombreux artistes achètent des modèles avant de vendre des produits pour vérifier si les objets imprimés correspondent à leur travail.

Les artistes peuvent appliquer leurs créations au-delà des peintures murales. Au-delà des impressions sur toile et des œuvres encadrées, leurs créations se prêtent également à la création de t-shirts, de coques de téléphone, d'autocollants, de sacs fourre-tout et d'accessoires pour la maison . Cette diversité permet aux artistes de toucher tous types de clientèles à différents prix, rendant l'art accessible à tous.

La vente d'originaux, d'impressions et de pods crée plusieurs sources de revenus à partir d'une œuvre d'art. Cette approche permet aux artistes d'exploiter les clients de chaque niveau de budget et de maintenir en même temps leur vision et leur marque artistiques.

03 Enseignez et partagez vos compétences

Les artistes découvrent que l'enseignement de leur métier, ainsi que d'autres sources de revenus pour leurs œuvres d'art, est une source constante de revenus. La compétence pédagogique apporte non seulement des avantages financiers, mais aide également les artistes à perfectionner leurs techniques et à construire des communautés fortes autour de leur travail.

Commencer des cours d'art personnels ou virtuels

Les cours d'art sont l'une des opportunités les plus populaires pour les artistes d'augmenter leurs revenus. Les enseignants qui réussissent facturent entre 10 et 20 euros par élève pour des cours de groupe et 25 à 65 euros pour des cours privés à la maison. Pour commencer, vous n'avez pas besoin de grand-chose - juste du matériel pédagogique et une pièce appropriée comme un espace de bureau, un garage ou un sous-sol.

Les leçons virtuelles ont ouvert encore plus d'options. Grâce à l'apprentissage sur Zoom, les artistes peuvent entrer en contactez-nous avec les étudiants du monde entier. La structure technique reste simple, mais l'utilisation de deux caméras permet aux élèves de voir le visage de l'enseignant en même temps.

Le secret des cours d'art marketing réside dans l'authenticité et la narration. Les formateurs à succès sont caractérisés par les éléments suivants:

• La mise en place d'informations se trouve dans les écoles et les événements communautaires ou communautaires
• Publication sur les pages de médias sociaux, sur le cercle d'amis et dans le quartier
• Annonce des cours sur les blogs ou les médias sociaux
• Utilisez le bouche à oreille des étudiants satisfaits

Organiser des ateliers créatifs, des voyages de peinture ou des retraites

Des ateliers, des voyages de peinture et des retraites offrent des expériences plus intensives et plus ciblées que les cours réguliers. Chloé Winstanley -found sur Instagram sous la poignée @ 100kartists vendant des boucles d'oreilles en polymère, mais a finalement gagné plus d'argent avec la mise en œuvre d'ateliers que de vendre des produits. Ses billets d'atelier ont rapporté plus de 100 000 $.

D'après leur expérience, les centres communautaires offrent d'excellentes opportunités d'entrée de gamme pour 25 à 30 € de l'heure. Si l'on applique ce principe à l'Allemagne, les municipalités et à propos de kunstplaza municipales disposent également de nombreux espaces dédiés à la culture et à l'art. Les clubs proposent également des locations abordables pour des ateliers et des événements. Parallèlement, les foires, festivals et festivités municipales constituent d'excellents lieux pour la création artistique.

Si les cours sont entièrement réservés, les frais d'atelier peuvent augmenter les prix de Winstanley ont atteint 100 $ par personne car il a reconnu la valeur de son expérience.

La plupart des gens participent à des ateliers en raison de l'expérience et non du produit final. Le cadre optimal des ateliers comprend les aspects suivants:

• À la fin, les participants peuvent ramener une création finie avec eux
• Contenu qui correspond à vos connaissances spécialisées
• Tailles de groupe qui correspondent à l'intensité de l'activité
• Prix qui couvrent les matériaux, l'équipement, les coûts de localisation et le temps de préparation

Les retraites créatives offrent une autre option passionnante. Ces expériences immersives plus longues donnent aux participants le temps de travailler sur des projets et de contactez-nouser les autres. Vous pouvez vous joindre à des artistes pour organiser des retraites sans avoir à attendre des programmes fixes.

Créer des cours ou des tutoriels en ligne

Les cours en ligne offrent des solutions extensibles avec un potentiel de revenu passif considérable. Les artistes peuvent tout créer, des webinaires gratuits aux pages d'adhésion détaillées avec différents niveaux de prix.

Les nouveaux conférenciers commencent souvent par la forme des compétences , l'udemy ou les domestiques pour ouvrir des groupes cibles existants, tandis que les artistes expérimentés peuvent préférer offrir des cours sur leurs propres sites Web sur l'enseignement ou le chariot prospéré .

Vous n'avez pas besoin d'équipement élaboré pour enregistrer des cours. Ce suivant fonctionne parfaitement:

• Un ordinateur avec webcam pour les segments en face à cama
• Une caméra aérienne pour les enregistrements de démonstration
• Logiciel de traitement simple pour ajouter des titres et des transitions
• Un microphone d'infection pour les enregistrements audio de haute qualité

Les prix varient à tous les niveaux. Les professeurs d'art en ligne voient le succès avec des prix de 9 à 20 euros par étudiant pour les cours en ligne en direct , tandis que les cours plus profonds peuvent atteindre des prix plus élevés.

Les cours aident les artistes à étendre leurs sources de revenus et à partager leur passion. Grâce à des ateliers personnels, à des retraites immersives ou à des cours numériques, les artistes constatent que l'éducation apporte un revenu plus stable que la vente d'œuvres d'art seules.

04 Offrir des services créatifs

Les artistes peuvent s'établir en tant qu'experts de l'industrie et réaliser des revenus considérables en des services créatifs spécialisés . La création d'une entreprise d'art orientée vers le service nécessite un minimum de paiements préliminaires. Vous pouvez définir des prix flexibles en fonction de vos connaissances spécialisées et des coûts du marché.

Illustration et conception indépendantes

De nombreux domaines recherchent des illustrateurs talentueux. Ils définissent souvent les éditeurs pour créer des couvertures de livres, des illustrations pour des articles et des livres pour les enfants. Les agences de publicité ont besoin d'images pour les publicités, les contributions des médias sociaux et d'autres supports marketing. Les illustrateurs sont également nécessaires dans l'industrie du divertissement pour concevoir des personnages, créer des concepts d'art et dessiner des storyboards.

L'établissement d'un portefeuille complet que votre groupe cible aime devrait être votre priorité absolue. Sélectionnez des exemples qui montrent différents aspects de votre travail et respectent le style de vos clients potentiels. Votre site Web, votre portefeuille et vos médias sociaux devraient tous soutenir votre marque principale et montrer ce qui vous distingue des autres.

Les prix changent en raison de plusieurs facteurs:

• Horaire de projet (les projets urgents coûtent plus cher)
• Complexité (les connaissances spéciales coûtent plus)
• Les techniques d'illustration (les travaux dessinés à la main coûtent généralement plus cher)

Les meilleurs illustrateurs indépendants gardent le contrôle pendant les négociations. Vous êtes prêt à dire non aux projets avec des conditions injustes. Cela devient plus facile si vous établissez des relations solides avec les clients et ouvrez plusieurs sources de revenus.

Portraits ou caricatures individuels

La liaison émotionnelle des propriétaires d'animaux à leurs animaux crée un marché en plein essor pour les portraits d'animaux . Cette spécialité permet aux artistes de combiner leur passion pour les animaux avec des compétences artistiques afin de créer une entreprise rentable.

Lors de la fondation d'une entreprise pour les portraits d'animaux, il est crucial de trouver son style unique. Peut-être préfèrent-ils dessiner des chevaux majestueux, des chiens de race pure ou des animaux de compagnie de tous les jours de la famille. Jetez un œil aux styles et tendances populaires pour trouver votre place spéciale dans cette zone créative.

Les caricaturistes calculent entre 50 et 250 euros par heure pour les caricatures régulières ou numériques. Les artistes à vitesse moyenne et peuvent gagner jusqu'à 600 euros par jour lors d'événements. La participation à trois événements hebdomadaires pourrait être optimiste de jusqu'à 75 000 euros par an.

Le portrait animal et les caricaturistes peuvent offrir des niveaux de prix différents. En conséquence, vos services sont disponibles pour divers budgets des clients et contribuent à la création d'une entreprise durable.

Services de tatouage ou murale / street

La conception de tatouage offre un autre service artistique rentable qui ne nécessite que du matériel minimal. Les concepteurs travaillent avec les clients pour vivre leur vision, leurs préférences de style et leur placement idéal. Cela garantit que les conceptions fusionnent avec le corps et restent attrayantes pendant longtemps.

Le tatouage avec des ridules a gagné en importance. Il utilise des aiguilles plus petites (1RL ou 3RL) pour créer des conceptions minces et détaillées avec moins d'encre. Ces techniques spéciales donnent aux artistes plus de contrôle sur les œuvres d'art sensibles et les résultats finaux.

Les données de l'industrie montrent que les services de conception de tatouages coûtent en moyenne 75 euros par projet sur les plateformes indépendantes. Des conceptions plus grandes et détaillées coûtent plus cher car elles nécessitent plus de temps et de compétences artistiques. Selon la complexité et la nécessité de révision, les projets durent généralement deux à trois semaines.

Les artistes peuvent étendre leur activité de conception de tatouages grâce à diverses sources de revenus:

• Designs pour les microtattoos et les manches pleines
• Tatouage pour les marchandises et les actifs de la marque
• Différents styles de la fine ligne à Irezumi japonaise

Le service créatif que vous choisissez également: restez connecté, livrez des travaux de haute qualité et assurez-vous d'excellentes expériences client. Ces actions transforment les fans des premiers clients et construisent une entreprise d'art durable.

05 Construisez une marque autour de votre art

Vos créations artistiques deviennent une véritable identité commerciale avec une marque reconnaissable. Une marque forte aide les clients à reconnaître leur travail immédiatement et à renforcer la confiance au fil du temps.

Démarrer un site Web d'art personnel

Un site Web personnel agit comme sa galerie numérique et son centre central. Contrairement aux plateformes de médias sociaux, vous avez un contrôle total sur la façon dont vous présentez et communiquez votre travail. De nos jours, les gens recherchent des artistes en ligne, donc un site Web aide à présenter leur travail professionnellement.

La conception du site Web doit être simple mais efficace. Ces éléments sont les plus importants:

• Une disposition claire qui fait ressortir vos œuvres d'art
• Les polices et les couleurs qui correspondent à leur style artistique
• Navigation simple avec seulement les pages importantes
• Des photos claires et bien placées de votre travail

Votre propre nom est le mieux adapté comme un domaine car les clients recherchent des noms et non des catégories d'entreprise. Les artistes qui souhaitent une simplicité peuvent utiliser les fonctions de glisser-déposer de Squarespace. Si vous êtes prêt à en vendre plus, vous pouvez utiliser le plein potentiel des fortes fonctions de commerce électronique de Shopify.

Créer des articles de marque

Les fans s'identifient à votre art grâce à des objets du quotidien qui mettent en valeur votre travail. Les produits personnalisés sont un excellent moyen de générer des revenus complémentaires sans avoir à créer de nouvelles œuvres à chaque vente. Des produits dérivés, comme des t-shirts personnalisés imprimés avec vos créations, peuvent servir à la fois de conditions générales artistique et d'outil de branding puissant. En plus de générer une source de revenus secondaire, ils favorisent également la promotion de votre présence artistique de manière organique.

d'impression à la demande simplifient la vie, car les produits ne sont produits qu'après achat. Des entreprises comme Intercept Music gèrent des boutiques en ligne proposant des produits accessibles aux consommateurs du monde entier. Elles gèrent également les ventes, l'expédition et le traitement des taxes. Chaque nouvelle sortie vous offre la possibilité de concevoir des produits qui reflètent votre style personnel.

Vos produits devraient offrir plus que votre logo. Si vous publiez des éditions limitées sur des expositions ou des publications d'albums, vous serez particulièrement et souhaitable.

Démarrez une chaîne YouTube ou Social Media

Avec l'aide de plateformes de médias sociaux, votre marque artistique atteint un public mondial. Chaque plate-forme sert un objectif unique. Instagram et Pinterest sont idéaux pour le contenu visuel. Vous pouvez partager des vidéos d'enseignement plus longues sur YouTube

Pour démarrer une chaîne d'art YouTube, vous devez penser à votre public et à votre style de contenu. Vous pouvez partager des tutoriels ou des visites en studio ou montrer aux autres comment créer quelque chose. Le contenu régulier est plus important que les contributions fréquentes - les téléspectateurs doivent savoir à quoi s'attendre.

Le contenu visuel doit être superbe car ils fonctionnent dans une zone visuelle. Canva et Adobe Spark aident à créer des contributions professionnelles même sans connaissance de la conception. Des outils comme plus tard ou Planoly vous aident à publier régulièrement sans rester en ligne toute la journée.

Regardez quel contenu fonctionne le mieux et adaptez votre approche. Cela contribue à l'établissement d'une communauté qui aime votre marque artistique.

Réseau avec d'autres artistes et partenaires

Le réseautage et la coopération restent pertinents dans le domaine créatif. Visitez vos Vernisages locaux, vos ateliers ou même vos forums en ligne pour rencontrer vos collègues, mentors et peut-être même un partenaire. Les coopérations créent également de nouvelles œuvres et fonctionnent avec lesquelles ils n'auraient autrement pas été en contactez-nous.

La coopération interdisciplinaire, par exemple avec les concepteurs pour la conception de produits de marque ou d'artistes sensoriels pour des expositions interactives, enrichit leur portefeuille et les portes ouvertes à de nouveaux marchés.

06 Découvrez les possibilités de niche et locale

Les scènes d'art locales offrent des opportunités uniques pour se faire un nom dans certaines communautés et marchés. Les plateformes en ligne atteignent un public mondial, mais les canaux locaux aident à établir des liens plus profonds avec des collectionneurs potentiels.

Participer à des salons ou des marchés d'art locaux

Les foires d'art vont des présentations de galeries aux événements, en particulier pour les nouveaux artistes. Des foires commerciales axées sur les artistes telles que la superfine de l'art et l'autre salon de d'art Saatchi de 160 à 200 $, qui augmentent avec une taille de support. Ces événements offrent un support marketing, une infrastructure stable et un accès direct aux acheteurs d'art. Art Bâle en particulier joue un rôle important pour les jeunes artistes en herbe.

Pensez à vos objectifs et à vos besoins pratiques avant de vous inscrire à une foire. Les nouveaux exposants devraient être d'environ 200 à 300 kilomètres pour que leur lieu de résidence ait suffisamment de temps de préparation - environ six semaines. Votre taille stand joue également un rôle. Les petites cabines sont les mieux adaptées à 7 à 9 œuvres, tandis que les plus grandes pièces peuvent absorber jusqu'à 15.

Concevoir une expérience artistique immersive

L'art est plus efficace s'il satisfait plus qu'un seul sens. Pour ceux qui visitent des expositions, des installations ou des design d'intérieur, la conception de l'espace qui va au-delà du visuel informera les effets de leur travail - par ex. Avec des studios ouverts, des visites en studio ou des expositions directement dans leurs propres salles créatives.

L'intégration des parfums sélectionnés dans leur galerie ou en salles de studio est un moyen subtil mais efficace de s'adresser émotionnellement aux visiteurs. Les parfums peuvent trouver des souvenirs ou des humeurs qui renforcent l'intention de leur travail et les rendre inoubliables et tangibles. Cet élément sensoriel a la capacité d'atteindre les gens de leur travail et de faire avancer les autres pour faire de même.

accompagnement musical en arrière-plan à travers une musique ambiante subtile ou un musicien en direct également

Travailler avec des entreprises locales

Les cafés, les brasseries et les restaurants sont d'excellents endroits pour montrer leurs œuvres d'art et en même temps améliorer l'atmosphère. Les deux parties gagnent - vous obtenez plus de visibilité et un charme distinctif.

Ces lieux créent une atmosphère plus détendue que les galeries traditionnelles. Quelqu'un qui boit du café pourrait trouver son travail naturellement et atteindre des gens qui ne visitent généralement pas les expositions d'art. Les obligations locales deviennent plus fortes lorsque les entreprises montrent leur soutien à la culture locale grâce à des partenariats d'artistes.

Les partenariats à long terme se développent souvent à partir de ces liens qui aident tout le monde. Les entreprises locales sont connues pour trouver un nouvel art, et les artistes gagnent des partisans fidèles qui reviennent encore et encore pour voir leurs dernières œuvres.

Offrir une location d'art ou des abonnements

Les services de prêt d'art offrent des opportunités flexibles. Les frais de location mensuels commencent à environ 25 euros pour des travaux plus petits et 50 à 75 euros pour des travaux plus importants, avec une durée minimale de trois mois. Ses principaux clients comprennent des cabinets d'avocats, des sociétés d'audit, des institutions financières et des agents immobiliers.

Les abonnements artistiques apportent des matériaux organisés directement à la porte d'entrée des clients. Des services tels que Sketchbox Envoyer des accessoires de dessin et de peinture avec des instructions chaque mois. Ce modèle crée un revenu stable et aide en même temps les gens à apprendre de nouvelles techniques artistiques.

Ces opportunités locales et de niche aident les artistes à constituer des entreprises étroitement liées à leurs communautés et en même temps essayer de nouvelles façons d'atteindre les revenus.

07 Développez votre entreprise avec un revenu numérique et passif

Les artistes peuvent gagner de l'argent grâce à des sources passives de revenus tout en créant de nouvelles œuvres. Les sources numériques de revenu aident les artistes à des difficultés à devenir des propriétaires d'entreprise prospères sans rechercher de nouveaux clients.

Lion sur votre œuvre d'art

Les artistes ont la possibilité de garder leur droit d'auteur et de permettre aux entreprises d'utiliser leurs conceptions sur des produits en accordant des licences. Si vous attribuez des licences, vous recevrez des frais de licence réguliers qui sont généralement comprises entre 3 et 10% du prix en gros. Contrairement aux rachats, cela contraste auquel le paiement n'est effectué qu'une seule fois. Les artistes peuvent augmenter leurs revenus en lisant le même travail d'art à différentes marques pour différents produits.

Aux États-Unis, des détaillants tels que Target , anthropologie et HomeGoods travaillé avec de nombreux artistes à succès grâce à des contrats de licence. Une telle coopération peut également être intéressante pour les artistes allemands avec un peu de connaissance de l'anglais. Les artistes commencent à construire un portefeuille d'œuvres sous licence qui sont triées par des sujets et des saisons. Les entreprises ont souvent besoin de l'octroi de licences de conceptions pour des produits supplémentaires si elles vendent souvent, ce qui conduit à des chances de gagner plus élevées.

Vendre des illustrations ou des modèles

Les plateformes de stock sont idéales pour les artistes de présenter leurs œuvres d'art à un public mondial qui recherche simplement des designs finis. Shutterstock a payé plus d'un milliard de dollars aux artistes ces dernières années. Adobe Stock a une communauté de plus de 135 millions d'utilisateurs dans le monde. Ces plateformes prennent le contrôle du marketing, des transactions et des accords de licence afin que les artistes puissent se concentrer sur leur art.

Avec les modèles Canva, vous pouvez gagner de l'argent d'une manière cool. Il y a plus de 65 millions d'utilisateurs de 179 pays sur cette plateforme, et ils sont toujours à la recherche de nouveaux modèles bien conçus. Certaines personnes qui créent des modèles gagnent entre 1 000 $ et 3 000 $ sur diverses plateformes. Donc, si vous êtes un chef créatif avec des compétences en conception graphique, vous pouvez créer un revenu solide sans avoir à investir trop de temps.

Démarrer un patronage ou un modèle d'adhésion

Avec des plateformes d'adhésion , les artistes peuvent générer un revenu mensuel prévisible directement de leurs fans. Patreon a été lancé en 2013 et prend désormais en charge plus de 200 000 Youtuber, qui sont générés par des abonnés, qui sont généralement entre 1 $ et 10 $ par mois.

Les artistes peuvent offrir divers avantages d'adhésion:

• Des actifs numériques tels que des images ou des tutoriels à haute résolution
• Accès précoce aux nouvelles œuvres d'art
• Contenu dans les coulisses qui montrent des processus créatifs
• Packages d'art mensuels ou abonnements imprimés

Ce modèle élimine les intermédiaires et permet aux artistes de garder le contrôle créatif et de créer un revenu fiable.

Transformez votre passion artistique en une entreprise florissante

Les artistes ont plus d'occasions que jamais de convertir leurs talents créatifs en entreprises rentables. Le vieux cliché des «artistes qui luttent pour la survie» ne s'applique plus comme par le passé. Au 21e siècle, il y avait une nouvelle réalité dans laquelle les artistes travaillent comme entrepreneur avec plusieurs sources de revenus. Vous pouvez y parvenir avec des compétences artistiques et des détenus commerciaux.

La voie du succès commence par la bonne attitude. Prenez vos peurs directement et fixez des objectifs réalistes qui vous donnent un balayage. Votre créativité peut être convertie en produits commercialisables via de nombreux canaux. Vous pouvez vendre des pièces originales en ligne, offrir des impressions ou utiliser des services imprimés à la demande pour les biens.

L'artiste actuel pense au-delà de la création d'œuvres esthétiques. Les artistes qui considèrent leur créativité comme une entreprise égalisent les revenus actifs par le biais de services avec des passifs par le biais de produits. Cela vous prépare au succès permanent.

Il y a des défis considérables (en particulier par le biais de l'IA générative). Mais les artistes qui combinent une expression créative authentique avec des pratiques commerciales intelligentes peuvent constituer des entreprises florissantes qui soutiennent à la fois leur vision artistique et leurs besoins financiers.