Qu'est-ce que l'art de la performance?

Dans le paysage artistique moderne, l'art de la performance un rôle de plus en plus central, que ce soit lors de grandes biennales internationales ou dans des galeries plus intimistes, sur de petites scènes ou dans l'espace public.

Joseph Beuys a mis en scène ou réalisé de nombreuses performances artistiques

Pour Cindy Sherman, c'était déjà une performance lorsqu'elle s'habillait, se maquillait et posait « Bus Riders » (1976) et « Untitled Film Stills »

Marina Abramović maintient une performance pendant 721 heures et exige (sans doute pour cette raison) que l'art de la performance , en tant qu'œuvre intellectuelle, soit protégé au-delà de la fin de la performance…

De nombreux artistes qui ne sont pas explicitement classés comme artistes de performance font régulièrement la une des journaux avec leurs performances : Bruce Nauman a déambulé dans un étroit couloir en contreplaqué lors de sa « Marche avec Contrapposto » « Corridor de la performance » en 1969 .

Natias Peter Günther Rudolpho Neutert n'écrit pas seulement des poèmes et des essais, mais aime aussi se produire en solo au théâtre…

Tout art, toute performance, avec ou sans « accessoires superflus », avec ou sans signification discernable, l'art de la performance repose en grande partie sur une mise en scène accrue de l'imagination.

Qu’est-ce que l’art de la performance exactement ? Une explication simple

L'art de la performance est devenu l'une des formes d'art contemporain les plus dynamiques. Reconnu pour sa capacité à abolir les frontières traditionnelles entre artiste et public, il est souvent au cœur de débats passionnés.

Il est difficile de définir précisément la signification de ce médium, car il englobe une grande variété d'expressions et d'intentions. Cependant, l'actualité récente offre des perspectives précieuses pour une compréhension plus approfondie de cette forme d'art.

L'art performance, souvent appelé « art action » , est une forme d'art où la performance ou l'action de l'artiste constitue l'œuvre elle-même. Contrairement aux formes d'art plus traditionnelles comme la peinture ou la sculpture, où l'œuvre est un objet physique, l'art performance est éphémère et transitoire.

En ce qui concerne la théorie de l'art, c'est-à-dire ce qu'est réellement l'art de la performance et comment il est défini par les historiens de l'art, la définition devient plus granulaire et multiforme :

L'art de la performance : une définition officielle

Les historiens de l'art étudient l'art de la performance depuis de nombreuses années (une bonne cinquantaine d'années, soit la durée de son développement), et ils ont définir avec succès l'art de la performance :

Une performance se définit comme une présentation artistique situationnelle, orientée vers l'action et éphémère, donnée par un artiste ou un groupe de performance.

Cette forme d'art remet en question la séparabilité de l'artiste et de l'œuvre ainsi que la forme marchande des œuvres d'art traditionnelles (source : Wikipédia) ; dans la littérature historique sur l'art, il existe bien sûr de nombreuses autres définitions, plus compliquées et plus simples, mais ici l'accent a été mis sur l'accessibilité générale).

Alors, que nous apprend cette définition, point par point :

1. Performance artistique

La notion de performance artistique n'est pas définie avec précision ; par conséquent, son appréciation dépend de l'autorité compétente. Dans une société libre et démocratique, où les droits fondamentaux sont respectés et où l'autonomie individuelle est le principe directeur, cette décision revient naturellement à l'artiste interprète.

Si quelqu'un se lève et annonce qu'il va interpréter une œuvre artistique, une œuvre artistique s'ensuivra.

Des points encore plus évidents concernant le débat qui en découle, « Est-ce de l'art ou peut-on s'en débarrasser ? » (points qui ne sont pas remis en cause par le fait d'être presque constamment rappelés par le grand public) :

• Dans un pays libre, c'est la personne qui crée l'œuvre d'art qui détermine ce qui constitue de l'art.
• Dans un pays libre, ce qui constitue une voiture est déterminé par la personne qui la produit.
• Dans un pays libre, c'est le fabricant du chocolat qui décide de sa composition.

Dans une société libre, les personnes aux goûts variés n'apprécient pas forcément tout ce qui est produit en chocolat. Si beaucoup apprécient encore le chocolat au piment, presque plus personne n'aime le chocolat au raifort ; après tout, ça reste du chocolat.

Puisqu'une société libre abrite des individus aux profils de tolérance au risque et de responsabilité environnementale variés, les véhicules imposants, lourds et polluants, capables d'atteindre 230 km/h, ne sont pas forcément considérés par tous comme des voitures citadines adaptées. Si la position de conduite surélevée offre une meilleure visibilité à une personne mesurant 1,70 m, les conducteurs de ces engins nauséabonds, conçus pour la consommation de carburant, contribuent de manière plutôt absurde à la pollution aux particules fines et aux embouteillages dans nos villes ; après tout, ça reste une voiture.

Puisque nous vivons dans une société libre, il est normal que certaines personnes aient des opinions différentes et que toutes les œuvres d'art ne plaisent pas forcément à tout le monde. Planter 7 000 chênes peut certes améliorer la qualité de l'air, mais intégrer des symboles nazis à une performance pourrait facilement induire certaines personnes en erreur ; cela reste de l'art, après tout.

Jusqu'où ?

Si un chocolatier met du raifort dans du chocolat, cela révèle son mauvais goût, mais cela ne fait de mal à personne (si ce n'est à la déception de voir un si bon produit ainsi gâché). S'il y incorpore du Botox pour booster sa carrière avec ce chocolat anti-rides, cela témoigne d'un goût encore plus mauvais et d'une stupidité abyssale, et la toxine botulique (dont le Botox est composé) est un poison puissant qui peut causer de réelles douleurs, voire la mort.

Lorsqu'un constructeur automobile installe sur les routes des engins polluants et nocifs pour l'environnement, les citadins risquent de mourir un peu plus tôt ; personne ne s'effondre sur le coup simplement au passage d'une voiture. Cependant, entre les mains du fils peu prometteur du directeur de banque Walkpaul, élevé aux films « Fast and Furious », ce véhicule urbain polluant et loin d'être optimal se transforme en projectile mortel, causant la mort instantanée de passants innocents.

Si une performance met en scène des croix gammées et le salut hitlérien, elle peut assurément constituer une grave insulte, blesser autrui. Si un artiste réalise un magnifique graffiti sur les tourelles entre les clôtures blanches, il blesse bel et bien quelqu'un, ne serait-ce que l'âme et les biens de citoyens qui ne peuvent se passer d'un paysage alpin idyllique digne de Disney, derrière des clôtures blanches et des tourelles. Mais même dans un pays libre, chacun a droit à ces paysages alpins de Disney et à la tranquillité d'esprit.

Qu'il s'agisse de chocolat, de voitures ou d'art, la liberté d'expression et de création artistique peut évidemment entrer en conflit avec d'autres positions et valeurs importantes pour notre société. Les conflits mineurs se règlent généralement par le biais des médias (« Aujourd'hui dans le magazine XY : Les chocolats les plus dégoûtants du monde ») ou devant les tribunaux (un propriétaire poursuit un artiste en justice car des arbres récemment plantés obstruent sa vue).

Les conflits véritablement graves sont généralement encadrés par la loi, de sorte que le parquet ouvre des enquêtes. Le jeune délinquant sans avenir est emprisonné s'il renverse des innocents ; l'aspirant graffeur est au moins condamné à payer le nettoyage professionnel des graffitis sur les tourelles ; le parquet a enquêté sur la présence de symboles nazis dans la performance, puis a classé l'affaire, considérant que l'action relevait de la liberté artistique – il est de notoriété publique que l'artiste concerné, Jonathan Meese, est opposé à toutes les idéologies et n'est certainement pas nazi.

Mais une chose demeure : que le résultat soit la critique des médias, des poursuites judiciaires civiles ou la prison, le chocolat, les voitures et l'art restent du chocolat, des voitures et de l'art dans un pays libre, car ceux qui y sont impliqués les ont définis ainsi.

Si une autre personne en donne une définition différente de celle de l'artiste, il ne s'agit plus d'un pays libre, mais d'une dictature ; et comme nous ne voulons certainement plus jamais vivre dans un tel endroit, les artistes de performance devraient avoir le droit de déterminer quand une performance relève de l'art de la performance.

2. Un artiste ou un groupe artistique

À première vue, c'est assez logique. Quelqu'un doit bien le faire, et cette personne (ou ces personnes) est (sont) l'artiste ou le groupe artistique.

Cependant, la situation peut rapidement se compliquer : si le caniche de l’artiste participe également à la performance, d’un point de vue purement épistémologique, on pourrait considérer qu’il s’agit d’une performance de l’artiste utilisant le caniche, ou d’une performance du caniche lui-même. Cette dernière interprétation n’est valable que si l’évaluateur considère que les animaux possèdent une personnalité propre et sont capables d’expression artistique.

La question de la personnalité individuelle des animaux et des droits qui y sont associés, allant du droit à un élevage adapté à l'espèce et au droit à une mort sans douleur ni souffrance, jusqu'au droit fondamental à la vie ou à la reconnaissance de leur propre conscience, c'est-à-dire la capacité de penser indépendamment, fait actuellement l'objet de vifs débats.

Plus les recherches progressent et plus la civilisation/l'environnement de vie du chercheur se rapproche de la prise de conscience que l'homme n'est pas le centre du monde (bien que la civilisation occidentale ne soit certainement pas parmi les plus avancées à cet égard), plus cette question sera tranchée en faveur des animaux.

Cependant, l'incertitude fondamentale demeure : est-ce un être humain qui porte ce jugement ? Et lorsqu'un animal réalise intentionnellement une performance artistique, aucun chercheur ne peut le déterminer avec certitude, même si les soigneurs sont persuadés que le chimpanzé Congo et l'éléphant Boon Mee ( www.n-tv.de/wissen/Wenn-Tiere-malen-article5395041.html ) avaient une intention précise en peignant.

Ce n’est pas si facile à définir, d’autant plus que nous sommes encore loin des manifestations pour la liberté artistique des caniches – ce qui ne signifie pas grand-chose pour le moment, car dans certaines sociétés civilisées, un puissant glissement à droite est en train d’émerger, notamment à la suite de vastes mouvements migratoires, et l’expérience montre que plus de pouvoir pour les partis concernés tend à repousser les manifestations pour toute forme de liberté…

Par ailleurs : Chiara Schimmerlos, Kevin Knödelsang, Pauline Presswurst et Ruben Rauswurf sont-ils également des artistes de performance, et leurs prestations, médiocres voire agaçantes, dans une émission de casting télévisée relèvent-elles de l’art ?

A. Oui, bien sûr, nous avons déjà établi que quiconque prétend faire de l'art est un artiste. Et puis, comme l'a dit Joseph Beuys, « tout être humain est un artiste ». De plus, ce sont précisément ces apprentis narcissiques, réduits à de simples caricatures pour remplir les programmes, qui méritent de pouvoir se consoler après leur élimination en se disant qu'ils ont au moins créé cinq minutes d'art devant un public (n'ont-ils pas déjà eu leurs fameuses quinze minutes de gloire ? Non, pas vraiment, ça n'arrivera pas avec des performances comme celles-ci).

B. Non. Le mot anglais « perform » signifie également « entreprendre » (une intervention chirurgicale), « exercer/exécuter » (une fonction), et d’autres activités totalement non artistiques ; on pourrait certainement demander à certains « artistes » autoproclamés s’ils avaient réellement l’intention de réaliser une intervention chirurgicale sous les yeux du public ou s’ils étaient conscients de leur rôle de clowns d’entracte.

Beuys n'a pas simplement « Chaque être humain est un artiste », mais cette phrase, si souvent citée hors contexte, se lit comme suit dans son intégralité :

Chaque personne est un artiste. Je ne parle pas de qualité. Je parle simplement du potentiel fondamental qui existe en chacun de nous. […] Je définis la créativité comme l'expression artistique, et c'est ma conception de l'art

( Portrait d'artiste – Joseph Beuys ) – Il souhaitait encourager tous les artistes à analyser les problèmes de la société moderne et à participer à leur résolution, et en aucun cas à inciter tout le monde à produire de l'art de mauvaise qualité.

d'Andy Warhol sur les « 15 minutes de gloire » est également souvent mal citée : avec cette phrase « À l'avenir, chacun aura 15 minutes de célébrité mondiale », Warhol n'entendait pas appeler à la « gloire pour tous ceux qui la revendiquent ».

Au contraire, il tenait à reconnaître le pouvoir des médias qui, même à son époque (la citation date de 1968), décidaient, malgré une compétence souvent assez douteuse, à qui la gloire devait être attribuée, au lieu des galeristes et des conservateurs, des historiens de l'art et de la communauté artistique elle-même.

C’est aussi pour cette raison que Warhol appelait ses groupies de la Factory (souvent des employés autoproclamés de son « usine à art ») des « superstars » – à l’avenir, il ne resterait que 15 minutes pour la gloire car les médias produisaient tout simplement trop de « stars ».

Il suffit d'en choisir un, sinon, comme d'habitude, ce n'est pas si simple :

La question de savoir si une performance doit absolument être réalisée par son interprète est l'un des principaux points de controverse dans l'art de la performance.

Depuis que l'artiste performeuse Marina Abramović a réinterprété des performances légendaires d'artistes performeurs antérieurs et, à la suite de ces réinterprétations, a affirmé qu'une performance a une valeur artistique indépendante de son interprète, les contraintes temporelles et personnelles d'une œuvre d'art dans l'art de la performance ont été remises en question ; le débat n'est pas encore clos.

3. Spécifique à la situation

Définition de la situation ?

Selon www.duden.de/rechtschreibung/Situation, la situation englobe les conditions/circonstances dans lesquelles une personne se trouve actuellement, c'est-à-dire la situation actuelle d'une personne ; ou les conditions/circonstances qui caractérisent un état général, c'est-à-dire la situation générale.

Hein ? Un artiste joue-t-il de manière situationnelle lors d'une performance s'il agit en fonction de la situation dans laquelle il se trouve, ou en fonction de la situation du monde ?

Comment pourrait-il agir autrement ? Même si l'artiste annonce qu'il agira détaché de lui-même et loin de ce monde, il reste dans son corps et dans ce monde, le fakir comme l'artiste en transe.

Autrement dit, une performance est toujours liée à une situation si elle se déroule dans ce monde ; et la définition plus longue de de.wikipedia.org/wiki/Situation , selon laquelle une situation désigne une position ou un lieu, la dépendance aux circonstances ou aux conditions, mais aussi la nature et en même temps l'efficacité d'une région ou d'une zone définie psychologiquement (purement mentalement), ne semble pas changer cela à première vue.

Cette définition, bien sûr, change tout, car la performance n'a plus à se rapporter à la situation réelle dans laquelle se trouvent l'artiste et le monde, mais plutôt à la situation imaginée par l'artiste. Cependant, cela ne change pas grand-chose pour le spectateur ; la question « À quoi pensait l'artiste ? » est aussi vieille que l'art lui-même.

Il devient alors difficile de répondre à la question de savoir comment et si une phobie situationnelle, c’est-à-dire une peur pathologique dans certaines situations, peut affecter la présence des caractéristiques déterminantes d’une performance (s’agit-il encore d’une performance si l’artiste s’enfuit en plein milieu – ou même avant le début – parce que quelques visages dans le public l’agacent/l’ennuient, etc.).

4. Orienté vers l'action

En effet : peut-on vraiment parler de performance si l’artiste n’agit pas dans une situation, mais reste assis en silence comme Marina Abramović dans sa performance « 512 Hours » (2014, Serpentine Galleries, Londres) ?

Sans doute, car logiquement, cette question rejoint déjà le point concernant la « performance artistique ». Celle-ci peut certes aussi se produire par inaction ; ici, une notion d'action similaire à celle du droit pénal s'applique, selon laquelle on peut être poursuivi (ou se livrer à une activité artistique) par action, mais aussi, dans certaines conditions, par omission.

Ce sont précisément ces conditions qui font intervenir l’action, en droit pénal parfois sous la « forme inverse » d’une obligation d’agir, comme dans le cas du « défaut de porter assistance », ou sous la forme d’une action préventive, par exemple lorsqu’une personne s’enivre délibérément afin de rassembler le courage de se livrer à des provocations injurieuses, à un incendie criminel, à une agression ou à des coups de couteau (insulte, incendie criminel, coups et blessures, homicide involontaire, meurtre).

En art, la situation n'est guère différente ; Marina Abramović a réalisé ses 512 heures d'immobilité après une préparation minutieuse dans un environnement précis. Si elle était restée inconsciente pendant 512 heures ou si on l'avait chatouillée jusqu'à ce qu'elle rie instinctivement, rares seraient ceux qui auraient qualifié cela d'art ; la question se serait plutôt posée de la responsabilité pénale de ceux qui n'ont pas appelé les secours ou empêché la personne qui la chatouillait.

5. Éphémère (transitoire)

Soyons clairs une fois de plus : même si les performances de 30 heures comme « the long now » et de 168 heures comme « Approximations » ne surprennent plus personne, et même si des performances de 8 760 heures comme « Das Leben im Schaukasten » (La Vie dans la Vitrine) ont eu lieu il y a quelques décennies, la chose (la performance) finit toujours par s’achever, même si un artiste redéfinit sa vie comme une performance au long cours ; alors, la chose s’achève tout simplement avec l’artiste. Mais la durée est à la mode ; de nombreux artistes de la performance ne font rien de moins que des centaines d’heures ; et la performance acquiert également une magnifique durée lorsqu’on déclare simplement l’exposition entière comme une performance au long cours, comme le fait DADO.

• « The Long Now » : du 28 au 29 mars 2016, de 18h à minuit, Berlin Kraftwerk
• « Approximations » : du 29 octobre au 1er novembre 2015, Maison de la culture hongroise de Berlin
• « La vie dans une vitrine » : Manon, 1975/76, Galerie Pablo Stähli, Zurich
• DADO : 17.10. – 27.10.2013, Kunstraum Teiggi Kriens, Suisse

D’un autre côté, toutes ces performances brisent déjà la définition si l’éphémère est considéré sur un pied d’égalité avec le transitoire : l’éphémère de collection (du grec) devient un objet de collection précisément parce qu’il n’est destiné qu’à un seul et très court usage ; l’éphémère du genre Ephemera parce qu’elle ne vit qu’une journée (et le groupe pop norvégien entièrement féminin Ephemera s’est probablement donné ce nom par pessimisme exagéré ; il a certainement existé de 1996 à 2004, selon leur site web « Ephemera is here to stay » ).

De plus : si un artiste de performance est autorisé à réinterpréter les performances d'autres artistes, ou le fait effectivement (même le détenteur des droits d'auteur ne peut jamais l'empêcher partout dans le monde, mais peut tout au plus exiger une compensation par la suite), la fin d'une performance devient une simple interruption et la performance se transforme d'éphémère en un « Aeternicon » , un art éternel.

Cette discussion a été initiée par Marina Abramović, déjà mentionnée dans la section 2, lors de la de « Seven Easy Pieces » , présentant des reconstitutions de performances anciennes. Elle prévoit également de créer des « archives vivantes » de performances historiques grâce à des reconstitutions au sein de son nouvel institut, le « Marina Abramović Institute » (MAI), parallèlement au développement de nouvelles formes d’art performatif.

6. Cette forme d'art remet en question la séparabilité de l'artiste et de l'œuvre

Voir ci-dessus, points 2 et 5 ; aujourd'hui, cela n'est plus nécessairement nié

Toutefois, si l'on abandonnait la règle absolue selon laquelle une performance est indissociable de la personne de l'interprète (ou des interprètes) et ne peut être répétée, les performances répétables et susceptibles de réinterprétation pourraient sombrer dans l'arbitraire. En effet, il ne serait alors plus indispensable que la réinterprétation soit effectuée par un artiste de la performance.

« Huddle » de Simone Fortis (1961), danse révolutionnaire qui a marqué le développement de l'art performance, pourrait bien être une danse périlleuse pour les participants à cette étreinte, au lieu de simples exercices de gymnastique de bureau. Pourquoi pas ? Quelques New-Yorkais l'ont déjà répétée sur la High Line en 2012 ; vous pouvez voir à quoi cela ressemblait ici :

7. Cette forme d'art remet en question la nature marchande des œuvres d'art traditionnelles

La question du « questionnement » est depuis longtemps révolue et a désormais été tranchée : l’art n’a plus besoin de se manifester dans un objet, puisque les premiers performeurs ont commencé à se produire dans les années 1960 et que les premiers artistes conceptuels ont déclaré que le concept pur était de l’art à peu près à la même époque.

En réalité, même bien plus tôt, lorsque les premiers dadaïstes ont présenté leurs premiers poèmes sonores dans des costumes très spéciaux en 1916, les déguisements conçus pour les performances et les délices onomatopéiques concoctés n'étaient certainement pas adaptés à la commercialisation, même si quelqu'un avait eu une telle idée.

Voici à quoi cela ressemblait : les jambes étaient emprisonnées dans une structure en carton bleu brillant, semblable à une colonne, qui descendait élancée jusqu’aux hanches, donnant à celui qui la portait l’apparence d’un obélisque. Par-dessus, un immense col de cape, doublé d’écarlate à l’intérieur et recouvert d’or à l’extérieur, était fixé au cou de telle sorte qu’on pouvait le déployer comme des ailes en levant et en abaissant les coudes. Un haut chapeau de chaman cylindrique à rayures blanches et bleues complétait l’ensemble.

Et voici à peu près ce que ça donnait :

jolifanto bambla o falli bambla
grossiga m'pfa habla horem
egiga goramen
higo bloiko russula huju
hollaka hollala
anlogo bung
blago bung
blago bung
bosso fataka
ü üü ü
schampa wulla wussa olobo
hej tatta gorem
eschige Zunbada
wulubu ssubudu uluw ssubudu
tumba ba- umf
kusagauma
ba – umf

(Caravane, d'Hugo Ball, 1917, l'un des rares poèmes sonores enregistrés)

Quand faire la vaisselle devient-il une performance artistique et quand est-ce simplement faire la vaisselle ?

Si l'on considère individuellement les caractéristiques de la définition la plus courante de l'art de la performance que nous venons d'évoquer, faire la vaisselle a « de fortes chances d'être une œuvre d'art ».

Faire la vaisselle dépend des circonstances : la définition n’exige pas que la personne confrontée à une montagne de vaisselle sale se réjouisse de sa situation. Elle agit en fonction de la situation, du moins on l’espère, sinon la vaisselle risque de sentir mauvais (ce qui pourrait encore donner lieu à un spectacle, mais seulement avec un peu de mise en scène, et non en la laissant simplement empester).

Faire la vaisselle est une activité, espérons-le, à nouveau ; la vaisselle ne se lave pas toute seule et il reste encore beaucoup à faire après.

Faire la vaisselle est éphémère car la vaisselle propre n'est plus la vaisselle sale. Et la vaisselle est éphémère car, quoi qu'on fasse, personne ne parviendra à empiler exactement la même vaisselle sale en un même énorme tas autour de l'évier.

Faire régulièrement la vaisselle interroge la séparabilité de l'artiste et de l'œuvre ; toujours du point de vue de la personne qui vient d'être choisie pour faire la vaisselle et qui n'en a pas envie.

Et la vaisselle interroge la notion de marchandise, car, à son grand regret, cette personne n'a jamais réussi à revendre sa vaisselle.

Cependant, faire la vaisselle ne remet pas encore en question la forme marchande d'une œuvre d'art traditionnelle ; cela ne devient une œuvre d'art que lorsque les deux dernières caractéristiques de la définition sont remplies : faire la vaisselle en tant que performance artistique par un interprète ou un groupe de performance.

Cependant, puisque, comme expliqué précédemment, les artistes ou les groupes de performance décident eux-mêmes de ce qu'ils interprètent, aborder la vaisselle comme un artiste de la performance et la transformer en une performance artistique est l'une des tâches les plus faciles au monde…

Scientifiquement inutile, mais utile pour la pensée indépendante.

Si vous pensez désormais maîtriser l'art de la performance selon la définition la plus courante et que vous vous mettez avec enthousiasme à transformer chaque activité quotidienne en art, la vie sera peut-être plus amusante, mais vous ne deviendrez pas nécessairement un artiste reconnu pour autant.

La définition de l'art performance ci-dessus omet de préciser qu'une performance artistique repose toujours sur l'adhésion du spectateur à cette définition. Or, il est fort probable que vous n'ayez pas de spectateur lorsque vous faites la vaisselle. Cependant, même sans public, la performance serait sans doute considérée comme de l'art ; vous devriez donc, en principe, être libre de célébrer chaque vaisselle comme une performance artistique.

S'il y a des spectateurs, il se peut qu'ils n'admirent pas votre démarche artistique, mais qu'ils soient simplement contents, sans même y penser, que vous ayez encore fait la vaisselle… C'est une dissonance situationnelle : vous « faites de l'art », et le reste de l'équipe boit du vin, se « détend » et se réjouit d'avoir encore trouvé le même pigeon pour faire la vaisselle.

Vous pourriez tout autant éprouver de la dissonance en discutant de la définition de l'art de la performance avec des historiens de l'art. Par exemple, si un historien de l'art écrit : « L'art de la performance est toujours présent lorsqu'un artiste agit devant un public et affirme que ces actions sont de l'art, quelle que soit la fréquence de répétition de la performance », vous pouvez être d'accord ou avoir un avis contraire ou différent (que l'historien de l'art a peu de chances de prendre au sérieux s'il provient d'une personne non spécialiste).

Il ne peut pas, il a déjà suffisamment à faire avec d'autres historiens de l'art : les experts en art conceptuel s'expriment et objectent que cette définition aboutit clairement à des œuvres d'art conceptuel, les spécialistes du théâtre voient une pièce de théâtre définie, ce sur quoi ils ont également raison, si dans l'art de la performance un événement artistique ne peut jamais être répété de la même manière (alors que les partisans de la rejouabilité et de la performance pour l'éternité ont beaucoup à dire).

La définition de l'art de la performance peut entrer en conflit avec celle de l'art corporel, des happenings et de Fluxus ; il existe des recoupements avec l'art action et le néo-dadaïsme ; cependant, ces mouvements cherchent à se différencier, même si certaines de leurs performances artistiques en direct , leurs spectacles d'art action , leurs interventions ou leurs manœuvres correspondent à une définition étroite de l'art de la performance.

L’historien de l’art ne se contente donc pas d’écrire « L’art de la performance existe lorsque… », mais consacre plusieurs centaines de pages à définir l’art de la performance, par exemple dans les œuvres :

Marvin Carlson : La performance : une introduction critique

Erika Fischer-Lichte : Esthétique du performatif. Suhrkamp, ​​​​Francfort-sur-le-Main 2004, ISBN 3-518-12373-4, 300 pages

Il existe de nombreuses définitions de l'art de la performance – mais aucune définitive ( www.zeit.de/2012/11/Ausstellung-ZKM-Karlsruhe/seite-2 ) ; dans ce sens, amusez-vous avec votre prochaine performance – active ou passive.

L'examen étape par étape d'une des définitions de l'art de la performance, tel que présenté ci-dessus, pourrait vous donner des suggestions tout à fait différentes : vous êtes toujours libre de penser par vous-même, de décomposer toute définition scientifique en ses éléments constitutifs et de la remettre en question.

Dans l'art comme dans d'autres domaines de la vie, lorsque quelqu'un essaie de vous convaincre que vous devez faire les choses d'une certaine manière parce que la définition scientifique actuellement acceptée ne laisse aucune autre possibilité ouverte…

Et si vous vous moquiez simplement de l'exemple concret de la vaisselle, parce que de nos jours tout le monde possède un lave-vaisselle, vous pourriez peut-être vous interroger plus généralement sur votre attitude envers le monde de la consommation.

Car il n'y a en réalité aucune raison d'encombrer un espace de vie souvent déjà limité avec un gros appareil électroménager qui utilise des produits chimiques agressifs (avez-vous déjà senti l'odeur de vos pastilles pour lave-vaisselle ?) et une énergie considérable (surtout pour les cycles de lavage intensifs afin de vraiment nettoyer la collection croissante et malodorante de vaisselle) pour effectuer des tâches quotidiennes qui pourraient être réalisées plus rapidement sans cet appareil (il faut bien charger le lave-vaisselle) – alors que la vaisselle normale dans un petit ménage peut être faite à la main avec de l'eau et des détergents doux sans aucun problème particulier (95 % de la vaisselle se fait par trempage).

Si le sujet des arts de la table ne vous inspire pas actuellement : de nombreux articles du magazine Kunstplaza vous encouragent à réfléchir par vous-même et/ou à laisser libre cours à votre créativité.

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