Le monde de la peinture offre un espace d'expression créative. Le choix judicieux des matériaux, la maîtrise des principes de composition et le développement d'une perspective artistique unique sont des éléments clés pour créer des œuvres d'art émouvantes.
L'apprentissage continu et l'exploration patiente transforment les défis en expériences enrichissantes, récompensées au final par des résultats exceptionnels.
Mais à quoi les débutants doivent-ils prêter attention pour espérer un excellent résultat final ? Les sections suivantes apportent des réponses.
Les parfaits débutants souhaitant se lancer dans une carrière de peintre trouveront ce livre extrêmement utile. En l'écrivant, je me demandais ce que je ferais si je devais tout recommencer à zéro.
01 Réfléchissez aux raisons pour lesquelles vous commencez à peindre et à ce que vous en attendez
Avant de vous mettre à la peinture, réfléchissez aux raisons qui vous poussent à vouloir y parvenir et à ce que vous espérez en retirer. Cette réflexion est essentielle avant d'investir dans du matériel artistique et de commencer à peindre sur une toile.
Vos réflexions détermineront votre approche et les domaines d'apprentissage à privilégier. Je ne crois pas qu'il existe un parcours d'apprentissage unique pour devenir un maître peintre. Chacun possède des aptitudes, des intérêts et des inclinations innés différents qui déterminent le processus d'apprentissage optimal.
Certaines personnes n'ont pas la patience de s'asseoir et de représenter fidèlement chaque nuance et chaque teinte d'un sujet. Par conséquent, elles seront peut-être plus à même d'adopter les couleurs et la technique picturale des impressionnistes que les techniques exigeantes des peintres académiques russes.
Ou peut-être recherchez-vous simplement un passe-temps agréable ou un loisir enrichissant. Dans ce cas, vous n'aurez aucune ambition de faire carrière dans l'art commercial. Vous préférerez alors une approche plus détendue de votre apprentissage.
Vous pourriez aussi aspirer à devenir un maître de la peinture réaliste, à l'instar de Julien Dupré ou John Singer Sargent . Pour espérer atteindre cet objectif, il vous faudra suivre une formation rigoureuse et approfondie, axée sur le dessin et les fondamentaux de la peinture (couleur, valeur, composition, etc.).
Julien Dupré – Jeune femme faisant voler du bétail (Peinture à l'huile réaliste sur toile)
Fritz von Uhde : « Laissez venir à moi les enfants », exposé au Musée des Beaux-Arts de Leipzig. Photo : Dguendel, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons
02 Choisissez votre médium : acrylique, huile, aquarelle ou autre
Au moins dans un avenir proche, concentrez-vous sur un seul médium . Cela vous permettra de l'expérimenter pleinement et de vous pencher ensuite sur les caractéristiques générales de la peinture, telles que la couleur, la composition, l'expression, etc.
Les décisions les plus importantes concernent le choix entre la peinture à l'huile , l'acrylique et l'aquarelle . Bien que je ne les aborde pas dans ce guide, il existe d'autres options telles que la gouache , la tempera, le pastel et les huiles miscibles à l'eau.
Même les débutants peuvent se lancer dans l'art, parfois imprévisible, de la peinture à l'aquarelle. Source de l'image : Pexels sur Pixabay
Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Chaque support présente ses propres avantages et inconvénients. Voici un aperçu des différents supports pour vous aider à choisir :
a. Peintures acryliques : le choix des débutants
Les peintures acryliques sont particulièrement appréciées des artistes débutants car elles sont faciles à utiliser et ne nécessitent aucun outil spécifique. Leur principal inconvénient est leur temps de séchage rapide.
La peinture acrylique pourrait vous convenir si…
…vous êtes un parfait débutant et vous ne souhaitez pas vous soucier des subtilités de la peinture à l'huile et à l'aquarelle.
… vous aimez vraiment travailler avec des techniques mixtes (combiner différents matériaux).
…Elles sont sensibles aux produits chimiques utilisés dans la peinture à l’huile.
Les peintures acryliques présentent également plusieurs inconvénients :
La peinture sèche assez vite. Cela signifie que vous ne disposez que d'un temps limité pendant lequel la peinture adhère à la toile.
Certaines couleurs foncent en séchant ; les couleurs claires présentent souvent davantage de changements.
Peinture acrylique de David Clode. Image de David Clode (@davidclode), via Unsplash
Paysage peint à l'acrylique. Image de David Clode (@davidclode), via Unsplash.
Il y a de nombreuses années, j'ai utilisé de la peinture acrylique pour la première fois. Frustrée par son temps de séchage rapide, je suis finalement passée à la peinture à l'huile. Mais pour une débutante, l'acrylique était excellente pour acquérir des compétences picturales complètes. Il existe aussi des additifs pour la peinture acrylique qui permettent de ralentir le séchage.
la Draw Paint Academy est une ressource précieuse pour les débutants et les nouveaux venus dans le monde de la peinture. Elle propose d'innombrables tutoriels et guides de grande qualité pour les artistes en herbe, à la fois sur son site web et dans ses cours en ligne, ainsi que sur YouTube ( @drawpaintacademy) et Instagram.
b. Peinture à l'huile : le médium de prédilection des maîtres
Pour diverses raisons, les artistes professionnels utilisent le plus souvent la peinture à l'huile :
Elles sont flexibles. En utilisant du diluant et en ajoutant de l'huile, vous pouvez modifier considérablement le temps de séchage et la consistance de votre peinture. Cela vous permet d'utiliser des techniques de glacis, de mélange et de glissement, entre autres.
Les plus grands peintres préféraient la peinture à l'huile.
Avec la peinture à l'huile, difficile de se tromper. Si vous ne savez pas par où commencer, je vous conseille soit de débuter par l'acrylique et de passer à l'huile une fois que vous aurez acquis plus d'expérience, soit de passer directement à l'huile.
La peinture à l'huile se prête parfaitement aux méthodes picturales traditionnelles des peintres anciens. Si vous la trouvez trop exigeante, je vous conseille de reporter votre projet de peinture à l'huile.
La peinture à l'huile possède quelques « règles » à respecter ; le reste est similaire à la peinture acrylique.
Si les solvants puissants utilisés en peinture à l'huile, comme la térébenthine, vous inquiètent, renseignez-vous sur les solvants inodores. Cela rend la peinture à l'huile beaucoup plus attrayante. Pensez également aux huiles à base d'eau.
La peinture à l'huile est particulièrement adaptée aux tableaux de styles anciens tels que le romantisme, le réalisme ou la Renaissance. Image : Europeana @europeana, via Unsplash
Peinture à l'huile florale aux couleurs intenses et aux contrastes saisissants. Image : Europeana @europeana, via Unsplash
c. Aquarelles : beauté sauvage
L'aquarelle est généralement considérée comme la technique la plus difficile à maîtriser, car l'eau est imprévisible et les erreurs irréparables (le papier ne pouvant absorber qu'une certaine quantité d'eau). Cependant, lorsqu'elle est bien maîtrisée, elle permet de créer des œuvres exquises et d'une grande beauté.
C’est pourquoi je vous recommande de commencer par la peinture acrylique ou à l’huile avant d’expérimenter l’aquarelle. Cependant, comme l’aquarelle développe des compétences différentes de celles de la peinture acrylique ou à l’huile, ces deux techniques se complètent à merveille.
John Singer Sargent, par exemple, peignait des paysages et des portraits impressionnistes et informels à l'aquarelle, mais il était surtout connu pour ses portraits à l'huile d'une grande minutie. Pour Sargent, habitué aux longues et éprouvantes séances de portrait, ces aquarelles représentaient sans doute une bouffée d'air frais bienvenue.
Aquarelle de John Singer Sargent – Scène de canal vénitien
03 Couleurs, matériel de peinture et équipement de base
Dans la troisième étape, nous devrions commencer à rassembler notre matériel artistique . Vous n'avez pas besoin de beaucoup de choses, alors lisez attentivement cette section avant d'acheter tous les types de pinceaux ou de peintures.
Le support que vous avez choisi (voir ci-dessus) influencera l'achat des peintures et du matériel artistique nécessaires. le matériel de base :
Un chevalet pour soutenir votre travail ;
Pour la peinture acrylique ou à l'huile : toile ; pour la peinture à l'aquarelle : papier ;
une gamme de couleurs à mélanger ;
Des pinceaux adaptés au support que vous avez choisi ;
Couteau à palette ; peintures ; solvants (pour les peintures à l'huile) ; et essuie-tout pour essuyer votre pinceau entre les coups de pinceau.
C'est exactement ça. Peindre peut être si facile.
Vous trouverez tout ce qu'il vous faut dans votre magasin de fournitures artistiques local. Si vous êtes un parfait débutant, il serait judicieux de commencer par un kit de démarrage comprenant la plupart des outils de base. Vous pourrez toujours l'étoffer par la suite.
Comme pour vos pinceaux, votre toile et vos peintures – un chevalet de haute qualité ne fait pas automatiquement de vous un meilleur peintre – il est tout à fait logique d'acheter de la qualité là où cela compte.
Choisissez des couleurs de haute qualité
Les peintures de haute qualité constituent le fondement de toute œuvre d'art. Elles se reconnaissent à leur pigmentation intense, leur résistance à la lumière et leur texture onctueuse. Elles permettent une application uniforme et confèrent de la profondeur à la peinture. La qualité de la peinture influence directement l'expressivité et l'impact de l'œuvre.
Un investissement ciblé dans des peintures de haute qualité contribue grandement au succès d'une œuvre d'art. Les personnes exigeantes peuvent, par exemple, commander différents types de kratom .
En ce qui concerne les couleurs, je recommande de commencer avec une palette limitée de rouge, bleu, jaune (les couleurs primaires), blanc et une teinte terreuse rappelant l'ombre naturelle.
Voici une gamme d'entrée de gamme correcte :
rouge de cadmium
Bleu outremer
Blanc titane
Jaune de cadmium
Umbra
Trouver la toile et le chevalet appropriés
La plupart des peintures modernes, à l'huile et acryliques, sont réalisées sur toile. À la Renaissance, la toile a remplacé les panneaux de bois pour la peinture, car le fait de la tendre sur des barres de bois permettait de réaliser des œuvres de plus grand format. Ce procédé la rendait également plus légère, plus facile à rouler et plus stable que les panneaux de bois, et moins sujette à la déformation et aux éclats. La toile est issue du chanvre, et les premières toiles d'artistes étaient fabriquées à partir de toile de chanvre vénitien de haute qualité. Le coton a été introduit plus tard comme substitut au lin.
Un large choix de toiles disponible, que vous souhaitiez les confectionner vous-même ou acheter des toiles tendues ou des panneaux de toile. Le support choisi dépendra de vos besoins. Différents grammages, matières et préparations de surface offrent des expériences de peinture variées, influençant ainsi l'aspect final de votre tableau.
Des toiles tendues, prêtes à peindre, sont disponibles dans de nombreux formats et styles. L'application d'une sous-couche permet de personnaliser la surface. Les panneaux de toile fins et les toiles Ultralite sont légères et idéales pour la peinture en plein air. Nous proposons 40 formats de toile au mètre ou en rouleaux de 10 mètres pour le montage sur châssis.
De nombreux artistes expérimentent avec différentes toiles, apprêts et supports afin de trouver la surface idéale. Les propriétés de la surface peuvent avoir une grande influence sur leurs peintures, notamment lorsqu'ils utilisent des peintures à l'huile ou acryliques.
En fonction des supports que vous utiliserez, pensez également à la stabilité et à la robustesse du chevalet dont vous aurez besoin. Si les matériaux légers conviennent aux travaux plus petits et moins exigeants, un chevalet en bois massif offrira le support nécessaire pour les supports lourds comme les grandes toiles ou les techniques mixtes. L'ergonomie est primordiale.
04 Familiarisez-vous avec les bases du design artistique
Je suis convaincu qu'il est important d'apprendre efficacement plutôt que de perdre son temps sans but précis. Sans un encadrement adéquat, on pourrait pratiquer pendant des années sans constater de progrès significatifs. Voici les principes essentiels de cet art :
Couleur
Expression
composition
Bords / Lignes
Travail au pinceau
technique de peinture
Je les considère comme les fondements de la peinture. Il est important de s'y familiariser dès le début, car ils permettent de comprendre précisément ce qui se passe lorsque le pinceau touche la toile. La maîtrise de ces éléments essentiels améliorera chaque application de la peinture.
Voici un aperçu concis des points essentiels :
Couleur
La couleur est quelque chose que nous connaissons tous si bien que nous en oublions souvent la signification. Nombreux sont ceux qui ne comprennent pas ou n'apprécient pas pleinement la véritable nature de la couleur.
Les couleurs résultent d'une interaction entre la teinte, la saturation et la nuance. Photo de David Pisnoy @davidpisnoy, via Unsplash
Je trouve plus facile de comprendre la couleur en considérant la teinte, la saturation et la valeur tonale. Ce sont les trois éléments qui composent une couleur.
La teinte indique la position d'une couleur sur le cercle chromatique. Rouge, bleu, jaune, vert : ce sont toutes des couleurs différentes. La saturation décrit la richesse, l'intensité ou l'éclat d'une couleur. La valeurdécrit le degré de clarté ou d'obscurité d'une couleur.
Familiarisez-vous avec ces trois termes, car ils apparaîtront dans chacune de vos œuvres d'art.
La valeur tonale est un aspect de la couleur, mais en raison de son importance en peinture, elle est souvent considérée comme un concept fondamental à part entière. Chaque couleur possède une valeur intrinsèque qui se situe sur le spectre entre le blanc et le noir .
Si l'on fait abstraction de la couleur, on obtient un spectre de valeurs allant du gris clair au noir presque pur. Une structure tonale bien définie n'est pas strictement nécessaire (pensons à nombre de remarquables tableaux impressionnistes), mais elle contribue indéniablement à donner à votre œuvre une base solide. Peindre avec différentes valeurs tonales vous offre une plus grande liberté dans l'application des coups de pinceau, des couleurs et des détails.
composition
Dans les discussions sur la composition en peinture ou en photographie, vous rencontrerez une multitude de termes complexes, de « règles » et de théories visant à expliquer les principes de la composition dans les arts visuels. Des termes tels que…
centre d'attention
règle des tiers
Juste milieu
Ligne d'horizon
Lignes directrices
Équilibre / Balance
rythme
Mouvement
harmonie
…et ainsi de suite. Finalement, il n’y a cependant que deux questions essentielles à se poser pour créer des compositions exceptionnelles.
Que souhaitez-vous exprimer ?
Comment l'exprimerez-vous ?
C'est tout. Le reste est relativement insignifiant
Examinons ces questions de plus près…
Que souhaitez-vous exprimer ?
Si votre tableau avait une voix, qu’exprimerait-il ? Cela pourrait être aussi simple que… « Je veux représenter la façon dont la lumière se reflète à la surface de l’eau. »
Il est important que votre message soit clair.
Comment l'exprimerez-vous ?
Comment organiser tous les éléments de votre tableau pour créer une harmonie et transmettre le message souhaité ? Considérez chacun de vos coups de pinceau, formes, lignes, couleurs et textures comme un outil à votre disposition.
Bords / Lignes / Limites
Les contours servent de ligne de démarcation entre deux formes. Ils peuvent être nets, flous ou absents. Les contours marqués créent une transition distincte entre les deux formes ; les contours flous assurent une transition en douceur ; et les contours estompés sont si subtils qu’ils sont presque invisibles.
Travail au pinceau
Le terme « travail au pinceau » désigne les impressions tangibles créées par le pinceau, le couteau à palette, le doigt ou tout autre outil utilisé dans le processus de création picturale. Souvent négligé, cet aspect est pourtant une caractéristique distinctive qui confère à une œuvre son aspect unique .
Sans travail au pinceau, autant choisir la photographie ou se consacrer à l'art numérique plutôt que de se vouer à l'art traditionnel.
Techniques de peinture
La technique désigne votre capacité à réaliser des actions spécifiques. Avec l'expérience et une meilleure maîtrise des pinceaux et des peintures, votre technique se développera naturellement. Toutefois, il est important de rester vigilant face aux mauvaises habitudes que vous pourriez prendre au cours de votre parcours artistique.
Cela peut être lié à la façon dont vous tenez votre pinceau ou aux coups de pinceau que vous utilisez. Corriger de mauvaises habitudes ancrées depuis des années peut s'avérer très difficile.
Pour développer une technique picturale efficace, je recommande d'observer des maîtres à l'œuvre (sur YouTube, dans des cours en ligne ou des ateliers virtuels). Portez une attention particulière à leur travail au pinceau, à la manière dont ils appliquent la peinture sur la toile, à leurs mélanges de couleurs et aux détails similaires.
05 Commencez par votre première peinture
Vous êtes maintenant prêt(e) à commencer votre première peinture. Petit avertissement : cela pourrait être plus difficile qu’il n’y paraît 🙂
Les maîtres artisans semblent créer des œuvres d'art avec une facilité déconcertante. Mais il ne faut pas oublier qu'ils ont consacré de nombreuses années, voire des décennies, à leur art.
Je vous recommande de commencer votre première peinture par une esquisse rapide ; concentrez-vous sur la première impression que vous aurez du sujet. Considérez-le à travers le prisme des formes et des couleurs. Vous pourrez ensuite affiner votre peinture et y ajouter des détails.
Conseil n° 1 : Commencez par des croquis sommaires
Ne te prends pas la tête avec le dessin. Fais juste quelques croquis. Dis-toi que tu t'amuses, que tu expérimentes et que tu vois ce que ça donne.
Si vous savez écrire, vous savez dessiner ; vous avez déjà votre propre style, votre façon d’écrire les lettres et les chiffres, et des gribouillis uniques. Ce sont aussi des formes de dessin. Lorsque vous tracez et esquissez, soyez attentif aux sensations physiques que vous procurent votre main, votre poignet, votre bras, vos oreilles et le toucher.
Changez votre approche. Enveloppez vos doigts de tissu pour modifier votre toucher, et expérimentez avec votre autre main pour observer les résultats. Tout cela a quelque chose à vous révéler. Plongez dans un calme intérieur total et soyez attentif à toutes vos sensations. Ne pensez ni positivement ni négativement. Laissez libre cours à vos émotions, à votre imagination et à votre créativité.
Conseil n° 2 : Emportez toujours un carnet de croquis avec vous
Choisissez une grande feuille de papier à la fois. Cependant, ne la remplissez pas simplement d'un bord à l'autre. Observez les formes, les structures, les combinaisons, les détails, les courbes, les superpositions, les dispersions et les compositions qui vous plaisent.
Répétez maintenant l'exercice sur une autre surface, n'importe laquelle, pour déterminer le type de matériau que vous préférez. Dessinez sur de la pierre, du métal, du carton mousse, des tasses à café, des étiquettes, des trottoirs, des murs, des plantes, du tissu, du bois, ou tout autre support. Créez simplement des motifs pour décorer ces surfaces.
Ne vous souciez pas d'en faire plus. Chaque œuvre d'art est une forme de progrès. Demandez aux gens quelles sont leurs impressions lorsqu'ils voient votre création.
06 Le chemin vers votre propre écriture
Une expression artistique singulière exige persévérance et passion. S'inspirer d'autres artistes peut être un catalyseur sans pour autant compromettre son authenticité. La constance dans la technique et l'expression forge un style personnel.
Le courage d'explorer de nouveaux territoires créatifs
Le courage de prendre des risques créatifs, d'explorer de nouvelles approches et de faire confiance à son intuition est essentiel. Grâce à une pratique continue, un style unique se développe, enrichissant et personnalisant le parcours artistique.
L'imitation est autorisée
Tout le monde commence par imiter. C'est tout à fait normal ! Mais lorsque vous le faites, concentrez-vous et explorez la possibilité de vous approprier ces éléments – même si les idées, les outils et les techniques proviennent d'autres artistes.
Imaginez entrer dans un immense stade rempli d'idées, de chemins, d'approches, d'outils et de matériaux chaque fois que vous créez quelque chose.
Élaborez un programme d'exercices
Entraînez-vous à dessiner vos mains en attendant dans le métro ou en attendant. Dessinez plusieurs mains du même côté, des mains qui se chevauchent. Dessinez aussi les mains d'autres personnes, si vous le souhaitez. Vous pouvez également esquisser d'autres parties visibles de votre corps.
Mais il faut observer attentivement, puis esquisser ou dessiner ce que l'on observe. Les miroirs sont également utiles si l'on souhaite seulement dessiner le point de jonction entre la joue et la bouche. Expérimentez avec différentes échelles : agrandissez, réduisez et faites pivoter les objets.
07 Développer vos compétences
Évaluer et développer davantage
Une fois votre première toile terminée, prenez le temps de faire une pause et d'évaluer votre travail, en repérant les points à améliorer. À moins d'être un génie, votre première œuvre ne sera probablement pas un chef-d'œuvre ; mais ce n'est pas grave. Même les plus grands maîtres ont commencé comme amateurs.
Considérez votre œuvre comme s'il s'agissait d'une critique d'art. Voici quelques questions que vous pouvez vous poser :
Quels aspects du tableau me plaisent ?
Quels éléments modifierais-je ?
Quelle est l'atmosphère du tableau ?
Quelle est la première impression que donne ce tableau ?
L'association de couleurs est-elle harmonieuse ?
La composition est-elle cohérente ?
Y a-t-il des coups de pinceau évidents qui complètent l'image ?
Ai-je présenté le sujet correctement de manière générale ?
Cette image me dérange-t-elle d'une quelconque manière ?
Ai-je bien compris le point de vue ?
Recueillez des commentaires et mettez-les en œuvre
Les retours constructifs constituent un autre élément clé du développement artistique. Une communication ouverte avec autrui permet d'obtenir de nouvelles perspectives sur son propre travail. Il est important d'évaluer attentivement les suggestions et de les aligner sur sa vision personnelle.
La réflexion permet d'acquérir des connaissances précieuses et de les intégrer judicieusement au processus créatif. Tout l'art consiste à examiner de manière critique les influences extérieures et à ne retenir que celles qui enrichissent véritablement son propre parcours artistique.
Gestion constructive des tentatives infructueuses
Dans le processus créatif, les échecs sont des événements précieux. Ils offrent des occasions de réflexion et d'amélioration continue. Dans une perspective constructive, les obstacles deviennent des moments d'apprentissage.
Ceux qui considèrent l'échec comme une expérience d'apprentissage améliorent constamment leurs méthodes. Cette approche favorise l'ensemble du processus créatif et soutient l'expression artistique personnelle.
Diversité à travers différentes techniques
L'expérimentation ouvre de nouvelles perspectives créatives aux artistes. Outre les méthodes traditionnelles comme la peinture à l'huile ou l'aquarelle, les approches non conventionnelles (notamment les techniques mixtes) peuvent donner des résultats étonnants. Chaque technique offre ses propres possibilités, textures et caractéristiques. Les œuvres ainsi créées peuvent ensuite les bureaux , les cuisines, les salons ou les chambres.
La clé réside dans la volonté de repousser les limites et de découvrir de nouvelles voies de manière ludique.
8 conseils bonus
Ne vous souciez pas de ce que pensent les autres. Bien qu'il faille accueillir les critiques, ne les laissez pas dicter votre comportement.
Intégrez une communauté. Participez à des concours, visitez des galeries, échangez avec d'autres créatifs, lisez des blogs d'artistes, abonnez-vous à des newsletters, etc. Plus vous échangerez d'idées avec des personnes partageant les mêmes centres d'intérêt, plus vous serez motivé(e).
Ne vous laissez pas intimider par les artistes très talentueux. Il y aura toujours quelqu'un de plus doué techniquement, de plus compétent ou de plus expérimenté que vous. Cherchez l'inspiration plutôt que de vous sentir menacé.
Au début, ne cherchez pas à développer un style unique ou mémorable. L'expérience vous permettra de progresser graduellement.
Concentrez-vous sur les fondamentaux : la couleur, la valeur, la composition, les contours, le travail au pinceau et l’exécution. Chaque coup de pinceau contribuera à perfectionner ces bases. Avec le temps, cela amplifiera vos progrès.
Recherchez les maîtres qui nous ont précédés. Apprenez-en davantage sur leur œuvre, leur apprentissage et leur parcours de vie. Vous accéderez ainsi facilement au savoir et à l'inspiration.
N'hésitez pas à explorer de nouvelles activités et idées.
Inspirez-vous des approches, secrets, méthodes ou stratégies astucieuses d'autres personnes créatives.
Rendez votre apprentissage flexible et ouvert.
Apprendre, pratiquer, vérifier et se perfectionner sont les seuls secrets pour devenir un grand peintre.
Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplôme de webdesign obtenu avec succès dans le cadre d'études universitaires (2008). Développement continu des techniques de créativité grâce à des cours de dessin en plein air, de peinture expressive et de théâtre/jeu d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art grâce à de nombreuses années de recherches journalistiques et à de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions du monde de l'art et de la culture.
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