La carrière de David Hockney: bien plus que scandaleusement bonne humeur

David Hockney est actuellement répertorié sur la liste indépendante des faits d'art , qui peut être évalué automatiquement et n'incorpore aucune évaluation personnelle des scientifiques de l'art, etc.

Le 75e anniversaire de Hockney en 2012, il s'est attardé au rang n ° 36; Cependant, le peintre britannique a été célébré avec tant d'expositions de ses œuvres qu'il était également l'un des trois à cinq artistes les plus importants du monde.

Les célébrations de son 80e anniversaire en 2017 ont de nouveau dépassé cela.

Le classement des très grands peut encore changer sensiblement - si vous pouvez trouver plus de 100 artistes d'un classement qui travaille dans le monde plus longtemps, vous êtes certainement l'un des artistes du monde qui façonnent considérablement le monde de l'art. Comme David Hockney , qui a été trouvé assez loin dans chaque classement de l'art contemporain depuis vers 1965.

Dans la première partie de ce cycle de l'artiste du monde, il a été montré et justifié que David Hockney n'est pas ou n'était pas un peintre de la pointe de la pointe, même si ce style est fréquemment attaché à lui. Vous trouverez ci-dessous la carrière de David Hockneys - encore une fois la raison de ranger avec des représentations généralisées et tout autant raccourcies sur l'artiste influent:

David Hockney n'a pas fait carrière en Amérique, il était depuis longtemps célèbre dans les milieux d'art lorsqu'il y est arrivé. Hockney a également peint non seulement de belles images, mais a également travaillé avec beaucoup de succès dans divers métiers d'art:

Nouvel art, toujours dans l'Angleterre ancienne

David Hockney a demandé au Royal College of Art de Londres en 1959 pour convertir la formation purement académique de Bradford en développement de son propre style. Hockney a trouvé le pop art coloré et libre des États-Unis fascinant comme chaque jeune esprit libre et avait personnellement de très bonnes raisons de s'installer dans les domaines d'une critique sociale ironique mais amusante.

La gravité avec laquelle il exploitait son œuvre artistique, cependant, ne lui a pas permis de laisser tomber comme volontaire dans le magnifique monde de l'art coloré du pop art de pointe, car certaines représentations semblent transmettre.

Hockney a d'abord dû insérer un long vieux monde de Schlenker: Hockney a travaillé aussi déterminé jusqu'en 1962 car il était en permanence sur son propre langage visuel; Il voulait trouver ou inventer une expression complètement nouvelle entre l'abstraction et la représentation figurative.

Il a déjà eu les premiers conflits avec l'image à Bradford, mais n'a pas encore abandonné pendant le temps. Au RCA, il n'a maintenant essayé que de voir et de souligner l'image en tant que domaine. Cette caractéristique saisissante Hockneys avait l'habitude de travailler sur le Royal College of Art (bonjour, Sandra Blow, voir Hockney Part 1) était une stratégie d'image très consciente qui devrait être une étape décisive pour l'artiste.

Étudier au centre de la scène culturelle et artistique de Londres, le travail et la discussion avec les étudiants également intéressés par de nouvelles façons et expressions ont offert à Hockney suffisamment d'occasions de gérer les différents mouvements artistiques de son temps et de développer leur propre langage visuel dans ce processus d'apprentissage.

La première approche de l'abstraction a été des peintures en carton expressives d'une manière abstraite comme "mécontentement croissant" (Insatisfaction croissante, 1959, non disponible), dans laquelle le titre sur les manivelles d'une dislocation d'un sort de peinture à geste à la Alan Davie et de Jackson Pollock .

Hockney a à nouveau révélé ces peintures abstraites après quelques mois parce qu'il a compris que pour lui, la voie à la modernité ne pouvait pas consister à attirer une nouvelle veste stylistique appelée pop art au lieu de la restriction fastidieuse par les règles rigides de "l'art royal" traditionnel.

Hockney en voulait plus: une voix personnelle; Un nouveau compromis élégant entre l'abstraction et l'objectivité, qui n'a pas été trouvé dans l'art éternel des Américains à la mode. C'est pourquoi Hockney a préféré recourir à des suggestions d'artistes européens, parmi lesquels beaucoup ont essayé de transmettre plusieurs temps entre l'abstraction et la figuration.

Lors de ses visites à l'exposition à Londres, il a découvert Francis Bacon pour lui-même (bonjour, Sandra Blow), dont la présentation de la figure est devenue la première source d'inspiration importante.

En outre, Hockney n'a trouvé une "couvée d'art" apparemment primitive Jean Dubuffets , ce qui ne l'a fait réfléchir et a ensuite avancé. Dubuffet a été le premier artiste à prendre des graffitis en tant que modèle et a également documenté cette variante artistique à l'époque. Pour ce faire, il a été suggéré par le premier photographe de graffiti Brassaï , qui avait déjà collecté des photos du mur dans les années 1930.

L'idée a apporté le succès retentissant de Dubuffet, dans la période Documenta de Dubuffets (trois apparitions dans Row: 1959, 1964, 1968), sa table de figures ( "Vertu Virtual" ; "Espoirs et options" ) , qui étaient encadrés par des lettres anciennes ou des lettres modernes.

Pour les impulsions très cruciales de Hockney, il se sentait très connecté par les représentations de Dubuffet entre l'art des enfants et la vieille culture égyptienne et a vu dans ce "style anonyme" ("Davis Hockney" de David Hockney 1976, p. 67) un modèle élémentaire pour son travail à l'époque au Royal College.

Hockney ne devrait jamais perdre ce qu'un étudiant de Séoul (souligné par elle-même) dans sa thèse de philosophie à l'Université de Ludwig Maximilians à Munich sur les premiers travaux de la "tendance européenne émotionnelle ou en herbe européenne" .

C'était peut-être précisément cette insistance sur les traditions artistiques européennes; Hockney hésite comment les collègues britanniques utilisent immédiatement les styles américains innovants pour se libérer de la tradition artistique de l'Europe qui a conduit à un "art mondial" de l'œuvre qui a pu inspirer les gens sur tous les continents.

Bon jeune art a même des opportunités dans la vieille Angleterre

Vers la fin de ses études au Royal College of Art, Hockney a développé sa première expression, et avec cela, il devient célèbre dans le pays d'origine très tôt et très rapidement:

En 1960, le talentueux Monsieur Hockney a été invité à l'exposition annuelle du "London Group" . Le groupe londonien est une association d'artistes de Londres à ce jour, qui a été fondée en 1913 en tant qu'avant-gardée opposition à la conservatrice Royal Academy of Arts; Leur objectif déclaré est de «promouvoir la conscience du public pour l'art visuel contemporain à travers des expositions annuelles».

La London Royal Academy of Arts est l'institution d'art en Grande-Bretagne, qui a depuis été fondée par George III. Dans le mandat royal de la promotion de la peinture, de la sculpture et de l'architecture. George III. Grande-Bretagne de 1760 à 1820, à partir de 1765, il aurait montré les premiers signes de maladie mentale qui écliptait la seconde moitié de son mandat; La Royal Academy of Arts a été fondée en 1768 ...

L'honorable académie royale n'a probablement pas été bénie avec l'esprit le plus rafraîchissant pendant longtemps avant les temps du Brexit; Il était tout simplement impensable que le jeune art ait été montré dans l'une des célèbres expositions d'été de Young Art par (également des gays gays) comme David Hockney.

À quelle distance en tant que RA (académicien royal) à la traîne derrière votre temps, vous pouvez être z. B. Lisez que David Hockney lui-même n'a été élu à la Royal Academy of Arts de Londres en 1991 - il avait 54 ans et célèbre en tant qu'artiste pendant 30 ans.

rapport du "Guardian" est également assez éclaircissant Grayson Perry, qui n'a plus été baptisé à l'âge de 58 ans, a sauvé l'exposition d'été 2018 (250e anniversaire de l'Académie) d'elle-même selon le journaliste du Guardian, "Stupid lui-même" en faisant un secteur de collection sauvage de l'art trash sur l'établissement d'art britannique surpris.

Le groupe londonien, en revanche, se réjouit alors de ses expositions comme maintenant par la diversité du style, qui ne remarque pas l'intégralité des jeunes artistes qui n'ont pas remarqué par la Royal Academy of Arts ou apportent les jeunes artistes rejetés dans l'exposition annuelle.

David Hockney a rapidement exposé, et cette jeune exposition contemporains de 1961 dans les Galleries RBA de Londres est devenue célèbre en rendant les étudiants du Royal College Patrick Caulfield , Derek Boshier , Hockney , RB Kitaj et Peter Phillips célèbres.

"Young Contemporaries" , "New Contemporaries" également une organisation britannique qui veut soutenir des artistes émergents au début de leur carrière. La fondation a été lancée par le professeur de David Hockney Carel Weight:

En 1949, il a eu l'idée d'utiliser la galerie à peine utilisée de la Royal Society of British Artists (RBA, une autre Association d'artistes britanniques, fondée en 1823 comme contrepoids à la Sleepy Royal Academy) dans la rue Suffolk de Londres pour émettre un travail étudiant .

À peine dit que fait, et les fondateurs ont également accepté de sélectionner les «jeunes contemporains» dans une procédure aussi impartiale et démocratique qu'elle peut presque être appelée Unbritic: l'artiste annonce de manière anonyme d'une œuvre d'art; Les jurés ne connaissent pas l'école, l'âge et la nationalité du participant tout au long du processus de sélection.

Au cours de la décennie depuis la fondation des jeunes contemporains, l'exposition annuelle avait déjà obtenu l'appel pour présenter le nouvel art du temps le plus excitant. Au début des années 1960, l'exposition des jeunes contemporains pour les connaisseurs de l'art contemporain était devenu une date obligatoire, le spectacle ne pouvait pas être manqué comme possible avec le sens de l'art moderne.

L'exposition de 1961 a été un succès direct parmi les artistes, en particulier pour les chiens de renifleur, ils ont attrapé le nouvel art britannique avec impatience et, surtout, après les premières œuvres de David Hockney. Les nouvelles découvertes passionnantes ont été discutées et transmises, David Hockney devenait lentement le sujet des pourparlers dans la scène artistique avant-gardée.

Un propriétaire de galerie trouve son artiste

Lors de cette exposition des jeunes contemporains de 1961, John Kasmin , un jeune sauvage de l'East End de Londres, a également été déployé par la police (en tant que bohème) de Nouvelle-Zélande et travaille dans les galeries de Londres depuis son retour.

"Doll Boy" au Young Contemporary Show en 1961 , a été fasciné et le voulait. À cette époque, Kasmin a travaillé pour la Marlborough Gallery New London. Kasmin a invité Hockney au thé après avoir travaillé, l'aimait et voulait tellement la photo qu'il était prêt à mentir avec son patron et le co-fondateur de Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

En tout cas, Kasmin n'était pas autorisé à sélectionner la galerie en fonction de son propre goût / instinct, alors il a annoncé (pour décevoir le fondateur de Marlborough qui avait déjà remarqué son potentiel) et a également pris les clients les plus importants de la galerie.

Ce Sheridan Duffer s'appelait Sheridan Frederick Hamalton-Temple-Blackwood 5e Marquis de Dufferin et Ava et avait beaucoup d'argent. Duffer a fourni l'argent pour la fondation de la Kasmin Gallery, qui a déménagé dans des locaux commerciaux inhabituellement grands nus dans la rue London New Bond et en 1963, a organisé la première exposition solo de David Hockney.

Hockney Immortalisé Kasmin en 1963 dans le tableau "Play in a Play" ( curiator.com/art/david-hockney/play---within-a-play ) "en tant que prisonnier entre la vie et l'art" , donc il était probablement clair pour lui à l'époque quel genre de chance comme un propriétaire de galerie comme John Kasmin qui croyait en art et ne voulait pas simplement vendre des choses.

La réaction à la première apparition en solo de Hockney dans la Kasmin Gallery London a été formidable, David Hockney est devenu une star du vénérable Royal College of Art. Le jeune homme, qui a été décrit précédemment dans "l'environnement royal", a maintenant offert les premiers appels de la rébellion (mais est toujours évident, délicieux et en aucun cas décrit):

Au milieu de toute cette renommée précoce, le diplôme universitaire de Hockney était, et il ne l'a probablement pas fait entièrement - selon John Kasmin, il a refusé d'écrire un essai ou similaires, n'a donc pas obtenu la médaille d'or habituelle et a plutôt acheté une veste en lamé dorée.

Hockney était probablement le «prix de dessin» plus important de toute façon, qu'il a remporté dans la dernière année. Il était doté de 100 £, que Hockney a dépensé pour un voyage à New York, Berlin et l'Égypte sans hésiter à collecter des suggestions d'illustrations.

Hockney serait revenu de ce voyage plus en toute confiance, plus confiant et extravagant. Comme beaucoup de collègues de ses artistes, le climat social de l'époque au Royaume-Uni n'était pas nécessairement sympathique: selon le Code pénal, les homosexuels étaient toujours menacés d'un emprisonnement à vie, n'étaient pas poursuivis que depuis le "rapport Wolfenden" en 1957.

Selon Kasmin, Kitaj, Blow et d'autres qui avaient déjà été dans le monde, il y avait un art plus excitant plus excitant que les images de papier peint de John Minton, les paysages mosaïques de Julian Trevelyan et les "terribles petits dessins" ( Quote Kasmin) de Lucian Freud.

En général, pour Hockney, le temps était trop mauvais, le pays trop nationaliste (bonjour Brexit), beaucoup de gens trop étroits et méprisés.

Sortir de l'étranger

Dans chaque "Nation fière avec une histoire glorieuse", la séduction se cache pour traiter des manières étrangères et différentes. Plus l'horizon est proche, plus il est perçu comme différent; Artistes libres Toujours lorsque leur travail s'écarte du goût du courant dominant, des personnes ayant une orientation sexuelle inhabituelle de toute façon.

Les sociétés modernes et civilisées combattent de telles tendances; Les penseurs libres non liés ont toujours tendance à rejoindre les nations dans lesquelles cette lutte réussit le plus à l'époque - pour la plupart des jeunes artistes, la plupart des jeunes artistes ont montré de grandes flèches rouges en direction de l'Amérique.

Cinq des six collègues étudiants, qui sont devenus connus avec Hockney dans l'exposition Young Contemporaries en 1961, ont atterri plus ou moins rapidement aux États-Unis après avoir terminé le Royal College of Art, seuls deux d'entre eux sont retournés en Angleterre en permanence:

Ridley Scott a reçu une subvention de voyage d'un an aux États-Unis en 1963 et a travaillé pendant deux ans à Time Life, Inc. avec des documentaires Richard Leacock et Da Pennebaker. En 1965, il est retourné en Angleterre pour entrer dans le programme de formation des réalisateurs grâce à une formation de concepteur de scène à la BBC.

En 1968, il a quitté la BBC pour fonder les Ridley Scott Associates, pour en faire l'une des maisons publicitaires les plus réussies d'Europe et pour commencer sa carrière bien connue en tant que réalisateur de là-bas.

Tous les Jones et Peter Phillips ont vécu à New York de 1964 à 1966 et se sont rendus ensemble aux États-Unis. Jones a déménagé en Allemagne (ordres d'enseignement dans les universités artistiques de Hambourg et de Berlin, documenta III 1964, documenta 4 1968 Kassel) puis de retour à la maison. Peter Phillips est resté à l'échelle internationale, avec des ordres d'enseignement à Birmingham et à Hambourg, des expositions du monde entier et voyage en Afrique et en Australie, il vit à Majorque aujourd'hui.

Derek Boshier est allé en Inde en tant que titulaire de bourse du gouvernement indien après l'obtention du diplôme, puis a fait carrière en Angleterre et a enseigné à la Central School of Art and Design à Londres pour enfin atterrir à Los Angeles.

, le seul RB American Kitaj -né en tant que professeur de dessin à la London Ealing School of Art, Camberwell School of Art and Slade School of Fine Art, a participé au documenta III à Kassel et à la Biennale à Venise en 1964 et n'est revenu qu'à la Marlborough-Gallery à New York aux États-Unis après neuf ans.

Hockney a trouvé le saut en février 1964: Lors de sa première grande excursion dans le monde, il a rencontré les payeurs d'argent d'Henry, alors la garde du Metropolitan Museum of Art de New York, connu pour son engagement envers les jeunes artistes et a encouragé Hockney à déménager à Los Angeles.

Il n'y avait que des talents comme Hockney: la même année, Hockney a terminé sa première exposition individuelle très réussie à la New York Alan Gallery , à l'été 1964, il a reçu un poste d'enseignant à l'Université de l'Iowa.

Hockney adopté la maison aux États-Unis, cependant, devient Los Angeles. Il était enthousiaste à propos de la Californie ; Pas étonnant que vous voyiez brièvement où David Hockney avait vécu jusqu'à présent:

La ville natale de Hockney, Bradford, était à un creux écologique et architectural en 1950/60, après un passé encore plus ligloreux: Bradford avait augmenté au 19e siècle d'une ville rurale avec quelques milliers d'habitants à la ville industrielle avec plus de 50 œuvres d'extraction de charbon et de la "capitale de la laine du monde".

Le paysage urbain offrait des logements des travailleurs inadéquats, des casernes militaires et des usines textiles, les 200 cheminées d'usine ont constamment déversé la fumée noire et contenant du soufre. Vers 1850, Bradford était la ville la plus sale d'Angleterre avec le choléra et la typhoïde en tant qu'invité permanent, l'espérance de vie moyenne des résidents était de dix-huit ans.

Bradford n'a guère été endommagé pendant la Seconde Guerre mondiale, mais la restructuration et la conversion par des autorités pleines de rares esthétiques pourraient détruire encore plus le visage historique de Bradford.

Lorsque David Hockney a grandi là-bas, Bradford était composé de bâtiments laids et de rues chaotiques remplies de chantiers de construction non garantis et d'une caserne de loyer uniforme avec des terrains de football sans trail vert entre les deux; Les maisons étaient brunes noires et laides et l'air était encore gris.

John Kasmin lui a rendu visite une ou deux fois par an aux États-Unis; Une photo des deux de 1965 a été prise aux États-Unis lorsqu'ils ont examiné une exposition de la nouvelle scène de peinture de Londres dans le Walker Art Center Minneapolis avec des artistes d'Angleterre.

Kasmin a grandi dans le district de Whitechapel de Londres par rapport à Bradford dans des conditions relativement paradisiaques et a rempli «pur paysage» en Nouvelle-Zélande pendant six ans à partir de l'âge de 17 ans. Dans ce contexte, il est compréhensible que le propriétaire de la galerie se souvienne d'une légère moquerie de la façon dont Hockney était amoureux de chaque détail de la vie de la Californie, même pour Disney, Hockney aurait pu le faire courir ...

From Hockney's perspective, on the other hand, California is the most logical choice of the world: free, inspiring (pop) kind instead of royal restriction, sun instead of drizzle, further horizon instead of close street gorge, swimming pools in the green instead of gravel -covered sports fields, cheerful and built boys (with free upper body) instead of serious masculinity in tie and collar ... Excessive abundance of the latest technical gadgets called Disneyland Fascine un artiste de la modernité, un propriétaire de galerie travaillant dans ce domaine devrait en fait être surpris comme le tout dernier.

Première fleur sous le soleil de Californie

Le temps de son départ vers la liberté était également le moment où David Hockney trouve le premier langage visuel : des formes claires et cool, de manière factuelle, se concentrer sur le traitement des nouvelles expériences, qui sont soigneusement sécurisées avec la caméra Polaroid tout aussi nouvelle.

Pour Hockney, le bon remède pour cette phase est la seule peinture acrylique inventée, les "images de douche" , les "images de la piscine" et les "scènes domestiques", , non seulement impressionnent par leurs couleurs et leur expressivité, mais aussi par crédits des derniers développements que le moment et à ce moment-là.

Les derniers développements techniques mis en œuvre dans l'art, dans une langue individuelle avec de grandes couleurs et des motifs clairs, sans engagements académiques, intellectuels ou psychologiques incompréhensibles - cette combinaison a touché et enchanté de nombreux amoureux de l'art moderne et rapidement aussi des personnes qui ont simplement recherché l'art magnifique et / ou l'art tendance avec une valeur élevée et une valeur de décoration.

Hockney est allé directement en Californie; Et ce fut le début d'une vie d'artiste, dont l'intensité peut provoquer des étourdissements avec le spectateur:

Entre 1965 et 1967, Hockney a reçu et a rempli les ordres d'enseignement à l'Université du Colorado à Boulder et à l'Université de Californie, Los Angeles et Berkeley, San Francisco.

En 1966, Hockneys a fait sa première conception de scène pour le London Royal Court Theatre et la pièce surréaliste d'Alfred Jarry "Ubu Roi", en commençant par de nombreuses conceptions de scène. Aujourd'hui, David Hockney est "seulement" un terme en tant que peintre, mais il travaillait comme designer de scène, photographe et graphiste que ces arts le prétendent à juste titre.

En 1968, Hockney a passé l'été à la maison en Angleterre et s'est rendu à Paris, au sud de la France, aux Cornouailles et en Irlande du Nord avec des amis. En automne, il a accompagné l'amour encore assez frais de sa vie, le photographe d'art californien Peter Schlesinger, à Londres, où il veut s'inscrire à la Slade School of Art.

Ensuite, nous continuons à St. Tropez, où il a visité "Le Nid du Duc" et a largement photographié - le domicile onirique du réalisateur, scénariste, producteur "Tony" Richardson (1964 4 Oscars pour "Tom Jones", Hotel New Hampshire, Phantom of Opera Ff.) Devrait jouer un rôle dans son art.

"Au fait", il a peint quelques-unes de ses images les plus célèbres ( Christopher Isherwood et Don Bachardy ; collectionneurs américains Fred et Marcia Weisman ) et a participé à Documenta 4 à Kassel.

Carrière de marathon avec des lignes intermédiaires sans fin

À ce rythme, il a continué: en 1969, Hockney a accepté une professeure invités au Hamburg Art College; Il fait toujours des voyages plus longs qui sont connectés au travail et aux expériences et à des séjours plus longs dans le coin respectif du monde.

Il dépense donc z. B. 1975 pendant longtemps à Paris; Avec ses parents, qui sont également comprimés de manière exhaustive. Toujours en 1975, Hockney permet aux recherches sur le cycle de gravure réalisées au début des années 1960 autour de "Werdeglang de William Hogarth, dans une conception de scène pour le Festival de Glyndebourne à East Sussex, sur lequel s'ajoute" The Rake's Progress "de Stravinsky.

Il y a toujours des idées d'art complètement nouvelles, à partir de 1976 z. B. Travail de collage de photos, dont chacun est composé de nombreuses images Polaroid. "Vingt images photographiques" et la composition composée de 63 Polaroids autour des sœurs et Hermiane Cornwall-Jones sont bien accueillies à l'époque, et elles sont également à elle seule contre les tendances à la mode de l'époque.

Aujourd'hui, ces œuvres sont souvent présentées comme une expression d'une "phase cubiste" de Hockneys et un examen tardif du cubisme et du travail de Picasso , mais cet argument a commencé Hockney sur le Royal College of Art.

En 1977, Hockney a été vu sur Documenta 6, 1978 à la 38e Biennale de Venise, 1979 à la 3e Biennale de Sydney; En 1978, Hockney a conçu la conception de scène pour la "Flûte magique" de Mozart pour l'opéra du Festival Glyndebourne à East Sussex.

En 1980, Hockney a repris la conception des ensembles de scène et des costumes pour un triple hommage à l'art français de l'ère Picasso à l'opéra métropolitain. L'œuvre opulente intitulée Parade était composée des œuvres "Parade", du ballet avec de la musique d'Erik Satie, de l'opéra "Les Mamelles de Tirésias" avec Libretto de Guillaume Apollinaire et de la musique de Francis Poulenc et de l'opéra "L'Enfant et les sortilges" avec livret de Colette et Music Ravel. En 1981, il y avait un autre triple ensemble de plateaux pour l'opéra métropolitain: "Le Sacre du Printlemps" de Stravinsky, "Le Rossignol" et "Oedipus Rex".

À partir de 1982, de nouveaux collages Polaroid, encore plus à facettes (encore plus cubistes?), Ont commis un jeu avec une grande variété de formats et de principes de composition ou de réglementation.

En 1983, Hockney a travaillé pour l'Opéra du Los Angeles Music Center et le Royal Opera House à Londres et fabrique des conceptions de scène pour l'œil et le théâtre des oreilles à New York. La même année, il a également complètement repensé la conception de la scène de l'opéra "L'enfant et les Sorilèges" pour l'exposition "Hockney Paints the Stage", l'œuvre est toujours admirée dans une installation permanente du Honolulu Museum of Art aujourd'hui.

En 1985, Hockney était sur la Biennale XIII de Paris, 1986 sur le type de papier (1ère Biennale internationale d'art papier à Düren, Westphalie), certainement à nouveau avec de nouvelles expériences; En 1987, il a conçu la conception de la scène de l'opéra de Richard Wagner "Tristan et Isolde" au nom de l'Opéra du Los Angeles Music Center.

Dès le milieu des années 1980, Hockney s'était rétabli davantage dans la peinture, cette fois, en particulier sous l'emploi d'Henri Matisse (et de Pablo Picasso, encore et encore).

Bientôt, quelques innovations techniques ont été prête à être traitées, à partir de la fin des années 1980, Hockney a expérimenté le domaine de la pression, des copies de couleurs, des appareils de télécopieur des tirages de copie de couleur, des dessins de fax et des graphiques informatiques abstraits sont créés, le nouveau complexe de travail des " impressions maison" .

En 1989, David Hockney a montré des œuvres sur la 20e Biennale de Sao Paulo Brésil et reçoit le "Praemium Imperial" . C'est la première fois que ce "Nobel Prize of the Arts" est décerné, Hockney partage le prix en peinture avec Willem de Kooning (1er gagnant des autres divisions: Skulptur Umberto Mastroianni; Architecture Ieoh Ming Pei; Music Pierre Boulez; Théâtre / film Marcel Carne).

À partir de 1991, Hockney a de nouveau conçu des ensembles de scène, pour "Turandot" de Puccini au Chicago Lyric Opera et pour "Frau sans ombre" de Richard Strauss en 1992 au Royal Opera House à Londres; Il a également été inclus en 1991 par les membres de la Royal Academy of Arts de Londres.

En 1994, Hockney a conçu dans les costumes et des ensembles de scène de Mexico pour douze Arias Opera dans le cadre de l'opération de télévision de Placido Domingo. Encore une fois, il utilise les derniers développements techniques, construit des modèles complexes dans un proscenium en mouvement de 1,8 MX 1,2 m dans une échelle de 1: 8 en utilisant une configuration assistée par ordinateur, avec laquelle il a pu programmer des paramètres légers à volonté et les synchroniser avec la bande sonore de la musique.

En 1995, Hockney a participé à la 46e Biennale de Venise; En 1997, il a reçu l'Ordre britannique des compagnons d'honneur (Ordre du Royaume-Uni et du Commonwealth, qui a honoré des services exceptionnels dans diverses divisions depuis 1917) et est inclus dans l'American Academy of Arts and Sciences.

En 2004, il a également été vu à la Biennale de Liverpool et à la Biennale de Whitney à New York.

En 2006, après des études approfondies sur les méthodes des anciens maîtres, son livre "Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters" est sorti; En 2012, Hockney a conçu une grande image de 176 mètres carrés pour l'Opéra d'État de Vienne, qui, dans la saison 2012/2013, est un point culminant de la série d'expositions "Eiserner Curtain" dans le cadre du "Museum in Progress".

En 2012, Hockney a reçu l' ordre du mérite de la reine (un ordre britannique pour les réalisations militaires, scientifiques, artistiques et littéraires exceptionnelles) - qu'il suppose également qu'il avait rejeté la chevalerie par la reine en 1990 (voir BBC.com ); Il participe également à la Biennale IV de l'art contemporain à Madrid; Comme en 2015 (à l'âge de 78 ans) dans la 5e Biennale de l'art contemporain de Thessaloniki ...

En 2017, David Hockney 80 ans, ce qui a été célébré avec une grande rétrospective dans la Tate Britain, Londres ( Tate.org.uk/whats-on/ ). L'opéra de San Francisco a restauré et relancé la conception de la scène Hockney pour Turandot en 2017, Hockney a reçu la médaille de l'Opéra de San Francisco.

Ce n'était même pas l'approche d'une biographie, juste une course rapide à travers quelques stations de la vie de Hockney. En plus de tous ces voyages, de la recherche, de l'enseignement et des expériences, David Hockney a créé de l'art avant tout; Assez d'art pour plus de 306 expositions en solo et près de 900 expositions de groupe ... il n'y a probablement pas encore de statistiques à ce sujet, mais de nombreux artistes n'ont certainement pas encore craqué la marque de 1000 expositions.

La troisième partie de ce cycle concerne l'image bien connue, David Hockneys, non seulement, car des artistes mondiaux comme David Hockney donnent au monde de nombreuses autres suggestions ...

Voici une sélection de ses œuvres sur Pinterest:

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