La carrière de David Hockney: bien plus que scandaleusement bonne humeur

David Hockney figure actuellement au 20e rang des plus grands artistes au monde classement indépendant d'ArtFacts

En 2012, pour son 75e anniversaire, Hockney était toujours classé n° 36 ; cependant, le peintre britannique était célébré par tant d'expositions de ses œuvres qu'à cette époque, il était également considéré comme l'un des trois à cinq artistes les plus importants au monde.

Les célébrations organisées pour son 80e anniversaire en 2017 ont même surpassé celles-ci.

Même le classement des plus grands noms peut évoluer considérablement ; toutefois, quiconque figure parmi les 100 meilleurs artistes d'un classement international reconnu pendant une période prolongée est assurément un artiste majeur qui influence profondément le monde de l'art. À l'instar de David Hockney , qui se classe régulièrement parmi les meilleurs dans tous les classements d'art contemporain depuis environ 1965.

La première partie de cette série consacrée à l'artiste de renommée mondiale a démontré et expliqué que David Hockney n'est pas, et n'a jamais été, un peintre pop art, même si ce style lui est souvent attribué. La section suivante se concentrera sur la carrière de David Hockney, offrant ainsi une nouvelle occasion de dissiper les représentations simplistes et répandues de cet artiste influent

David Hockney n'a pas fait carrière en Amérique ; il était déjà célèbre dans les milieux artistiques lorsqu'il y est arrivé. Hockney ne se contentait pas de peindre de magnifiques tableaux, mais travaillait avec succès dans une grande variété de disciplines artistiques

L'art nouveau, toujours dans la vieille Angleterre

En 1959, David Hockney intégra le Royal College of Art de Londres, espérant transformer sa formation purement académique reçue à Bradford en un moyen de développer son propre style. Comme tout jeune esprit libre, Hockney était fasciné par le Pop Art américain, coloré et débridé, et avait de solides raisons personnelles de s'en distancer, pour se tourner vers une critique sociale à la fois ironique et porteuse d'espoir.

Cependant, le sérieux avec lequel il poursuivait son travail artistique ne lui permettait pas de se livrer aussi volontairement au monde artistique beau et coloré du Pop Art américain contemporain, comme certaines représentations semblent le suggérer.

Hockney a d'abord dû faire un long détour par le vieux monde : jusqu'à la fin de ses études en 1962, il a travaillé avec la même détermination et de façon continue sur son propre langage visuel ; il voulait trouver ou inventer une expression complètement nouvelle entre abstraction et représentation figurative.

Il avait déjà éprouvé ses premiers conflits avec ce sujet à Bradford, mais ne l'avait pas encore abandonné durant son séjour là-bas. Au Royal College of Art, il s'est d'abord concentré exclusivement sur la perception et la mise en valeur de l'image en tant que surface. Cette caractéristique marquante des premières œuvres de Hockney au Royal College of Art (coucou Sandra Blow, voir Hockney, première partie) constituait une stratégie picturale très délibérée qui allait devenir une étape décisive pour l'artiste.

Étudier au cœur de la scène culturelle et artistique londonienne, travailler et discuter avec d'autres étudiants tout aussi intéressés par de nouvelles voies et de nouveaux moyens d'expression, a offert à Hockney de nombreuses occasions de s'engager dans les différents mouvements artistiques de son époque et de développer son propre langage visuel dans ce processus d'apprentissage.

La première approche de l’abstraction consistait en des peintures expressives sur carton dans un style abstrait comme « Growing Discontent » (1959, image non disponible), bien que le titre lui-même indiquât déjà l’aversion de Hockney pour un style de peinture expressif simplement gestuel à la Alan Davie et Jackson Pollock .

Hockney abandonna ces peintures abstraites au bout de quelques mois, car il réalisa que pour lui, le chemin vers la modernité ne pouvait pas consister à enfiler une nouvelle camisole de force stylistique appelée Pop Art au lieu des restrictions qu'il s'était péniblement affranchi des règles rigides de l'art royal traditionnel.

Hockney aspirait à davantage : une voix personnelle, un compromis élégant et novateur entre abstraction et figuration, chose introuvable dans l’art avant-gardiste des Américains à la mode. C’est pourquoi il préféra puiser à nouveau son inspiration chez les artistes européens, dont beaucoup s’efforçaient depuis longtemps de concilier abstraction et figuration.

Lors de ses visites aux expositions londoniennes au printemps 1960, il découvrit Francis Bacon (Bonjour, Sandra Blow), dont la peinture figurative devint la première source d'inspiration importante de Hockney.

Par ailleurs, Hockney a puisé son inspiration dans l'« Art Brut » de Jean Dubuffet, d'apparence primitive Brassaï le premier photographe de graffiti , qui avait déjà collecté des images de fresques parisiennes dans les années 1930.

L'idée apporta à Dubuffet un succès retentissant ; durant la période documenta de Dubuffet (trois apparitions consécutives : 1959, 1964, 1968), ses figures-tableaux encadrés d'une écriture primitive ou composés de lettres vivantes ( « Vertu virtuelle » ; « Espoirs et Options » ) étaient considérés comme « l'anarchie dans sa plus belle forme » pratiquement partout où l'art moderne pouvait être trouvé.

Pour Hockney, il s'agissait d'impulsions cruciales ; il ressentait un lien fort avec les représentations de Dubuffet, qui chevauchaient la ligne entre l'art enfantin et la haute culture égyptienne , et voyait dans ce « style anonyme » (« Davis Hockney » par David Hockney 1976, p. 67) un modèle essentiel pour son travail pendant son séjour au Royal College.

jamais perdre ce qu'une étudiante de Séoul (souligné par elle-même) appelle « tendance européenne émotionnelle ou centrée sur la figure » dans sa thèse de philosophie à l'Université Ludwig Maximilian de Munich sur les premiers travaux de David Hockney,

C’est peut-être précisément cette insistance sur les traditions artistiques européennes, l’hésitation de Hockney, comme de ses collègues britanniques, à adopter immédiatement les styles américains novateurs afin de s’affranchir de la tradition artistique européenne, qui a conduit à une œuvre d’« art global » capable d’inspirer les gens sur tous les continents.

Même dans la vieille Angleterre, les jeunes artistes de talent ont leurs chances

Vers la fin de ses études au Royal College of Art, Hockney développa son premier style d'expression unique, et grâce à celui-ci, il devint célèbre très tôt et très rapidement dans son pays natal :

En 1960, le talentueux M. Hockney fut invité à l'exposition annuelle du « London Group » . Le London Group est une association d'artistes londoniens toujours active aujourd'hui, fondée en 1913 en opposition avant-gardiste à la conservatrice Royal Academy of Arts ; son objectif déclaré est de « promouvoir la connaissance du public en matière d'art visuel contemporain par le biais d'expositions annuelles ».

La Royal Academy of Arts de Londres est l'institution artistique de Grande-Bretagne dédiée à la promotion de la peinture, de la sculpture et de l'architecture depuis sa fondation par George III, à la demande du monarque. George III régna de 1760 à 1820 ; à partir de 1765, il aurait montré les premiers signes de la maladie mentale qui assombrit la seconde moitié de son règne ; la Royal Academy of Arts fut fondée en 1768…

La vénérable Royal Academy n'était probablement pas animée des plus grands esprits bien avant le Brexit ; l'idée de présenter des œuvres de jeunes artistes (même homosexuels) comme David Hockney dans l'une de ses célèbres expositions estivales était tout simplement impensable.

On peut constater à quel point un membre de la RA (Royal Academy of Arts) est en retard sur son temps, par exemple, en observant que David Hockney lui-même n'a été élu à la Royal Academy of Arts de Londres qu'en 1991 – alors qu'il avait 54 ans et était un artiste célèbre depuis 30 ans.

Ce reportage du « Guardian » Grayson Perry, qui à 58 ans n'est plus vraiment jeune , a sauvé l'exposition de l'été 2018 (le 250e anniversaire de l'Académie) de sa « banalisation », selon le journaliste du Guardian, en présentant au milieu artistique britannique surpris une collection extravagante d'art trash.

À l'inverse, le London Group se réjouit, hier comme aujourd'hui, de la diversité stylistique que l'ensemble des jeunes artistes qui n'ont pas été remarqués ou ont été rejetés par la Royal Academy of Arts apportent à l'exposition annuelle.

David Hockney exposa à nouveau peu de temps après, et cette exposition Young Contemporarys de 1961 aux RBA Galleries de Londres devint célèbre pour avoir propulsé sur le devant de la scène les étudiants du Royal College, Patrick Caulfield , Derek Boshier , Allen Jones , David Hockney, RB Kitaj et Peter Phillips .

« Young Contemporaries » « New Contemporaries » en 1974 également une organisation britannique qui vise à soutenir les artistes émergents en début de carrière. Elle a été fondée par Carel Weight, le professeur de David Hockney.

En 1949, il eut l'idée d'utiliser la galerie à peine utilisée de la Royal Society of British Artists (RBA, une autre association d'artistes britanniques fondée en 1823 pour contrebalancer la Royal Academy, alors endormie) située sur Suffolk Street à Londres, pour y exposer les travaux des étudiants .

Aussitôt dit, aussitôt fait : les fondateurs ont également convenu de sélectionner les « Jeunes Contemporains » selon un processus si impartial et démocratique qu'on pourrait presque le qualifier d'anti-britannique : l'artiste postule anonymement avec une œuvre d'art ; les jurés ne prennent connaissance ni de l'école, ni de l'âge, ni de la nationalité du participant durant tout le processus de sélection.

En une décennie seulement, l'exposition annuelle Young Contemporaries s'était déjà forgée une réputation de vitrine des créations artistiques les plus novatrices de l'époque. Dès le début des années 1960, elle était devenue un événement incontournable pour les amateurs d'art contemporain, et les citoyens du monde entier sensibles à l'art moderne ne manquaient jamais ce spectacle.

L'exposition de 1961 fut un succès retentissant, notamment auprès des connaisseurs d'art avertis, qui s'emparèrent avec enthousiasme du nouveau Pop Art britannique et, surtout, des premières œuvres de David Hockney. Ces découvertes passionnantes firent l'objet de nombreuses discussions et David Hockney devint peu à peu un sujet de conversation incontournable dans le milieu artistique d'avant-garde.

Un galeriste retrouve son artiste

Cette exposition de jeunes contemporains de 1961 présentait également John Kasmin , un jeune rebelle de l'East End londonien qui avait récemment été expulsé de Nouvelle-Zélande par la police (en tant que bohème) et qui travaillait dans des galeries londoniennes depuis son retour.

En 1961, lors de l'exposition Young Contemporaries, « Doll Boy » de l'étudiant inconnu David Hockney (aujourd'hui conservé à la Tate). galerie Marlborough à New London. Après le travail, il invita Hockney à prendre le thé, l'apprécia et souhaita tellement acquérir le tableau qu'il était prêt à en parler à son patron et cofondateur de Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

De toute façon, Kasmin n'était pas autorisé à choisir selon ses propres goûts/son propre instinct à la galerie, alors il a démissionné (au grand dam des fondateurs de Marlborough, qui avaient déjà reconnu son potentiel) et a emmené avec lui le client le plus important de la galerie.

Ce Sheridan Dufferin, de son nom complet Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, 5e marquis de Dufferin et Ava, était donc fortuné. Il finança la création de la galerie Kasmin, qui occupait un vaste espace blanc et dépouillé sur New Bond Street à Londres et accueillit la première exposition personnelle de David Hockney en 1963.

Hockney a immortalisé Kasmin en 1963 dans le tableau « Play within a Play » ( curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play ) « comme un prisonnier entre la vie et l'art » , il savait donc probablement déjà à l'époque quelle chance avait été de trouver un galeriste comme John Kasmin, qui croyait en l'art et ne voulait pas seulement vendre des choses.

L'accueil réservé à la première exposition personnelle de Hockney à la galerie Kasmin de Londres fut extraordinaire ; David Hockney devint une étoile montante du prestigieux Royal College of Art. Le jeune homme, auparavant décrit comme d'une timidité exceptionnelle dans les « cercles royaux », laissait alors transparaître ses premiers signes de rébellion (tout en restant néanmoins perçu comme attachant, charmant et nullement calculateur).

Au milieu de cette gloire précoce se trouvait le diplôme universitaire de Hockney, qu'il n'a apparemment pas terminé – selon John Kasmin , il a refusé d'écrire un essai ou quelque chose de similaire, n'a donc pas reçu la médaille d'or habituelle et s'est plutôt acheté une veste en lamé doré.

Sans doute Hockney s'intéressait-il davantage au « Prix du dessin » qu'il avait remporté lors de sa dernière année d'études. Ce prix, d'une valeur de 100 livres, lui permit de financer un voyage à New York, Berlin et en Égypte afin d'y puiser l'inspiration pour ses illustrations.

On raconte que Hockney serait revenu de ce voyage blond platine, plus sûr de lui et plus extravagant. Comme beaucoup de ses confrères artistes, il n'appréciait guère le climat social qui régnait alors au Royaume-Uni : les homosexuels étaient encore passibles de la prison à vie en vertu du code pénal, même s'ils n'étaient plus poursuivis depuis le rapport Wolfenden de 1957.

Selon Kasmin, Kitaj, Blow et d'autres qui avaient déjà voyagé à travers le monde, il existait des œuvres d'art plus passionnantes « ailleurs » que les peintures murales de John Minton, les paysages en mosaïque de Julian Trevelyan et les « horribles petits dessins » ( citation de Kasmin) de Lucian Freud.

De manière générale, Hockney trouvait le temps trop mauvais, le pays trop nationaliste (coucou le Brexit) et beaucoup de gens trop étroits d'esprit et grincheux.

Hors des limites

Dans chaque « nation fière de son histoire glorieuse », la tentation de traiter l'étranger et le différent avec irrespect est omniprésente. Plus l'horizon est restreint, plus on perçoit de différences : les artistes indépendants dès que leur travail s'écarte des goûts dominants, et les personnes aux orientations sexuelles non conventionnelles, à plus forte raison.

Les sociétés modernes et civilisées combattent de telles tendances ; les libres penseurs indépendants ont toujours eu tendance à rejoindre les nations où cette lutte est menée avec le plus de succès à un moment donné – pour la plupart des jeunes artistes de l'Angleterre d'après-guerre, de grandes flèches rouges pointaient vers l'Amérique.

Cinq des six camarades de classe qui s'étaient fait connaître avec Hockney lors de l'exposition Young Contemporarys en 1961 se sont retrouvés plus ou moins rapidement aux États-Unis après avoir obtenu leur diplôme du Royal College of Art ; seuls deux d'entre eux sont ensuite retournés définitivement en Angleterre :

Ridley Scott obtint une bourse de voyage d'un an aux États-Unis et travailla pendant deux ans chez Time Life, Inc. avec les documentaristes Richard Leacock et D.A. Pennebaker. En 1965, il retourna en Angleterre pour suivre une formation de décorateur à la BBC, ce qui lui permit d'intégrer le programme de formation des réalisateurs.

En 1968, il quitte la BBC pour fonder Ridley Scott Associates, qui deviendra l'une des sociétés de production de films publicitaires les plus prospères d'Europe, lançant ainsi sa célèbre carrière de réalisateur.

Allen Jones et Peter Phillips ont vécu à New York de 1964 à 1966 et ont beaucoup voyagé à travers les États-Unis. Jones s'est ensuite installé en Allemagne (où il a enseigné dans des académies d'art à Hambourg et à Berlin, et participé à la documenta III en 1964 et à la documenta IV à Kassel en 1968) avant de retourner en France, son pays natal. Peter Phillips a poursuivi une carrière internationale active : il a enseigné à Birmingham et à Hambourg, exposé ses œuvres dans le monde entier et voyagé jusqu'en Afrique et en Australie. Il vit actuellement à Majorque.

Après avoir obtenu son diplôme, Derek Boshier

Seul Américain de naissance, RB Kitaj a enseigné le dessin à l'Ealing School of Art, à la Camberwell School of Art et à la Slade School of Fine Art à Londres jusqu'en 1967, a participé à la documenta III à Kassel et à la Biennale de Venise en 1964, et n'est retourné aux États-Unis qu'en 1965 après neuf ans d'exil à l'occasion de sa première exposition américaine à la galerie Marlborough-Gerson à New York.

Hockney s'est enfui en février 1964 : lors de son premier grand voyage à travers le monde, il avait rencontré Henry Geldzahler, alors conservateur du Metropolitan Museum of Art de New York, connu pour son engagement envers les jeunes artistes et qui avait encouragé Hockney à s'installer à Los Angeles.

Ils attendaient des talents comme Hockney : la même année, Hockney connut un grand succès lors de sa première exposition solo aux États-Unis à la galerie Alan , et durant l'été 1964, il obtint un poste d'enseignant à l'Université de l'Iowa.

Cependant, États-Unis Hockney la Californie  ; rien d'étonnant, quand on sait où David Hockney avait vécu auparavant :

La ville natale de Hockney , Bradford, traversait une période de déclin écologique et architectural dans les années 1950 et 1960, après un passé encore plus peu glorieux : au XIXe siècle, Bradford était passée d'une petite ville rurale de quelques milliers d'habitants à une ville industrielle comptant plus de 50 mines de charbon et la « capitale mondiale de la laine ».

Le paysage urbain était marqué par des logements ouvriers insalubres, des casernes militaires et des usines textiles dont les 200 cheminées crachaient sans cesse une fumée noire et sulfureuse. Vers 1850, Bradford était la ville la plus insalubre d'Angleterre, où le choléra et le typhus étaient fréquents, et l'espérance de vie moyenne de ses habitants n'était que de dix-huit ans.

Bradford a subi peu de dégâts pendant la Seconde Guerre mondiale, mais la restructuration et le réaménagement menés par des autorités incompétentes en matière d'esthétique ont peut-être détruit encore plus profondément le visage historique de Bradford.

Lorsque David Hockney grandissait là-bas, Bradford se composait de bâtiments laids et de rues chaotiques remplies de chantiers de construction non sécurisés et d'immeubles d'habitation uniformes avec des terrains de football sans la moindre trace de verdure entre eux ; les maisons étaient brun noirâtre et laides et l'air était encore gris.

John Kasmin lui rendait visite une ou deux fois par an aux États-Unis ; une photo d'eux deux datant de 1965 a été prise aux États-Unis alors qu'ils visitaient une exposition de la nouvelle scène picturale londonienne au Walker Art Center de Minneapolis avec des connaissances artistes anglaises.

Kasmin a grandi dans des conditions relativement idylliques, dans le quartier londonien de Whitechapel, face à Bradford, et, à partir de l'âge de 17 ans, a passé six ans immergé dans la campagne néo-zélandaise. Dans ce contexte, on comprend que le galeriste se souvienne avec une pointe d'ironie de l'engouement de Hockney pour chaque détail du mode de vie décontracté californien ; Hockney l'aurait même emmené à Disneyland…

Du point de vue de Hockney, la Californie est pourtant le choix le plus logique au monde : un art libre et inspirant (Pop) plutôt que des restrictions royales, du soleil plutôt que de la bruine, de vastes horizons plutôt que des rues étroites, des piscines dans la verdure plutôt que des terrains de sport recouverts de gravier, des garçons joyeux et bien bâtis (torse nu) plutôt qu’une masculinité sérieuse en costumes et cravates… et le fait qu’une profusion débordante des derniers gadgets technologiques appelés Disneyland fascine un artiste moderne devrait être la dernière chose qui surprenne un galeriste travaillant dans ce domaine.

Première floraison sous le soleil californien

L’époque de son départ vers la liberté fut aussi celle où David Hockney trouva son premier langage visuel personnel : des formes claires et froides, une approche objective, une attention portée au traitement des nouvelles expériences, soigneusement immortalisées par le tout nouveau appareil photo Polaroid, à des fins de réflexion.

Pour Hockney, le médium pictural idéal pour cette période était la peinture acrylique nouvellement inventée ; les « Tableaux de douche » , les « Tableaux de piscine » et les « Scènes domestiques » impressionnent non seulement par leurs couleurs et leur expressivité, mais aussi par leur adoption des dernières innovations de l'époque.

Les dernières avancées technologiques traduites en art, dans un langage personnel aux couleurs éclatantes et aux motifs clairs, sans enchevêtrements ni messages académiques, intellectuels ou psychologiques incompréhensibles – cette combinaison a touché et enchanté de nombreux amateurs d'art moderne, et rapidement aussi ceux qui recherchaient simplement un bel art et/ou un art tendance à la fois utilitaire et décoratif.

Hockney a véritablement percé en Californie ; et ce fut le début d'une vie artistique dont l'intensité peut donner le vertige au spectateur :

Entre 1965 et 1967, Hockney a reçu et rempli des missions d'enseignement à l'Université du Colorado à Boulder et à l'Université de Californie à Los Angeles et à Berkeley, à San Francisco.

En 1966, Hockney créa sa première scénographie pour le Royal Court Theatre de Londres et la pièce surréaliste d'Alfred Jarry, « Ubu Roi », marquant le début d'une longue série de créations scéniques. Aujourd'hui, David Hockney est souvent connu de ses contemporains « uniquement » comme peintre, mais son activité prolifique en tant que scénographe, photographe et graphiste justifie pleinement qu'on le considère également comme un artiste accompli dans ces domaines.

En 1968, Hockney passa l'été chez lui en Angleterre et voyagea avec des amis à Paris, dans le sud de la France, en Cornouailles et en Irlande du Nord. À l'automne, il accompagna à Londres son compagnon, le photographe d'art californien Peter Schlesinger, dont la relation était encore relativement récente ; Schlesinger comptait s'inscrire à la Slade School of Art.

Il se rendit ensuite à Saint-Tropez, où il visita « Le Nid du Duc » et prit de nombreuses photographies – la maison onirique du réalisateur, scénariste et producteur « Tony » Richardson (4 Oscars en 1964 pour « Tom Jones », Hotel New Hampshire, Le Fantôme de l’Opéra, etc.) jouera plus tard un rôle dans son art.

« En parallèle », il a peint certains de ses tableaux les plus célèbres ( Christopher Isherwood et Don Bachardy ; les collectionneurs américains Fred et Marcia Weisman ) et a participé à la documenta 4 à Kassel.

Une carrière marathonienne ponctuée d'incessantes pointes de vitesse

Ce rythme s'est poursuivi : en 1969, Hockney a accepté un poste de professeur invité à l'Académie des beaux-arts de Hambourg ; il a entrepris à plusieurs reprises de longs voyages, qu'il a combinés avec du travail, des expériences et des séjours prolongés dans les différentes régions du monde.

Par exemple, en 1975, il séjourna longuement à Paris avec ses parents, qui furent également largement représentés dans ses œuvres. Toujours en 1975, Hockney intégra les recherches qu'il avait menées au début des années 1960 pour le cycle de gravures inspiré de « The Rake's Progress » de William Hogarth dans une scénographie pour le Festival d'opéra de Glyndebourne, dans l'East Sussex, où était joué « The Rake's Progress » de Stravinsky.

Par ailleurs, des idées artistiques entièrement nouvelles ont constamment émergé, comme par exemple, à partir de 1976, des collages photographiques composés de nombreuses images Polaroid. « Vingt images photographiques » et la composition de 63 Polaroids représentant les sœurs Imogen et Hermiane Cornwall-Jones ont été bien accueillies à l’époque, illustrant une fois de plus une approche originale à contre-courant des tendances de la mode.

Aujourd'hui, ces œuvres sont souvent présentées comme l'expression de la « phase cubiste » et attribuées à un intérêt tardif pour le cubisme et l'œuvre de Picasso ; cependant, Hockney avait déjà entamé cet intérêt au Royal College of Art.

En 1977, l'œuvre de Hockney a été présentée à la documenta 6, en 1978 à la 38e Biennale de Venise et en 1979 à la 3e Biennale de Sydney ; en 1978, Hockney a conçu le décor de scène de « La Flûte enchantée » de Mozart au Festival d'opéra de Glyndebourne dans l'East Sussex.

En 1980, Hockney conçoit les décors et les costumes d'un triple hommage à l'art français de l'époque de Picasso au Metropolitan Opera House. Cette œuvre somptueuse, intitulée Parade, comprenait le ballet « Parade » sur une musique d'Erik Satie, l'opéra « Les Mamelles de Tirésias » sur un livret de Guillaume Apollinaire et une musique de Francis Poulenc, et l'opéra « L'Enfant et les Sortilèges » sur un livret de Colette et une musique de Maurice Ravel. En 1981, il crée un autre triple décor pour le Metropolitan Opera : « Le Sacre du Printemps », « Le Rossignol » et « Œdipe roi » de Stravinsky.

À partir de 1982, de nouveaux collages Polaroid sont apparus, encore plus multifacettes (encore plus cubistes ?), jouant avec une grande variété de formats et de principes de composition et d'ordre.

En 1983, Hockney travaillait simultanément pour le Los Angeles Music Center Opera et le Royal Opera House de Londres, et créait des décors pour l'Eye and Ear Theatre de New York. La même année, pour l'exposition « Hockney Paints the Stage », il repensait entièrement le décor de l'opéra « L'enfant et les sortilèges », une œuvre que l'on peut encore admirer aujourd'hui au Honolulu Museum of Art.

En 1985, Hockney participe à la XIIIe Biennale de Paris, et en 1986, à PaperArt (1re Biennale internationale d'art du papier à Düren, en Westphalie), certainement avec de nouvelles expérimentations ; en 1987, il conçoit le décor de l'opéra de Richard Wagner « Tristan et Isolde », commandé par le Los Angeles Music Center Opera.

À partir du milieu des années 1980, Hockney s'est de nouveau plongé dans la peinture, étudiant cette fois principalement Henri Matisse (et Pablo Picasso, à plusieurs reprises).

Bientôt, quelques innovations techniques étaient prêtes à être traitées, et à partir de la fin des années quatre-vingt, Hockney a expérimenté avec l'impression, les photocopieurs couleur et les télécopieurs – ce qui a donné lieu à des impressions en quadrichromie, des dessins par télécopie et des graphiques informatiques abstraits, le nouvel ensemble d'œuvres connu sous le nom de « Home Made Prints » .

En 1989, David Hockney expose son œuvre à la 20e Biennale de São Paulo au Brésil et reçoit le Praemium Imperiale . C'était la première fois que ce « prix Nobel des arts » était décerné ; Hockney partage le prix dans la catégorie peinture avec Willem de Kooning (premiers prix dans les autres catégories : sculpture Umberto Mastroianni ; architecture I.M. Pei ; musique Pierre Boulez ; théâtre/cinéma Marcel Carné).

À partir de 1991, Hockney conçoit à nouveau des décors de scène, pour « Turandot » de Puccini au Lyric Opera de Chicago et pour « Die Frau ohne Schatten » de Richard Strauss en 1992 au Royal Opera House de Londres ; en outre, il est admis comme membre de la Royal Academy of Arts de Londres en 1991.

En 1994, Hockney a conçu les costumes et les décors de douze airs d'opéra à Mexico pour l'émission télévisée Operalia de Placido Domingo. Une fois de plus, il a utilisé les dernières avancées technologiques, construisant des maquettes complexes à l'échelle 1:8 dans un proscenium mobile de 1,8 m x 1,2 m, grâce à un système informatique lui permettant de programmer les effets lumineux à volonté et de les synchroniser avec la bande sonore.

En 1995, Hockney a participé à la 46e Biennale de Venise ; en 1997, il a reçu l'Ordre britannique des Compagnons d'honneur (un ordre du Royaume-Uni et du Commonwealth qui honore des réalisations exceptionnelles dans divers domaines depuis 1917) et a été admis à l'Académie américaine des arts et des sciences.

En 2004, son travail a été présenté simultanément à la Biennale de Liverpool et à la Biennale du Whitney à New York.

En 2006, après une étude approfondie des méthodes des maîtres anciens, son livre « Secret Knowledge : Rediscovering the lost techniques of the Old Masters » a été publié ; en 2012, Hockney a créé une peinture de grande envergure de 176 mètres carrés pour l’Opéra d’État de Vienne, qui a constitué un point fort de la série d’expositions « Iron Curtain » dans le cadre du « museum in progress » de la saison 2012/2013.

En 2012, Hockney a reçu l' Ordre du Mérite de la Reine (une distinction britannique récompensant des réalisations exceptionnelles dans les domaines militaire, scientifique, artistique et littéraire) – qu'il a acceptée après avoir refusé le titre de chevalier proposé par la Reine en 1990 (voir bbc.com ) ; il a également participé à la 4e Biennale d'art contemporain de Madrid, ainsi qu'en 2015 (à l'âge de 78 ans) à la 5e Biennale d'art contemporain de Thessalonique…

David Hockney a fêté ses 80 ans en 2017 tate.org.uk/whats-on/ ). La même année, l'Opéra de San Francisco a reconstitué et remis en scène les décors de Turandot conçus par Hockney, ce qui lui a valu la médaille de l'Opéra de San Francisco.

Il ne s'agissait même pas d'une ébauche de biographie, mais simplement d'un bref aperçu de quelques moments clés de la vie de Hockney. Outre ses nombreux voyages, ses recherches, son enseignement et ses expérimentations, David Hockney s'est principalement consacré à la création artistique ; une œuvre si abondante qu'elle a plus de 306 expositions individuelles et près de 900 expositions collectives … Bien qu'il n'existe pas encore de statistiques officielles à ce sujet, nombreux sont les artistes qui n'ont certainement pas atteint le cap des 1 000 expositions.

La troisième partie de cette série est consacrée à l'œuvre visuelle renommée de David Hockney – mais pas exclusivement, car des artistes de renommée mondiale comme David Hockney offrent au monde de nombreuses autres sources d'inspiration…

Voici une sélection de ses œuvres sur Pinterest :

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