Artemisia Gentileschi – Le baroque italien vu au féminin

Les représentations de la société baroque italienne dans les tableaux d'Artemisia Gentileschi sont loin d'être flatteuses. Bien que l'artiste, considérée comme la seule femme peintre baroque italienne, représente des scènes historiques et bibliques dans ses œuvres, le tableau d'ensemble est loin d'être élogieux.

Mais on en sait suffisamment sur sa vie pour permettre une interprétation autobiographique : Artemisia Gentileschi – également connue sous le nom d’ Artemisia Lomi – a notamment dépeint des femmes fortes et des héroïnes.

Prenons par exemple le tableau « Judith décapitant Holopherne » : avec une expression froide, presque dégoûtée, Judith se penche sur le côté tandis qu'elle tranche la gorge d'Holopherne, étendu sur le lit, assistée d'un serviteur. Aucune pitié, aucun doute sur l'acte à commettre. Les personnages sont représentés avec plasticité et un réalisme saisissant ; le pathétique typique de l' époque baroque .

Vidéo : L'art expliqué – Judith décapite Holopherne

Des femmes fortes qui agissent comme il se doit : tel est le thème des peintures d’Artemisia Gentileschi. Que ses figures aient su capturer l’esprit de leur époque est évident : elle vivait non seulement de sa peinture, mais élevait aussi sa fille, qu’elle formait aux côtés d’artistes masculins dans son propre atelier.

Qui était Artemisia Gentileschi ?

Artemisia Gentileschi fut une peintre exceptionnelle de l' époque baroque . Fille de l'artiste romain Orazio Gentileschi, elle naquit à Rome. Elle démontra son talent remarquable à travers des tableaux d'histoire à dans des villes comme Rome, Venise, Florence, Naples et Londres.

Artemisia Gentileschi s'est distinguée sur la scène artistique de l'époque baroque . Comparée aux peintres de la Renaissance telles que Sofonisba Anguissola de Crémone et Lavinia Fontana de Bologne, connues pour leurs portraits et leurs peintures religieuses, Artemisia Gentileschi fut la première à acquérir une excellente réputation en tant que créatrice de compositions de grand format aux thèmes mythologiques et bibliques.

Dans le monde de l'art baroque, la peinture d'histoire était considérée comme le summum de la peinture. Les œuvres d'Artemisia Gentileschi représentent souvent des actes de violence avec des protagonistes féminines , ce qui peut s'expliquer par sa biographie ; la justesse de cette interprétation fait fréquemment l'objet de débats.

Talent et expériences traumatiques

Artemisia Gentileschi Lomi est née à Rome en juillet 1593. Elle était la fille du célèbre peintre romain Orazio Gentileschi, disciple du Caravage, et de son épouse Prudenzia di Ottaviano Montoni. Sa mère mourut alors qu'Artemisia n'avait que douze ans.

Deux de ses frères, tous deux prénommés Giovanni Battista, décédèrent en 1601 et 1603. Jusqu'en 1607, Artemisia fut apparemment la seule femme au sein du foyer paternel, avant que sa sœur Lucrezia, veuve, ne les rejoigne temporairement. De ce fait, Artemisia reçut probablement peu ou pas d'instruction, ce qui était courant pour les femmes de son époque, en particulier celles issues d'un milieu social similaire.

L'enfance d'Artemisia a dû être difficile. Son père était très autoritaire et suivait les mœurs du début du XVIIe siècle, qui prônaient une attitude autoritaire. Pour prouver sa vertu, Artemisia était rarement autorisée à sortir et devait toujours être accompagnée lors de ses déplacements.

Formation artistique

Son père l'a formée dans son atelier à partir de 1608 ou 1609, tout comme ses frères qui sont encore vivants.

Orazio, cependant, n'était pas professeur d'université. Artemisia n'eut donc pas l'occasion de reproduire des œuvres accessibles au public et dans les églises de Rome. Sa formation se limita probablement au broyage des pigments, au mélange des couleurs et à l'apprentissage des rudiments de la peinture par l'imitation des œuvres de son père.

Il est possible qu'Artemisia ait également étudié les gravures sur cuivre d'autres artistes.

Orazio Gentileschi reconnut très tôt le talent exceptionnel de sa fille Artemisia et commença sa formation lorsqu'elle avait environ 13 ou 14 ans. À 16 ans, elle peignait déjà de manière indépendante et faisait preuve d'un talent sans égal. Dans une lettre de 1612, Orazio loua les capacités d'Artemisia auprès de Christine de Lorraine.

Son premier tableau signé, « Suzanne et les Vieillards », datant de 1610 (voir ci-dessous), confirme son talent exceptionnel : l’œuvre est empreinte de maturité et de subtilité, alors qu’elle n’avait que 17 ans. Artemisia Gentileschi est devenue une artiste impressionnante, réalisant des chefs-d’œuvre dès son plus jeune âge.

Vidéo : Qui était Artemisia Gentileschi et comment se représente-t-elle dans ce rare autoportrait ?

Le baroque italien est principalement associé au Caravage , et cela vaut également pour l'atelier Gentileschi. Orazio Gentileschi fut non seulement influencé par le style du grand peintre, mais il était aussi son ami. Cela transparaît dans les tableaux de sa fille. Cependant, la peintre baroque italienne développa un style très naturaliste qui diffère des représentations plus idéalisées de son père.

Le premier tableau d'histoire connu d'Artemisia Gentileschi a été réalisé par la peintre baroque italienne à l'âge de 17 ans ; elle l'a également daté et signé. Aujourd'hui, le tableau « Suzanne et les Vieillards » à Pommersfelden. Sa représentation ne laisse aucun doute quant à l'agression sexuelle commise par les juges.

râpé

En 1611, Orazio Gentileschi accueillit Agostino Tassi (vers 1580-1644) dans son atelier. Les deux peintres collaborèrent à la fresque du plafond du Casino delle Muse, au Palazzo Pallavicini-Rospigliosi à Rome. Tassi devait également être le professeur d'Artemisia ; il était réputé pour ses paysages impressionnants. Orazio Gentileschi, le père d'Artemisia, fier de sa fille, avait reconnu son talent et souhaitait que ce confrère peintre l'aide à approfondir sa compréhension de la perspective.

Cependant, il viola Artémise en mai 1611 dans la maison de son père. Le père ayant par la suite dénoncé le crime, nous connaissons les détails sordides.

Extrait des archives judiciaires de 1612, déclaration d'Artemisia Gentileschi :

Arrivés à la porte, il m'a poussée dans la chambre et l'a verrouillée. D'un coup dans la poitrine, il m'a jetée sur le lit, puis a enfoncé son genou entre mes cuisses et m'a bâillonnée avec un mouchoir pour m'empêcher de crier. Il a alors relevé ma jupe, ce qui lui semblait difficile, a glissé son autre genou entre mes jambes et a pénétré mon vagin. Puis il a lâché ma main et a commencé à me pénétrer. Au moment de la pénétration, j'ai ressenti une vive brûlure et une douleur intense. J'ai résisté, mais je ne pouvais pas appeler à l'aide car il me couvrait toujours la bouche. Je l'ai griffé au visage, lui ai arraché quelques cheveux et, avant qu'il ne pénètre, je l'ai frappé si fort que j'ai arraché un morceau de chair. Mais il n'a pas baissé les bras et a continué. Il ne m'a lâchée qu'après avoir fini. Une fois libre, j'ai couru vers le tiroir de la table, j'ai pris un couteau, je me suis jetée sur Agostino et j'ai crié : « Je vais te tuer avec ce couteau, car tu m'as souillée ! »

Agostino Tassi n'était pas un homme innocent. Ses crimes connus allaient du meurtre à l'inceste. Artemisia Gentileschi a vécu de près ce que signifie être une femme : Tassi lui a menti au sujet d'une promesse de mariage, l'a forcée à subir des examens gynécologiques au tribunal et l'a contrainte à témoigner sous la torture.

Tout au long du procès, Tassi a nié avec véhémence les faits qui lui étaient reprochés. Il a accusé Artemisia de mensonge et a réfuté toutes les accusations par des attaques effrontées. Il avait une nouvelle version des faits, inventée de toutes pièces, prête pour chaque interrogatoire. Bien que son casier judiciaire comprenne des condamnations pour meurtre, vol et inceste, Tassi n'a pas été torturé ; les juges l'ont néanmoins cru.

En octobre 1612, le procès s'acheva après huit mois sans résultat significatif. Tassi fut acquitté et reprit sa carrière sans encombre ; Orazio, le père d'Artemisia, renoua également leur amitié.

Pour Artemisia, en revanche, la situation était différente : elle a dû payer à maintes reprises le prix de sa condition de femme. Il a fallu étouffer le scandale qui avait fait grand bruit dans tout le pays et rétablir sa réputation.

Pour assurer un avenir à sa fille malgré le déshonneur qu'elle avait subi, le père maria Artemisia à un artiste florentin. Avec son nouvel époux, Pietro Antonio Stiattesi, elle s'installa à Florence la même année, mais se sépara rapidement d'eux.

Artemisia resta mariée à Stiattesi, mais entretint une liaison de longue durée tolérée par son époux et voyagea à travers l'Europe sans lui. Des deux fils et trois filles issus de cette union, seule Prudenzia Stiattesi atteignit l'âge adulte.

Escale à Florence : Reconnaissance en tant qu'artiste

Le baroque italien ne se limitait pas à Rome : Florence comptait également ses artistes et ses mécènes. Artemisia Gentileschi put achever un tableau à la Casa Buonarroti en 1613, et devint à Florence peintre de la cour des Médicis. Elle trouva également un autre protecteur en la personne de Charles Ier d'Angleterre.

Même à Florence, la peintre acquit une certaine notoriété auprès des collectionneurs et des intellectuels. Elle fréquenta l' Michelangelo Buonarroti le Jeune et Cristofano Allori. L' Accademia delle Arti del Disegno l'admit le 19 juillet 1615 comme sa première femme membre.

Par l'intermédiaire de Michel-Ange Buonarroti le Jeune, Artémise fit la connaissance des personnalités les plus importantes de la cour des Médicis à Florence. Il fut non seulement son ami et son mécène, mais aussi un soutien financier pour elle et son époux. C'est avec lui qu'elle réalisa, pour la Casa Buonarroti, « Allégorie de l'Inclination 

On suppose que leur relation était ancienne, puisque Buonarroti devait même être le parrain de sa fille. Grâce à lui, Artemisia entra dans un cercle d'intellectuels, d'écrivains, d'artistes et de musiciens, ce qui influença considérablement son œuvre et sa réputation à Florence.

À partir d'août 1615, Artemisia Gentileschi, en collaboration avec les artistes Agostino Ciampelli, Sigismondo Coccapani, Giovan Battista Guidoni et Zanobi Rosi, travailla à la fresque du plafond de la Casa Buonarotti. Cette œuvre est la seule documentée de son séjour à Florence. Les historiens de l'art interprètent la représentation de l' allégorie du nu comme un autoportrait idéalisé de l'artiste.

Durant cette période, elle reçut également des commandes de Cosme II de Médicis , grand-duc de Toscane, et de Christine de Lorraine. On sait qu'elle écrivit une lettre à Galilée  ; elle l'avait probablement rencontré à Florence.

Formation complémentaire pendant la phase florentine

La cour des Médicis fut importante pour Artemisia Gentileschi, car elle lui offrit non seulement un emploi et un soutien financier, mais lui permit également de poursuivre ses études. Elle s'enthousiasma pour l'art florentin et prit Christine de Lorraine pour modèle. L'artiste apprit à lire et à écrire et approfondit ses connaissances en littérature et en musique.

Malheureusement, la plupart des œuvres de sa période florentine sont perdues. On sait aujourd'hui qu'elle travailla Marie-Madeleine d'Autriche « Judith décapitant Holopherne » , ainsi qu'une « Diane au bain ». « Hercule » également parmi ses créations. Nous le savons car Artemisia Gentileschi se fit livrer de l'outremer pour l'Hercule, mais ne régla jamais la facture.

Mère de 5 enfants malgré son succès artistique

Il est vraiment admirable de voir comment Artemisia a réussi à travailler avec autant d'assiduité malgré ses grossesses. En seulement cinq ans, elle a donné naissance à cinq enfants : Giovanni Battista, Agnola, Cristofano, Prudenzia (également connue sous le nom de Palmira) et Lisabella.

Seuls deux de ses enfants vécurent assez longtemps pour l'accompagner à Rome. Malgré l'agrandissement de la famille, Pierantonio ne pouvait subvenir à tous les besoins d'Artemisia, et le peintre entama alors une liaison avec Francesco Maria Maringhi. Ce dernier était un administrateur respecté au service de Matteo Frescobaldi, le propriétaire d'une propriété florentine chez Artemisia.

L'histoire d'Artemisia témoigne de sa force et de sa détermination à continuer de réussir malgré toutes les épreuves rencontrées sur son chemin personnel.

Situation difficile à Rome

Dès mars 1620, Gentileschi et Stiattesi étaient de retour à Rome. Le peintre baroque italien était associé à l'humaniste et amateur d'art Cassiano das Pozzo et ami Pierre Dumonstier II

Dans les années 1620, le baroque italien était caractérisé par la réalisation de retables de grande envergure . Pourtant, Artemisia Gentileschi ne reçut aucune commande pour ce type d'œuvres. Peintre de portraits et de figures bibliques, elle profita des six années suivantes à Rome pour réorienter son style artistique. L'ambassadeur d'Espagne, Fernando Afán de Ribera, lui acheta une « Madeleine », ainsi qu'un « David » et un « Christ bénissant les enfants ».

Cassiano da Puzo joua un rôle encore plus important pour la peintre baroque italienne . Secrétaire du cardinal Francesco Barberini, il présenta Artemisia Gentileschi à son cercle d'amis artistes, parmi lesquels Simon Vouet, Nicolas Poussin et Giovanna Garzoni. Vouet réalisa d'ailleurs un portrait d'Artemisia Gentileschi qui témoigne de ces liens.

Artemisia fut présentée aux cercles francophones de Rome dans les années 1620, probablement par Simon Vouet. Vouet et Cassiano dal Pozzo jouèrent tous deux un rôle important dans sa vie. Vouet devint président de l'Accademia di San Luca et réalisa des portraits qu'Artemisia admirait. Dal Pozzo, secrétaire papal et neveu d'un cardinal, possédait des portraits d'Artemisia et lui commanda un autoportrait.

Ils restèrent en contactez-nous même après le départ d'Artemisia pour Naples. Dans les années 1630, elle lui écrivit avec beaucoup d'affection, lui demandant de l'aide pour sa fille.

Trois ans à Venise

Artemisia Gentileschi fit ensuite escale à Venise . La peintre baroque quitta Rome en 1626 ou 1627 et y passa les trois années suivantes. On connaît, par exemple, une feuille volante de 1627 dont les vers sont dédiés à trois de ses tableaux.

Sa présence est attestée dans les lettres d'Antonino Collurafi qui ont été publiées.

En 1628, Artemisia Gentileschi fut commandée par le comte d'Oñate, au nom du roi d'Espagne, pour peindre un tableau flanquant « Hercule et Omphale ». Cette prestigieuse commande, la première qu'elle obtint du monarque espagnol, la consacra comme l'une des peintres les plus importantes d'Europe. Ce succès l'incita peut-être à s'installer à Naples, ville alors sous domination espagnole et offrant de meilleures perspectives économiques.

Évaluer le développement artistique d'Artemisia à Venise est un défi, car il doit être déduit d'un seul tableau des années 1626 à 1630 : « Esther devant Assuérus » (1628-1630, The Metropolitan Museum of Art, New York).

Cette œuvre illustre l'histoire biblique de la courageuse Esther, qui fait preuve de bravoure en sauvant le peuple juif. Artemisia y saisit avec maestria la tension et la portée de cette scène. La composition soignée des personnages et le subtil traitement de la lumière et de l'ombre témoignent de son talent de peintre.

Échapper à la peste : Naples

On ignore la date exacte de l'arrivée de l'artiste à Naples. Cependant, elle y fut présentée dès l'été 1630 et y passa probablement le reste de sa vie, hormis un bref séjour à Londres.

À Naples, elle réalisa des œuvres pour l'infante Marie d'Espagne, et Artemisia Gentileschi correspondit avec Cassiano da Pozzo à Rome. Elle datait et signait l' « Annonciation » et « Clio, Muse de l'Histoire » .

Naples était alors une ville onéreuse. Pourtant, la peintre romaine, qui avait achevé sa formation à Florence et venait de Venise, était apparemment bien établie dans le milieu artistique. Elle collaborait avec d'autres artistes locaux sur des séries de tableaux, avait reçu des commandes du vice-roi Manuel de Acevedo Zúñiga y Fonseca et connaissait l'artiste Massimo Stanzione.

Artemisia s'installa à Naples pendant près d'un quart de siècle, hormis un bref séjour à Londres à la fin des années 1630. Bien qu'elle ait eu l'intention de quitter la ville, comme elle l'exprima dans une lettre à Andrea Cioli, elle se retrouva prise dans le chaos de la guerre et confrontée au coût élevé de la vie.

Néanmoins, Artemisia s'intégra avec succès à la scène artistique napolitaine et reçut ses premières commandes publiques. Elle peignit son premier retable à la fin de sa trentaine.

Contrairement à d'autres artistes « étrangers », Artemisia n'a pas été systématiquement persécutée par les peintres napolitains. Cela tient peut-être au fait qu'elle ne représentait pas une concurrence directe pour les grands projets décoratifs de la ville et qu'elle possédait un sens social aigu. De plus, elle avait un allié en la personne de Massimo Stanzione, rencontré lors de son séjour à Rome ; celui-ci a joué un rôle déterminant dans l'obtention de commandes pour Philippe IV et la cathédrale de Pouzzoles.

Dans les années 1630, Artemisia réalisa d'importantes commandes publiques et servit une clientèle privée fidèle à Naples . Durant cette période, elle élargit son répertoire de récits historiques et bibliques pour y inclure des allégories et des thèmes littéraires.

Contrairement à d'autres artistes comme Jusepe de Ribera ou Battistello Caracciolo, l'art napolitain d'Artemisia se caractérisait par un style naturaliste élégant , qui a été décrit comme un « naturalisme tempéré et un classicisme modéré » .

Parmi ses influences figuraient Simon Vouet, ainsi que des peintres contemporains tels que Massimo Stanzione, Paolo Finoglia et Bernardo Cavallino, avec lesquels Artemisia a étroitement collaboré. On sait qu'Artemisia a créé des œuvres où l'on peut identifier plusieurs interventions – ce qui peut s'expliquer en partie par les exigences croissantes de son atelier et la nécessité de satisfaire les demandes des clients.

La collaboration avec d'autres artistes était courante à Naples ; par exemple, elle a travaillé avec des spécialistes du paysage tels que Domenico Gargiulo (également connu sous le nom de Micco Spadaro) ou le peintre d'architecture Viviano Codazzi.

Durant ses dernières années à Naples, sa collaboration avec le peintre de figures Onofrio Palumbo a même été documentée. Cela s'explique peut-être par des raisons pratiques : son âge avancé et sa santé déclinante l'obligeaient à remplir certaines obligations.

Brève parenthèse à Londres

La peintre baroque italienne a vécu à Londres entre 1638 et 1640. Elle y a assisté son père pour les peintures du plafond de la Queen's House à Greenwich .

Durant son séjour à Londres, Artemisia aurait participé à la conception du plafond de la Grande Salle de la Queen's House à Greenwich. La reine Henriette Marie avait commandé à Orazio Gentileschi une série de fresques pour le plafond, illustrant le thème de la paix triomphant des arts.

Destinées initialement à la résidence de la reine, les peintures furent installées à l'automne 1638, puis transférées à Marlborough House. L'iconographie avait très probablement été convenue avec l'architecte Inigo Jones avant l'arrivée d'Artemisia à Londres.

Bien qu'il soit tentant de supposer que le père et la fille aient pu travailler ensemble sur ce projet, la contribution d'Artemisia n'est pas documentée et son implication est contestée en raison du mauvais état des toiles après leur retrait de la Maison de la Reine.

Retour à Naples

Son père mourut à Londres. En 1641, elle retourna à Naples – elle avait probablement été employée directement par la reine pendant son séjour en Angleterre.

Son dernier tableau connu, « Suzanne et les vieillards », a été créé en 1652, peu après sa guérison d'une maladie, alors qu'elle avait presque soixante ans.

Les registres fiscaux de Naples font encore état de paiements effectués par la peintre en août 1654, après quoi on perd toute trace d'elle.

Comment décrire brièvement le style artistique d'Artemisia ?

L'art d'Artemisia Gentileschi est stylistiquement influencé par Caravage et son père Orazio, mais elle met davantage l'accent sur le réalisme et le naturalisme.

Ses peintures se caractérisent par des représentations saisissantes qui impressionnent par la richesse de leurs couleurs et le réalisme de leurs carnations. Elle a rompu avec les représentations traditionnelles des figures féminines dans les récits bibliques et mythologiques en présentant des héroïnes fortes, capables d'agir de manière autonome.

Artemisia Gentileschi représentait les femmes dans ses œuvres comme des figures fortes, courageuses et rebelles, s'affranchissant des « féminines » . Ces représentations de femmes égales aux hommes, voire en tant que personnages principaux, étaient novatrices pour son époque. Les critiques du XXe siècle ont salué l'audace de sa touche et l'absence de toute timidité ou faiblesse dans ses peintures.

Gentileschi a été victime d'abus sexuels durant son adolescence, un traumatisme qui transparaît dans nombre de ses œuvres. Des thèmes tels que l'abus de pouvoir , le viol et la violence sont récurrents dans ses peintures.

On pense que la peinture de ces motifs l'a aidée à surmonter son traumatisme et à rechercher vengeance et réparation à travers son art.

Le baroque italien sans Artemisia Gentileschi ? Impensable !

L'artiste était une figure atypique pour son époque et a dû lutter avec acharnement pour se faire une place dans le monde de l'art. Cependant, comme en témoignent les récits qui nous sont parvenus, elle a su la conserver et la défendre. Elle était consciente de sa situation, comme en attestent ses propres écrits.

1916 : Reconnaissance tardive par les historiens de l’art

Ce n’est qu’en 1916 – environ trois siècles après son œuvre – que l’historien d’art italien Roberto Longhi lui consacra une étude détaillée.

L’historien de l’art a localisé, identifié, comparé et évalué les peintures d’Artemisia Gentileschi. Finalement, il était fermement convaincu qu’elles :

La seule femme en Italie à avoir jamais su ce que sont la peinture, la couleur, le mélange et autres choses essentielles du même genre

Selon Longhi, elle appartient – ​​indépendamment de son sexe – aux « grands maîtres » du XVIIe siècle. Elle est considérée comme la fondatrice du « caravagesque napolitain » et ses œuvres n’ont aucune raison d’être comparées à celles de contemporains aussi renommés que Vermeer et Van Dyck (cf. EMMA : Gentileschi – La vengeance de l’artiste ).

Malgré son talent exceptionnel, Artemisia a dû surmonter de nombreuses épreuves. Elle fut victime d'un procès public pour viol intenté par un collègue de son père – un événement qui marqua profondément sa vie. Néanmoins, elle refusa de se laisser abattre et poursuivit son chemin avec détermination.

L'accueil réservé à son œuvre fut cependant difficile pendant longtemps. Nombre de ses tableaux furent attribués à d'autres artistes (hommes) ; Artemisia Gentileschi fut méprisée, niée et ignorée. Si nous en savons autant sur elle aujourd'hui, c'est grâce à un concours de circonstances favorables : l'artiste signait souvent ses toiles, disposait d'un atelier assez important et acquit une certaine notoriété. Elle fut influencée par les artistes hollandais et français rencontrés à Rome et, parfois, croula sous les commandes.

La redécouverte d'Artemisia Gentileschi par Anna Banti

Anna Banti écrivit une biographie romancée d'Artemisia Gentileschi . Cette biographie permit à l'histoire de l'art de redécouvrir la figure la plus marquante du baroque italien.

En 1976 et 1977, des tableaux d'Artemisia Gentileschi ont été présentés dans l' exposition « Femmes artistes » . Depuis, cette peintre baroque italienne est devenue une légende, une icône, un modèle et l'objet de nombreux fantasmes.

Aujourd'hui, Artemisia Gentileschi reçoit enfin la reconnaissance qu'elle mérite. Elle est célébrée comme une pionnière de l'histoire de l'art féministe, et ses contributions novatrices à la peinture du XVIIe siècle sont reconnues.

Son œuvre continue d'inspirer de nombreuses artistes féminines à travers le monde qui luttent contre vents et marées pour vivre de leur passion. Le mouvement « Me Too », , peut aisément s'identifier à cette femme forte qui s'est imposée dans un monde dominé par les hommes.

Artemisia Gentileschi, figure emblématique du mouvement féministe

une importance particulière pour les féministes depuis les années 1970 , après que l'historienne de l'art féministe Linda Nochlin un article intitulé « Pourquoi n'y a-t-il pas de grandes artistes femmes ? » pour répondre à cette question.

Dans cet article, elle a examiné le concept de « grande artiste femme » et a constaté que les femmes dans l'art et d'autres domaines ne bénéficiaient pas de la même reconnaissance que les hommes en raison de structures oppressives, et non parce qu'elles étaient moins talentueuses.

Nochlin a souligné l'importance d'étudier Artemisia et d'autres artistes femmes pour mieux comprendre la contribution des femmes à l'histoire de l'art. d' Eve Straussman , « Violence, Planters & Virtue: Artemisia's Judith Slays Holofernes », est préfacé par Douglas Druick , qui mentionne que l'article de Nochlin a incité les chercheurs à redoubler d'efforts pour intégrer les femmes artistes à l'histoire de l'art et de la culture.

Cependant, des voix critiques s'élèvent également concernant l' « instrumentalisation » du peintre à des fins féministes et une vision unidimensionnelle de l'artiste.

Le viol d'Artemisia est souvent mis en avant dans la littérature féministe, où elle est dépeinte comme une survivante traumatisée mais courageuse et révoltée, dont le quotidien professionnel était marqué par le sexe et la violence. Selon l'historienne de l'art Griselda Pollock (2006), la culture populaire se focalise souvent uniquement sur cet épisode et occulte l'impressionnante carrière d'Artemisia, qui s'est étendue sur plusieurs décennies dans les principaux centres artistiques européens de l'époque (voir Artmajeur Magazine : Artemisia Gentileschi ).

Les chercheuses féministes considèrent depuis longtemps Artemisia comme une figure emblématique du féminisme. Elle a peint des femmes fortes et s'est imposée comme une artiste reconnue dans le monde de l'art de son époque, alors dominé par les hommes, tout en élevant seule son enfant. Ce parcours reste d'une grande actualité, notamment face aux difficultés rencontrées par de nombreuses femmes pour concilier vie professionnelle et vie familiale.

Vidéo : Artemisia Gentileschi en 8 tableaux | La National Gallery, Royaume-Uni

Œuvres très recherchées

Dans les années 2010, les prix des tableaux d'Artemisia Gentileschi dépassaient déjà le million d'euros. En 2014, Sotheby's un « Portrait de Marie-Madeleine » pour 865 500 euros, tandis qu'en 2017 et 2018, le prix a presque doublé. Cependant, le record actuel est détenu par une « Lucrèce », vendue pour 4,78 millions d'euros chez Artcurial à Paris en novembre 2019.

Aujourd'hui, les œuvres de ce peintre baroque italien sont exposées à la Galerie des Offices à Florence, au musée du Prado à Madrid et au Metropolitan Museum de New York .

D'autres tableaux se trouvent dans la collection Schönborn à Pommersfelden, à Londres, dans l'Ohio et à Détroit. Et à Berlin.

Références et bibliographie :

• Artemisia (Catalogue d'exposition, National Gallery, Londres, 2020-2021), Londres 2020
• Artemisia Gentileschi et son suo tempo , éd. v. F. Baldassari et MB de Ruggieri (cat. exposition Palazzo Braschi, Rome 2016-2017), Rome 2016.
• Orazio et Artemisia Gentileschi , éd. par K. Christiansen et JW Mann (catalogue d'exposition, Museo del Palazzo di Venezia, Rome, 2001–2002).
• Susanna Partsch : Artemisia Gentileschi : Une peintre baroque combative – Une femme d'affaires sans compromis – Une artiste entre Florence et Rome (Une série de femmes intelligentes) , éd. par Molden Verlag dans Verlagsgruppe Styria GmbH & Co. KG (6 mars 2023), ISBN-13 : 978-3222150807
• Anna Banti : Artémisia . Roman. (= Artemisia ) Traduit de l'italien par Sylvia Höfer, publié par Fischer-Taschenbuch-Verlag (Fischer-Taschenbücher, 1995) ISBN 3-596-12048-9
• Garrard, Mary D. : Artemisia Gentileschi : L'image de l'héroïne dans l'art baroque italien , éd. v. University Press Group Ltd, ISBN-13 : 978-0691002859
• Carla Heussler : L'art est féminin ! : Une autre histoire de l'art, d'Artemisia Gentileschi à Yoko Ono. Peintres femmes à succès, redécouvertes intéressantes et artistes contemporaines portraitistes, sous la direction de W.B.G. Theiss ; 1re éd. (22 septembre 2023)
• Eve Straussman-Pflanzer,  Oliver Tostmann : De sa main : Artemisia Gentileschi et les femmes artistes en Italie, 1500-1800 , éd. v. Yale University Press (30 novembre 2021), ISBN-13 : 978-0300256369

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