Andy Warhol – Biographie, vie et œuvre

Andy Warhol est né le 6 août 1928.

Vous devez mémoriser ça ? Il n'y a pas beaucoup de points de repère pour le 6 août 1928 ; il ne s'est probablement pas passé grand-chose d'excitant dans le monde ce jour-là.

Mais l'année 1928 restera peut-être mieux gravée dans votre mémoire si vous lisez la liste des autres personnes nées cette année-là :

• L'actrice Jeanne Moreau
• Fats Domino, légende du rock 'n' roll
• Le pianiste de jazz Paul Kuhn
• Le compositeur et chanteur Serge Gainsbourg
• Chef révolutionnaire Che Guevara
• artiste Friedensreich Hundertwasser

Si vous trouvez d'autres dates de naissance pour Andy Warhol quelque part, ne soyez pas surpris et ne nous soupçonnez pas de recherches bâclées – Andy Warhol aimait jouer un peu avec sa date de naissance, comme beaucoup de divas vieillissantes ; il lui arrivait de paraître deux ou cinq ans plus jeune.

Le vrai nom d'Andy Warhol

Andy s'appelait à l'origine Andrej (Andrijko), et son nom de famille était Varhola. Ses parents avaient déjà américanisé le nom de famille en Warhola , et le petit Andrej est rapidement devenu Andrew dans son nouvel environnement, Andy étant le diminutif.

Andy Warhol, avec la perte du « a », est « officiellement né » lorsqu'un magazine a publié des dessins de lui au début des années 1950, qu'il a signés « Andy Warhol » et qu'il a conservés.

Le surnom d'Andy Warhol

« Drella » par ses amis , un nom combinant « Dracula » et « Cendrillon ». On ignore si ce surnom a été inventé par Andy Warhol lui-même ou par l'une de ses « superstars » (Robert Xavier Francis Peter Michael Olivo, surnommé Ondine).

Les disciples de Warhol, les « Hommes-Taupes » peuplaient Factory , l'ont certainement adopté rapidement.

Aperçu des principales étapes de la vie

• Naissance en 1928
• 1945 Études de graphisme à l'Institut de technologie Carnegie de Pittsburgh
• 1949 Fin des études
• 1950 Premières publications de quelques dessins ; entre-temps, travail par exemple comme graphiste publicitaire
• 1952 Première exposition personnelle (Quinze dessins inspirés des écrits de Truman Capote)
• 1956 Grande exposition au Museum of Modern Art de New York, mais en tant qu'artiste graphique
• 1962 Première exposition en tant qu'artiste Pop Art à Los Angeles et fondation de la "Factory"
• Exposition de 1964 intitulée « Le supermarché américain » à la galerie Upper East Side de New York
• Tentative d'assassinat contre Warhol en 1968 : blessures mettant sa vie en danger
• 1971 Première de sa première pièce « Porc »
• 1972 Décès de sa mère, qu'il avait aimée plus que tout
• Warhol meurt à New York le 22 février 1987, des suites d'une opération de la vésicule biliaire

Le lieu de naissance d'Andy Warhol

Andy Warhol est né à Pittsburgh , en Pennsylvanie, aux États-Unis. La Pennsylvanie doit son nom à son fondateur, William Penn ; Silva signifie forêt, donc en allemand, cela signifie « la forêt de Penn ».

Cet État de l'est des États-Unis est l'un des treize États fondateurs et se situe au sud de New York. Pittsburgh est la deuxième plus grande ville de Pennsylvanie après Philadelphie et, à l'époque de sa naissance, un centre important de l'industrie sidérurgique américaine.

Les parents et l'enfance d'Andy Warhol

Les parents d'Andy Warhol, Ondrej et Julia Justyna Varhola, avaient immigré aux États-Unis quelques années auparavant, en provenance d'un village des Carpates, aujourd'hui en Slovaquie. Andy était le quatrième enfant de cette famille alors assez pauvre ; il passa les six premières années de sa vie dans le quartier défavorisé de Soho.

Durant son enfance, il a souffert de diverses maladies, notamment d'un trouble de la pigmentation qui lui donnait une apparence albinos. Bien que cela ait rendu difficile ses relations avec ses pairs, cette maladie a favorisé son talent artistique. Ses nombreux séjours à l'hôpital l'ont amené à développer un profond intérêt pour différentes formes d'art.

À l'âge de huit ans, Warhol tomba gravement malade de la chorée de Sydenham, une maladie qui l'obligea à rester alité. Son alitement prolongé a probablement jeté les bases de son succès artistique ultérieur ; pendant longtemps, le jeune Andy ne pouvait guère faire plus que lire des bandes dessinées, dessiner ou découper des figurines en papier.

Formation professionnelle

Andy Warhol a suivi une formation d'artiste commercial à l'Institut de technologie Carnegie de Pittsburgh de 1945 à 1949, obtenant un diplôme en peinture et design à l'âge de 21 ans. Après cela, le jeune visionnaire était irrésistible.

Activité professionnelle

En 1950, Andy Warhol s'installe à New York avec son camarade d'études Philip Pearlstein, au cœur de ce qui était alors le phénomène naissant de la publicité de masse. Pendant une dizaine d'années, il vit de petits boulots : graphisme publicitaire, étalage de vitrines et vente ambulante de fruits et légumes.

La publicité était la principale source de revenus, mais aussi la plus chronophage. Warhol mit donc au point une sorte de « production de masse » : il dessinait ses créations à l’encre ou à l’encre de Chine, les reproduisait sur du papier buvard et les reportait sur une nouvelle feuille. Il obtenait ainsi des modèles graphiques pour magazines, cartes de vœux, objets publicitaires et livres de cuisine, agrémentés d’illustrations humoristiques, que ses amis coloriaient « séances de coloriage ».

Cette « goutte à goutte » a été le point de départ de la méthode de production en série, quasi industrielle, que Warhol a mise au point par la suite, dans laquelle ses employés réalisaient des œuvres et des films.

Bien qu'il disposât de peu de temps pour l'art, Andy Warhol parvint tout de même à développer ses premières sérigraphies. Il utilisait de l'encre pour dessiner divers motifs tels que des anges, des papillons et des chats. Il reproduisait ces dessins sur une nouvelle feuille de papier à l'aide de papier buvard et les publiait dans différents journaux et magazines. Bien que la technique ne fût pas nouvelle, Warhol la popularisa et en fit sa marque de fabrique .

La formation d'Andy Warhol en tant qu'artiste

Andy Warhol n'a jamais reçu de formation artistique formelle ; il a développé sa pratique artistique en parallèle de sa vie professionnelle. Grâce à sa technique de reproduction, Warhol figurait parmi les graphistes les mieux payés de Manhattan vers 1960. New York était alors non seulement le centre de la publicité, mais aussi le bastion de l'art contemporain, et il aspirait à faire partie de ces artistes de renom.

Graphiste de formation, il avait déjà exposé ses propres œuvres ; désormais, en tant que peintre, il souhaitait se faire remarquer par ses toiles. Au départ, il choisissait des motifs familiers issus du monde de la publicité, des sujets de bandes dessinées et de dessins animés, ainsi que des stars hollywoodiennes, mais il s’est vite rendu compte que des confrères renommés comme Robert Rauschenberg et Roy Lichtenstein avaient déjà présenté des motifs très similaires au public.

Warhol changea donc de direction, allant au-delà du « goutte-à-goutte » avec les techniques de sérigraphie et collecta d'autres motifs familiers, publicités et photographies, tirés de magazines, de prospectus et de programmes de cinéma, pour en faire de l'art.

Là encore, Warhol créa immédiatement des modèles d'écran des nouveaux motifs, à partir desquels il diffusa ensuite des séries aux couleurs modifiées, et il érigea précisément cette production de masse en credo artistique :

« J'adore faire la même chose encore et encore » = « J'adore faire la même chose encore et encore »

est une citation de Warhol souvent reprise,

« 30 valent mieux qu'un » = « 30 valent mieux qu'un »

 » est un titre d’œuvre typique de cette période, utilisé pour une carte postale représentant la Joconde , reproduite 30 fois sur toile.

En 1952, il avait rassemblé suffisamment d'œuvres pour faire connaître son art à un public plus large. Avec l'aide d'Alexander Iolas, le directeur grec de la galerie Hugo , il organisa sa première exposition. Quelques années plus tard, en 1956, Warhol parvint même à exposer ses œuvres uniques au Museum of Modern Art de New York .

La percée artistique d'Andy Warhol

Cette « production de masse » d'œuvres d'art lui apporta le succès ; les premières œuvres étaient 32 images presque identiques de boîtes de soupe (32 car la soupe était vendue en 32 saveurs différentes). Warhol utilisa ces de « soupe Campbell » pour sa première exposition personnelle en tant qu'artiste, en 1962 à la galerie Ferus de Los Angeles .

La plupart des visiteurs de l'exposition ont regardé les boîtes avec une incompréhension totale ; personne n'en voulait, pas même les stars hollywoodiennes que Blum Warhol, partenaire de Ferus, avait promises comme visiteurs – en fait, seuls les critiques d'art ont débattu intensément des soupes.

Seuls cinq influenceurs s'intéressèrent à l'œuvre, dont l'acteur Dennis Hopper et Donald Factor, héritier de Max Factor ; chacun paya le prix demandé de 100 $ pour sa photo prise lors du défilé de boîtes de soupe. S'ils avaient conservé leurs tableaux, cela aurait été un excellent investissement : le Museum of Modern Art de New York déboursa 15 millions de dollars pour l'ensemble des 32 œuvres en 1996.

Aucun des acheteurs n'a conservé son tableau à l'époque ; ils ont été persuadés de le racheter par Irving Blum, associé visionnaire de Ferus , et Warhol a été persuadé de vendre à Blum la série complète de 32 tableaux pour 1 000 $ (payables en 10 versements).

Lorsque Blum a vendu les soupes au MoMA pour les 15 millions susmentionnés, cela était déjà considéré en partie comme un don, tant la valeur avait augmenté….

Œuvres célèbres et recherchées d'Andy Warhol

Après les boîtes de soupe, il y eut Marilyn Monroe , utilisant une image tirée du film Niagara (1953) comme modèle, que Warhol allait ensuite retravailler en de nombreuses variations de couleurs pendant une période plus longue.

Le modèle sérigraphié « Le diptyque Marilyn » , achevé dans les semaines qui ont suivi la mort de Marilyn Monroe (août 1962, un jour après la fermeture de la galerie Ferus de Los Angeles), avec 50 variations de la statue.

Au fil des ans, son art devint de plus en plus étrange, bien qu'il affirmât qu'il se produisait de lui-même, puisque tous les éléments sources étaient déjà disponibles. À partir de 1962, il lança sa « Mort et Désastre » , dans laquelle il présentait des photos de presse d'accidents choquants, déformées par de subtiles retouches. Son but était d'explorer la manipulabilité technique de la perception de la réalité à travers l'art.

En 2004, le magazine anglais « The Guardian » a mené une enquête auprès de 500 artistes, critiques et experts en art, à l'issue de laquelle ce tableau est apparu comme la troisième œuvre d'art contemporaine la plus influente au monde.

De nombreuses autres Marilyn ont suivi, comme les « Dix Marilyn » de 1967 ; des portraits de « James Dean  , « Elvise » et « Liz Taylor » ont également été proposés dans d’innombrables variations. Plus tard sont apparues de nombreuses œuvres expérimentales telles que des films, des happenings et des productions musicales ; durant sa période la plus lucrative, Andy Warhol a même réalisé un portrait de chaque personne qui déboursait 25 000 dollars pour l’acquérir.

Une sélection de ses œuvres sur Pinterest

Andy Warhol en tant que cinéaste

En 1962, il créa un lieu unique en son genre : la « Factory » à New York. Il s’agissait d’anciens halls d’usine transformés en ateliers où lui et d’autres artistes pouvaient laisser libre cours à leur créativité. La « Factory » devint un lieu de création et de vie pour divers artistes et intellectuels.

Des célébrités comme Jim Morrison , Bob Dylan et Mick Jagger y étaient des habitués, la « Factory » servant également de lieu de fête . Il utilisa ces espaces uniques non seulement pour son pop art, pour lequel il utilisait principalement des toiles de 100 x 100 centimètres, mais aussi pour ses films.

Certaines de ses œuvres ont suscité la désapprobation, notamment en raison de la présence de nudité. Par ailleurs, en 1966, il a fondé le groupe de rock Velvet Underground , avec lequel il s'est produit dans des boîtes de nuit.

Bien que nombre de ses films d'art et de ses productions restent pratiquement inconnus, il a néanmoins créé une œuvre comprenant près de 200 films. Les trois productions suivantes sont particulièrement remarquables :

« Les filles de Chelsea », 1966

En 1966, Andy Warhol et Paul Morrissey ont coréalisé « The Chelsea Girls ». Le film offre un aperçu de la vie des résidentes de l'hôtel Chelsea à New York, où Warhol avait fondé « The Factory » en 1964 comme résidence pour artistes, musiciens, danseurs, acteurs et autres créatifs.

Cette maison abritait les « superstars » de Warhol, figures emblématiques du milieu artistique, dont les extravagances imprègnent le film. Commandé par Jonas Mekas, le film a été conçu sans coupure, sur douze bobines et en un seul plan-séquence. « The Chelsea Girls » nous transporte d'une pièce à l'autre, dévoilant la vie hors du commun des habitantes de la Factory.

« Film bleu », 1969

Le film « Blue Movie » , produit par Paul Morrissey et réalisé par Andy Warhol, dépeint la vie amoureuse de Viva et Louis Waldon, qui partagent un appartement à Manhattan. Le film présente leurs conversations fortuites, abordant des sujets graves comme la société et la guerre du Vietnam, ainsi que des échanges plus légers sous la douche et des scènes de sexe explicites.

Les acteurs enrichissent le film de scènes érotiques qui reflètent le quotidien du couple. Le film, au ton captivant, dépeint avec justesse la vie d'un couple à Manhattan.

En octobre 1968, le film novateur « Blue Movie » fut tourné dans l'appartement du critique d'art David Bourdon, situé dans le pittoresque Greenwich Village. Il est considéré comme le premier film du genre à avoir été projeté publiquement. La cinématographie est magistrale et saisit l'éveil progressif des personnages à la conscience de soi.

L'acte sexuel est ici présenté comme l'ultime protestation politique contre la guerre du Vietnam. Une utilisation ludique de la caméra et une mise en scène subtile font de ce film un chef-d'œuvre de l'histoire du cinéma.

"Déchets", 1970

Les protagonistes vivent dans la pauvreté et la toxicomanie, tentant de survivre en vendant des déchets. Le film dépeint la dure réalité de la vie dans une grande ville et le désespoir qui l'accompagne. Les acteurs livrent des performances impressionnantes, donnant au spectateur l'impression d'être plongé dans cet univers.

La réalisation de Morrissey est magistrale et confère au film une atmosphère unique. Avec « Trash », l'équipe de Morrissey et Warhol a créé un classique intemporel qui reste pertinent et stimulant encore aujourd'hui.

L'œuvre de toute une vie

Toutes ces séries d'images d'acteurs et de chanteurs sont devenues l'incarnation même du « Pop Art » , et Andy Warhol est devenu la figure emblématique de ce mouvement artistique.

Le pop art devint le mouvement artistique le plus en vogue aux États-Unis et en Europe dans les années 1960. Cet art, avec son penchant pour le trivial, était souvent perçu par les critiques influents de l'époque comme une réaction attendue depuis longtemps à l'art abstrait, jugé trop intellectuel, alors en vogue. Quoi qu'il en soit, un artiste pop art s'intéresse peu à l'abstraction ; il cherche à représenter la réalité, les objets du quotidien, les plus banals, rendus encore plus accessibles par la mise en valeur de traits noirs, des illustrations de bandes dessinées

À ses débuts, le Pop Art puisait ses motifs dans la culture quotidienne, les médias de masse, la publicité et la société de consommation, et les présentait sous des formes réalistes, voire exagérées. Plus tard, influencé par la guerre du Vietnam et tensions raciales , la montée de la consommation de drogues et l'assassinat de John F. Kennedy, le Pop Art adopta un regard plus critique sur la société de consommation .

Au départ, Warhol utilisait tout ce qui, dans la culture populaire, pouvait être présenté de manière glamour, comme les célébrités ou les boîtes de soupe, avant d'utiliser de plus en plus des images moins appétissantes, comme des photos de presse d'accidents de voiture et de suicides, comme modèles.

Même les survivants de tragédies, qui étaient au centre d'un intense intérêt public, ont été utilisés au nom de l'art, comme Jackie Kennedy en deuil après l'assassinat de son mari.

Peu après l'assassinat de John F. Kennedy le 22 novembre 1963, Andy Warhol a commencé en 1964 sa série « 16 Jackies » , basée sur des photographies issues de la couverture médiatique internationale de la mort de John F. Kennedy.

Les œuvres du Pop Art ont attiré beaucoup d'attention et, grâce à leur langage clair, sont rapidement devenues un phénomène culte auprès du public ; des critiques d'art influents ont rapidement attribué un attrait esthétique à ces images facilement commercialisables.

Ces images possédaient un attrait visuel immédiatement accessible à tous, mais leur signification plus profonde se révélait dans la nature manipulatrice de la culture populaire – ces images, selon les critiques d'art influents de l'époque, nous montrent comment nous, consommateurs, sommes manipulés par les médias de masse.

La vie d'Andy Warhol (Documentaire – Partie 1)

La première partie du documentaire Andy Warhol commence par une exploration approfondie de son enfance misérable à Pittsburgh dans les années 1930-1940, offrant un aperçu rare de la face cachée de l'une des personnalités les plus célèbres du Pop Art de l'histoire.

Ce portrait souvent captivant et profondément émouvant examine ensuite ses débuts comme graphiste publicitaire des années 1950 aux années 1960, période durant laquelle il a produit ses célèbres images pop sérigraphiées.

La vie d'Andy Warhol (Documentaire – Partie 2)

La deuxième partie consacrée à Andy Warhol examine son incursion la plus fructueuse dans le monde de l'art.

Cinéma, sculpture, performance, théâtre et édition ne sont que quelques exemples de la production artistique d'Andy Warhol. Outre ses célèbres peintures et sculptures , il est le créateur de nombreux classiques du cinéma d'avant-garde, le producteur d'un spectacle multimédia avec le Velvet Underground (l'un des groupes de rock les plus influents de l'histoire) et le cofondateur du magazine culte de la culture pop, Interview.

Ponctuée d'images d'archives rares et d'interviews, la deuxième partie de ce récit extraordinairement provocateur examine un artiste anticonformiste, apparemment ivre de célébrité, dont l'œuvre a été un flux continu de symbolisme culturel.

Principales expositions d'Andy Warhol – un aperçu

Depuis au moins 1965, les peintures d'Andy Warhol sont unanimement saluées comme des phénomènes du marché de l'art, pendant de nombreuses années (sinon toujours) davantage en Europe que dans son pays d'origine : Andy Warhol a participé à la 34e Biennale de Venise et à la 4e documenta en 1968, à la 36e Biennale de Venise en 1972 et à la 6e documenta en 1977. Son œuvre a été exposée à la Royal Academy of Arts de Londres en 1981, à la 7e documenta en 1982, à la 41e Biennale de Venise en 1984 et à la 42e Biennale de Venise en 1986.

En 1995, il participe à la 46e Biennale de Venise , en 1996, il se rend à New York pour la première fois, et depuis lors, ses œuvres ont été présentées dans plus de 2 500 expositions dans tous les grands centres artistiques du monde.

Dans son nouveau pays d'adoption, Andy Warhol semblait susciter un enthousiasme considérablement moindre que dans le reste du monde (de l'art contemporain) ; aux États-Unis, il n'a eu qu'environ 400 expositions, soit un peu moins de 15 % de toutes les expositions (ce qui pourrait également s'expliquer par le fait que la présentation publique de l'art a un statut beaucoup plus faible aux États-Unis qu'en Europe ; vous pouvez en savoir plus à ce sujet dans l'article « Art-o-Gram : L'importance de l'art comme miroir de la société »).

En 2013 encore, soit un bon quart de siècle après sa mort, plus de 40 événements artistiques de renom à travers le monde ont inclus Andy Warhol dans leur catalogue d'exposition.

Vie personnelle et amoureuse de l'artiste

Warhol avait déjà fondé sa Factory en 1962, un ensemble de studios installés dans des usines new-yorkaises où il travaillait sur une grande variété de projets. Ces Factory devinrent rapidement bien plus qu'un simple lieu de sérigraphie ; dès le départ, les studios servirent également à Warhol d'espace expérimental et de studio de cinéma.

Le studio proposait également un hébergement pour les protagonistes du film, et même à l'époque, la Factory n'était qu'à deux pas du lieu mythique des fêtes. La scène artistique new-yorkaise se réunissait à la Factory , fréquentée par de nombreuses stars ; Mick Jagger, Bob Dylan et Jim Morrison y étaient aussi souvent aperçus que Salvador Dalí et Marcel Duchamp.

Lorsque les stars des films underground de Warhol commencèrent à apparaître, comme l'artiste pop Robert Indiana (acteur du film « Eat », où on le voit manger des champignons) et les musiciens de son groupe de rock The Velvet Underground, les événements de la Factory devinrent aussi célèbres qu'infâmes.

Ces performances multimédias se transformèrent rapidement en une succession colorée de musique rock assourdissante et d'effets lumineux et stroboscopiques hallucinants ; le public fut choqué par des provocations sexuelles visuellement plus subtiles de la part des danseurs, et l'on disait que des drogues circulaient en quantités inimaginables.

La tentative d'assassinat de Valerie Solana (voir ci-dessous) a définitivement mis un terme à l'ambiance festive de la Factory pour l'artiste. À partir de 1968, la Factory fut transformée en immeuble de bureaux et Warhol se tourna vers le monde des fêtes et du glamour new-yorkais. Dans les années 1970, il fréquentait assidûment les clubs branchés de New York, comme le Studio 54. Il appréciait également les films quasi pornographiques mettant en scène des toxicomanes, mais cet intérêt ne dura pas. Il se tourna alors vers les parodies de westerns et les films d'horreur avec des cowboys homosexuels et des comtes Dracula pathétiques, tous de plus en plus souvent réalisés par Paul Morrissey.

La vie amoureuse d'Andy Warhol s'est également déroulée dans le contexte de la Factory. L'artiste timide, peu sûr de lui quant à son apparence, n'a pas trouvé cela sans difficultés, comme en témoignent certains passages de son livre de 1975, « La Philosophie d'Andy Warhol : De A à B et retour ». Warhol pensait que les histoires d'amour consumaient une personne entièrement, mais n'en valaient pas vraiment la peine. Il confiait que, selon lui, il y aurait forcément des problèmes en amour si l'on était toujours à la recherche du soufflé qui ne retombe jamais.

Warhol préconisait un cours élémentaire sur l'amour, mais d'un autre côté, il suggérait qu'il pouvait être tout aussi bien de rester dans l'ignorance de tout, sinon on n'aurait rien à penser ni à rêver pour le reste de sa vie.

Warhol voyait dans l'allongement de l'espérance de vie de ses contemporains, et les problèmes qui en découlaient, la raison de l'abandon des valeurs traditionnelles à son époque. Il conseillait aux parents qui aimaient véritablement leurs enfants de retarder au maximum tout contactez-nous avec le sexe opposé, afin que ces derniers aient une perspective réjouissante pour l'avenir.

Après l'assassinat, la vie de Warhol devint plus calme, en partie à cause de l'influence de Paul Morrissey, de plus en plus présent, qui méprisait ouvertement la musique rock et la consommation de drogue et veillait à ce que la Factory reste exempte de toxicomanes et de fêtards.

Andy Warhol dans les médias

Andy Warhol faisait l'objet d'une attention médiatique constante ; chaque événement à la Factory fournissait à la presse suffisamment de matière pour un reportage détaillé, parsemé de nombreux noms prestigieux.

Pendant au moins huit ans, la presse à sensation était déjà bien approvisionnée par lui, jusqu'à ce que Warhol, en participant désagréable et passif, offre aux médias un cadeau très spécial le 3 juin 1968 :

L'assassinat d'Andy Warhol – et ses conséquences

Ce jour-là, la féministe radicale Valerie Solanas tenta d'abattre Andy Warhol. Dans l'ascenseur de la Factory, elle sortit un revolver d'un sac en papier et tira, malgré les cris de Warhol : « Non ! Non ! Valerie ! Ne fais pas ça ! » – une deuxième et une troisième fois, la troisième balle atteignant Warhol en plein cœur. Solanas, fondatrice et unique membre de SCUM (« Society for Cutting Up Men »), se considérait investie de la mission d'éliminer autant d'hommes gênants que possible, et Warhol était un homme gênant.

Solanas se laissa arrêter par un policier à Times Square. Warhol, initialement en état de mort cérébrale à son arrivée à l'hôpital, fut sauvé par une opération de cinq heures et demie. Après près de deux mois, il sortit de l'hôpital et se remit aussitôt au travail. La tentative d'assassinat le changea cependant ; au lieu de veiller toute la nuit, Warhol rentrait désormais tôt chez lui. L'attaque lui laissa également des cicatrices physiques, et il dut porter un corset médical en permanence par la suite.

L'édition du soir du « New York Post » titrait : « Andy Warhol se bat pour sa vie ». Nombre de journalistes, jusque-là négligés, y virent une occasion en or de régler leurs comptes. Pourtant, celui qui avait célébré pendant des années toutes les formes d'excès ne put que tirer profit de cette couverture médiatique. Le marché de l'art réagit à l'attaque à sa manière : la fusillade consacra définitivement Warhol comme une superstar du Pop Art.

Avant le déferlement médiatique, ses tableaux se vendaient en moyenne autour de 200 dollars ; après, ils se sont soudainement vendus pour pas moins de 15 000 dollars. La couverture médiatique massive a rendu l’artiste Andy Warhol aussi omniprésent que son art – ironiquement, l’assassinat lui a ouvert la voie qu’il avait toujours désirée : celle de la célébrité.

Combien coûte une œuvre d'art d'Andy Warhol ?

Beaucoup, et certainement depuis juin/juillet 1968 – comme nous venons de le décrire, le prix de ses œuvres a explosé après la tentative d'assassinat contre Warhol, et les prix sont restés dans la sphère à laquelle cette explosion les a portés depuis lors, au moins.

Quelques exemples plus récents : « Green Car Crash – Green Burning Car I » a été adjugé pour 71,7 millions de dollars lors d’une vente aux enchères chez Sotheby’s en 2007. Également issue de la « Death and Disaster » , datant de 1963, « Silver Car Crash (Double Disaster) » s’est vendue pour plus de 105 millions de dollars (soit 78 millions d’euros à l’époque) lors d’une vente aux enchères en novembre 2013, ce qui en a fait pendant longtemps le sixième tableau le plus cher au monde.

Il arrive que certaines œuvres de Warhol se vendent à leur prix estimé, comme « Liz n° 1 », un portrait d'Elizabeth Taylor réalisé quelques minutes après l'accident de la « Silver Car Crash », pour 20,3 millions de dollars. Le timing était sans doute malheureux pour les vendeurs, car Liz Taylor était décédée à Los Angeles près de trois ans auparavant… Inutile d'être cynique pour autant : il arrive même que certaines œuvres de Warhol restent invendues aux enchères, et si cela se prolonge, vous avez une réelle chance d'acquérir un tableau de Warhol pour moins de 20 millions de dollars.

L'artiste dans notre monde

Comme ces prix sont également bien au-delà de la portée de la plupart des « gens normaux », et qu'une « personne normale » ferait certainement des choses beaucoup plus judicieuses avec de telles sommes, la plupart d'entre nous se contenteront de regarder Andy Warhol (et d'autres s'en abstiendront même).

Vous avez assurément de nombreuses occasions de découvrir l'œuvre de Warhol ; les expositions sont fréquentes et plusieurs lieux d'art à travers le monde permettent d'admirer ses créations quotidiennement. Citons par exemple le musée Andy Warhol à Pittsburgh, sa ville natale, le musée d'art Carnegie, également à Pittsburgh, la galerie Kantor à Los Angeles et le musée d'art moderne Andy Warhol à Medzilaborce, en Slovaquie.

Êtes-vous un véritable fan ? Cela ne vous suffit pas ? Tenez, voici : depuis le 6 août 2013 (85e anniversaire de Warhol), le musée Andy Warhol de Pittsburgh diffuse en direct une vidéo sur la tombe de l’artiste. Cette webcam diffuse en continu car, selon le directeur du musée, c’est « un moyen fantastique de garder Andy présent à l’écran 24 h/24 et 7 j/7, et de rester en contact avec notre public mondial ».

Voici le lien direct vers Warhol : https://earthcam.com/usa/pennsylvania/pittsburgh/warhol/ .

La fin

Andy Warhol est décédé le 22 février 1987 à New York, à l'âge de 58 ans. Il est mort subitement des suites de complications après une opération de la vésicule biliaire au New York Hospital ; les circonstances exactes restent floues à ce jour.

Le domaine

Warhol a légué la majeure partie de sa fortune, ainsi que des legs à sa famille, à la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels , dont il avait stipulé la création dans son testament.

Son ami et gestionnaire d'affaires, Frederick W. Hughes, devint l'exécuteur testamentaire de sa succession ; le New York Magazine estimait alors sa fortune à plus de 100 millions de dollars américains, des estimations ultérieures parlent de 600 millions de dollars (la collection privée d'œuvres de ses confrères artistes, constituée par Warhol, a depuis rapporté plusieurs millions de dollars, tout comme la vente aux enchères de ses souvenirs).

Le patrimoine immatériel est presque encore plus impressionnant :

Les critiques d'art débattent encore pour savoir si Warhol

• Avec sa version du Pop Art, il a simplement créé une sorte d'industrie culturelle, axée sur la maximisation des profits
• ou célébrait en réalité la culture de consommation américaine dans ses œuvres, tout en brouillant les frontières entre art autonome et art trivial,
• Ou plutôt, il critiquait la société de consommation américaine, notamment le traitement ironique réservé aux stars et aux VIP.

Quoi qu’il en soit, Andy Warhol a réussi à commercialiser son art de façon impressionnante, et avec sa devise « Le bon commerce est le meilleur art », a inspiré toute une série d’artistes à agir comme de véritables entrepreneurs capitalistes : Jeff Koons, Richard Prince et Damien Hirst, par exemple, ont pu vendre leurs œuvres à des amateurs d’art (ou à des spéculateurs) à des prix vraiment impressionnants, et des industries entières de produits dérivés inspirés de l’art se sont développées Takashi Murakami

Les hommages artistiques sont innombrables , comme le monument monumental « The Andy Monument » Rob Pruitt « Songs for Drella » des anciens membres du Velvet Underground, John Cale et Lou Reed , et la chanson « Andy Warhol » sur l'album studio Hunky Dory de David Bowie (dont le refrain « Andy Warhol looks a scream » n'a pas vraiment plu à Warhol, complexé par son apparence ; il aurait d'ailleurs qualifié la chanson d'horrible). Si vous souhaitez vous faire votre propre opinion :

Recommandation de livre sur Andy Warhol et son époque

Pour les amateurs de livres qui souhaitent se plonger dans l'époque d'Andy Warhol, son ouvrage « POPism – The Warhol Sixties » , en version allemande « POPism – Meine 60er Jahre », est recommandé.

Ce livre est sans conteste l'une des autobiographies d'artiste les plus authentiques du siècle dernier , et il est également salué par la critique littéraire. Dicté par Andy Warhol en 1980 et transcrit par son assistant Pat Hackett, le récit des merveilleuses années 1960, de la vie libre – voire dangereusement libre – et de l'expérimentation créative sans bornes est considéré comme ayant pris la forme d'un livre presque féerique.