Bijoux anciens : un guide des trésors intemporels et de leur histoire fascinante

Chaque bijou ancien recèle sa propre histoire. Secrets cachés d'époques révolues, révélés dans des chaînes en or finement ouvragées, des broches délicates et des pierres précieuses étincelantes, les bijoux anciens ouvrent une fenêtre fascinante sur l'histoire culturelle de l'humanité.

Prenons l'exemple de la période Biedermeier, entre 1815 et 1848 : pendant plus de trois décennies, des bijoux bien plus importants que de simples ornements furent créés.  Ils incarnaient le culte naissant de l'amitié et devenaient de précieux souvenirs.  Les bijoux de deuil connurent une renaissance remarquable et se transformèrent en objets chéris, témoins de liens affectifs profonds.

L'étude des différentes périodes de la joaillerie révèle des influences et des tendances multiples qui ont façonné le design de chaque époque.  L'historicisme , de 1840 à 1890, a marqué un tournant : l'avènement de l'industrialisation a rendu les bijoux fabriqués à la machine accessibles à une plus large partie de la population.  Une révolution technologique était en marche : la galvanoplastie, découverte par Hermann von Jacobi , a trouvé des applications industrielles à partir de 1885 et a profondément transformé la production de bijoux.

Peu d'objets se prêtent aussi bien à l'étude historico-culturelle que les bijoux. L' évolution de leur design témoigne d'une transformation continue, depuis les trésors délicatement émaillés du XVe siècle, ornés de figures et de motifs floraux complexes, jusqu'aux améthystes éclatantes et aux tourmalines d'un vert vibrant des années 1920. Ces dernières sont aujourd'hui considérées comme le summum de l'art joaillier. 

Contempler ces trésors intemporels ravive la joie de la beauté et l'art de vivre des époques révolues. N'est-ce pas ?

Les origines : Les bijoux antiques dans l'Antiquité et au Moyen Âge

Les origines de l'art joaillier remontent au cinquième millénaire avant J.-C. Les découvertes de la culture de Varna, en Europe, témoignent déjà d'un talent artistique exceptionnel qui influencera toutes les périodes ultérieures de la joaillerie. Les Étrusques en Italie et les Thraces dans les Balkans ont créé des bijoux impressionnants, souvent étroitement liés aux pratiques religieuses – un héritage qui perdure encore aujourd'hui.

Matériaux et techniques typiques de l'Antiquité

Dans l'Égypte antique , comme le métal des dieux. À l'instar du soleil, il était immortel, incarnant ainsi la quête de l'éternité. Les orfèvres égyptiens excellaient dans l'art de la couleur, associant le précieux métal à des pierres semi-précieuses telles que le lapis-lazuli et la turquoise, ou y incorporant du verre coloré et de l'émail. Chaque couleur revêtait une signification particulière et était censée protéger celui qui la portait.

Le groupe de bijoux en or exposé à la Getty Villa comprend un filet à cheveux orné d'un médaillon repoussé représentant Aphrodite et Éros ; un diadème orné d'un nœud d'Héraclès élaboré ; deux paires de boucles d'oreilles créoles à embouts en forme de tête de Capricorne ; une paire de boucles d'oreilles en forme de disque représentant Éros ; une paire de bracelets de bras en forme de serpent enroulé ; une paire de bracelets en forme de serpents enroulés ; deux bagues incrustées d'intailles, l'une représentant Artémis, l'autre Fortuna tenant une double corne d'abondance ; 28 perles assorties et une boucle d'oreille à clou ; et un collier de perles d'or en forme de coquillages cauris.

Dans l'Égypte antique, les bijoux n'étaient pas de simples ornements. Ils étaient censés conférer des pouvoirs magiques, une forme d' conditions générales . C'est pourquoi de nombreux bijoux sont retrouvés dans les tombes, témoins silencieux de cette croyance profonde.

L'évolution technologique se manifeste par des exemples concrets : des objets recouverts de feuilles d'or étaient déjà créés dans l'Égypte préhistorique. Plus tard, des chaînes en or ornaient même les tombes non royales. Le Moyen Empire a vu apparaître de nouvelles formes, comme les scarabées et les poissons, et a introduit des techniques novatrices telles que le cloisonné et la granulation.

Les Romains ont perfectionné ces techniques. En orfèvrerie, ils soudaient de minuscules perles d'or pour créer des motifs complexes. Le travail du filigrane était réalisé à partir des fils métalliques les plus fins, agencés en volutes ou en motifs de feuilles complexes. La transformation de matériaux minéraux et organiques en camées – portraits gravés dans l'agate, l'onyx, la cornaline ou l'ivoire – a également atteint un remarquable apogée dans l'Antiquité.

Symbolisme et fonction au Moyen Âge

Au Moyen Âge , l'importance des bijoux s'est considérablement accrue. Ils reflétaient la société, notamment les hiérarchies sociales, les croyances religieuses et les tendances culturelles. L'illettrisme étant la norme, les bijoux sont devenus une forme de communication non verbale permettant de se faire une idée de la personne qui les portait en un coup d'œil.

Pour la noblesse, les bijoux somptueux représentaient bien plus que le simple luxe. Ils symbolisaient le pouvoir et l'influence, mais aussi les liens avec des contrées lointaines et les routes commerciales. L'Église utilisait habilement les bijoux pour exprimer sa foi : les symboles religieux qu'ils recelaient servaient de rappel constant des rites religieux et de protection contre les forces du mal.

Même pour les gens ordinaires, les bijoux revêtaient une importance particulière. Transmis de génération en génération comme héritage, ils préservaient l'histoire familiale. Dans les zones rurales, ils pouvaient même servir d'épargne, étant fondus ou vendus en cas de besoin. L'achat de bijoux anciens demeure aujourd'hui encore un moyen courant de monétiser des pièces de valeur.

La hiérarchie rigide du Moyen Âge se manifestait clairement dans l'usage des bijoux. Certains matériaux et certaines formes étaient réservés à des classes sociales spécifiques : une simple bague en cuivre désignait un artisan, tandis qu'une chaîne en or ornée de pierres précieuses indiquait sans aucun doute un noble.

Des broches aux chevalières : des formes en constante évolution

La fibule était l'un des bijoux les plus polyvalents du haut Moyen Âge. Cette épingle à vêtements en métal, inspirée du principe de l'épingle de sûreté actuelle, remplaça la simple épingle et servait à fermer les vêtements. Au-delà de sa fonction pratique, elle devint un objet aux multiples facettes : bijou, support symbolique et attache pour pendentifs.

Après la chute de l'Empire romain, les tribus germaniques apportèrent leur propre savoir-faire en matière de travail des métaux précieux. Les Mérovingiens perfectionnèrent la technique du cloisonné : de fines bandes de métal étaient soudées sur un support pour former des éventails, qui étaient ensuite garnis de pierres précieuses, de grenats ou de pâte de verre colorée.

Les chevalières incarnaient un lien particulier entre joaillerie et fonction pratique. Leur histoire commence en Égypte, où les pharaons portaient des anneaux ouvragés en or ou en pierres précieuses, ornés de hiéroglyphes et de symboles protecteurs tels que le scarabée. Les Grecs les transformèrent en instruments de scellement gravés de scènes mythologiques. Dans l'Empire romain, elles servaient à la fois de bijoux et d'outils pratiques pour authentifier les documents. Au Moyen Âge, elles devinrent des symboles de pouvoir et d'identité familiale, ornées d'armoiries et d'emblèmes héraldiques.

Le changement dans l'utilisation des matériaux est particulièrement remarquable : alors que dans l'Antiquité existait une « pyramide des matériaux » , composée de nombreux objets en métaux non ferreux et de quelques objets en métaux précieux, ce rapport s'inverse au début du Moyen Âge. Les fibules en forme d'arc de la culture germanique occidentale étaient principalement réalisées en argent doré – une pyramide des matériaux inversée, que l'on retrouve également dans les petites fibules, les croix en feuilles d'or et le mobilier funéraire.

Rococo et classicisme : transition vers l'élégance

Les bouleversements sociaux du XVIIIe siècle se sont directement reflétés dans la création de bijoux. Le rococo et le classicisme ont marqué bien plus que de simples changements stylistiques : ils ont incarné une transformation fondamentale, passant de la splendeur opulente de la vie de cour à une esthétique ancrée dans les idéaux classiques.

Ornements floraux et splendeur de cour

Depuis 1730, le style rococo, avec son élégance courtoise, a défini le goût de la haute société européenne. L'opulence était de mise : somptueux motifs floraux et ornements extravagants révélaient au premier coup d'œil le statut de celle qui les portait. Rubans, guirlandes et bouquets entiers ornaient les bijoux, tantôt sertis de pierres précieuses de couleur, tantôt entièrement sertis de diamants. Les broches mobiles des robes amples des dames de la cour incarnaient parfaitement l'esprit de l'époque : tout devait scintiller, briller et attirer les regards.

Le motif rocaille, , a inspiré d'innombrables créations de bijoux de cette époque. Des éléments décoratifs en forme de coquillage et de volute ornaient les pièces, formant des courbes organiques et des compositions asymétriques. Les colliers de chien, portés près du cou et ornés de pendentifs centraux imposants, sublimaient le décolleté des femmes. Les orfèvres privilégiaient le sertissage des diamants sur argent, un choix délibéré pour révéler tout l'éclat des pierres.

Ce qui paraît remarquable aujourd'hui, c'est que la pureté d'un diamant jouait alors un rôle secondaire. La taille primait sur la perfection – un principe qui ne changera que plus tard.

Influence de l'Antiquité sur le design

Le classicisme est né en réaction à l'ornementation excessive du rococo. À partir des années 1780, ce style a également influencé la mode joaillière européenne. de Johann Joachim Winckelmann pour l'Antiquité s'est emparé de presque toute l'Europe ; une véritable euphorie pour les modèles gréco-romains a imprégné tous les domaines artistiques.

Le changement de style ne s'est pas opéré du jour au lendemain. Des étapes intermédiaires, comme le style Louis XVI , influencé par le goût de Marie-Antoinette, alliaient encore la clarté géométrique à des symboles naturels et animaliers subtilement ludiques. Fruits, branches et oiseaux ornaient les motifs avant que le style tressé ne marque la transition finale vers un classicisme sobre.

Au fil du temps, l'ornementation s'est faite de plus en plus sobre. Les modèles antiques ont influencé de plus en plus le design, et la simplicité a remplacé l'ostentation. L'acier et les strass – du verre taillé incolore – étaient largement utilisés en joaillerie. La couleur a cédé la place à une palette réduite : perles, diamants et imitations de diamants dominaient désormais les créations élégantes.

Les camées et les bagues marquise en tant que phénomène de mode

Les pierres précieuses connurent une renaissance au milieu du XVIIIe siècle . Les images gravées dans la pierre et la coquille fascinaient déjà le monde antique, mais l'essor du tourisme les transforma en souvenir italien par excellence. Deux techniques dominèrent l'art des pierres précieuses : les intailles représentaient des armoiries, des figures et des scènes gravées en creux dans la matière, tandis que les camées présentaient l'image en relief et correctement orientée.

L'Italie, et plus particulièrement la région de Naples, devint un centre de production de camées. Lors de leur Grand Tour, les Européens fortunés visitaient les monuments antiques et découvraient dans ces précieux camées en coquillage le souvenir idéal de la joie de vivre du Sud. Portés en broches, en pendentifs ou en miniatures encadrées, ils représentaient des portraits de souverains, de dieux antiques et des scènes mythologiques.

Louis XV a créé une icône de la joaillerie française bague Marquise marquise de Pompadour , il fit réaliser des bagues de forme ovale allongée aux extrémités pointues, inspirées par la courbe délicate de ses lèvres. Cette forme en « navette » symbolisait l'élégance et le raffinement et demeure un classique intemporel.

Biedermeier et historicisme : romantisme et retour à la tradition

Les plaies des guerres napoléoniennes se sont cicatrisées lentement, mais elles ont laissé une profonde aspiration à la paix et à la sécurité. Entre 1820 et 1870, l'Europe s'est tournée vers la sphère privée – une époque que nous connaissons aujourd'hui sous le nom de période Biedermeier. La famille, l'amitié et la beauté paisible du quotidien ont pris une place prépondérante. Les bijoux n'étaient plus seulement un symbole de statut social réservé aux puissants, mais devenaient l'expression intime des sentiments humains les plus profonds.

Bijoux d'amitié et bijoux de deuil

Jamais auparavant les bijoux souvenirs n'avaient acquis une telle valeur sentimentale. Les bijoux d'amitié et les bijoux commémoratifs sont devenus de précieux symboles de liens humains.  Dans de délicats médaillons, on conservait des mèches de cheveux d'êtres chers, de petites lettres ou d'autres souvenirs, pour les emporter toujours avec soi. Les broches à portrait permettaient de garder le visage aimé des membres de la famille ou des amis près du cœur.

Les bijoux confectionnés à partir de cheveux d'êtres chers étaient particulièrement émouvants.  Ces bracelets ou broches créaient un lien unique, presque magique, entre celle qui les portait et le souvenir. Échanger des cheveux en gage d'amour était  aussi courant aux XVIIIe et XIXe siècles que l'est aujourd'hui l'échange de bracelets d'amitié.

Les bijoux de deuil occupaient une place particulière.  Les miniatures encadrées étaient exposées ostensiblement ; elles n’étaient nullement destinées à un deuil discret et privé.  La pratique consistant à commander de son vivant des bagues commémoratives ou de deuil, destinées à être distribuées à des proches lors de ses propres funérailles, nous paraît aujourd’hui étonnante. Cette tradition remonte au XIVe  siècle, lorsque des testateurs anglais stipulaient dans leurs testaments que des centaines de bagues devaient être distribuées en souvenir aux personnes endeuillées.

Pénuries de matériaux et solutions créatives

Après les guerres de libération, la pénurie de métaux précieux était criante et les ressources financières des commanditaires d'orfèvres étaient fortement limitées.  Mais la nécessité est mère de l'invention : les orfèvres développèrent néanmoins des techniques remarquables pour créer des bijoux précieux. L'« or mousse » devint la solution caractéristique de l'époque : l'or était laminé en une feuille extrêmement fine, façonné en objets tridimensionnels, puis stabilisé avec du mastic, de la résine et du sable.  Broches, colliers et bracelets étaient fabriqués à partir de feuilles d'or très fines, remplies ensuite de résine ou de plâtre pour leur assurer la solidité nécessaire.

Les artisans ont également fait preuve de créativité dans l'utilisation des alliages de base : le tombac et le pinchbeck imitaient avec brio la chaude couleur de l'or.  Les bijoux en grenat étaient presque exclusivement sertis dans du tombac – un alliage de laiton sans or – ou dans de l'or à 250 millièmes.  Même le fer s'est invité dans la production de bijoux : le « fer de Berlin », semblable à de la dentelle noire délicate, reste très populaire aujourd'hui.

Redécouverte des techniques anciennes dans l'historicisme

1848 marqua officiellement la fin de la paisible période Biedermeier, mais son style perdura.  Jusque dans les années 1870, le « Second Biedermeier » son apogée, témoignant de l'attachement durable aux créations de cette époque sereine.

Toute cette période fut marquée par une fascinante coexistence de différents mouvements : romantisme, classicisme tardif, réalisme et historicisme y coexistèrent. La rigueur du classicisme s'estompa. Les créateurs de bijoux redécouvrirent le style rococo et firent revivre la splendeur des cours de l'époque prénapoléonienne.  D'autres puisèrent leur inspiration dans des périodes encore plus reculées du Moyen Âge.  La nature locale s'invita pour la première fois dans les créations : feuilles de chêne et roses furent immortalisées en or.

L'historicisme, de 1840 à 1914, a profité des progrès technologiques de son époque : les machines à vapeur, les navires à vapeur, les chemins de fer et l'électricité ont facilité l'accès aux pierres précieuses de couleur.  Tous les styles antérieurs ont connu un renouveau, et les bijoux baroques fidèlement reproduits ont permis à la splendeur des époques révolues de resplendir à nouveau.

Art nouveau et Art déco : l'aube du modernisme

Vers 1900, le monde de la joaillerie se rebella contre ses propres traditions. L'Art nouveau rompit radicalement avec tout ce qui avait été considéré comme beau jusque-là – et à peine trente ans plus tard, l'Art déco fit de même avec l'Art nouveau. Deux mouvements que tout semblait opposer, et pourtant unis par leur audace face au changement.

Formes organiques et motifs naturels dans l'Art nouveau

Imaginez : des bijoux qui semblent tout droit sortis d'un jardin enchanté. L'Art nouveau, entre 1890 et 1910, a transformé broches et colliers en véritables œuvres d'art. Que s'était-il passé ? Le mécontentement face à la production de masse impersonnelle avait engendré une véritable révolte créative.

Née à Paris, cette nouvelle esthétique a conquis l'Europe – '« Art nouveau » de « style Sécession » en Autriche et d'« Arts and Crafts » en Angleterre . Le mouvement était uni par un objectif commun : mettre fin aux copies historiques et privilégier les créations originales.

Des lignes courbes sillonnaient désormais les bijoux, telles un système nerveux organique. Les critiques raillaient ces « lignes en coup de fouet », mais les artistes créaient des univers de courbes fluides évoquant les plantes, les cheveux et l'eau. Des libellules déployaient leurs ailes sur des broches, des serpents s'enroulaient autour de bracelets et des silhouettes féminines se fondaient dans des ornements floraux pour former des œuvres d'art envoûtantes.

René Lalique a incarné cette époque comme nul autre. Ses créations Cartier

Géométrie et innovation dans l'Art déco

1925 à Paris : l’ Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes donne son nom à un nouveau style. L’Art déco célèbre non pas la nature, mais la machine. Tandis que les Années folles promettent la prospérité économique, la joaillerie puise son inspiration dans les gratte-ciel et le design industriel.

Ici, la géométrie était reine : triangles, cercles et rectangles s’agenceaient en symétries rigoureuses. Des motifs en escalier et en zigzag ornaient des éléments décoratifs tels que des façades Art déco miniatures. La précision des lignes reflétait la foi dans le progrès d’une époque qui embrassait la technologie et la modernité.

D’où provenaient ces motifs ? En 1922, la découverte du tombeau de Toutankhamon déclencha une véritable frénésie pour l’Égypte . Les motifs aztèques se mêlèrent aux ornements babyloniens. L’ architecture de New York et de Berlin se refléta dans des créations de bijoux miniatures. L’emblématique sautoir – un long collier descendant jusqu’à la taille – incarnait à la perfection l’élégante sensualité de l’époque.

Nouveaux matériaux et techniques de meulage

Ces deux époques ont audacieusement expérimenté les matériaux. L'Art nouveau a réhabilité le métal commun : corne, corail et émail sont devenus les égaux de l'or et des diamants. La technique du plique-à-jour a permis de créer des émaux translucides qui scintillaient comme des gouttelettes d'eau figées. Opales et pierres de lune, avec leur éclat mystérieux, s'harmonisaient parfaitement avec les formes organiques, transformant les bijoux en métal en de vibrantes merveilles naturelles.

L'Art déco, en revanche, privilégiait le platine – plus résistant, plus durable et plus moderne que l'or. L'or blanc s'imposait dans les salons. Cette époque était marquée par de forts contrastes : onyx noir côtoyait diamants scintillants, émeraudes lumineuses serties géométriquement jouxtaient saphirs d'un bleu profond et rubis éclatants.

Les nouvelles tailles ont révolutionné le travail des pierres précieuses : la taille émeraude, la taille Asscher, la taille baguette et la taille trapézoïdale, avec leurs facettes nettes, soulignaient la clarté géométrique de l’époque. Chaque pierre devenait un élément architectural d’une nouvelle esthétique qui concevait le bijou comme une expression de la modernité.

Style milieu du siècle et vintage : de la gloire d'après-guerre à la culture pop

Le monde s'éveilla d'un long et sombre rêve. Après les années de guerre et de privations, la société aspirait à l'éclat, à la couleur et à la vie – et les bijoux étaient destinés à combler ce désir.  Des formes douces et fluides et une ornementation somptueuse envahirent les ateliers de joaillerie. Ce qui en émergea marqua le début d'une nouvelle ère : le style Mid-Century, qui traduisit l'euphorie de l'après-guerre en or étincelant et en diamants éclatants.

Le style rétro et le retour de la couleur

Les années 1950 , « l’ âge d’or du design » , ont façonné la joaillerie moderne comme aucune autre décennie. Un nouvel optimisme s’est emparé de la société, et cet esprit s’est traduit par de magnifiques créations colorées.  Si le platine avait été réservé à l’usage militaire pendant la guerre, la prospérité et l’opulence faisaient alors leur retour.

« Les diamants sont les meilleurs amis des femmes » — cette phrase légendaire de Marilyn Monroe a parfaitement saisi l'esprit de l'époque. L'élégance et la féminité étaient de nouveau à l'honneur, et les diamants brillaient de mille feux.  Les bagues aux formes abstraites, ornées de diamants de différentes tailles et évoquant un feu d'artifice nocturne, étaient particulièrement prisées et reflétaient l'optimisme ambiant.

Modèles emblématiques des années 50 et 60

L’or texturé a dominé le monde de la joaillerie des années 1950. Le langage stylistique de cette décennie était inimitable :

• Chaînes à queue de renard, cordes torsadées et fil tressé
• Réseau, doubles croix et coutures décoratives
• Rainures et perforations

Les bijoux en or et les perles de culture faisaient partie de la tenue quotidienne, tandis que les bijoux en diamants étaient réservés aux soirées.  Améthyste, turquoise, topaze et corail apportaient une touche de couleur tant attendue.

Les années 1960 ont alors proclamé une attitude révolutionnaire, celle du « tout est permis ». L’or jaune, le platine et l’argent se sont associés à des cristaux de pierres précieuses taillés en druse pour créer des univers joailliers entièrement nouveaux.  Les turquoises étaient taillées en cabochon et harmonisées avec des diamants étincelants.  Même la course à la Lune a inspiré les orfèvres : partout en Europe, ils ont expérimenté des motifs de surface futuristes.

Le vintage comme objet de collection chargé d'histoire

Les bijoux vintage racontent une histoire différente de celle des antiquités.  Alors que ces dernières doivent avoir au moins un siècle, les bijoux vintage englobent des pièces datant d'il y a 20 ans et moins, entre 1920 et 1980.  Ces pièces incarnent le style de leur époque et possèdent donc un charme nostalgique particulier.

secteurs de collection les plus dynamiques .  Les connaisseurs recherchent des pièces signées : les marques qui affichaient fièrement leur nom étaient généralement gage de qualité supérieure.  Si des marques comme Coro, Lisner et Monet restent abordables, les créations de grands couturiers tels que Hattie Carnegie, Chanel et Dior atteignent des prix records.

L'après-guerre a fait de la joaillerie une conditions générales d'art qui imprégnait autant la personne qui la portait que le créateur. Cette libération des traditions joaillières conventionnelles puisait ses racines dans les principes modernistes et les mouvements d'avant-garde – un héritage culturel qui perdure aujourd'hui dans l'appréciation des bijoux anciens.

Contemporain et intemporalité : ce qui demeure, ce qui advient

Pourquoi ce regain d'intérêt pour les bijoux anciens ? La production de masse de notre époque fait naître en nous un profond désir d'authenticité et d'unicité.  Les bijoux anciens répondent à ce besoin de façon unique : chaque pièce raconte une histoire et possède un caractère distinctif.

Interprétations modernes des styles classiques

Les créateurs de bijoux contemporains redécouvrent le passé.  Puisant dans un riche répertoire de techniques et de formes historiques, ils marient avec brio l'héritage des époques révolues aux tendances actuelles.  Les techniques de gravure et de sertissage de pierres précieuses, si minutieuses, de nos ancêtres connaissent une renaissance, réinterprétées pour créer des bijoux qui incarnent à la fois modernité et tradition. 

Les pierres taillées de façon traditionnelle et les chaînes à gros maillons connaissent un regain de popularité.  Les artisans joailliers se considèrent comme les gardiens du patrimoine historique et insufflent une nouvelle vie aux techniques ancestrales.

Superposition et individualité dans le style des bijoux

La tendance du layering a profondément transformé notre façon de porter des bijoux. Associer plusieurs pièces est devenu une affirmation de soi.  Plutôt que d'harmoniser deux colliers délicats, on privilégie désormais les contrastes. 

Les maillons de la chaîne doivent présenter des différences notables de taille, d'épaisseur et de design.  La base doit être composée d'au moins trois chaînes : idéalement une avec un pendentif médaillon, une autre avec un ras-de-cou et une troisième de couleur contrastante.

le conclut  Ourania Marmara dans son article pour WELT . Individualité, durabilité et liberté créative en sont les maîtres mots.  Les pièces héritées ou de seconde main retrouvent une seconde vie et s'intègrent à un style contemporain et dynamique.

Pourquoi les bijoux anciens sont-ils de nouveau recherchés aujourd'hui ?

La renaissance des bijoux anciens a des raisons solides :

• Le  savoir-faire exceptionnel  des époques révolues contraste nettement avec les méthodes de production actuelles.
• Le port de bijoux vintage témoigne d'une  prise de conscience croissante en matière de développement durable.
• Chaque pièce est  unique et possède sa propre histoire  – la patine lui confère un caractère inimitable.

Un autre phénomène intéressant est à l'œuvre : les maisons de joaillerie rachètent leurs pièces historiques pour leurs propres archives, ce qui accentue la rareté.  Les consommateurs recherchent  des pièces uniques chargées d'histoire,  délaissant les produits standardisés et impersonnels.  De ce fait, le marché des bijoux vintage connaît une croissance fulgurante.