Vous est-il déjà arrivé de vous trouver devant une œuvre d'art, à la fois impressionné par son intensité visuelle et complètement perplexe quant à son message ? Que représente-t-elle réellement ? Est-ce de l'art , ou peut-on la jeter ? Quel message l'artiste cherche-t-il à me transmettre ?
Si vous avez déjà eu de telles pensées en contemplant une œuvre d'art et que vous n'arriviez pas à vous en détacher, il s'agissait très probablement d'une œuvre d'art abstraite.
Qu’est-ce que l’art abstrait ? – Caractéristiques et définition
L'art abstrait – également appelé « art non figuratif » ou « art non objectif » – est, par définition, un terme générique désignant les mouvements artistiques du XXe siècle apparus après 1900. Il utilise des moyens d'expression artistiques partiellement ou totalement abstraits de l'objet et présente donc des similitudes avec le cubisme.
Les artistes abstraits créent des œuvres totalement détachées de la nature et des objets réels. Ils rejettent fondamentalement toute forme de représentation. Leur conscience et leur élan créatif reposent sur l'esthétique pour elle-même.
L'art abstrait expliqué simplement et succinctement :
L'art abstrait est un art qui ne cherche pas à créer une représentation fidèle de la réalité visuelle, mais qui utilise les surfaces, les lignes, les couleurs, les formes, les textures et les signes gestuels pour parvenir à son effet
« art concret » également fréquemment dans ce contexte, et une distinction nette avec l’art abstrait n’est possible que dans une certaine mesure. Ce terme a été introduit par Theo van DoesburgArt Concret en 1930 .
L'art de l'abstraction est indissociable du concept d'art concret ; ce dernier, à proprement parler, représente une branche de l'art qui repose idéalement sur des principes mathématiques et géométriques. Source de l'image : Freepik
À proprement parler, il s'agit d'une forme d'art spécifique qui repose idéalement sur des principes mathématiques et géométriques.
L'art abstrait, au même titre que la musique, est sans doute l'une des formes d'expression artistique les plus pures . Il offre aux artistes une liberté totale pour communiquer des sentiments et des émotions, sans être entravés par des éléments figuratifs au sein de la réalité objective.
L'art abstrait comporte souvent une dimension morale, représentant des vertus telles que l'ordre, la pureté, la simplicité et la spiritualité, et les propageant sous forme picturale. Il constitue un mouvement central de l'art moderne .
La peinture abstraite peut être réalisée à l'aide de nombreux médiums différents, la peinture acrylique étant très prisée des artistes. Les peintures à l'huile et les aquarelles abstraites sont également très populaires auprès des artistes contemporains. Leurs toiles sont très recherchées par les collectionneurs, les marchands d'art et les amateurs d'art du monde entier.
Quelle idée se cache derrière ce mouvement artistique ?
Art abstrait – Peinture abstraite et exemple d'art non figuratif. Source de l'image : rawpixel.com, via Freepik
Comme mentionné au début, le thème clé est l'esthétique en tant que telle et la libération des formes d'expression de toute contrainte de représentation.
Les racines conceptuelles remontent probablement à la Grèce antique. Le cadre philosophique permettant de classer et d'apprécier les qualités formelles d'une œuvre d'art découle ainsi d'une affirmation de Platon :
Les lignes droites et les cercles ne sont pas seulement beaux... mais éternellement et absolument beaux
En substance, Platon voulait exprimer que les images non figuratives (par exemple, les formes géométriques simples) possèdent une beauté absolue et immuable.
Par conséquent, une œuvre peut être appréciée et valorisée uniquement sur la base de ses lignes et de ses couleurs – elle n’est pas obligée de représenter un objet naturel ou une scène figurative.
Art non figuratif – Œuvre abstraite du Musée des Beaux-Arts de Boston, États-Unis. Image : lucia @luciadong, Unsplash.com
Le peintre, lithographe et théoricien de l'art français Maurice Denis (1870-1943) était manifestement très conscient de cette idée de Platon lorsqu'il écrivit :
N'oubliez pas qu'une image – avant de devenir un cheval de guerre ou une femme nue… – est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs dans un ordre précis
Certains artistes abstraits décrivent leurs ambitions comme la création de l'équivalent visuel d'une œuvre musicale, une œuvre qui peut être vue et appréciée pour ses propres qualités. Ils ne veulent pas que les spectateurs aient à se demander : « De quoi parle réellement ce tableau ? »
L'histoire de l'art abstrait – de ses débuts à nos jours
Les précurseurs de l'âge de pierre
Si l'on remonte un peu plus loin, l'art abstrait avait déjà une importance il y a environ 70 000 ans, comme en témoignent les gravures préhistoriques. Par exemple, deux blocs de pierre gravés de motifs géométriques abstraits datant de cette période ont été découverts dans la grotte de Blombos, en Afrique du Sud.
On a ensuite découvert des traces archéologiques de points abstraits à l'ocre rouge et de pochoirs à main utilisés dans les peintures de la grotte d'El Castillo datant de la période 39 000-34 000 av. J.-C.
Après cela, les symboles abstraits sont apparemment devenus la forme prédominante de l'art rupestre paléolithique pendant longtemps et on les retrouve environ deux fois plus souvent que les images figuratives.
Origines et débuts au XIXe siècle
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L'art abstrait, tel que nous le connaissons aujourd'hui, est beaucoup plus récent. Il trouve son origine dans la rupture avec la peinture académique classique en Europe à la fin du XIXe et au début du XXe siècle.
Auparavant, la peinture et la sculpture les principes traditionnels du réalisme classique, tels qu'enseignés dans les grandes académies européennes . Ces principes établissaient le devoir primordial de l'art : la représentation d'une scène reconnaissable ou d'un objet concret.
L'époque de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, caractérisée par une telle profusion de créations artistiques, a produit toute une série de peintres qui ont étudié en détail les liens et les mécanismes inhérents à la lumière et à la perception visuelle.
Avant cette époque, de nombreux artistes renommés peignaient en utilisant les méthodes du réalisme classique , employant des perspectives réalistes, des jeux d'ombres et d'autres techniques pour créer des scènes et des objets historiques.
L' époque romantique se caractérisait par une conception de l'art qui rejetait l'imitation et l'idéalisation du classicisme. Elle mettait plutôt l'accent sur le rôle de l'imagination et de l'inconscient comme facteurs créatifs essentiels .
Progressivement, de nombreux peintres de cette période en vinrent à apprécier la liberté créative nouvellement acquise et les nouvelles exigences qui accompagnaient la fusion de ces attitudes. L'impressionnisme , en tant Époque Artistique (vers 1870-1880), montrait déjà les premiers signes d'une rupture avec la peinture strictement figurative .
En particulier, les variantes néo-impressionniste, pointillisme et post-impressionnisme ont mis en lumière l'effet particulier de la couleur en tant que procédé stylistique.
Dans « Le Vautour dans les rochers » de Karl Mediz (post-impressionnisme), une rupture nette avec le réalisme est déjà perceptible.
L'expressionnisme allemand a définitivement établi la liberté des formes et des couleurs comme pierre angulaire de la peinture. Le mouvement Art nouveau (vers 1890-1914) a également influencé le développement de l'art abstrait.
On perçoit déjà de fortes tendances symbolistes dans « Les Filles » de Gustav Klimt, représentant de l'Art nouveau
La citation de Maurice Denis datant de 1890 (voir ci-dessus) illustre parfaitement ce changement. Elle résume avec justesse le sentiment dominant chez les artistes symbolistes et post-impressionnistes de son époque.
Début du XXe siècle
Tous les grands mouvements des deux premières décennies du XXe siècle, notamment le fauvisme, l'expressionnisme , le cubisme et le futurisme, ont souligné d'une manière ou d'une autre le fossé entre l'art et l'apparence naturelle de ses sujets.
Il existe toutefois une différence significative entre la simple abstraction de l'apparence réelle d'un sujet et la création d'œuvres d'art à partir de formes, de lignes et de structures qui n'ont pas d'équivalent dans notre environnement naturel.
Dans les années précédant la Première Guerre mondiale, des artistes tels que Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevitch et Vladimir Tatline vers un art fondamentalement abstrait.
« Du spirituel dans l'art », publié en 1911, est devenu un manifeste fondateur.
On considère aujourd'hui que l'artiste suédoise Hilma af Klint a créé la première peinture abstraite à Stockholm, cinq ans avant Kandinsky. Ses œuvres futuristes, caractérisées par des formes biomorphiques et géométriques sur un fond saisissant, étaient révolutionnaires pour leur époque.
Alors que Vassily Kandinsky s'est forgé une réputation de peintre reconnu, l'œuvre de Klint est restée longtemps méconnue en raison de sa nature discrète. Elle conservait la plupart de ses créations pour elle et les exposait rarement.
Elle demanda à sa famille de reporter la publication de ses œuvres à vingt ans après sa mort, estimant que le monde n'était pas encore prêt pour sa vision. Ses œuvres restèrent cachées jusqu'en 1986, date à laquelle elles suscitèrent un vif intérêt.
The Ten plus grand, n ° 7, adulte, groupe IV, 1907 par Hilma Af Klint
Ce nouveau style pictural était considéré comme de l'« art pur » car les motifs provenaient exclusivement de l'imagination des artistes et n'étaient ni copiés ni inspirés du monde réel. Les qualités formelles d'une œuvre d'art étaient privilégiées par rapport à son sujet figuratif.
Cet abandon total de toute forme de représentation fut perçu d'un œil critique par la majorité des artistes, même les plus progressistes, de l'époque. Durant la Première Guerre mondiale, l'émergence du groupe De Stijl aux Pays-Bas et du groupe Dada à Zurich élargit encore le champ de l'art abstrait.
Œuvre abstraite dans le style de l'Action Painting et de la technique du dripping de Jackson Pollock , par Paul Blenkhorn de Sensory Art House Abstract Art Studio @SensoryArtHouse, via Unsplash.com
Paul Klee est souvent omis des discussions sur l'abstraction dans l'art du début du XXe siècle, et c'est tout à fait injustifié. Son œuvre considérable, qui couvre ses premières et dernières périodes, offre une multitude d'exemples impressionnants du développement d'univers visuels abstraits et de procédés efficaces d'abstraction picturale.
Alors que ses contemporains abordaient souvent le sujet de manière radicale, choquant presque le public par leurs compositions non figuratives, Paul Klee recherchait des liens et des continuités dans ses peintures abstraites. Il intégrait des éléments figuratifs dans nombre de ses œuvres et, grâce à des titres soigneusement choisis, ouvrait de nouvelles perspectives d'interprétation. Cela a peut-être même été une des raisons déterminantes de son succès remarquable.
Abstraction. Le romantisme froid de ce style, dépourvu de pathétique, est sans précédent
Klee l'a remarqué en 1915. Une autre observation concernant le degré d'abstraction dans l'art, datant de la même année, semble plus pertinente aujourd'hui que jamais et peut être universellement appliquée à l'existence moderne :
Plus ce monde est terrifiant, plus l'art est abstrait, tandis qu'un monde heureux produit un art terrestre
Ces réflexions témoignent non seulement de l'engagement profond de Klee envers l'art, mais nous invitent également à redécouvrir son œuvre et à réfléchir à sa pertinence à notre époque.
L'œuvre abstraite de Klee, « Feu à la pleine lune », illustre parfaitement l'utilisation de formes abstraites pour représenter une idée complexe. Le feu et la lune y sont symbolisés par des formes géométriques répétées, entourées de zones plus sombres qui soulignent la danse des flammes et l'attraction lunaire. Les couleurs intenses renforcent l'impression de mouvement pulsatile, tandis que les zones sombres et grises offrent un contraste apaisant.
Peinture abstraite « Feu à la pleine lune » (1933) de Paul Klee, reproduction limitée
Les œuvres abstraites de Paul Klee puisent leurs racines dans les thèmes de la nature, de l'architecture, de la musique et de la littérature. Ces éléments lui ont permis d'atteindre l'essence même de la peinture. Son art se caractérise par une riche utilisation de la ligne et de la couleur, révélant une grande diversité de possibilités. Par exemple, l'abstraction colorée de ses aquarelles représentant les jardins d' Hammamet (1914) contraste fortement avec les compositions expressives qu'il a créées pendant la Première Guerre mondiale.
Durant la période Bauhaus, les peintures de Klee, qui représentaient des arbres en fleurs, se transformèrent en formes minimalistes évoquant l'architecture. Ses œuvres tardives sont particulièrement saisissantes, avec leurs formes sombres rappelant des plantes ou des caractères d'écriture. Musicien passionné, Klee intégra également des structures rythmiques à ses compositions abstraites, d'où l'on perçoit clairement des tonalités et des mélodies.
Guerres mondiales et période d'après-guerre
L'essor de ce mouvement artistique fut interrompu par les guerres mondiales. Dans un contexte politique totalitaire et face à des mouvements artistiques qui privilégiaient de plus en plus surréaliste et le réalisme social critique , les œuvres abstraites furent largement ignorées durant cette période.
Ce n'est qu'après la fin de la Seconde Guerre mondiale qu'a émergé une école américaine dynamique de peinture abstraite – appelée « expressionnisme abstrait » – qui allait exercer une influence considérable et durable sur le monde de l'art.
Depuis les années 1950, l'art abstrait est une approche reconnue et largement répandue dans la peinture et la sculpture européennes et américaines. Ce mouvement artistique a sans aucun doute déconcerté nombre de personnes et suscite probablement encore aujourd'hui l'incompréhension chez certains spectateurs.
Pour les amateurs d'art qui acceptent et apprécient son langage non référentiel, il ne fait aucun doute quant à sa valeur et aux réalisations de ses artistes.
7 formes d'art non figuratif en détail
Œuvres abstraites à la galerie d'art, Wilson y Avenida Amazonas David Adam Kess [CC BY-SA]
Autres peintures et sculptures abstraites de la galerie d'art Wilson y Avenida Amazonas David Adam Kess [CC BY-SA]
Afin d'établir une classification logique au sein de ce terme collectif, les six types de base suivants peuvent, en principe, être distingués stylistiquement les uns des autres sur la base de certaines caractéristiques :
01 Art curviligne
Ce type d'abstraction curviligne est étroitement lié à l'art celtique, qui employait une variété de motifs et de dessins abstraits. Parmi ceux-ci figuraient des nœuds, des motifs tressés et des spirales (dont le triskèle).
Étonnamment, les Celtes n'en sont pas à l'origine. Des cultures plus anciennes utilisaient déjà ces motifs celtiques des siècles auparavant. Cependant, il est indéniable que les Celtes ont insufflé une nouvelle vie à cet art, en développant son niveau de détail et sa finesse, et en contribuant de manière significative à sa diffusion.
Plus tard, les motifs curvilignes sont revenus lors du mouvement de renaissance celtique du XIXe siècle et du mouvement Art nouveau influent du XXe siècle, notamment dans les couvertures de livres, les textiles, les papiers peints et les motifs de chintz de William Morris (1834-1896) et Arthur Mackmurdo (1851-1942).
William Morris
William Morris naquit en 1834 près de Londres, plus précisément à Walthamstow. Sa famille appartenait à la haute société, son père travaillant à la bourse lui ayant ainsi laissé un héritage considérable.
Les intérêts et les aptitudes de Morris étaient divers, allant de la peinture et de la poésie aux arts décoratifs et à l'architecture.
Morris était un passionné de nature, ce qui se reflétait dans ses décorations élaborées, ornées de fleurs et d'oiseaux délicats. Ses œuvres colorées masquaient son tempérament parfois fougueux.
Sous sa direction, l'entreprise s'est considérablement développée et produit désormais également des tapis, des tentures murales et des papiers peints.
Bien que Morris soit resté occupé à travailler dans son entreprise jusqu'à sa mort, il trouvait encore le temps de se consacrer à sa passion pour le tissage de tapis et l'écriture de poèmes et de légendes.
Feuilles d'acanthe, églantier sur fond violet, XIXe siècle (papier peint), par William Morris
Arthur Heygate Mackmurdo était un architecte et designer visionnaire anglais dont les idées ont profondément influencé le mouvement Arts and Crafts . En particulier, par la fondation de la Century Guild of Artists en 1882, en collaboration avec Herbert Horne, il a donné une impulsion importante au développement de l'art abstrait.
Pionnier du style moderne , il est considéré comme une force motrice du mouvement Art nouveau mondial.
Page de titre de Wren's City Churches, dessin d'Arthur Heygate Mackmurdo, gravure de G. Allen
L'abstraction curviligne a également influencé l'art islamique .
02 Art avec une forte référence à la couleur et à la lumière
William Turner (1775-1851) et de Claude Monet en sont des exemples éloquents . Ils utilisent la couleur ou la lumière avec une telle habileté qu'ils détachent l'œuvre d'art de la réalité représentative, tandis que l'objet se dissout dans un tourbillon de pigments.
William Turner
William Turner , l'un des plus importants artistes anglais, fut admis à la Royal Academy en 1789. Parallèlement à ses études, il fit son apprentissage auprès de l'aquarelliste Thomas Malton. Il exposa ses aquarelles pour la première fois à la Royal Academy en 1790 et y présenta sa première peinture à l'huile six ans plus tard.
Après une période de voyages qui l'ont conduit en Écosse, en Suisse et en France, Turner a ouvert sa propre galerie en 1804. En 1807, il a été nommé professeur à la Royal Academy et a commencé le « Liber Studiorum », un catalogue dans lequel il catégorisait la peinture selon des critères spécifiques.
Un voyage en Italie en 1819-1820, durant lequel il séjourna longuement à Rome, marqua un tournant dans le style de Turner. Ses peintures s'éloignèrent progressivement du réalisme, ce qui lui valut de vives critiques. Certaines de ses œuvres tardives ne furent plus exposées à la Royal Academy en raison de l'abandon des éléments figuratifs.
Turner voyagea ensuite à plusieurs reprises en Europe du Sud, notamment à Venise, qui le fascina par ses couleurs chatoyantes et lui inspira plusieurs tableaux. Grâce à ses couleurs vives et pures, il est considéré comme l'un des plus remarquables paysagistes de l' époque romantique .
William Turner, « Coucher de soleil sur un lac » (1840), estampe giclée encadrée
De même, plusieurs œuvres fauves d' Henri Matisse (1869-1954) peuvent être classées dans ce genre. Il en va de même pour certaines peintures expressionnistes de Kandinsky et pour des œuvres de son collègue Franz Marc (1880-1916).
Par ailleurs, le peintre tchèque Frank Kupka (1871-1957) a réalisé certaines des premières peintures abstraites à la palette chromatique riche, qui ont influencé plus tard Robert Delaunay (1885-1941). Delaunay, dans son orphique , lui aussi inspiré par le cubisme, s'appuyait également sur la couleur.
Peinture de champs colorés et abstraction lyrique
À la fin des années 1940 et dans les années 1950, l'abstraction liée à la couleur réapparaît sous la forme de la peinture de champs colorés Mark Rothko (1903-70) et Barnett Newman (1905-70)
La peinture de champs colorés, qui utilise de larges aplats de couleurs vives et intenses, fut également défendue par Clyfford Still . Ce style pictural se caractérise par son intérêt pour l'interaction des couleurs plutôt que pour des idées ou des formes spécifiques. L'utilisation de toiles de grand format conférait aux œuvres une expressivité saisissante.
En abandonnant les compositions picturales conventionnelles et les représentations figuratives, l'impact immédiat des aplats de couleur pure s'est pleinement exprimé. Mark Rothko est l'un des représentants les plus importants de ce mouvement. Son œuvre se caractérise par des compositions abstraites composées de nombreux champs rectangulaires aux nuances variées, mais de nature similaire. Bien que des couleurs primaires vives soient également utilisées, les tons chauds et terreux prédominent.
De même, Clyfford a exploré une abstraction encore plus poussée dans ses œuvres. Ce faisant, il a créé des toiles de grand format aux couleurs puissantes et contrastées. L'artiste parvenait ainsi à susciter une forte émotion.
La peinture Color Field, par son approche révolutionnaire, a créé de nouveaux espaces d'expression personnelle et suscité des émotions chez le spectateur en s'affranchissant des méthodes de représentation conventionnelles. L'abstraction lyrique , forme concurrente de ce style, est apparue en France dans les années 1950.
03 Abstraction géométrique
Cette forme d'art plus intellectuelle, employant des formes géométriques, a émergé vers la fin de la première décennie du XXe siècle. Une forme précoce, encore peu développée, fut le cubisme, et plus précisément le cubisme analytique.
Il rejeta complètement la perspective linéaire et l'illusion de profondeur spatiale en peinture, rompant ainsi avec de nombreuses normes alors en vigueur dans le monde de l'art. Cette réorientation radicale amena les artistes à se concentrer exclusivement sur les aspects bidimensionnels d'une image.
L'abstraction géométrique est également connue sous le nom d'art concret et d'art non figuratif – elle met fortement l'accent sur les images non naturalistes, utilisant des formes géométriques simples telles que des cercles, des carrés, des triangles, des rectangles, etc.
L'absence totale de toute référence au monde naturel, ou même de tout lien avec celui-ci, en fait la forme d'abstraction la plus pure.
Exemples d'art concret :
Le Cercle noir (1913) de Kasimir Malevitch (1878-1935) – exposé au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg
Broadway Boogie-Woogie (1942) de Piet Mondrian (1872-1944) – exposé au MoMA de New York
Composition VIII (La Vache) (1918) de Theo van Doesburg (1883-1931) – également exposée au MoMA de New York
Hommage à la place par Josef Albers (1888-1976)
04 Op Art
L'art optique , parfois aussi appelé Op Art , a émergé dans les années 1960. L'artiste hongrois Victor Vasarely (1906-1997), qui a étudié intensivement les phénomènes optiques, a considérablement façonné ce mouvement.
Pour créer des illusions d'optique, les artistes de l'Op Art – parmi lesquels des artistes renommés comme Julio Le Parc , François Morellet et Yaacov Agam – jouaient avec les couleurs, les formes et la lumière. C'était en quelque sorte un renversement du mouvement expressionniste abstrait des décennies précédentes.
Tandis que l'Op Art s'attachait à tromper le regard du spectateur et à susciter une véritable obsession visuelle, les artistes expressionnistes abstraits communiquaient leurs sentiments et leurs émotions par des coups de pinceau dynamiques. Ce mouvement artistique se caractérisait par des motifs géométriques et des effets d'illusion.
Les images ainsi créées, fruit d'un savant jeu de contrastes de couleurs et de formes, rendaient impossible pour le spectateur de distinguer le premier plan de l'arrière-plan, ou la représentation réaliste de la pure création artistique. Les créateurs de l'Op Art ne se souciaient pas seulement de l'expérience esthétique, mais aussi de la participation active du public.
Ils invitaient en quelque sorte le spectateur à percer les illusions visuelles et à résoudre le mystère de l'œuvre en sollicitant ses sens. Grâce à cette dimension interactive, l'Op Art fut un courant artistique remarquable.
L'art optique a également exercé une influence considérable sur d'autres domaines tels que le design et l'architecture. Ses principes ont été appliqués à la conception d'objets du quotidien, de façades de bâtiments et même de la mode.
05 Art abstrait émotionnel ou intuitif
Il s'agit d'un type d'art . Il se caractérise fondamentalement par un mélange de styles. Un thème commun se dégage, marqué par une tendance naturaliste.
Cette inclination pour le naturalisme se manifeste dans l'utilisation des formes et des couleurs. Contrairement à l'abstraction géométrique, qui se passe presque entièrement de références à la nature figurative, cette forme d'art emprunte une voie quelque peu différente.
L'abstraction intuitive cherche à donner vie à la nature dans ses œuvres, mais d'une manière moins figurative.
Deux sources importantes pour ce type d'art sont l'abstraction organique (également abstraction biomorphique ) et le surréalisme .
Le représentant le plus célèbre de ce courant pictural était sans doute le peintre d'origine russe Mark Rothko .
Reproduction encadrée du tableau « Vert rouge sur orange » de Mark Rothko
Parmi les œuvres exemplaires d'abstraction intuitive, on peut citer, outre les peintures de Mark Rothko :
Composition n° 4 (1911) et Composition VII (1913) de Vassily Kandinsky – exposées à la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen et à la galerie Tretjakow
Assiette, fourchette et nombril typiques (1923) de Jean Arp (1887-1966) – dans une collection privée
Femme (1934) de Joàn Miró (1893-1983) – également dans une collection privée
Inscape : Morphologie psychologique n° 104 (1939) par Matta (1911-2002) – également dans une collection privée
Divisibilité infinie (1942) d' Yves Tanguy (1900-55) – exposée à la galerie d'art Allbright-Knox à Buffalo (États-Unis)
Exemples en sculpture et en taille de pierre :
Le Baiser (1907) de Constantin Brancusi (1876-1957) – Kunsthalle, Hambourg
Mère et Enfant (1934) de Barbara Hepworth (1903-1975) – exposé à la Tate Gallery
Le Piqûre géante (1937) de Jean Arp – exposé au Musée national d'art, Centre Georges Pompidou, France
Trois figures debout (1953) de Henry Moore (1898-1986) – Musée Guggenheim, Venise
06 Abstraction gestuelle
L'abstraction gestuelle est une variante ou une sous-forme de l'expressionnisme abstrait. Dans ce style, on accorde une importance accrue au processus de création de l'œuvre.
Par exemple, la peinture peut être appliquée ici de manière inhabituelle. Le travail au pinceau est généralement très libre, spontané et rapide.
Parmi les célèbres représentants américains de la peinture gestuelle, on peut citer Jackson Pollock (1912-1956), l'inventeur de l'Action Painting et de la technique du dripping , et sa femme Lee Krasner (1908-1984), qui l'a inspiré avec sa propre forme de peinture par dripping.
Jackson Pollock décrivait l'art abstrait comme une « énergie et un mouvement révélés » à créer sans autocensure et de manière intuitive, « viscérale ».
"Numéro IIA" (1948) par Jackson Pollock, éditions Pierre D'Arville (autorisée par J. Pollock / Sofam Belgique)
Parmi les autres figures importantes, citons Willem de Kooning (1904-97), célèbre pour sa série « Woman », et Robert Motherwell (1912-56), qui a acquis une renommée mondiale grâce à sa série « Elegy to the Spanish Republic » .
illustrée par le tachisme ainsi que par le groupe CoBrA – il convient de souligner tout particulièrement Karel Appel
07 Minimalisme
En réaction à la peinture gestuelle de l'expressionnisme abstrait, le minimalisme comme mouvement artistique d'avant-garde aux États-Unis. Une sorte de postmodernisme , en quelque sorte.
Il a également été débarrassé de toute référence et association extérieure. Il est réduit à ce que vous voyez réellement – rien de plus.
Le minimalisme adopte souvent une forme géométrique ou est structuré selon des principes géométriques. Ce mouvement artistique, dominé par les sculpteurs, a été particulièrement présent en architecture et en design moderne depuis les années 1980.
le musée Barberini de Potsdam a présenté une impressionnante exposition de plus de quatre-vingt-dix œuvres du peintre Gerhard Richter , centrée sur l'art abstrait. Cette exposition a replacé les œuvres de Richter, réalisées sur plus de cinquante ans, dans un contexte plus large. L' de Berlin-av a eu l'opportunité de rencontrer Gerhard Richter lors du vernissage. Dans la vidéo, il aborde différents aspects de son travail artistique lors d'une conférence de presse.
Gerhard Richter, souvent surnommé le « Picasso du XXIe siècle », est reconnu pour la diversité de son œuvre. Une exposition à laHaus der Kunst en 2009 a présenté, pour la première fois, une sélection exhaustive de ses peintures abstraites réalisées depuis les années 1970. Ces œuvres de grand format, pour la plupart créées en séries, témoignent de l'exploration approfondie par Richter des principes et des limites de la peinture.
Son processus créatif se caractérise par une « spontanéité maîtrisée », où il travaille sans motif préconçu et laisse place au hasard. À l'aide de pinceaux, de raclettes et de spatules, il superpose des couches d'éléments colorés changeants, créant souvent des structures spatiales, mais jamais d'objets clairement reconnaissables. Nombre de ces toiles passent par plus de trente étapes, dont les traces demeurent de manière captivante.
Les plus de cinquante œuvres présentées dans l'exposition se caractérisaient par une intensité chromatique à couper le souffle et offraient une expérience visuelle de « cascades de couleurs enivrantes et psychédéliques » .
« 1025 Couleurs » (1974) de Gerhard Richter, reproduction sur papier
Pourquoi l'art abstrait nous fascine-t-il autant ?
Peut-être avez-vous vous aussi vécu cela : vous êtes-vous surpris à vous attarder longuement sur une œuvre d’art abstraite, à la contempler pendant un long moment et à ressentir une certaine attirance , sans pouvoir en comprendre pleinement la raison.
C'est difficile à expliquer, mais indéniable : l'art non figuratif exerce une fascination unique qui captive notre esprit. Il peut susciter chez le spectateur des associations et des réflexions diverses, emmenant notre imagination en voyage.
Comprendre l'art abstrait n'est pas particulièrement difficile en soi – il suffit d'avoir l'esprit ouvert et une bonne dose d'imagination.
La première étape consiste à se défaire des idées reçues et des croyances profondément ancrées. Comprendre l'art abstrait, c'est avant tout dépasser notre façon de connaître et de percevoir les choses. C'est seulement alors que se révèle la véritable puissance de ces œuvres.
Le dessinateur et peintre d'origine arménienne Arshile Gorky résume la situation comme suit :
L'abstraction permet à l'esprit humain de percevoir ce que ses yeux ne peuvent voir. L'art abstrait permet à l'artiste d'appréhender l'infini au-delà du tangible et de le transcender. C'est l'émancipation de l'esprit, l'exploration de territoires inconnus
(traduction approximative de l'anglais)
L'abstraction puise ses racines dans l' intuition et dans la liberté (tant pour l'artiste que pour le spectateur). Elle réside dans la capacité de l'artiste à faire appel à son imagination pour percevoir au-delà du visible et traduire des émotions immatérielles sur la toile.
C’est aussi la capacité du public à se connecter à l’intention de l’artiste dans l’art abstrait et à libérer son propre esprit des limitations visuelles.
L'essentiel à comprendre concernant cette forme d'art, c'est qu'elle n'a pas besoin d'avoir une signification spécifique, une histoire, ni même une explication claire.
Son objectif principal est plutôt de stimuler l'imagination et une approche intuitive. Cet art vise avant tout à offrir aux spectateurs une expérience intangible et émotionnelle – une expérience généralement unique pour chacun, en fonction de sa personnalité et de son état d'esprit au moment du visionnage.
Tout cela rend l'art abstrait si incroyablement passionnant et enrichissant.
Comprendre l'art abstrait – Un guide succinct
Nous avons appris qu'il ne s'agit pas de reconnaître et de trouver des figures ou des motifs familiers dans des œuvres abstraites.
Si les explications de la section précédente vous semblent trop générales et que vous ne savez toujours pas comment procéder, les conseils suivants pourront peut-être vous aider :
Pour comprendre l'abstraction, il est important de reconnaître qu'il différentes manières d'aborder et de classer l'art.
Pour apprécier l'art moderne, il ne faut pas s'attarder sur le réalisme avec lequel l'artiste a peint quelque chose ou quelqu'un, ni sur le nombre de détails sophistiqués présents, mais plutôt sur la capacité de l'œuvre à susciter des émotions et à créer un lien profond avec l'artiste.
Les peintures abstraites peuvent également être appréciées pour leurs éléments individuels : couleur, forme, ligne, texture, espace, intensité, etc. Le talent d’un artiste abstrait réside dans sa capacité à utiliser les couleurs et les textures le plus efficacement possible et à créer une composition complète (harmonique) à partir de ces éléments.
Ne regardez pas l'heure ! Inutile de rester des heures devant une œuvre abstraite. Prenez simplement le temps que vous jugez nécessaire. Le temps ne doit pas être une contrainte. En aucun cas, ne vous fixez de limite de temps.
Nous savons tous que l'art est subjectif , et il arrive parfois que certaines œuvres nous laissent indifférents, surtout en matière d'art abstrait. Acceptez-le ou réessayez plus tard.
Ne sous-estimez pas l'imagination de l'artiste ni sa valeur ! Si une œuvre ne vous plaît pas ou ne vous touche pas, prenez le temps de réfléchir à ce qui, précisément, vous provoque ce sentiment. Cela vous ouvrira peut-être à une nouvelle perspective. Et c'est là, après tout, le secret de ce type d'art.
Oubliez le titre ! La plupart du temps, les tableaux abstraits ont des titres extrêmement vagues (par exemple, « Numéro 4 » ou « Noir et Rouge »). Ne vous laissez pas tromper. La plupart des artistes abstraits évitent délibérément les titres significatifs, voire promotionnels. Ils insistent sur le fait que le spectateur interagit avec leur œuvre et y trouve finalement sa propre signification. Ce n’est que dans de rares cas qu’un titre peut guider l’imagination.
Lisez les cartels ou les explications des guides et brochures d'accompagnement. Vous y trouverez des informations importantes sur le parcours de l'artiste et ses intentions artistiques. Conseil : Commencez par contempler l'œuvre sans contexte ; vous vivrez ainsi une expérience plus intense et immersive.
Laissez le tableau vous parler ! Libérez votre esprit de toute autre pensée. Accordez-lui le temps et laissez ses émotions résonner en vous. Observez les couleurs et les textures. Que ressentez-vous ? Quelles pensées vous traversent l'esprit ? Jackson Pollock a dit un jour : « Laissez le tableau poser les questions, plutôt que l'inverse. »
Ne vous mettez pas la pression ! Ne vous inquiétez pas si chaque tableau ne vous inspire pas immédiatement une émotion. Une peinture abstraite n'a pas besoin de susciter un lien contextuel ; autrement dit, vous n'êtes pas obligé(e) de ressentir toutes les émotions qu'elle pourrait transmettre. Si elle ne vous touche pas, c'est tout à fait normal. Les émotions négatives sont également possibles et doivent être prises en compte.
N'oubliez pas que l'abstraction n'a pas forcément de signification ! Si la compréhension d'une œuvre d'art peut susciter un sentiment de victoire passager, s'immerger dans son mystère procure un plaisir durable.
Qu'est-ce que la photographie abstraite ?
Dans le monde de la photographie abstraite, les photographes s'inspirent de l'esthétique et des techniques de l'art abstrait pour les reproduire en photographie. Ils y parviennent en combinant des objets et des scènes du quotidien, ainsi que différentes techniques photographiques, afin de créer des images qui font écho à d'autres formes d'art abstrait.
Barbara Crane était une photographe qui utilisait des gros plans extrêmes, des ombres exagérées et la surexposition pour créer des optiques expérimentales qui déformaient les paysages urbains traditionnels.
Dans sa série Loop, elle a transformé les gratte-ciel et les immeubles d'habitation en images géométriquement abstraites à fort contraste. L'artiste a décrit sa démarche comme suit :
Même si je m’appuie sur mes expériences passées, je m’efforce de me défaire de mes vieilles habitudes de perception et de réflexion. Je suis constamment à la recherche de quelque chose de visuellement nouveau pour moi. Parallèlement, j’espère que la forme et le fond finiront par fusionner
Kimberly Poppe utilise également son appareil photo pour explorer de nouvelles perspectives. Ses photographies de paysages sont davantage influencées par les peintures de Rothko que par les panoramas océaniques qu'il immortalise. L'expressionniste abstrait américain compte parmi ses influences majeures.
Sven Pfrommer, photographe et artiste visuel contemporain vivant à Berlin, se consacre également avec brio à la photographie abstraite et connaît un grand succès international.
Dans quels musées et expositions puis-je trouver des œuvres d'art abstraites importantes ?
Bien que l'art non figuratif soit présent dans la plupart des grands musées d'art du monde, certains musées prestigieux abritent des collections remarquables d'œuvres importantes et exceptionnelles de cette forme d'art.
Il est particulièrement recommandé de visiter les musées importants suivants :
Musée d'art moderne (MoMA), New York
Musée Samuel R. Guggenheim, New York
Galerie d'art Albright-Knox, Buffalo, New York
Galerie Tate Modern, Londres
Centre Georges Pompidou, Paris
Guggenheim Bilbao
Guggenheim Venise
Musée d'art de Bâle
Musée Stedelijk, Amsterdam
Musée National d'Art Moderne, Paris
MOMAT, Musée national d'art moderne, Tokyo
Institut d'art de Chicago
Musée d'art contemporain de Sydney
Achat d'art abstrait : à quoi faire attention
À travers des échanges et des discussions avec d'autres galeries, ainsi que dans les rapports sur le marché de l'art de ces dernières années, nous avons observé une tendance vers une nouvelle génération de jeunes collectionneurs d'art que l'on peut qualifier de natifs du numérique et qui achètent de l'art presque exclusivement en ligne.
Outre l'art urbain et le street art , l'art abstrait est particulièrement prisé pour les achats en ligne. Un prix plafond d'environ 25 000 € s'est établi, ce qui représente une augmentation significative de la valeur des œuvres échangées en ligne ces dernières années.
Selon le rapport Art Basel et UBS sur le marché mondial de l'art 2024, la confiance dans les ventes mondiales en ligne a de nouveau augmenté en 2023, atteignant environ 11,8 milliards de dollars américains à l'échelle mondiale, ce qui représente une augmentation de 7 % par rapport à l'année précédente (2022) et représente 18 % des ventes totales du marché.
Art abstrait dans notre galerie en ligne
Dans notre galerie d'art virtuelle, bien sûr, vous avez également l'occasion d'acquérir des œuvres d'art abstraites uniques et colorées - directement de l'artiste ou du partenaire de la galerie.
Chacune de ces peintures a été créée avec la passion et le talent exceptionnel d'un artiste de grand talent. Explorez la diversité des formes artistiques les plus abstraites et laissez-vous inspirer par des images qui racontent votre histoire personnelle.
Plongez dans un univers débordant d' inspiration créative grâce à notre vaste gamme de chefs-d'œuvre abstraits exquis.
Les œuvres de cette collection sont disponibles à l'achat, soit directement auprès de l'artiste, soit par l'intermédiaire de sa galerie. Cliquez simplement sur les œuvres de votre choix pour en savoir plus.
Peintures abstraites dans nos galeries partenaires
Nos galeries partenaires Singulart et Artfinder proposent également une collection variée d'œuvres d'art moderne. Ces galeries en ligne sont réputées pour leurs collections soigneusement sélectionnées, présentant des artistes internationaux confirmés et émergents.
Ces galeries partenaires proposent une vaste sélection d'œuvres d'art abstraites pour s'adapter à tous les styles de décoration intérieure imaginables, que vous préfériez les couleurs vives, les formes dynamiques ou les textures douces.
Conseils et guides supplémentaires
Pour plus d'informations, de conseils et de recommandations sur l'achat d'œuvres d'art abstraites, veuillez consulter nos articles connexes :
Art contemporain de l'abstraction expressive allemande et autrichienne
Quiconque recherche des artistes contemporains ayant une nette tendance vers des formes d'expression non figuratives trouvera ce qu'il cherche au cœur de Dresde, .
C’est ici que Thomas Stephan Inspire Art, un lieu de rencontre pour les artistes spécialisés dans l’abstraction expressive, qui n’a cessé de croître et de prospérer depuis, notamment grâce à une équipe d’artistes talentueux, authentiques et dévoués, devenant un centre névralgique pour les amateurs d’art, les artistes et les marchands d’art.
Le groupe principal établi d' Inspire Art comprend Etienne Donnay, Florian Maiorescu, Marcin Marz, Mila Plaickner et Elena Drobychevskaja.
la peinture informelle peut paraître déroutante, étrange et accablante. L'équipe d'Inspire Art s'efforce de remédier à cela en présentant des œuvres d'art modernes de manière avant tout compréhensible et authentique. Les échanges stimulants et créatifs sont vivement encouragés dans les salles lumineuses de la galerie d'art de Dresde.
Vous pouvez rester informé des nouvelles sorties d'artistes allemands et internationaux sur www.inspire-art.de .
Sur le site web de la galerie, vous trouverez également un aperçu de son vaste portefeuille d'art moderne ainsi que de sa collection fascinante et diversifiée d'œuvres d'art contemporain issues de différents mouvements artistiques, avec une forte prédominance de l'art abstrait.
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Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplôme de webdesign obtenu avec succès dans le cadre d'études universitaires (2008). Développement continu des techniques de créativité grâce à des cours de dessin en plein air, de peinture expressive et de théâtre/jeu d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art grâce à de nombreuses années de recherches journalistiques et à de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions du monde de l'art et de la culture.
Comme chaque sujet, l'art une richesse de termes spécifiques à un sujet, d'expressions, d'abréviations et de mots étrangers.
Dans cette section, nous aimerions vous rapprocher de quelques-uns des termes les plus importants et les plus courants.
pourrez apprendre à connaître et à approfondir un certain nombre d'informations, de définitions, de définitions, de termes liturgiques, d'expressions spécialisées communes et de leurs abréviations ainsi que des termes des concepts de la théorie de l'art, de l'histoire de l'art
Dans l'art, les artistes et les œuvres d'art sont classés dans les styles . Ceux-ci sont basés sur des caractéristiques communes des œuvres d'art et des produits culturels d'un âge.
La division en époques sert d' outil pour la structuration et la classification des œuvres et des artistes dans un cadre temporel et une histoire culturelle.
La connaissance des Époques Artistiques joue un rôle majeur, notamment dans le commerce de l'art, ainsi que dans la théorie de l'art et l'analyse de l'image classique.
Dans cette section du blog d'art, nous aimerions vous aider à mieux comprendre ces époques, styles et courants.
Styles et styles d'art
Le style d'art ou le style dans les œuvres d'art décrit l' expression uniforme des œuvres d'art et de produits culturels d'un âge, d'un artiste ou d'un groupe d'artistes, d'une direction artistique ou d'une école d'art.
Il s'agit d'un outil de classification et de systématisation de la variété de l'art. Il désigne des choses unanimeuses qui diffèrent des autres.
Le terme est thématiquement lié à l' Époque Artistique , mais ne s'inscrit pas dans une seule période et est donc beaucoup plus complet.
Dans cette section, nous aimerions vous aider à mieux comprendre les styles et les courants dans l'art.
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