Emilia e Ilya Kabakov o “El alma rusa de Nueva York” – Parte 1

Emilia e Ilya Kabakov se encuentran entre los pintores y artistas conceptuales del mundo, ya que llevan más de tres décadas sorprendiendo al mundo con arte ruso original desde Nueva York .

Nueva York no está precisamente en el corazón de Rusia; el hecho de que aquí se cree auténtico arte ruso es sorprendente, y debería serlo. Pero eso no es lo único sorprendente de los Kabakov y su historia: un vistazo a la vida de estos dos artistas revela una maravillosa narrativa artística tras otra, aderezada con un ingenio sutil y una rebeldía tan positiva como persistente.

Lo cierto es que los Kabakov se encuentran entre los artistas más célebres del mundo, conocidos allí donde la gente puede crear y apreciar el arte libremente (en la lista más imparcial de los mejores artistas del mundo, Emilia e Ilya Kabakov llevan mucho tiempo figurando justo fuera del top 100). A continuación, se revelan algunos aspectos más abiertos a la interpretación, para despertar su curiosidad sobre el arte y los artistas:

El camino de Ilya y Emilia Kabakov hacia el arte como hogar profesional

Ilya Kabakov nació el 30 de septiembre de 1933 en Dnipro, ciudad que se llamó Dnipropetrovsk hasta 1991 como parte de la URSS y de nuevo Dnipropetrovsk hasta 2016 como parte de Ucrania. En teoría, la vida en esta gran ciudad a orillas del río Dniéper (hoy la cuarta ciudad más grande de Ucrania, con casi un millón de habitantes) sería maravillosa, con un clima mediterráneo suave y el mar de Azov, una gigantesca bañera a poca distancia, cuya temperatura del agua suele alcanzar los 30 °C en verano. Pero no fue así; hoy, las disputas de Europa del Este perturban la tranquila vida allí; desde luego, no en la época del nacimiento de Ilya Kabakov

La Segunda Guerra Mundial era inminente; el padre de Kabakov fue reclutado (y posteriormente murió en el frente), y Kabakov y su madre fueron evacuados a Samarcanda (actual Uzbekistán). Allí, desde 1943, se dice que Ilya Kabakov asistió a la escuela de arte de la Academia de Bellas Artes de Leningrado, que también había sido evacuada a Samarcanda.

Sea como fuere (en realidad, la madre de Kabakov tenía cosas más importantes que hacer que organizar la educación artística gratuita de su hijo), fue una decisión brillante en medio de la guerra dejar vivir a un niño de diez años.

La investigación cerebral ha establecido y confirmado que las actividades creativas crean neuronas y conexiones neuronales que contribuyen a un estado de ánimo positivo. De hecho, son tan eficaces para remodelar positivamente el cerebro (y, por ende, el resto del cuerpo) que las actividades creativas ahora ocupan un lugar destacado en la terapia del trauma.

El arte trae alegría, quizás al principio (en la angustia, después del evento trágico) solo en pequeñas partes/por un corto tiempo; en el peor de los casos, solo se trata de preservar un cierto potencial humano positivo (esta es la razón por la que los soldados en el frente realizan todo tipo de actividades alegres, que a menudo se perciben como despiadadas desde afuera o en retrospectiva).

Pero una neurona es una neurona, en la guerra y en la paz; las experiencias/emociones felices siempre conducen a la liberación de ciertas sustancias; estas sustancias siempre promueven la formación de conexiones cerebrales que son buenas para el cerebro y para la persona.

Además, desde los siete u ocho años, el joven Kabakov había vivido en un entorno con una lengua extranjera (en Samarcanda se habla tayiko, no ruso o ucraniano como en Dnipropetrovsk), por lo que asistir a la escuela de arte también fue un refugio en el entorno familiar de la infancia.

La semilla del "arte" ya estaba sembrada, y después de la guerra, Ilya Kabakov se trasladó a Moscú para perfeccionar su formación en este campo. De 1945 a 1951, asistió a una escuela de arte en Moscú, y de 1951 a 1957, estudió diseño gráfico e ilustración de libros en el Instituto de Arte Surikov de Moscú (una filial de la venerable Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, que, tras su división en arte y arquitectura, se dedicó a la formación artística), donde se graduó con un diploma.

Por lo tanto, Kabakov es un diseñador gráfico e ilustrador de libros cualificado, que estudió en las dos principales escuelas de arte de su país.

Se formó en el estilo entonces predominante o impuesto del "realismo socialista ", pero se dice que estudió a Cézanne y todo el arte internacional que pudo conseguir, e incluso que realizó bocetos a mano alzada del natural (una desviación escandalosa para un trabajador en asuntos de arte impuestos por el Estado).

Es irrelevante si esto se debió a que el joven Kabakov había absorbido demasiada cultura islámica antigua y la libertad de pensamiento islámica primigenia en las tierras altas de Uzbekistán como para poder tolerar el hedor ideológico del realismo socialista , o si simplemente no sentía ningún deseo a "trabajadores optimistas y con visión de futuro de una granja colectiva en un tractor "; su anhelo de libertad se manifestaría más tarde de forma imparable.

Inicialmente, tras graduarse, Kabakov trabajó diligentemente como ilustrador de libros infantiles durante un tiempo. Pero el simple hecho de haber visto a Cézanne fue un argumento tan sólido contra el intento de estropear los libros infantiles ilustrando las realidades socialistas del mundo laboral, que esta postura no duró mucho: en 1965 se afilió a la Unión de Artistas de la URSS, que en realidad era una rama ideológica del Partido Comunista.

La membresía le dio a Kabakov el derecho a exponer sus obras, pero de ninguna manera la oportunidad real. Por lo tanto, desde 1967, el ático de Kabakov en el centro de Moscú se convirtió cada vez más en un centro para los artistas moscovitas poco convencionales y disidentes, a quienes, en dictaduras y estados totalitarios, se les llama disidentes.

Un término desconocido en las democracias, porque en esos países todos tienen el derecho fundamental a expresar su opinión libremente y sin impedimentos (que no debe confundirse con la incitación inconstitucional al odio o los insultos penalmente relevantes que siguen a la frase "uno debería tener derecho a decirlo").

El propio Ilya Kabakov se convirtió en un artista conceptual moscovita cuyas obras reflejaban inicialmente la mentalidad rusa y abordaban las limitaciones sociales y los problemas cotidianos de sus conciudadanos en la URSS. Pronto surgieron sus primeros diseños arquitectónicos utópicos, hasta que Kabakov finalmente llegó a las utopías sociales y comenzó a explorarlas en profundidad. Lo hizo principalmente con humor e ironía, siempre con una (amarga) conexión con la realidad.

A partir de 1978, Kabakov creó sus primeros murales en los que parodiaba el "arte oficial" del sistema soviético , embelleciéndolos a modo de collage con textos correspondientes. Posteriormente, la técnica del collage se amplió en sus instalaciones, culminando en 1981 con la historia del hombre que nunca tiraba nada (una instalación con varias cajas llenas de papeles y partituras, rodeadas de toda la demás basura que forma parte de la identidad de este hombre).

Kabakov seguía involucrado cuando un grupo de artistas moscovitas rebeldes lanzó el "Conceptualismo de Moscú" a finales de la década de 1970. Estos artistas querían combinar el arte conceptual occidental con el arte soviético Soz (el arte Soz era la fusión del realismo socialista con elementos del Pop Art, dispersos en Rusia), y lo hicieron al margen del circuito artístico soviético oficial. Sin embargo, Kabakov ya se preparaba para marcharse; pronto, obras que no se le permitía exponer en la URSS llegaron misteriosamente a Occidente.

En 1985, Kabakov fue invitado a sus primeras exposiciones individuales en Francia (del 11 de junio al 13 de julio de 1985, "Ilya Kabakov", Galerie Dina Vierny, París) y Suiza (del 31 de agosto al 18 de noviembre de 1985, "Ilya Kabakov: Al límite", Kunsthalle Bern). Se exhibieron 25 pinturas y 490 dibujos, pero lamentablemente al artista no se le permitió viajar.

Incluso sin él, las obras de Kabakov continuaron viajando a Marsella y Düsseldorf en 1986; Las primeras instalaciones llegaron a Suiza a través de caminos aventureros en 1986, hasta la exposición "Rauminstallationen und Bildwerke aus dem 80er Jahren" (15.08. – 03.09.1986, Neue Galerie, Schlössli Götzental, Dierikon), y la exposición "Ilya Kabakov" estuvo expuesta en el Centro Nacional de Artes Plásticas de París desde 19.11.1986 al 11.01.1987.

Para un episodio de TateShots, los periodistas visitaron a la pareja de artistas Kabakov en su casa de Long Island en Nueva York, donde han vivido durante más de treinta años, mientras se preparaban para su primera gran exposición en un museo del Reino Unido en el Tate Modern (2018):

A principios de 1986, Mijail Gorbachov inició el proceso de reestructuración y modernización de la Unión Soviética, lo que conocemos como Perestroika; esto fue acompañado por la Glasnost, literalmente apertura, libertad de información, libertad de expresión, también se podría hablar simplemente de libertad de opinión y de prensa o democratización del Estado.

Con las obras para la exposición “Arte contemporáneo de la Unión Soviética: Ilya Kabakov e Ivan Tchuikov” (del 20 de febrero al 20 de abril de 1987, Museo de Arte Contemporáneo de Basilea, Suiza), al artista finalmente se le permitió abandonar el país, permaneciendo inicialmente en Occidente con una beca de la Asociación de Arte de Graz, y no regresaría a su país mientras su patria aún se llamara URSS.

Del 20 de marzo al 8 de abril de 1988, obras "rescatadas" y nuevas de Kabakov se exhibieron en la exposición "Antes de la cena" (organizada por la Asociación de Arte de Graz) en el vestíbulo de la Ópera de Graz; también en abril de 1988, el arte y los artistas dieron el salto desde Austria a través del Atlántico: del 30 de abril al 4 de junio de 1988, exposición "Diez personajes", Ronald Feldman Fine Arts, Nueva York, EE. UU.

Aquí es donde entra en escena Emilia, entonces todavía Emilia Lekach; una emigrante rusa que trabajaba como curadora y marchante de arte en Nueva York desde 1975.

Emilia Lekach nació en la URSS en 1945. De 1952 a 1959, estudió en la Escuela de Música de Moscú, de 1962 a 1966 en el Conservatorio de Irkutsk y de 1969 a 1972 en la Universidad Estatal de Moscú, donde estudió Lengua y Literatura Españolas. En 1973, Emilia emigró a Israel con toda su familia. En 1975, se mudó de Israel a Nueva York, donde pronto comenzó a trabajar como curadora y comerciante de arte, puesto que aún ocupa. Y lo mejor de todo, es casi increíble: Emilia Kabakov Lekach también nació en Dnipropetrovsk.

Emilia Lekach y Ilja Kabakov, dos personas de una de las decenas de grandes ciudades de un país cuya superficie, incluso en su forma actual más pequeña, es exactamente 47,84 veces la de Alemania, se conocen a 7.904 kilómetros de esa ciudad, en Nueva York, y ambos trabajan en el campo del arte contemporáneo.

Un hombre y una mujer, de 54 y 42 años, con una educación y pasiones similares y experiencias terribles similares bajo gobiernos que ignoran los derechos humanos, se conocieron en su juventud en Moscú. ¿No sería bastante extraño que no se casaran?

El hecho de que esta historia aún no haya sido convertida en un cuento de hadas de Disney se debe probablemente a la edad de los protagonistas.

Esta no es la historia de una princesa rubia y soñadora que conoce a su héroe aparentemente despreocupado, sino la de dos artistas contemporáneos consagrados que, por muchas buenas razones, deciden vivir y trabajar juntos. Incluso sin Disney, su historia se desarrolla como un cuento de hadas, y con su fuerza combinada, ambos están destinados a alcanzar la fama mundial en poco tiempo

Mundo libre, mente libre, buen trabajo

Ilja Kabakov permaneció en Nueva York y comenzó a trabajar con Emilia Lekach en 1989. La pareja artística desarrolló un estilo de trabajo colaborativo en el que cada uno de ellos dio, y sigue dando, lo mejor de sí, en distintos grados dependiendo del proyecto.

En 1992, Ilja Kabakov y Emilia Lekach se convirtieron en pareja de artistas y, como mínimo con este paso, pasaron a formar parte de una sociedad artística en la que la mujer o el hombre son cada uno "la mitad del artista" (si alguien cree que puede expresar esta constelación con el lenguaje de género correcto: ¡Por favor, con mucho gusto!).

Esta asociación de trabajo, tantas veces promocionada como algo muy especial, no tiene mucho de espectacular si se la analiza más de cerca: dos personas trabajan juntas (como iguales, por supuesto) y se preocupan de hacer el mejor uso posible de los talentos de cada una y de amortiguar las debilidades de cada una lo mejor posible.

Un modelo básico sensato para cualquier proyecto que las personas emprendan juntas y que debería funcionar a largo plazo sin suprimir a los socios.