El camino hacia una verdadera obra de arte: una guía para artistas aficionados

El mundo de la pintura ofrece un espacio para la expresión creativa. La cuidadosa selección de materiales, la comprensión de los principios de composición y el desarrollo de una perspectiva artística única son elementos clave para crear obras de arte conmovedoras.

El aprendizaje continuo y la exploración paciente transforman los desafíos en experiencias enriquecedoras, que en última instancia se ven recompensadas con resultados sobresalientes.

Pero, ¿en qué deben fijarse los principiantes para lograr un excelente resultado final? Las siguientes secciones ofrecen respuestas.

Este libro será de gran ayuda para quienes se inicien en la pintura. Mientras lo escribía, pensaba en qué haría si tuviera que volver a empezar a pintar desde cero.

01 Considera por qué estás empezando a pintar y qué esperas de ello.

Primero debes reflexionar sobre por qué quieres empezar a pintar y qué esperas obtener de ello. Deberías hacerlo antes de invertir en materiales de arte y empezar a pintar sobre un lienzo.

Tus percepciones determinarán tu enfoque y las áreas de aprendizaje que debes priorizar. No creo que todos tengan un camino de aprendizaje fijo para convertirse en un maestro de la pintura. Cada persona posee diferentes habilidades innatas, intereses e inclinaciones que determinan el proceso de aprendizaje óptimo.

Algunas personas carecen de la paciencia necesaria para sentarse a plasmar fielmente cada matiz y detalle de un tema. Por consiguiente, quizá les resulte más fácil adoptar los colores y la pincelada de los impresionistas que las exigentes técnicas de los pintores académicos rusos.

O quizás simplemente buscas un pasatiempo agradable o una afición gratificante. En ese caso, no tendrás ambiciones de entrar en el mundo del arte comercial. En tal situación, podrías preferir un enfoque más relajado en tu aprendizaje.

Como alternativa, podrías aspirar a convertirte en un maestro de la pintura realista como Julien Dupré o John Singer Sargent . Para siquiera acercarte a lograr este objetivo, necesitarás completar un programa de formación riguroso y exhaustivo. Este programa debería centrarse en el dibujo y otros aspectos fundamentales de la pintura (color, valor, composición, etc.).

02 Elige tu técnica: acrílico, óleo, acuarela u otra.

Al menos por ahora, deberías concentrarte en un solo medio . Esto te permitirá experimentarlo a fondo y luego enfocarte más en las características generales de la pintura, como el color, la composición, la expresión, etc.

Las decisiones más importantes implican elegir entre óleo , acrílico y acuarela . Si bien no las abordaré en esta guía, existen otras opciones como el gouache , la témpera, el pastel y los óleos solubles en agua.

No hay una respuesta correcta o incorrecta. Cada medio tiene sus propias ventajas y desventajas. Aquí tienes un breve resumen sobre los diferentes medios para ayudarte a elegir:

a. Pinturas acrílicas: La opción ideal para principiantes

Las pinturas acrílicas son especialmente populares entre quienes se inician en el mundo del arte, ya que son fáciles de usar y no requieren herramientas especiales. Su principal inconveniente es su rápido tiempo de secado.

Las pinturas acrílicas podrían ser adecuadas para ti si…

• …eres un principiante absoluto y no quieres complicarte con las complejidades de la pintura al óleo y la acuarela.
• … tiempos de limpieza y orden cortos .
• …Están sujetos a un presupuesto limitado.
• … realmente disfrutas trabajando con técnicas mixtas (combinando diferentes materiales).
• …Son sensibles a los productos químicos utilizados en las pinturas al óleo.

Las pinturas acrílicas también tienen varias desventajas :

• La pintura se seca bastante rápido. Esto significa que solo tienes un tiempo limitado para que la pintura se adhiera al lienzo.
• Algunos colores se oscurecen al secarse; los colores más claros suelen mostrar más cambios.

Hace muchos años, usé pinturas acrílicas por primera vez. Frustrada por su rápido secado, terminé pasándome a la pintura al óleo. Pero, como principiante, las acrílicas fueron excelentes para adquirir habilidades pictóricas integrales. Además, existen aditivos para pinturas acrílicas que pueden retrasar el secado.

Draw Paint Academy ha sido un excelente recurso para principiantes y personas que se inician en el mundo de la pintura. Ofrecen innumerables tutoriales y guías para artistas aspirantes, tanto en su sitio web como en sus cursos en línea, así como en YouTube ( @drawpaintacademy ) e Instagram.

b. Pinturas al óleo: El medio preferido de los maestros

Por diversas razones, los artistas profesionales utilizan con mayor frecuencia pinturas al óleo:

• Son flexibles. Al usar diluyente y añadir más aceite, se puede modificar drásticamente el tiempo de secado y la consistencia de la pintura. Esto permite emplear técnicas como veladuras, veladuras, mezclas y deslizamientos, entre otras.
• Los más grandes pintores preferían la pintura al óleo.
• Los coleccionistas de arte parecen más las pinturas al óleo

Con la pintura al óleo es difícil equivocarse. Si no sabes por dónde empezar, te recomiendo comenzar con acrílicos y luego pasar a óleos cuando tengas más experiencia, o bien, usar directamente óleos.

La pintura al óleo se adapta perfectamente a los métodos pictóricos convencionales de los pintores anteriores. Si la encuentra demasiado exigente, le aconsejo que posponga su inicio en la pintura al óleo durante un tiempo.

La pintura al óleo tiene algunas "reglas" que deben seguirse; el resto es similar a la pintura acrílica.

Si te preocupan los disolventes fuertes que se usan en la pintura al óleo, como la trementina, deberías informarte sobre disolventes inodoros. Esto hace que la pintura al óleo resulte mucho más atractiva. También deberías considerar los óleos al agua.

c. Acuarelas: belleza indómita

Debido a que el agua es impredecible y los errores no se pueden corregir (ya que el papel solo puede absorber una cantidad limitada de agua), las acuarelas se consideran generalmente las técnicas más difíciles de aprender. Sin embargo, cuando se dominan, permiten crear obras exquisitas y de gran belleza.

Por lo tanto, recomiendo que comiences con pinturas acrílicas o al óleo antes de experimentar con acuarelas. Sin embargo, dado que las acuarelas enseñan habilidades diferentes a las de la pintura acrílica o al óleo, se complementan maravillosamente.

John Singer Sargent, por ejemplo, pintó paisajes y retratos impresionistas e informales en acuarela, pero fue más conocido por sus meticulosos retratos al óleo. Para Sargent, acostumbrado a largas y extenuantes sesiones de retrato, estas acuarelas probablemente le resultaban un respiro de vez en cuando.

03 Colores, materiales de pintura y equipo básico

En el tercer paso, debemos comenzar a reunir nuestros materiales de arte . Realmente no necesitas tantas cosas, así que deberías leer esta sección completa antes de empezar a comprar todos los tipos de pinceles o pinturas.

kit básico , siempre necesitarás :

• Un caballete para apoyar tu trabajo;
• Para pintura acrílica o al óleo: lienzo; para pintura a la acuarela: papel;
• una gama de colores para mezclar;
• Pinceles que se adaptan al medio elegido;
• Espátula; pinturas; disolventes (para pinturas al óleo); y toallas de papel para limpiar el pincel entre pinceladas.

¡Exactamente! Pintar puede ser muy fácil.

En tu tienda local de artículos de arte encontrarás todo lo necesario. Si eres principiante, te conviene empezar con un kit básico que incluya la mayoría de las herramientas esenciales. Siempre puedes ampliarlo más adelante.

Al igual que con los pinceles, el lienzo y las pinturas (un caballete de alta calidad no te convierte automáticamente en un mejor pintor), tiene mucho sentido comprar calidad donde realmente importa.

Elige colores de alta calidad

Las pinturas de alta calidad constituyen la base de toda obra de arte. Se reconocen por su intensa pigmentación, resistencia a la luz y consistencia cremosa. Permiten una aplicación uniforme y aportan profundidad a la pintura. La calidad de la pintura influye directamente en la expresividad y el impacto de la obra.

Una inversión bien pensada en pinturas de primera calidad contribuye significativamente al éxito de una obra de arte. Quienes tienen altos estándares pueden, por ejemplo, encargar distintos tipos de kratom .

En cuanto a los colores, recomiendo comenzar con una paleta limitada de rojo, azul, amarillo (los colores primarios), blanco y un tono tierra que recuerde al ocre natural.

Aquí tienes una gama de entrada decente :

• Rojo de cadmio
• azul ultramar
• Blanco titanio
• amarillo de cadmio
• umbría

Encontrar el lienzo y el caballete adecuados

Las pinturas modernas al óleo y acrílico se realizan mayoritariamente sobre lienzo. El lienzo sustituyó a los paneles de madera en la pintura renacentista, ya que al tensarlo sobre bastidores de madera se podían crear obras de mayor tamaño. Esto también lo hacía más ligero, enrollable y estable que los paneles de madera, además de menos propenso a deformarse y astillarse. El lienzo tiene su origen en el cáñamo, y los primeros lienzos de los artistas se fabricaban con tela de vela de cáñamo veneciano de alta calidad. Posteriormente se introdujo el algodón como sustituto del lino.

Existe una amplia selección de telas para lienzo , tanto si vas a confeccionar tu propio lienzo como si prefieres comprar lienzos o paneles ya estirados. La superficie que elijas dependerá de tus necesidades. Los diferentes gramajes, materiales y preparaciones de la superficie dan lugar a distintas experiencias pictóricas. El resultado final de tu pintura también se verá afectado.

Disponemos de lienzos listos para pintar, en una amplia variedad de tamaños y estilos. Aplicar una imprimación permite personalizar la superficie. Los paneles de lienzo fino y las láminas Ultralite son ligeros e ideales para pintar al aire libre. Ofrecemos lienzos en 40 tamaños diferentes, por metro o en rollos de 10 metros para tensar.

Muchos artistas experimentan con diferentes lienzos, imprimaciones y soportes para encontrar la mejor superficie. Las propiedades de la superficie pueden influir enormemente en las pinturas de algunos artistas, especialmente cuando trabajan con óleo o acrílico.

Al considerar los materiales con los que trabajarás, piensa también en la estabilidad y durabilidad del caballete que necesitas. Si bien los materiales ligeros son adecuados para tareas más pequeñas y menos exigentes, un caballete de madera robusto brindar el soporte necesario para materiales pesados ​​como lienzos grandes o técnicas mixtas. La ergonomía es fundamental.

04 Familiarícese con los fundamentos del diseño artístico

Creo firmemente que es importante aprender de forma eficaz, en lugar de simplemente perder el tiempo sin rumbo. Sin la guía adecuada, podrías practicar durante años y ver poca o ninguna mejoría. Estos son los principios esenciales de este arte:

• Color
• Expresión
• composición
• Bordes / Líneas
• Pincelada
• técnica de pintura

Las considero los pilares de la pintura. Es importante familiarizarse con ellas desde el principio, ya que ayudan a comprender exactamente qué sucede cuando el pincel toca el lienzo. Dominar estas áreas esenciales mejorará cada aplicación de pintura.

Aquí tenéis un resumen conciso de los aspectos esenciales:

Color

El color es algo que todos conocemos tan bien que a menudo pasamos por alto su significado. Mucha gente no comprende ni aprecia del todo la verdadera naturaleza del color.

Me resulta más fácil comprender el color considerando el matiz, la saturación y el valor tonal. Estos son los tres elementos que componen un color.

El matiz indica la posición de un color en el círculo cromático. Rojo, azul, amarillo, verde: todos estos son colores diferentes. La saturación describe la riqueza, intensidad o viveza de un color. El valor describe el grado de claridad u oscuridad de un color.

Familiarícese con estos tres términos, ya que aparecerán en cada obra de arte que produzca.

El valor tonal es un aspecto del color, pero debido a su importancia en la pintura, a menudo se considera un concepto fundamental en sí mismo. Cada color posee un valor inherente que se sitúa en el espectro entre el blanco y el negro .

Si eliminamos el color, obtenemos un espectro de valores que va del gris claro al casi negro. Una estructura tonal sólida no es estrictamente necesaria (piensa en muchas de las notables pinturas impresionistas), pero sin duda ayuda a darle a tu obra una base sólida. Pintar con diferentes valores tonales te da más flexibilidad al aplicar pinceladas, colores y detalles.

composición

En las discusiones sobre composición en pintura o fotografía, te encontrarás con multitud de términos complejos, "reglas" y teorías que pretenden explicar los principios de la composición en las artes visuales. Términos como…

• foco de atención
• regla de los tercios
• Promedio áureo
• Línea del horizonte
• Pautas
• Equilibrio / Balance
• ritmo
• Movimiento
• armonía

…y así sucesivamente. En última instancia, sin embargo, solo hay dos preguntas esenciales que son importantes para crear composiciones sobresalientes.

1. ¿Qué te gustaría expresar?
2. ¿Cómo lo expresarás?

Eso es todo. Todo lo demás es relativamente insignificante.

Examinemos estas cuestiones más detenidamente…

¿Qué te gustaría expresar?

Si tu pintura tuviera voz, ¿qué expresaría? Podría ser algo tan simple como… “Quiero representar cómo se refleja la luz en la superficie del agua”.

Es importante que tu mensaje sea claro.

¿Cómo lo expresarás?

¿Cómo organizar todos los elementos de tu pintura para crear armonía y transmitir el mensaje deseado? Considera cada una de tus pinceladas, formas, líneas, colores y texturas únicas como herramientas a tu disposición.

Bordes / Líneas / Límites

Los bordes sirven como línea divisoria entre dos formas. Pueden ser explícitos, difusos o estar ausentes. Los bordes definidos crean una transición nítida entre las dos formas; los bordes difusos proporcionan una transición suave; y los bordes ausentes son tan sutiles que resultan casi invisibles.

Pincelada

La pincelada se refiere a las impresiones tangibles creadas por el pincel, la espátula, el dedo u otra herramienta utilizada en el proceso pictórico. Este es un elemento de la pintura que a menudo se descuida, pero es una característica distintiva que le confiere a cada obra su apariencia única .

Sin el uso del pincel, bien podríamos optar por la fotografía o dedicarnos al arte digital en lugar de consagrarnos al arte tradicional.

Técnicas de pintura

La técnica se refiere a tu habilidad para realizar acciones específicas. A medida que adquieras experiencia y te sientas más cómodo manejando pinceles y pinturas, tu técnica se desarrollará naturalmente con el tiempo. Sin embargo, es importante ser consciente de cualquier hábito negativo que puedas desarrollar durante tu trayectoria artística.

Esto puede estar relacionado con la forma en que sujetas el pincel o con las pinceladas que utilizas. Corregir malos hábitos arraigados durante muchos años puede ser todo un reto.

Para desarrollar una técnica pictórica eficaz, recomiendo observar a grandes artistas crear sus obras (esto también se puede hacer en YouTube, en cursos en línea o talleres virtuales). Presta atención a su pincelada, cómo aplican la pintura al lienzo, cómo mezclan los colores y otros detalles similares.

05 Comienza con tu primera pintura

Ya estás listo para comenzar tu primer cuadro. Una pequeña advertencia: puede ser más difícil de lo que parece 🙂

Los maestros artesanos parecen crear obras de arte con una facilidad impresionante. Pero no hay que olvidar que han dedicado muchos años, y en algunos casos incluso décadas, a su oficio.

Recomiendo comenzar tu primer cuadro con un boceto; concéntrate en plasmar tu primera impresión del tema. Observa el tema a través de las formas y los colores. Luego puedes refinar el cuadro e incorporar más detalles.

Consejo 1: Empieza con bocetos a grandes rasgos.

No te preocupes por dibujar. Simplemente haz algunos bocetos. Repítete que solo estás jugando, experimentando y viendo qué sale.

Si sabes escribir, sabes dibujar; ya tienes tu propia forma, una manera de escribir letras y números, y garabatos únicos. Estas también son formas de dibujo. Al marcar y esbozar, presta atención a la respuesta táctil que recibes de tu mano, muñeca, brazo, oídos y tacto.

Cambia tu enfoque. Envuelve tus dedos con tela para modificar tu tacto y experimenta con la otra mano para ver qué sucede. Todo esto te está diciendo algo. Aquieta tu mente por completo y presta atención a todo lo que sientes. No pienses de forma positiva ni negativa. Piensa con emoción, imaginación y de forma poco convencional.

Consejo 2: Lleva siempre contigo un cuaderno de bocetos.

Dibuja en una hoja grande de papel. Sin embargo, no la llenes por completo. Observa las formas, estructuras, combinaciones, detalles, curvas, acumulaciones, dispersiones y composiciones que te resulten atractivas.

Ahora repite el proceso en otra superficie, cualquiera, para determinar qué tipo de material te gusta. Dibuja sobre piedra, metal, cartón pluma, tazas de café, etiquetas, aceras, paredes, plantas, tela, madera o cualquier otra cosa. Simplemente haz marcas para decorar estas superficies.

No te preocupes por lograr más. Cada obra de arte es una ganancia. Pregúntale a alguien qué ideas le surgen al ver lo que has creado.

06 El camino hacia tu propia caligrafía

Una expresión artística distintiva requiere perseverancia y pasión. La inspiración en otros artistas puede servir de catalizador sin comprometer la propia autenticidad. La coherencia en la técnica y la expresión da forma a un estilo individual.

Coraje para explorar nuevos territorios creativos

Es fundamental tener el valor de asumir riesgos creativos, explorar nuevos enfoques y confiar en la propia intuición. Mediante la práctica constante, emerge un estilo único que enriquece y personaliza el proceso artístico.

Se permitía la imitación

Todos empezamos imitando. ¡Y eso está perfectamente bien! Pero cuando lo hagas, concéntrate y siente la posibilidad de hacer tuyas todas esas cosas, incluso si las ideas, las herramientas y las técnicas provienen de otros artistas.

Imagina entrar en un inmenso estadio repleto de ideas, caminos, enfoques, herramientas y materiales cada vez que creas algo. 

Desarrolla una rutina de ejercicios

Practica dibujando tus propias manos mientras esperas en el metro o estás sentado. Muchas manos del mismo lado, manos superpuestas. Si quieres, también puedes dibujar las manos de otras personas. Otra opción es dibujar otras partes de tu cuerpo que sean claramente visibles.

Pero tienes que observar con atención y luego dibujar lo que observas. Los espejos también son útiles si solo quieres dibujar el punto donde tu mejilla se une a tu boca. Experimenta con diferentes escalas, ampliando, reduciendo y rotando objetos.

07 Desarrollando tus habilidades

Evaluar y desarrollar aún más

Una vez que hayas terminado tu primer cuadro, es momento de hacer una pausa y evaluar tu trabajo, identificando áreas de mejora. Lo más probable es que tu primer cuadro no sea una obra maestra, a menos que seas un genio; pero no te preocupes. Incluso los maestros empezaron como aficionados.

Analiza tu obra como si fuera una crítica de arte. Aquí tienes algunas preguntas que puedes considerar:

• ¿Qué características del cuadro me gustan?
• ¿Qué elementos cambiaría?
• ¿Cuál es la atmósfera del cuadro?
• ¿Cuál es la primera impresión que causa el cuadro?
• ¿Funciona la combinación de colores?
• ¿Tiene sentido la composición?
• ¿Hay pinceladas evidentes que complementen la imagen?
• ¿He presentado el tema correctamente en general?
• ¿Me molesta la imagen de alguna manera?
• ¿He comprendido el punto de vista de forma razonablemente correcta?

Recopilar comentarios e implementarlos

La retroalimentación constructiva es fundamental para el desarrollo artístico. La comunicación abierta con los demás permite obtener nuevas perspectivas sobre el propio trabajo. Es importante evaluar cuidadosamente las sugerencias y alinearlas con la visión personal.

La reflexión ayuda a obtener ideas valiosas e integrarlas de forma intencionada en el proceso creativo. El arte reside en examinar críticamente las influencias externas y seleccionar solo aquellas que enriquecen auténticamente el propio camino artístico.

Manejo constructivo de los intentos fallidos

En el proceso creativo, los intentos fallidos son experiencias valiosas. Crean oportunidades para la autorreflexión y la mejora continua. Desde una perspectiva constructiva, los obstáculos se convierten en momentos de aprendizaje.

Quienes consideran el fracaso como una oportunidad de aprendizaje mejoran continuamente sus métodos. Este enfoque fomenta todo el proceso creativo y apoya la expresión artística personal.

Diversidad a través de diferentes técnicas

Experimentar abre nuevas dimensiones creativas para los artistas. Además de los métodos tradicionales como la pintura al óleo o la acuarela, los enfoques no convencionales (técnicas mixtas) pueden producir resultados asombrosos. Cada técnica ofrece sus propias posibilidades, texturas y características. Las obras resultantes pueden utilizarse oficinas , cocinas, salas de estar o dormitorios.

La clave reside en la voluntad de traspasar límites y descubrir nuevos caminos de forma lúdica.

8 consejos adicionales

1. No te preocupes por lo que piensen los demás. Si bien debes aceptar las críticas, no dejes que dicten tu comportamiento.
2. Intégrate a una comunidad. Participa en concursos, visita galerías, conecta con otros creativos, lee blogs de artistas, suscríbete a boletines informativos, etc. Cuanto más intercambies ideas con personas afines, más motivado estarás.
3. No te dejes intimidar por artistas de gran talento. Siempre habrá alguien con más habilidades técnicas, conocimientos o experiencia que tú. Busca inspiración en lugar de sentirte amenazado por ellos.
4. Cuando empieces, no pienses en desarrollar un estilo único o memorable. La experiencia te permitirá crecer gradualmente.
5. Concéntrate en los fundamentos: color, valor, composición, bordes, pinceladas y ejecución. Cada pincelada que des contribuirá a mejorar estos principios básicos. Con el tiempo, esto potenciará tu progreso.
6. Busca a los maestros que nos precedieron. Aprende sobre su obra, su aprendizaje y sus circunstancias vitales. Esto pondrá el conocimiento y la inspiración a tu alcance.
7. No dudes en explorar nuevas actividades e ideas.
8. Analiza enfoques ingeniosos, secretos, métodos o estrategias de otras personas creativas.
9. Haz que tu aprendizaje sea flexible y abierto.
10. Aprender, practicar, comprobar y desarrollarse son los únicos secretos para convertirse en un gran pintor.