Las artes visuales centran cada vez más su atención en la figura humana. Incluso en el siglo XXI, se han presentado numerosas exposiciones dedicadas al arte corporalcon , explorando este tema predilecto de las bellas artes y, en ocasiones, incluso dejándose llevar por él.
Las artes visualescuerpo humano a lo largo de la historia . Durante siglos, el cuerpo humano ha sido un motivo central en el arte y se ha representado de diversas maneras.
Durante siglos, el cuerpo humano ha sido un motivo central en el arte. Foto de Noah Buscher @noahbuscher, vía Unsplash.
La idealización del cuerpo humano popular en la antigua GreciaLa escultura griega se caracterizaba por su representación realista del cuerpo, enfatizando sobre todo la búsqueda de la perfección y la armonía.
Las famosas estatuas, como la Venus de Milo o la del lanzador de disco, siguen siendo impresionantes testimonios de esta época.
Pero incluso mucho antes de los antiguos griegos, la representación de atributos físicos jugó un papel importante en varias culturas arcaicas.
En Egipto, por ejemplo, los faraones eran representados como gobernantes fuertes y poderosos, mientras que las mujeres solían ser retratadas como símbolos de fertilidad. A lo largo de la historia, diversos movimientos artísticos explorado intensamente el tema del cuerpo humano.
Mientras que en algunas épocas predominaron las formas idealizadas, otros períodos se centraron en la representación realista de características y emociones individuales.
Incluso en el siglo XXI , esta fascinación por el cuerpo físico sigue expresándose en numerosas exposiciones y obras de artistas contemporáneos. No se trata solo de la representación del cuerpo, sino también de reflexionar sobre las normas sociales y la identidad.
En la sociedad actual, día tras día se nos presenta un cuerpo intacto y bello como lo más natural del mundo.
Ya sea en revistas, carteles, televisión y, por último, pero no menos importante, en internet y las redes sociales, en todas partes nos encontramos con cuerpos perfectos e impecables. Este ideal de belleza es omnipresente y ejerce una enorme presión sobre nosotras.
Casi parece que conformarse con este ideal se ha convertido en una obligación. Nos esforzamos denodadamente por moldear y mejorar nuestro cuerpo. Dietas , gimnasios y cirugía estética son solo algunos de los medios que utilizamos para satisfacer nuestro deseo de una apariencia atractiva.
Por lo tanto, no es importante recordar que la belleza no se define únicamente por la apariencia física. Un cuerpo intacto y bello también puede incluir imperfecciones: las cicatrices cuentan historias, las arrugas muestran la experiencia de vida y las curvas simbolizan la feminidad o la masculinidad.
Los artistas se dedican con dedicación a explorar y representar el cuerpo humano en todas sus facetas. Llevan a cuestas exposiciones para ofrecer continuamente al público nuevas perspectivas sobre el tema.
Los cuerpos están sujetos a cambios, no sólo desde una perspectiva evolutiva y médica (palabra clave: envejecimiento), sino también desde un punto de vista estético y cultural.
Pero ¿era el cuerpo fundamentalmente diferente hace 500 años que hoy? «Ciertamente no», postula Philip J. Sampson , autor de «La representación del cuerpo» .
Un cuerpo sigue siendo un cuerpo, ya sea el del Leonardo da Vinci los músculos cincelados de Arnold Schwarzenegger en una película de acción. El cuerpo no tiene deseos ni capacidad de cambio. Parecía obvio. Pero ¿sigue siendo cierto?
La concepción del cuerpo humano se mantuvo constante durante varios siglos. Se asumía que era un objeto natural complejo, pero sin problemas, que, debido a sus propiedades físicas y biológicas, requería alimento, calor y oxígeno.
La forma del cuerpo ha cambiado relativamente poco desde el último salto evolutivo (a menos que sea atemporal) y no se ve significativamente influenciada por las circunstancias sociales o culturales. Todos estos supuestos son cuestionados por los teóricos posmodernos, cuyos argumentos a veces parecen bastante ingenuos.
El cuerpo humano es un producto de la cultura y nuestra comprensión de él ha evolucionado a lo largo de la historia
El cuerpo humano —o mejor dicho, la percepción del mismo— es producto del desarrollo cultural, y nuestra comprensión de él ha evolucionado constantemente a lo largo de la historia. Desde los antiguos ideales de belleza hasta las modernas nociones de estética actuales, hemos experimentado una transformación notable.
Tomemos el culturismo , en el que el mencionado Arnold Schwarzenegger saltó a la fama mundial y reflejó el espíritu de la época de su apogeo.
Escultura de Arnold Schwarzenegger en su casa natal de Thal, Estiria, Austria. Foto de Ostarrichi, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons.
Sin embargo, las raíces del culturismo se remontan a la antigua Grecia. Allí, hace más de 2000 años, el cuerpo humano era venerado como expresión de belleza y fuerza. Los atletas eran admirados por su físico musculoso y su destreza atlética. Esta veneración sentó las bases del culturismo posterior.
El desarrollo del culturismo como arte fue impulsado principalmente por los medios de comunicación. Películas como "Pumping Iron" con Arnold Schwarzenegger y revistas como "Muscle & Fitness" inspiraron cada vez a más personas a la estética del culturismo.
El enfoque ya no se limitaba a las competiciones individuales: surgió toda una subcultura en torno al tema. Además de una gran disciplina y un entrenamiento riguroso, los suplementos como los aminoácidos para el desarrollo muscular un papel importante para los atletas.
Lo que es particularmente interesante es cuánto la cultura pop y la omnipresencia de las redes sociales en nuestras vidas modernas están influyendo cada vez más en nuestra percepción del cuerpo, nuestra identidad y la definición de los ideales de belleza.
En un mundo donde los selfies y las imágenes editadas son omnipresentes, la búsqueda de la perfección es cada vez más frecuente. Este culto al cuerpo, tan extendido, parece casi compulsivo, tanto entre los jóvenes como entre las generaciones mayores.
Los gimnasios están en auge, los programas de dieta se están poniendo de moda e incluso los procedimientos quirúrgicos para mejorar la apariencia gozan de gran popularidad.
El omnipresente culto al cuerpo es el resultado de una compleja interacción de diversos factores: la presión social, la influencia de los medios de comunicación y la motivación personal, todos ellos factores que influyen en nuestra percepción del propio cuerpo y en la búsqueda de la belleza.
Sin embargo, es importante tener en cuenta que los ideales de belleza cambian constantemente con el tiempo. Lo que hoy se considera bello puede estar obsoleto mañana. Por lo tanto, el concepto subjetivo de la estética a cambios continuos.
Una breve historia del arte del cuerpo en los tiempos modernos
El título de la publicación de Marina Schneede, “Con piel y cabello” , nos proporciona una buena base para considerar el arte corporal y el cuerpo humano como lienzo, superficie de proyección y material desde los años 1960.
Se trata del cuerpo y sus componentes más importantes en el arte contemporáneo . Pero este título no solo aclara el tema, sino también la pasión y dedicación con la que los artistas se dedican a él.
, la historiadora de arte alemana Marina Schneede explora varios aspectos del cuerpo en el arte: desde representaciones clásicas hasta interpretaciones abstractas, se una amplia gama de posiciones artísticas .
Lo que resulta particularmente interesante es la diversidad de materiales y técnicas que los artistas emplean para abordar el tema. Ya sean esculturas de mármol o bronce, pinturas sobre lienzo o instalaciones en espacios públicos, cada forma posee su propia fuerza expresiva y transmite impresiones muy diferentes al espectador.
El arte corporal suele prosperar gracias a su inmediatez e intensidad emocional. Foto de Leonardo Menegazzo @leonardomenegazzo, vía Unsplash.
Pero lo que une a estas obras es su intensidad. Los artistas se dedican a su tema con total pasión; literalmente se sumergen y alma . No solo exploran las características externas del cuerpo humano, como las proporciones o la anatomía , sino que profundizan: abordan las emociones , la identidad y las normas sociales .
No rehúyen las representaciones provocativas o controvertidas, sino que buscan conscientemente nuevas perspectivas. Este compromiso con el cuerpo en el arte es también una expresión del espíritu de la época .
En un mundo marcado por el progreso tecnológico y las realidades virtuales, el arte contemporáneo transmite una declaración: nos recuerda que, como seres humanos, todavía tenemos una presencia física, con todas nuestras fortalezas y debilidades
Las obras presentadas transmiten una conciencia corporal que no busca un estilo corporal estandarizado, sino que busca explorar los límites de la psique y el cuerpo. Conciben el cuerpo como un medio de expresión y examinan tanto su uso ritual como manipulativo.
Los años 1960 y 1970: el arte corporal y la era de la autoafirmación
En la década de 1960, los artistas comenzaron a utilizar el cuerpo humano como medio de trabajo directo . Inicialmente, esto adoptó la forma del arte corporal , en el que el propio cuerpo se convertía en la obra de arte.
El arte corporal, también conocido como body art , surgió como un concepto artístico a partir de los movimientos Happening y Fluxus . En esta forma de arte, el cuerpo humano se utiliza tanto como medio artístico como obra de arte en sí misma.
Entre los artistas más conocidos del movimiento Body Art se encuentran Marina Abramović, Chris Burden, Günter Brus, Gina Pane, Pippilotti Rist, Carolee Schneemann, Vito Acconci, Valie Export y Timm Ulrichs. Muchos artistas del accionismo vienés de la década de 1960 también pertenecen a este movimiento.
Un elemento central del Body Art es desafiar al espectador. El valor de una obra de arte dependía de cuánto alteraba sus patrones de pensamiento y cuánto lo sacaba de su rol pasivo.
Más tarde, en la década de 1970, utilizaron el cuerpo como material para sus obras. ¿Fue este desarrollo una reacción al predominio del arte abstracto ?
Hubo diversas razones para incorporar directamente el propio cuerpo. Ciertamente, también fue una respuesta al arte abstracto, pero según la historiadora del arte Marina Schneede, se trataba principalmente de crear experiencias inmediatas
Esto fue de crucial importancia para los artistas de la época. Un ejemplo es quizás el artista de performance más famoso de Alemania, Timm Ulrichs , quien se exhibió como obra de arte viviente ya en 1961.
Pero también hubo otras consideraciones: por ejemplo, algunos investigadores querían explorar el espacio de forma muy específica, en especial el entorno de sus propios cuerpos. Rebecca Horn, por ejemplo, inventó los dedos de guante (extensiones de dedos de un metro de largo) para investigar con mayor precisión este aspecto del espacio.
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, cada vez más artistas comenzaron a considerarse políticamente activos . Buscaban llamar la atención y conmover a los seguidores de la sociedad despreocupada y opulenta, así como al público complaciente del milagro económico. Esto requería formas de expresión y contenido artísticos radicales.
Estos pretendían ser reveladores e impactantes, lo que a menudo requería el compromiso total del individuo.
¿Qué podía demostrar en aquella época un compromiso más fuerte e incondicional que utilizar el propio cuerpo como medio para expresar un mensaje artístico
"Mi cuerpo es la intención, mi cuerpo es el acontecimiento, mi cuerpo es el resultado."
Así lo proclamó una vez Günter Brus , quien a partir de 1967 transformó sus primeras autopinturas en análisis corporales públicos que involucraban hojas de afeitar, productos digestivos, sangre y sufrimiento físico.
¿En qué se diferencia la representación del cuerpo en el arte moderno de la de épocas pasadas?
¿Ha cambiado la conciencia respecto al cuerpo?
Los ejemplos mencionados por Marina Schneede ilustran que el compromiso artístico directo con el cuerpo –que en la mayoría de las situaciones significaba: con el propio cuerpo– continúa hasta el día de hoy.
Los años 80 y 90: Alienación, modificación corporal y biotecnología
En la década de 1980, la epidemia del SIDA se convirtió en una nueva amenaza para el cuerpo, y Mona Hatoum , artista en la documenta 11 en 2002, enfatizó la vulnerabilidad del cuerpo como un punto central de su trabajo poco después del comienzo del nuevo siglo.
En la década de 1990 se produjeron rápidos avances en ingeniería genética, biotecnología y tecnología de la información , lo que aumentó tanto sus oportunidades como sus riesgos.
En una era donde florecieron nuevos cultos corporales que exploraron intensamente las funciones y limitaciones del cuerpo humano, a la vez que se enfrentaban a la amenaza de disolución en el ciberespacio, se debatió el lugar del yo individual frente al diseño corporal, los trasplantes cerebrales y la manipulación genética. Esta discusión osciló entre la sobrecarga sensorial y la imitación virtual.
Aunque los artistas no pueden intervenir directamente en los discursos biotecnológicos, pueden representar la extrañeza a través de manipulaciones en imágenes y expresar así la incertidumbre que provocan estos proyectos.
Mona Hatoum
La falta de familiaridad con el propio cuerpo, la sensación de alienación en cuanto a su utilidad y la amenaza potencial de no poder percibirse más como una unidad de cuerpo y mente: todos estos aspectos de una posible división de la conciencia en el siglo XXI fueron presentados de manera impresionante Mona Hatoum
Ella visualizó esto a través de un viaje endoscópico a través de sus entrañas.
Orlan
Alrededor de 1990, la artista de performance y feminista francesa Orlan una decisión extraordinaria: se sometió a una serie de cirugías faciales . Sin embargo, estas no fueron puramente estéticas, sino que se presentaron como una performance artística en una reconocida galería de Nueva York.
Con esta espectacular acción no quería otra cosa que cuestionar los ideales de belleza imperantes en nuestro tiempo .
Orlan documentó todo el proceso de su repulsiva transformación mediante una fascinante serie de fotografías que presentó al público. Esto permitió a todos los espectadores presenciar de primera mano cómo su rostro se transformaba tras cada intervención quirúrgica.
Estas imágenes impactantes revelaron claramente lo que sucede detrás de escena de la industria de la belleza y provocaron una reflexión sobre nuestras ideas sobre la estética.
Con su actuación, Orlan arrojó una luz completamente nueva sobre el tema de la modificación corporal . En lugar de sucumbir a la presión del perfeccionismo y la conformidad, mostró conscientemente su propia individualidad y singularidad.
A través de su acto radical de resistencia contra las normas predominantes, nos desafió a todos a cuestionar nuestras propias definiciones de belleza.
Marina Abramovic y Jenny Holzer
La escena del arte corporal es una comunidad deslumbrante que abarca desde los primeros artistas corporales hasta artistas motivados éticamente y comprometidos sociopolíticamente como Marina Abramovic y Jenny Holzer .
Exigen mucho de sí mismos y del público, trabajando de forma meditativa o con métodos estimulantes.
Jenny Holzer, una reconocida artista y artista conceptual de los EE. UU., diseñó una revista para el Süddeutsche Zeitung en 1993. Añadió un elemento provocador e impactante al mezclar sangre en las letras de la portada.
Este inusual diseño tenía un propósito muy específico: llamar la atención sobre el violento derramamiento de sangre en el mundo. A través de su obra artística, intentó visibilizar los terribles efectos de la violencia y la guerra de forma contundente.
La inclusión de sangre en el diseño de la revista tuvo un tremendo impacto en los lectores. Provocó fuertes emociones como horror, asco e indignación.
Al utilizar esta forma radical de arte, Jenny Holzer abordó directamente nuestra responsabilidad humana ante el sufrimiento mundial causado por actos de violencia. Su objetivo no era simplemente señalar que estos sucesos sangrientos ocurren; sus obras, más bien, buscaban animarnos a afrontar este problema y buscar activamente soluciones.
100ª Bienal de Venecia
El cuerpo humano fue también el tema central de la 100ª Bienal de Venecia en 1995. En una impresionante exposición que cautivó por su riqueza de materiales, se presentó desde esta perspectiva la historia del arte de los últimos 100 años y se hicieron también comparaciones, en parte, con estudios científicos.
La exposición impresionó por su diversidad y la calidad de sus piezas. Desde pinturas clásicas hasta instalaciones modernas, ofreció un panorama completo de diversos movimientos y estilos artísticos que habían elegido el cuerpo humano como tema principal.
El arte corporal en el siglo XXI: ¿Renacimiento del arte corporal?
¿Estamos viviendo un renacimiento del arte corporal en el siglo XXI? Actuación de arte corporal realizada por estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Academia de Artes de la Universidad de Novi Sad, Serbia, fotografiada por Miomir Magdevski (CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons).
La artista visual Käthe Wenzel , profesora de Práctica Estética en la Universidad Europea de Flensburg desde junio de 2016, se centró en un libro, unos años después del cambio de siglo, en tres artistas extraordinarios que eligieron cuerpo humano como objeto de exposición
Gunther von Hagens , reconocido anatomista y plastinador, ha alcanzado fama mundial gracias a sus innovadoras técnicas de preparación y representación plástica del cuerpo humano.
Sus fascinantes plastinados permiten al espectador experimentar la compleja interacción de órganos y tejidos de una manera única.
Otro protagonista del libro es el fotógrafo Michael Brendel . Con su enfoque artístico, muestra con maestría el cuerpo humano, creando imágenes impactantes, llenas de estética y profundidad. Gracias a su atención al detalle, logra capturar la belleza del cuerpo humano en todas sus facetas.
El artista británico de instalaciones Damien Hirst es también una de las figuras clave de esta obra. Conocido por sus provocativas obras sobre el tema de la vida y la muerte, presenta una vez más a la humanidad como elemento central. Con sus espectaculares instalaciones, incita a la reflexión sobre la mortalidad, la transitoriedad y la existencia.
Este libro ofrece una visión detallada de la obra de tres artistas destacados y su exploración del cuerpo humano como expresión de la vida y la transitoriedad. Puede encontrar una reseña detallada del libro aquí: Deutschlandfunk Kultur – El cuerpo en el arte.
Sin embargo, también hay artistas más radicales que utilizan todo su cuerpo, a veces incluso con violencia. Así lo demostró una del español Santiago Sierra en Francia Centro de Arte Contemporáneo de Brétigny,
La exposición presentó fotografías de una acción extremadamente provocadora y controvertida en la que la espuma de poliuretano y varias prostitutas jugaron un papel central.
Las representaciones controvertidas y provocativas son comunes en el arte corporal. Foto de Velizar Ivanov @lycan, vía Unsplash.
Esta puesta en escena mostraba a las mujeres envueltas en film plástico negro mientras asumían posturas claras y explícitas que definitivamente no estaban destinadas a ojos jóvenes.
La artista Sierra decidió contratar a varios hombres para que rociaran deliberadamente espuma sobre los genitales femeninos: una decisión audaz que buscaba traspasar los límites y estimular el debate sobre la sexualidad y la gestión de los tabúes sexuales. La serie de imágenes resultante crea un poderoso impacto visual y, a la vez, provoca intensas reacciones.
En los últimos años se han celebrado varias exposiciones de arte sobre las nuevas adaptaciones y formas de expresión del cuerpo humano en la era de la manipulación genética, la modificación corporal y la reproducción capitalista ( informó SZ ).
La exposición “Extensiones corporales” del Museo de Gestaltung de Zúrich, por ejemplo, examinó la creciente importancia de la aptitud física y la belleza en nuestra sociedad, que se perfeccionan mediante la cirugía plástica y las prótesis corporales artificiales.
la Secesión de Viena presentó estrategias de publicidad y fantasías de escape dentro de la estructura corporal comercializada globalmente en la exposición “Body Display” .
El arte a menudo aborda el cuerpo humano, pero sobre todo su impotencia . En la exposición de Teresa Margolles“En el aire”, se entraba en una habitación que recordaba a una lavandería. Dos humidificadores aumentaban significativamente la humedad en la celda, y uno de ellos se contaminó con las emanaciones de cadáveres previamente lavados.
Estos cuerpos eran presuntamente víctimas anónimas de la guerra contra el narcotráfico en la Ciudad de México. La exposición exigió una investigación más profunda y un reconocimiento de la realidad de dicha guerra.
¿Qué queda?
Las obras de Margolles y Sierra evocan el movimiento Body Art de las décadas de 1960 y 1970, cuando los artistas utilizaban sus cuerpos como lienzos y se perforaban con armas. El objetivo era inscribir experiencias como el placer, el sufrimiento y la muerte directamente en el cuerpo.
Chris Burden, Gina Pane y Marina Abramovic también se sometieron a un dolor considerable para demostrar de forma impresionante cómo el arte corporal servía para superar sentimientos de entumecimiento y la opresión social.
La Escuela Vienesa de Arte de Acción Radical, centrada en Otto Mühl, Günter Brus y Hermann Nitsch, fue redescubierta en museos de Viena y Graz en el siglo XXI. Sin embargo, su potencial, antaño destructivo, ahora parece más lúdico y humorístico que escandaloso. Su fe en la autenticidad del cuerpo individual parece ingenua y anticuada en la era de la manipulación genética y la conformidad masiva capitalista de los cuerpos.
El arte corporal de los años 1960 y 1970 , en el que los artistas usaban sus cuerpos como lienzos para representar experiencias como el placer, el sufrimiento y la muerte, ahora está siendo reemplazado por una forma de arte corporal más sofisticada y cínica.
Este nuevo arte corporal introduce auténticos campos de batalla en el museo y tiene una orientación posthumana. Sin embargo, no es ajeno al kitsch y al patetismo.
Lista de fuentes y bibliografía
Libros y revistas
FORO DE ARTE: Vol. 132 – El futuro del cuerpo I (1995)
Marina Schneede : Con piel y pelo: El cuerpo en el arte contemporáneo , Editorial de Literatura y Arte DUMONT (2002)
Internet
Philip J. Sampson:La representación del cuerpo : https://www.kunstforum.de/artikel/die-reprasentation-des-korpers/
Deutschlandfunk : Piel y cabello. El cuerpo en el arte contemporáneo , https://www.deutschlandfunk.de/mit-haut-und-haaren-der-koerper-in-der-zeitgenoessischen-100.html
Susanne Nessler : El cuerpo en el arte , Deutschlandfunk Kultur, https://www.deutschlandfunkkultur.de/der-koerper-in-der-kunst-100.html
Holger Liebs (Süddeutsche Zeitung):El cuerpo humano en el arte:Los desnudos y el caos,https://www.sueddeutsche.de/kultur/der-menschliche-koerper-in-der-kunst-die-nackten-und-die-chaoten-1.415429
Propietario y Director General de Kunstplaza. Publicista, editor y bloguero apasionado del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciado en Diseño Web (2008), perfeccionó sus técnicas creativas con cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, adquirido a través de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con actores e instituciones clave del sector artístico y cultural.
El arte conceptual es un estilo artístico que fue acuñado en la década de 1960 por el artista estadounidense Sol LeWitt (en países de habla inglesa: Arte Conceptual).
Los orígenes del arte conceptual se encuentran en el minimalismo , y con él se desarrollan aún más las teorías y tendencias de la pintura abstracta .
Lo especial de este estilo es que la ejecución de la obra es secundaria y no tiene que ser realizada por el propio artista. La atención se centra en el concepto y la idea, considerados igualmente importantes para la obra artística.
En esta sección del blog de arte encontrarás numerosos artículos y contenidos sobre esta temática, así como sobre artistas, exposiciones y tendencias.
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