Las artes visuales centran cada vez más su atención en la figura humana. Incluso en el siglo XXI, se han organizado numerosas exposiciones dedicadas al artecorporal , , explorando este tema siempre predilecto de las bellas artes y, en ocasiones, incluso dejándose llevar por él.
Las artes visualescuerpo humano a lo largo de la historia . Durante siglos, el cuerpo humano ha sido un motivo central en el arte y se ha representado de diversas maneras.
Durante siglos, el cuerpo humano ha sido un motivo central en el arte. Foto de Noah Buscher @noahbuscher, vía Unsplash.
La idealización del cuerpo humano popular en la antigua GreciaLa escultura griega se caracterizó por su representación realista del cuerpo, enfatizando sobre todo la búsqueda de la perfección y la armonía.
Las famosas estatuas, como la Venus de Milo o el lanzador de disco, siguen siendo impresionantes testimonios de esta época.
Pero incluso mucho antes de los antiguos griegos, la representación de los atributos físicos desempeñó un papel importante en diversas culturas arcaicas.
En Egipto, por ejemplo, los faraones eran representados como gobernantes fuertes y poderosos, mientras que las mujeres a menudo eran retratadas como símbolos de fertilidad. A lo largo de la historia, diversos movimientos artísticos explorado intensamente el tema del cuerpo humano.
Si bien en algunas épocas predominaron las formas idealizadas, otros períodos se centraron en la representación realista de las características y emociones individuales.
El cuerpo humano en el arte contemporáneo
Incluso en el siglo XXI, esta fascinación por el cuerpo físico sigue manifestándose en numerosas exposiciones y obras de artistas contemporáneos. No se trata solo de la representación del cuerpo, sino también de reflexionar sobre las normas sociales y la identidad.
En la sociedad actual, se nos presenta diariamente un cuerpo intacto y bello como lo más natural del mundo.
Ya sea en revistas, carteles, televisión y, por último, pero no menos importante, en internet y redes sociales, nos vemos expuestos constantemente a cuerpos perfectos e impecables. Este ideal de belleza es omnipresente y ejerce una enorme presión sobre nosotros.
Parece casi como si ajustarnos a este ideal se hubiera convertido en una obligación. Nos esforzamos con ahínco por moldear y mejorar nuestros cuerpos. Dietas , gimnasios y cirugía estética son solo algunos de los medios que utilizamos para satisfacer nuestro deseo de tener una apariencia atractiva.
Por lo tanto, no es importante recordar que la belleza no se define únicamente por la apariencia física. Un cuerpo bello e íntegro también puede presentar imperfecciones: las cicatrices cuentan historias, las arrugas muestran la experiencia de la vida y las curvas simbolizan la feminidad o la masculinidad.
Los artistas se dedican con pasión a explorar y representar el cuerpo humano en todas sus facetas. Llevan las exposiciones sobre sus hombros para ofrecer continuamente al público nuevas perspectivas sobre el tema.
Los cuerpos están sujetos a cambios, no solo desde una perspectiva evolutiva y médica (palabra clave: envejecimiento), sino también desde puntos de vista estéticos y culturales.
Pero, ¿era el cuerpo fundamentalmente diferente hace 500 años de lo que es hoy? “Desde luego que no ”, postula Philip J. Sampson , autor de “La representación del cuerpo” .
Un cuerpo sigue siendo un cuerpo, ya sea el del Leonardo da Vinci los músculos esculpidos de Arnold Schwarzenegger en una película de acción. El cuerpo no tiene deseo ni capacidad de cambio. Parecía obvio. ¿Pero sigue siendo cierto?
La concepción del cuerpo humano se mantuvo constante durante varios siglos. Se suponía que el cuerpo era un objeto natural complejo pero sin problemas que, debido a sus propiedades físicas y biológicas, requería alimento, calor y oxígeno.
La forma del cuerpo ha cambiado relativamente poco desde el último salto evolutivo (a menos que sea atemporal) y no se ve influenciada significativamente por las circunstancias sociales o culturales. Todos estos supuestos son cuestionados por los teóricos posmodernos, quienes a veces parecen bastante ingenuos en sus argumentos.
El cuerpo humano es un producto de la cultura, y nuestra comprensión del mismo ha evolucionado a lo largo de la historia.
El cuerpo humano —o más bien, nuestra percepción del mismo— es producto del desarrollo cultural, y nuestra comprensión del mismo ha evolucionado constantemente a lo largo de la historia. Desde los antiguos ideales de belleza hasta las nociones modernas de estética, hemos experimentado una transformación notable.
Tomemos el culturismo , en el que el mencionado Arnold Schwarzenegger alcanzó la fama mundial y reflejó el espíritu de la época dorada de este deporte.
Escultura de Arnold Schwarzenegger en su lugar de nacimiento en Thal, Estiria, Austria. Foto de Ostarrichi, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons.
Sin embargo, los orígenes del culturismo se remontan a la antigua Grecia. Allí, hace más de 2000 años, el cuerpo humano era venerado como expresión de belleza y fuerza. Los atletas eran admirados por su físico musculoso y su destreza atlética. Esta veneración sentó las bases del culturismo posterior.
El desarrollo del culturismo como forma de arte fue impulsado principalmente por los medios de comunicación. Películas como "Pumping Iron" con Arnold Schwarzenegger y revistas como "Muscle & Fitness" inspiraron a cada vez más personas con la estética del culturismo.
La atención ya no se centraba únicamente en las competiciones individuales; surgió toda una subcultura en torno al tema. Además de una gran disciplina y un entrenamiento riguroso, los suplementos, como los aminoácidos para el desarrollo muscular, un papel importante para los atletas.
Lo que resulta particularmente interesante es cómo la cultura pop y la omnipresencia de las redes sociales en nuestra vida moderna influyen cada vez más en nuestra percepción corporal, nuestra identidad y la definición de los ideales de belleza.
En un mundo donde las selfies y las imágenes retocadas son omnipresentes, la búsqueda de la perfección se está volviendo cada vez más común. Este culto al cuerpo desenfrenado parece casi compulsivo, tanto entre los jóvenes como entre las generaciones mayores.
Los gimnasios están en auge, los programas de dieta se están poniendo de moda e incluso los procedimientos quirúrgicos para mejorar la apariencia gozan de gran popularidad.
El omnipresente culto al cuerpo es el resultado de una compleja interacción de diversos factores: la presión social, la influencia de los medios de comunicación y la motivación personal desempeñan un papel fundamental en nuestra percepción de nuestro propio cuerpo y en la búsqueda de la belleza.
Sin embargo, es importante tener en cuenta que los ideales de belleza cambian constantemente con el tiempo. Lo que hoy se considera bello puede quedar obsoleto mañana. Por lo tanto, el concepto subjetivo de estética a una continua evolución.
Una breve historia del arte del cuerpo en la época moderna
El título de la publicación de Marina Schneede, "With Skin and Hair" (Con piel y cabello) , nos proporciona una buena base para considerar el arte corporal y el cuerpo humano como lienzo, superficie de proyección y material desde la década de 1960.
Esto trata sobre el cuerpo y sus componentes más importantes en el arte contemporáneo . Pero este título no solo aclara el tema, sino también la pasión y la dedicación con que los artistas se entregan a él.
, la historiadora del arte alemana Marina Schneede explora diversos aspectos del cuerpo en el arte: desde representaciones clásicas hasta interpretaciones abstractas, se una amplia gama de posturas artísticas .
Lo más interesante es la diversidad de materiales y técnicas que los artistas emplean para abordar el tema. Ya sean esculturas de mármol o bronce, pinturas sobre lienzo o instalaciones en espacios públicos, cada forma posee su propio poder expresivo y transmite impresiones muy diferentes al espectador.
El arte corporal suele destacar por su inmediatez e intensidad emocional. Foto de Leonardo Menegazzo @leonardomenegazzo, vía Unsplash
Pero lo que une a estas obras es su intensidad. Los artistas se entregan a su tema con absoluta pasión; se sumergen literalmente en cuerpo y alma . No se limitan a explorar las características externas del cuerpo humano, como las proporciones o la anatomía , sino que profundizan: abordan las emociones , la identidad y las normas sociales .
No rehúyen las representaciones provocativas o controvertidas, sino que buscan conscientemente nuevas perspectivas. Este compromiso con el cuerpo en el arte es también una expresión del espíritu de la época .
En un mundo moldeado por el progreso tecnológico y las realidades virtuales, el arte contemporáneo hace una declaración: nos recuerda que, como seres humanos, todavía tenemos una presencia física, con todas nuestras fortalezas y debilidades.”
Las obras presentadas transmiten una conciencia corporal que no busca estandarizar el estilo corporal, sino explorar los límites de la psique y el cuerpo. Consideran el cuerpo como un medio de expresión y examinan tanto su uso ritual como manipulativo.
Las décadas de 1960 y 1970: El arte corporal y la era de la autoafirmación
En la década de 1960, los artistas comenzaron a utilizar el cuerpo humano como medio de trabajo directo . Inicialmente, esto tomó la forma de Body Art , en el que el cuerpo mismo se convertía en la obra de arte.
El arte corporal, también conocido como body art , se desarrolló como concepto artístico a partir de los movimientos Happening y Fluxus . En esta forma de arte, el cuerpo humano se utiliza tanto como medio para el arte como obra de arte en sí misma.
Entre los artistas más conocidos del movimiento Body Art se encuentran Marina Abramović, Chris Burden, Günter Brus, Gina Pane, Pippilotti Rist, Carolee Schneemann, Vito Acconci, Valie Export y Timm Ulrichs. Muchos artistas del accionismo vienés de la década de 1960 también pertenecen a este movimiento.
Un elemento central del Body Art es desafiar al espectador. El valor de una obra de arte dependía de cuánto se alteraban los patrones de pensamiento del espectador y cuánto se le sacaba de su papel pasivo.
Más adelante, en la década de 1970, comenzaron a utilizar el cuerpo como material para sus obras. ¿Fue este desarrollo una reacción al predominio del arte abstracto ?
Existían diversas razones para incorporar directamente el propio cuerpo. Ciertamente, también fue una respuesta al arte abstracto, pero según la historiadora del arte Marina Schneede, se trataba principalmente de crear experiencias inmediatas
Esto fue de crucial importancia para los artistas de aquella época. Un ejemplo es quizás el artista de performance más famoso de Alemania, Timm Ulrichs , quien se exhibió a sí mismo como una obra de arte viviente ya en 1961.
Pero también había otras consideraciones: por ejemplo, algunos investigadores querían explorar el espacio de forma muy específica, especialmente el entorno de sus propios cuerpos. Rebecca Horn, por ejemplo, inventó dedos de guante —extensiones de dedos de un metro de largo— para investigar precisamente este aspecto del espacio con mayor detalle.
A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, un número creciente de artistas comenzó a considerarse activistas políticos . Buscaban llamar la atención y sacudir a los seguidores de la despreocupada y acomodada sociedad, así como al público complaciente del milagro económico. Esto exigía formas de expresión y contenidos artísticos drásticos.
Estas obras estaban concebidas para ser reveladoras e impactantes, lo que a menudo requería el compromiso total del individuo.
¿Qué mejor manera de demostrar un compromiso más fuerte e incondicional en aquel momento que utilizando propio cuerpo como medio para expresar un mensaje artístico
"Mi cuerpo es la intención, mi cuerpo es el acontecimiento, mi cuerpo es el resultado."
Günter Brus proclamó en una ocasión que, a partir de 1967, transformó sus autopinturas iniciales en análisis corporales públicos que incluían cuchillas de afeitar, productos digestivos, sangre y sufrimiento físico.
¿En qué se diferencia la representación del cuerpo en el arte moderno de la de épocas pasadas?
¿Ha cambiado la percepción del propio cuerpo?
Los ejemplos mencionados por Marina Schneede ilustran que el compromiso artístico directo con el cuerpo –que en la mayoría de los casos significaba con el propio cuerpo– continúa hasta nuestros días.
Los años 80 y 90: Alienación, modificación corporal y biotecnología
En la década de 1980, la epidemia del SIDA se convirtió en una nueva amenaza para el cuerpo, y Mona Hatoum , artista que participó en la documenta 11 en 2002, enfatizó la vulnerabilidad del cuerpo como un punto central de su trabajo poco después del comienzo del nuevo siglo.
En la década de 1990 se produjeron rápidos avances en ingeniería genética, biotecnología y tecnología de la información , lo que incrementó tanto sus oportunidades como sus riesgos.
En una era donde florecieron nuevos cultos al cuerpo que exploraban intensamente las funciones y limitaciones del cuerpo humano, al tiempo que se enfrentaban a la amenaza de la disolución en el ciberespacio, se debatió el lugar del yo individual frente al diseño corporal, los trasplantes de cerebro y la manipulación genética. Esta discusión osciló entre la sobrecarga sensorial y la imitación virtual.
Si bien los artistas no pueden intervenir directamente en los discursos biotecnológicos, pueden representar la extrañeza mediante manipulaciones de imágenes y, de este modo, expresar la incertidumbre causada por estos proyectos.
Mona Hatoum
La falta de familiaridad con el propio cuerpo, la sensación de alienación respecto a su utilidad y la amenaza potencial de no poder percibirse más como una unidad de cuerpo y mente: todos estos aspectos de una posible escisión de la conciencia en el siglo XXI fueron presentados de manera impresionante Mona Hatoum
Ella lo visualizó a través de un viaje endoscópico por su interior.
Orlan
Hacia 1990, la artista francesa de performance y feminista Orlan una decisión extraordinaria: se sometió a una serie de cirugías faciales . Sin embargo, estas no fueron de naturaleza puramente estética, sino que se escenificaron como una performance artística en una reconocida galería de Nueva York.
Con esta acción espectacular, pretendía nada menos que cuestionar los ideales de belleza predominantes de nuestra época .
Orlan documentó todo el proceso de su repulsiva transformación mediante una fascinante serie de fotografías que presentó al público. Esto permitió a cada espectador presenciar de primera mano cómo su rostro se alteraba tras cada intervención quirúrgica.
Estas impactantes imágenes revelaron claramente lo que sucede tras bambalinas en la industria de la belleza y provocaron una reflexión sobre nuestras ideas de estética.
Con su actuación, Orlan arrojó una luz completamente nueva sobre el tema de la modificación corporal . En lugar de sucumbir a la presión por el perfeccionismo y la conformidad, mostró conscientemente su propia individualidad y singularidad.
Mediante su acto radical de resistencia contra las normas imperantes, nos desafió a todos a cuestionar nuestras propias definiciones de belleza.
Marina Abramovic y Jenny Holzer
El panorama del arte corporal es una comunidad deslumbrante que abarca desde los primeros artistas corporales hasta artistas con motivación ética y compromiso sociopolítico como Marina Abramovic y Jenny Holzer .
Son muy exigentes consigo mismos y con el público, trabajando de forma meditativa o con métodos estimulantes.
Jenny Holzer, una reconocida artista y artista conceptual estadounidense, diseñó una revista para el Süddeutsche Zeitung en 1993. Añadió un elemento provocador e impactante al mezclar sangre en las letras de la portada.
Este diseño inusual tenía un propósito muy específico: llamar la atención sobre la violencia y el derramamiento de sangre en el mundo. A través de su obra artística, intentó resaltar de forma impactante los horribles efectos de la violencia y la guerra.
La inclusión de sangre en el diseño de la revista tuvo un impacto tremendo en los lectores. Desencadenó emociones fuertes como horror, repugnancia e indignación.
Mediante esta forma radical de arte, Jenny Holzer abordó directamente nuestra responsabilidad humana ante el sufrimiento mundial causado por actos de violencia. Su objetivo no era simplemente señalar que tales sucesos sangrientos ocurren; más bien, sus obras buscaban alentarnos a afrontar este problema y a buscar activamente soluciones.
100ª Bienal de Venecia
El cuerpo humano fue también el tema central de la 100ª Bienal de Venecia en 1995. En una impresionante exposición que cautivó por su riqueza de materiales, se presentó la historia del arte de los últimos 100 años desde esta perspectiva, y también se establecieron comparaciones, en parte, con estudios científicos.
La exposición impresionó por su diversidad y la calidad de sus obras. Desde pinturas clásicas hasta instalaciones modernas, ofreció una visión completa de diversos movimientos y estilos artísticos que habían elegido el cuerpo humano como tema principal.
El arte corporal en el siglo XXI: ¿Un renacimiento del arte corporal?
¿Estamos viviendo un renacimiento del arte corporal en el siglo XXI? Performance de arte corporal realizada por estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Academia de Artes de la Universidad de Novi Sad, Serbia. Fotografía de Miomir Magdevski, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons.
La artista visual Käthe Wenzel , profesora de Práctica Estética en la Universidad Europea de Flensburg desde junio de 2016, se centró en tres artistas extraordinarios en un libro publicado pocos años después del cambio de siglo que eligieron cuerpo humano como objeto de exposición
Gunther von Hagens , un renombrado anatomista y plastinador, ha alcanzado fama mundial gracias a sus innovadoras técnicas de preparación y representación plástica del cuerpo humano.
Sus fascinantes plastinados permiten al espectador experimentar la compleja interacción de órganos y tejidos de una manera única.
Otro protagonista del libro es el fotógrafo Michael Brendel . Con su enfoque artístico, muestra con maestría el cuerpo humano, creando imágenes impresionantes, llenas de estética y profundidad. Gracias a su atención al detalle, logra capturar la belleza del cuerpo humano en todas sus facetas.
El artista británico de instalaciones Damien Hirst es también una de las figuras clave en esta obra. Conocido por sus provocadoras obras sobre el tema de la vida y la muerte, vuelve a presentar a la humanidad como elemento central. Con sus espectaculares instalaciones, invita a la reflexión sobre la mortalidad, la fugacidad de la vida y la existencia.
Este libro ofrece un análisis detallado de la obra de tres artistas excepcionales y su exploración del cuerpo humano como expresión de la vida y la fugacidad. Puede consultar una reseña completa aquí: Deutschlandfunk Kultur – El cuerpo en el arte.
Sin embargo, también existen artistas más radicales que utilizan todo su cuerpo, a veces incluso de forma violenta. Esto quedó demostrado en una que el español Santiago Sierra realizó en el Centre d'art contemporain de Brétigny,
La exposición presentaba fotografías de una acción extremadamente provocativa y controvertida en la que la espuma de poliuretano y varias prostitutas desempeñaban un papel central.
Las representaciones controvertidas y provocativas son frecuentes en el arte corporal. Foto de Velizar Ivanov @lycan, vía Unsplash.
Esta puesta en escena mostraba a las mujeres envueltas en plástico negro mientras adoptaban posiciones inequívocas y explícitas que definitivamente no estaban destinadas a un público joven.
La artista Sierra optó por contratar a varios hombres para que rociaran deliberadamente espuma sobre los genitales femeninos, una decisión audaz que buscaba desafiar los límites y generar debates sobre la sexualidad y el manejo de los tabúes sexuales. La serie de imágenes resultante crea un poderoso impacto visual y, a la vez, provoca reacciones intensas.
En los últimos años, varias exposiciones de arte han abordado las nuevas adaptaciones y formas de expresión del cuerpo humano en la era de la manipulación genética, la modificación corporal y la reproducción capitalista ( informó SZ ).
La exposición “Extensiones Corporales” en el Museo de Diseño de Zúrich, por ejemplo, examinó la creciente importancia del estado físico y la belleza en nuestra sociedad, que se perfecciona a través de la cirugía plástica y las prótesis corporales artificiales.
la Secesión de Viena presentó estrategias para la publicidad y fantasías de evasión dentro de la estructura corporal globalmente comercializada en la exposición “Exhibición Corporal” .
El arte suele abordar el cuerpo humano, pero sobre todo su impotencia . En la exposición «En el aire»de Teresa Margolles se accedía a una habitación que recordaba a una lavandería. Dos humidificadores aumentaban considerablemente la humedad en la celda, y uno de ellos estaba contaminado con las emanaciones de cadáveres previamente lavados.
Estos cuerpos eran, presuntamente, víctimas anónimas de la guerra contra el narcotráfico en Ciudad de México. La exposición exigía una investigación más profunda y el reconocimiento de la realidad de esta guerra.
¿Qué queda?
Las obras de Margolles y Sierra recuerdan al movimiento Body Art de los años 60 y 70, cuando los artistas usaban sus cuerpos como lienzos y se perforaban con armas. El objetivo era plasmar experiencias como el placer, el sufrimiento y la muerte directamente en el cuerpo.
Chris Burden, Gina Pane y Marina Abramovic también se sometieron a un dolor considerable para demostrar de manera impresionante cómo el arte corporal sirvió para superar la insensibilidad y la opresión social.
La Escuela Vienesa de Arte de Acción Radical, liderada por Otto Mühl, Günter Brus y Hermann Nitsch, fue redescubierta en museos de Viena y Graz en el siglo XXI. Sin embargo, su otrora potencial destructivo se percibe ahora más lúdico y humorístico que escandaloso. Su fe en la autenticidad del cuerpo individual parece ingenua y anticuada en la era de la manipulación genética y la conformidad masiva capitalista de los cuerpos.
El arte corporal de los años sesenta y setenta , en el que los artistas utilizaban sus cuerpos como lienzos para representar experiencias como el placer, el sufrimiento y la muerte, está siendo reemplazado ahora por una forma de arte corporal más sofisticada y cínica.
Este nuevo arte corporal traslada auténticos campos de batalla al museo y tiene una orientación posthumana. Sin embargo, no está exento de kitsch y patetismo.
Lista de fuentes y bibliografía
Libros y revistas
ART FORUM: Vol. 132 – El futuro del cuerpo I (1995)
Marina Schneede : Con piel y cabello: El cuerpo en el arte contemporáneo , Editorial de Literatura y Arte DUMONT (2002)
Internet
Philip J. Sampson:La representación del cuerpo : , https://www.kunstforum.de/artikel/die-reprasentation-des-korpers/
Deutschlandfunk : Piel y cabello. El cuerpo en el arte contemporáneo , https://www.deutschlandfunk.de/mit-haut-und-haaren-der-koerper-in-der-zeitgenoessischen-100.html
Susanne Nessler : El cuerpo en el arte , Deutschlandfunk Kultur, https://www.deutschlandfunkkultur.de/der-koerper-in-der-kunst-100.html
Holger Liebs (Süddeutsche Zeitung):El cuerpo humano en el arte:Los desnudos y el caos,https://www.sueddeutsche.de/kultur/der-menschliche-koerper-in-der-kunst-die-nackten-und-die-chaoten-1.415429
Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
El arte conceptual es un estilo artístico acuñado en la década de 1960 por el artista estadounidense Sol LeWitt
Los orígenes del arte conceptual se encuentran en el minimalismo , y con él se desarrollan aún más las teorías y tendencias de la pintura abstracta .
Lo especial de este estilo reside en que la ejecución de la obra es de importancia secundaria y no tiene por qué ser realizada por el propio artista. El enfoque se centra en el concepto y la idea, que se consideran igualmente importantes para la obra artística.
En esta sección del blog de arte encontrarás numerosos artículos y contenidos sobre este tema, así como sobre artistas, exposiciones y tendencias.
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