Artemisia Gentileschi – El Barroco italiano desde su lado femenino

Las representaciones de la sociedad barroca italiana en las pinturas de Artemisia Gentileschi no son nada halagadoras. Si bien la artista, considerada la única pintora barroca italiana, retrata escenas históricas y bíblicas en sus obras, el panorama general dista mucho de ser halagador.

Pero se sabe lo suficiente de su vida como para permitir una interpretación autobiográfica: Artemisia Gentileschi  , también conocida como Artemisia Lomi , retrató especialmente a mujeres fuertes y heroínas.

Tomemos, por ejemplo, el cuadro «Judit decapitando a Holofernes»: con una expresión fría, casi de disgusto, Judit se inclina hacia un lado mientras clava el cuchillo en la garganta de Holofernes, tendido en la cama, asistido por un sirviente. No hay rastro de compasión ni duda alguna sobre el acto. Las figuras están representadas con plasticidad y gran realismo; el patetismo típico del Barroco .

Vídeo: El gran arte explicado: Judith decapita a Holofernes

Mujeres fuertesque hacen lo que hay que hacer: ese es el tema central de las pinturas de Artemisia Gentileschi. Que sus figuras capturaran el espíritu de la época es evidente: no solo vivió de su pintura, sino que también crió a su hija, a quien formó junto a artistas masculinos en su propio taller.

¿Quién fue Artemisia Gentileschi?

Artemisia Gentileschi fue una pintora excepcional del . barroco períodoHija del artista romano Orazio Gentileschi, nació en Roma. Demostró su impresionante talento con pinturas históricas en ciudades como Roma, Venecia, Florencia, Nápoles y Londres.

Artemisia Gentileschi destacó en el panorama artístico del período barroco . En comparación con pintoras renacentistas como Sofonisba Anguissola de Cremona y Lavinia Fontana de Bolonia, conocidas por sus retratos y pinturas religiosas, Artemisia Gentileschi fue la primera en forjarse una excelente reputación como creadora de composiciones de gran formato con temas mitológicos y bíblicos.

En el mundo artístico barroco, la pintura histórica se consideraba la cúspide de la pintura. Las obras de Artemisia Gentileschi a menudo representan actos de violencia con protagonistas femeninas, lo cual podría explicarse por su biografía; si esta interpretación es correcta o incorrecta es frecuentemente objeto de debate.

Talento y experiencias traumáticas

nació en Roma en julio de 1593. Era Artemisia Gentileschi Lomi hija del famoso pintor romano y seguidor de Caravaggio, Orazio Gentileschi, y de su esposa Prudenzia di Ottaviano Montoni. Su madre falleció cuando Artemisia tenía tan solo doce años.

Dos de sus hermanos, ambos llamados Giovanni Battista, fallecieron en 1601 y 1603. Hasta 1607, Artemisia fue aparentemente la única mujer en la casa paterna, antes de que su hermana viuda, Lucrecia, se uniera a ellos por un tiempo. Debido a estas circunstancias, Artemisia probablemente recibió poca o ninguna educación formal, algo común entre las mujeres de su época, especialmente entre las de clases sociales similares.

Debió de ser difícil para Artemisia crecer. Su padre era muy dominante y seguía el código de conducta de principios del siglo XVII, que prescribía un comportamiento autoritario. Para demostrar su virtud, a Artemisia rara vez se le permitía salir de casa y siempre tenía que ir acompañada en sus salidas.

Formación artística

Su padre la formó en su taller a partir de 1608 ó 1609, al igual que sus hermanos que aún viven.

Orazio, sin embargo, no era profesor universitario. Artemisia no tuvo la oportunidad de reproducir obras de arte accesibles al público ni en las iglesias de Roma. Su formación probablemente se limitó a moler pigmentos, mezclar pinturas y aprender los fundamentos de la pintura imitando la obra de su padre.

Artemisia también pudo haber estudiado grabados en cobre de otros artistas.

Orazio Gentileschi reconoció tempranamente el talento excepcional de su hija Artemisia y comenzó su formación cuando tenía unos 13 o 14 años. A los 16, ya pintaba de forma independiente y demostraba un talento incomparable. En una carta de 1612, Orazio elogió las habilidades de Artemisia a Cristina de Lorena.

Su primer cuadro firmado, «Susana y los ancianos», de 1610 (véase más abajo), confirma su excepcional talento, pues rebosa madurez y sutileza, a pesar de tener tan solo 17 años. Artemisia Gentileschi se convirtió en una artista impresionante que creó grandes obras a una edad temprana.

Vídeo: ¿Quién fue Artemisia Gentileschi y cómo se retrata en este raro autorretrato?

El barroco italiano se asocia principalmente con Caravaggio , y esto también se aplica al taller de Gentileschi. Orazio Gentileschi no solo se vio influenciado por el estilo del gran pintor, sino que también fue su amigo. Esto se evidencia en las pinturas de su hija. Sin embargo, la pintora barroca italiana desarrolló un estilo muy naturalista que difiere de las representaciones más idealizadas de su padre.

La primera pintura histórica conocida de Artemisia Gentileschi fue creada por la pintora barroca italiana a los 17 años; ella misma la fechó y firmó. Actualmente, la pintura "Susana y los ancianos" en Pommersfelden. Su representación no deja lugar a dudas sobre la agresión sexual cometida por los jueces.

violación

En 1611, Orazio Gentileschi incorporó a Agostino Tassi (c. 1580–1644) a su taller. Ambos pintores colaboraron en el fresco del techo del Casino delle Muse, en el Palazzo Pallavicini-Rospigliosi de Roma. Tassi también sería profesor de Artemisia; era conocido por sus impresionantes paisajes. Su orgulloso padre, Orazio Gentileschi, había reconocido el talento de su hija y deseaba que su colega pintor la ayudara a desarrollar su comprensión de la perspectiva.

Sin embargo, violó a Artemisia en mayo de 1611 en casa de su padre. Como el padre denunció posteriormente el crimen, conocemos los horrendos detalles.

De los registros judiciales de 1612, declaración de Artemisia Gentileschi:

Cuando llegamos a la puerta, me empujó dentro de la habitación y la cerró con llave. De un golpe en el pecho, me tiró sobre la cama, metió la rodilla entre mis muslos y me tapó la boca con un pañuelo para que no pudiera gritar. Me levantó las faldas, lo cual le costaba, metió la otra rodilla entre mis piernas e introdujo su pene en mi vagina. Luego me soltó la mano y empezó a penetrar. Al entrar, sentí un ardor agudo y dolor. Me resistí, pero no pude pedir ayuda porque seguía tapándome la boca. Le arañé la cara, le arranqué un poco de pelo y, antes de que lo metiera, le di un golpe tan fuerte en el pene que le arrancó un trozo de carne. Pero no se desanimó y continuó con lo que estaba haciendo. No se bajó de mí hasta que terminó. Cuando me liberé, corrí al cajón de la mesa, saqué un cuchillo, me abalancé sobre Agostino y grité: "¡Te mataré con este cuchillo, porque me has profanado!"

Agostino Tassi no era inocente. Sus crímenes conocidos abarcaban desde asesinato hasta incesto. Artemisia Gentileschi experimentó en carne propia lo que significa ser mujer: Tassi le mintió sobre una promesa de matrimonio, la obligó a someterse a exámenes ginecológicos en el tribunal y la hizo testificar bajo tortura.

Tassi negó vehementemente el crimen durante todo el juicio. Acusó a Artemisia de mentir y refutó todas las acusaciones con descarados ataques. Tenía preparada una nueva historia inventada para cada interrogatorio. Aunque sus antecedentes penales incluían asesinato, robo e incesto, Tassi no fue torturado; aun así, los jueces le creyeron.

En octubre de 1612, el juicio concluyó tras ocho meses sin resultados significativos. Tassi fue absuelto y continuó su carrera sin contratiempos; Orazio, el padre de Artemisia, también reanudó su antigua amistad.

Para Artemisia, sin embargo, las cosas fueron diferentes: tuvo que pagar repetidamente el precio de ser mujer. El escándalo, conocido a nivel nacional, tuvo que ser sofocado y su reputación pública restaurada.

Para asegurar el sustento de su hija a pesar de la desgracia sufrida, el padre casó a Artemisia con un artista florentino. Con su nuevo esposo, Pietro Antonio Stiattesi, se mudó a Florencia ese mismo año, de quien pronto se separó.

Artemisia permaneció casada con Stiattesi, pero mantuvo una larga relación amorosa tolerada por su marido y viajó por Europa sin él. De los dos hijos y las tres hijas de este matrimonio, solo Prudenzia Stiattesi alcanzó la edad adulta.

Escala en Florencia: Reconocimiento como artista

El Barroco italiano no se limitó a Roma: Florencia también tuvo sus artistas y mecenas. Artemisia Gentileschi completó una pintura en la Cassa Buonarroti en 1613, y en Florencia se convirtió en la pintora de la corte de los Médici. También encontró otro mecenas en Carlos I de Inglaterra.

Incluso en Florencia, la pintora obtuvo reconocimiento entre coleccionistas e intelectuales. Se relacionó con Michelangelo Buonarroti el Joven, escritor, y con Cristofano Allori. La Accademia delle Arti del Disegno la admitió el 19 de julio de 1615 como su primera miembro femenina.

Gracias a Michelangelo Buonarroti el Joven, Artemisia conoció a las figuras más importantes de la corte de los Médici en Florencia. Él no solo fue su amigo y mecenas, sino también su benefactor y el de su esposo. Junto a él, pintó su única obra documentada, la «Alegoría de la Inclinación», para la Casa Buonarroti.

Se supone que su relación era de larga data, pues Buonarroti incluso estaba destinado a ser el padrino de su hija. A través de él, Artemisia accedió a un círculo de intelectuales, escritores, artistas y músicos, lo que influyó significativamente en su producción artística y su reputación en Florencia.

Desde agosto de 1615, Artemisia Gentileschi, junto con los artistas Agostino Ciampelli, Sigismondo Coccapani, Giovan Battista Guidoni y Zanobi Rosi, trabajó en la pintura del techo de la Casa Buonarotti. Esta obra es la única documentada de su estancia en Florencia. Los historiadores del arte interpretan la representación de la alegoría del desnudo como un autorretrato idealizado de la artista.

Durante este tiempo, también recibió encargos de Cosimo II de' Medici, Gran Duque de Toscana, y de Cristina de Lorena. Se conserva una carta que le escribió a Galileo Galilei ; probablemente se conocieron en Florencia.

Formación continua en la fase florentina

La corte de los Médici fue importante para Artemisia Gentileschi, ya que no solo le proporcionó empleo y apoyo económico, sino que también le permitió continuar su educación. Se apasionó por el arte florentino y tomó a Cristina de Lorena como modelo a seguir. La artista aprendió a leer y escribir y amplió sus conocimientos de literatura y música.

Lamentablemente, la mayoría de las obras de su período florentino se han perdido. Hoy sabemos que trabajó María Magdalena de Austria para «Judit decapitando a Holofernes» , así como una «Diana en su baño».También «Hércules» . Sabemos de este último porque Artemisia Gentileschi mandó entregar azul ultramar para el Hércules, pero nunca pagó la factura.

Madre de 5 hijos a pesar del éxito artístico

Es verdaderamente admirable cómo Artemisia logró trabajar con tanta diligencia a pesar de sus embarazos. En tan solo cinco años, dio a luz a cinco hijos: Giovanni Battista, Agnola, Cristofano, Prudenzia (también conocida como Palmira) y Lisabella.

Solo dos de sus hijos vivieron lo suficiente para acompañarla a Roma. A pesar de que la familia crecía, Pierantonio no podía satisfacer todas las necesidades de Artemisia, por lo que el pintor inició una relación con Francesco Maria Maringhi. Este era un respetado administrador al servicio de Matteo Frescobaldi, propietario de una propiedad de Artemisia en Florencia.

La historia de vida de Artemisia nos muestra su fortaleza y determinación para seguir triunfando a pesar de todas las adversidades de su camino personal.

Situación difícil en Roma

Ya en marzo de 1620, Gentileschi y Stiattesi estaban de vuelta en Roma. El pintor barroco italiano se relacionaba con el humanista y amante del arte Cassiano das Pozzo y era Pierre Dumonstier II amigo

El barroco italiano de la década de 1620 se caracterizó por la creación de grandes retablos. Sin embargo, Artemisia Gentileschi no recibió encargos específicos para este tipo de obras. Era pintora de retratos y heroínas bíblicas, y dedicó los siguientes seis años en Roma a reorientar su trayectoria artística. El embajador español, Fernando Afán de Ribera, le compró una Magdalena, así como un David y un Cristo bendiciendo a los niños.

fue aún más importante Cassiano da Puzo. Fue secretario del cardenal Francesco Barberini e introdujo a Artemisia Gentileschi en su círculo de amigos artistas, entre los que se encontraban Simon Vouet, Nicolas Poussin y Giovanna Garzoni. Vouet pintó un retrato de Artemisia Gentileschi que ilustra estas conexiones.

Artemisia fue introducida a los círculos francófonos de Roma en la década de 1620, probablemente por Simon Vouet. Tanto Vouet como Cassiano dal Pozzo desempeñaron papeles importantes en su vida. Vouet llegó a ser presidente de la Academia de San Lucas y pintó retratos que Artemisia admiraba. Dal Pozzo, secretario papal y sobrino de un cardenal, poseía retratos de Artemisia y le encargó un autorretrato.

Permanecieron en contacto incluso después de que Artemisia se mudara a Nápoles. En la década de 1630, le escribió con gran afecto, pidiéndole apoyo para su hija.

Tres años en Venecia

La siguiente parada de Artemisia Gentileschi fue Venecia. La pintora barroca abandonó Roma en 1626 o 1627 y pasó los tres años siguientes en Venecia. Sabemos, por ejemplo, de un panfleto de 1627 cuyos versos están dedicados a tres de sus cuadros.

Su presencia está documentada en las cartas de Antonino Collurafi que han sido publicadas.

En 1628, Artemisia Gentileschi recibió un encargo del conde de Oñate, en nombre del rey de España, para pintar un cuadro que acompañara a "Hércules y Ónfale ". Este prestigioso encargo fue el primero que recibió del monarca español y la consagró como una de las pintoras más importantes de Europa. Es posible que esto la impulsara a trasladarse a Nápoles, ya que la ciudad estaba bajo dominio español y ofrecía mejores oportunidades económicas.

Evaluar el desarrollo artístico de Artemisia en Venecia es un desafío, ya que debe derivarse de una sola pintura de los años 1626 a 1630: "Ester ante Asuero" (1628-1630, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).

Esta obra representa la historia bíblica de la valiente Ester, quien demuestra su valentía al salvar al pueblo judío. Artemisia capta con maestría la tensión y la trascendencia de esta escena. La cuidadosa composición de las figuras y el sutil tratamiento de la luz y las sombras dan testimonio de su talento como pintora.

Escape de la plaga: Nápoles

No sabemos con exactitud cuándo llegó la artista a Nápoles. Sin embargo, ya había conocido la ciudad en el verano de 1630 y probablemente pasó el resto de su vida allí, salvo una breve estancia en Londres.

En Nápoles, creó obras para la Infanta María de España, y Artemisia Gentileschi mantuvo correspondencia con Cassiano da Pozzo en Roma. Fechó y firmó la “Anunciación”y “Clío, Musa de la Historia”.

Nápoles era una ciudad cara en aquella época. Sin embargo, la pintora romana, que completó su formación en Florencia y provenía de Venecia, parecía estar bien establecida en el panorama artístico. Trabajó con otros artistas locales en series de pinturas, había recibido encargos del virrey Manuel de Acevedo Zúñiga y Fonseca y conocía al artista Massimo Stanzione.

Artemisia se estableció en Nápoles durante casi un cuarto de siglo, salvo un breve viaje a Londres a finales de la década de 1630. Aunque tenía la intención de abandonar la ciudad, como expresó en una carta a Andrea Cioli, se vio envuelta en el caos de la guerra y el alto coste de la vida.

Sin embargo, Artemisia se integró con éxito en el panorama artístico napolitano y recibió sus primeros encargos públicos. Pintó su primer retablo a finales de sus treinta.

A diferencia de otros artistas "extranjeros", Artemisia no fue perseguida sistemáticamente por los pintores napolitanos. Esto pudo deberse a que no representaba una competencia directa para los grandes proyectos decorativos de la ciudad y a su gran capacidad social. Además, contaba con un aliado en Massimo Stanzione, a quien había conocido durante su estancia en Roma, quien desempeñó un papel clave en la obtención de encargos para Felipe IV y la catedral de Pozzuoli.

En la década de 1630, Artemisia realizó importantes encargos públicos y atendió a una clientela privada fiel en Nápoles. Durante este tiempo, amplió su repertorio de narraciones históricas y bíblicas para incluir alegorías y temas literarios.

A diferencia de otros artistas como Jusepe de Ribera o Battistello Caracciolo, el arte napolitano de Artemisia se caracterizó por un elegante estilo naturalista, que ha sido descrito como "naturalismo templado y clasicismo moderado" .

Estas influencias incluyeron a Simon Vouet, así como a pintores contemporáneos como Massimo Stanzione, Paolo Finoglia y Bernardo Cavallino, con quienes Artemisia colaboró ​​estrechamente. Se sabe que Artemisia creó obras en las que se pueden identificar múltiples manos; esto puede deberse en parte a las crecientes demandas de su estudio y a la necesidad de satisfacer las peticiones de los clientes.

La colaboración con otros artistas era habitual en Nápoles; por ejemplo, trabajó con especialistas en paisajes como Domenico Gargiulo (también conocido como Micco Spadaro) o el pintor arquitectónico Viviano Codazzi.

En sus últimos años en Nápoles, incluso se documentó su colaboración con el pintor de figuras Onofrio Palumbo. Esto pudo deberse a razones prácticas: debido a su avanzada edad y a su creciente enfermedad, tenía obligaciones que cumplir.

Breve interludio en Londres

La pintora barroca italiana vivió en Londres entre 1638 y 1640. Allí ayudó a su padre con las pinturas del techo de la Queen's House en Greenwich.

Se dice que durante su estancia en Londres, Artemisia participó en el diseño del techo del Gran Salón de la Casa de la Reina en Greenwich. Orazio Gentileschi recibió el encargo de la reina Enriqueta María para pintar una serie de frescos en el techo que representaban el tema de la paz prevaleciendo sobre las artes.

Originalmente destinadas a la residencia de la Reina, las pinturas se instalaron en el otoño de 1638 y posteriormente se trasladaron a Marlborough House. Es probable que la iconografía se acordara con el arquitecto Inigo Jones antes de la llegada de Artemisia a Londres.

Aunque sería tentador suponer que padre e hija podrían haber trabajado juntos en este proyecto, la contribución de Artemisia no está documentada y su participación es discutida debido al mal estado de los lienzos después de su retiro de la Casa de la Reina.

De regreso a Nápoles

Su padre falleció en Londres. En 1641 regresó a Nápoles; probablemente había sido contratada directamente por la Reina durante su estancia en Inglaterra.

Su último cuadro conocido, "Susana y los ancianos", fue creado en 1652, poco después de recuperarse de una enfermedad, cuando tenía casi sesenta años.

Los registros fiscales de Nápoles aún muestran pagos del pintor en agosto de 1654, después de lo cual se perdió su rastro.

¿Cómo se puede describir brevemente el estilo artístico de Artemisia?

El arte de Artemisia Gentileschi está influenciado estilísticamente por Caravaggio y su padre Orazio, pero ella pone más énfasis en el realismo y el naturalismo.

Sus pinturas se caracterizan por poderosas representaciones que impresionan con ricos tonos joya y tonos de piel realistas. Rompió con las representaciones tradicionales de figuras femeninas en historias bíblicas y mitológicas al presentar heroínas fuertes, capaces de actuar con autonomía.

Artemisia Gentileschi retrató a las mujeres en sus obras como figuras fuertes, valientes y rebeldes que no se ajustaban a las características típicamente consideradas «femeninas» . Estas representaciones de mujeres en igualdad de condiciones con los hombres, o incluso como protagonistas, eran inusuales para su época. Los críticos del siglo XX elogiaron sus pinceladas audaces y la ausencia de timidez o debilidad en sus pinturas.

Gentileschi sufrió abusos sexuales en su adolescencia, un trauma que se refleja en muchas de sus obras. Temas como el abuso de poder, la violación y la violencia son recurrentes en sus pinturas.

Se cree que pintar estos motivos la ayudó a procesar su trauma y a buscar venganza y reparación a través de sus obras de arte.

¿Barroco italiano sin Artemisia Gentileschi? ¡Impensable!

La artista fue una figura inusual para su época y tuvo que luchar arduamente por su lugar en la escena artística. Sin embargo, como sabemos por los relatos, lo conservó y lo defendió. Era consciente de su situación; también lo sabemos por sus propios escritos.

1916: Apreciación tardía por parte de los historiadores del arte

No fue hasta 1916, unos tres siglos después de su obra, que el historiador de arte italiano Roberto Longhi le dedicó un estudio detallado.

El historiador del arte localizó, identificó, comparó y evaluó las pinturas de Artemisia Gentileschi. Al final, quedó firmemente convencido de que:

“La única mujer en Italia que supo lo que es la pintura, el color, la mezcla y cosas esenciales similares”

Según Longhi, ella pertenece —independientemente de su género— a los “grandes maestros” del siglo XVII. Se la considera la fundadora del “caravaggismo napolitano” y sus obras no deben rehuir las comparaciones con contemporáneos tan renombrados como Vermeer y van Dyck (véase EMMA: Gentileschi – La venganza del artista).

A pesar de su excepcional talento, Artemisia tuvo que soportar muchos reveses. Fue víctima de un juicio público por violación a manos de un colega de su padre, un suceso que afectó profundamente su vida. Sin embargo, se negó a rendirse y continuó firme en su camino.

Sin embargo, la recepción de su obra fue difícil durante mucho tiempo. Muchas pinturas se atribuyeron a otros artistas (hombres); Artemisia Gentileschi fue despreciada, negada e ignorada. Que sepamos tanto de ella hoy se debe a una serie de circunstancias afortunadas: la artista firmaba sus cuadros con frecuencia, mantenía un taller bastante grande y alcanzó reconocimiento. Recibió la influencia de los artistas holandeses y franceses que conoció en Roma, y ​​en ocasiones se vio abrumada por los encargos.

El redescubrimiento de Artemisia Gentileschi por Anna Banti

escribió Anna Banti una biografía novelada de Artemisia Gentileschi. Esta biografía propició que la historia del arte redescubriera a la figura más influyente del Barroco italiano.

En 1976 y 1977, las pinturas de Artemisia Gentileschi se exhibieron en la exposición "Mujeres Artistas" . Desde entonces, la pintora barroca italiana se ha convertido en una leyenda, un ícono, un modelo a seguir y una fuente de inspiración para muchas fantasías.

Hoy, Artemisia Gentileschi finalmente recibe el reconocimiento que merece. Se la celebra como pionera de la historia del arte feminista y se reconocen sus contribuciones pioneras a la pintura del siglo XVII.

Su obra sigue siendo fuente de inspiración para muchas artistas de todo el mundo que luchan por su pasión contra viento y marea. El movimiento «Me Too», , se identifica fácilmente con esta mujer fuerte que se impuso en un mundo dominado por los hombres.

Artemisia Gentileschi como figura representativa del movimiento feminista

desde la década de 1970 una importancia especial para las feministas, después de que la historiadora de arte feminista Linda Nochlin un artículo titulado "¿Por qué no hay grandes artistas femeninas?" para responder a esta pregunta.

En este artículo, examinó el concepto de "gran artista femenina" y descubrió que las mujeres en el arte y otros campos no recibían el mismo reconocimiento que los hombres debido a estructuras opresivas, no porque fueran menos talentosas.

Nochlin hizo hincapié en la importancia de estudiar a Artemisia y a otras artistas femeninas para comprender mejor las contribuciones de las mujeres a la historia del arte. , "Violencia, plantadores y virtud: Judith de Artemisia mata a Holofernes", de Eve Straussman incluye un prólogo de Douglas Druick, quien menciona que el artículo de Nochlin animó a los investigadores a redoblar sus esfuerzos para incluir a las mujeres artistas en la historia del arte y la cultura.

Sin embargo, también existen voces críticas respecto a la “instrumentalización” de la pintora con fines feministas y una visión unidimensional del artista.

La violación de Artemisia suele ocupar un lugar central en la literatura feminista, donde se la retrata como una superviviente traumatizada, pero valiente y llena de ira, cuyo trabajo diario estaba marcado por el sexo y la violencia. Según la historiadora del arte Griselda Pollock (2006), la cultura popular a menudo se centra únicamente en este episodio y no en la impresionante trayectoria de Artemisia, que abarcó muchas décadas en los principales centros artísticos de Europa en aquella época (véase Artmajeur Magazine: Artemisia Gentileschi).

Las académicas feministas han considerado desde hace tiempo a Artemisia un icono del feminismo, ya que pintó mujeres fuertes y se consolidó como una artista de éxito en el mundo artístico de su época, dominado por los hombres, a la vez que era madre soltera. Esta narrativa sigue siendo muy relevante y pertinente en el mundo actual, especialmente en la lucha de muchas mujeres por conciliar la vida profesional y familiar.

Vídeo: Artemisia Gentileschi en 8 pinturas | Galería Nacional, Reino Unido

Obras muy solicitadas

En la década de 2010, los precios de las pinturas de Artemisia Gentileschi ya superaban el millón de euros. En 2014, Sotheby's un "Retrato de María Magdalena" por 865.500 euros, mientras que en 2017 y 2018 el precio casi se duplicó. Sin embargo, el récord actual lo ostenta una "Lucrecia", que se vendió por 4,78 millones de euros en Artcurial, París, en noviembre de 2019.

Hoy en día, las obras del pintor barroco italiano pueden verse en la Galería Uffizi de Florencia, cuelgan en el Museo del Prado de Madrid y en el Museo Metropolitano de Nueva York.

Otras pinturas se encuentran en la Colección Schönborn de Pommersfelden, en Londres, Ohio y Detroit. Y en Berlín.

Referencias y literatura:

• Artemisia (Catálogo de la exposición, The National Gallery, Londres, 2020–2021), Londres 2020
• Artemisia Gentileschi y su suo tempo, ed. contra F. Baldassari y MB de Ruggieri (exposición cat. Palazzo Braschi, Roma 2016-2017), Roma 2016.
• Orazio y Artemisia Gentileschi, ed. de K. Christiansen y JW Mann (catálogo de la exposición, Museo del Palazzo di Venezia, Roma, 2001-2002).
• Susanna Partsch: Artemisia Gentileschi: una pintora barroca combativa – una empresaria intransigente – una artista entre Florencia y Roma (una serie de mujeres inteligentes), ed. por Molden Verlag en Verlagsgruppe Styria GmbH & Co. KG (6 de marzo de 2023), ISBN-13: 978-3222150807
• Anna Banti: Artemisia. Novedoso. (=Artemisia) Traducido del italiano por Sylvia Höfer, publicado por Fischer-Taschenbuch-Verlag (Fischer-Taschenbücher, 1995) ISBN 3-596-12048-9
• Garrard, Mary D.: Artemisia Gentileschi: La imagen de la heroína en el arte barroco italiano, ed. v. University Press Group Ltd, ISBN.13: 978-0691002859
• Carla Heussler: ¡El arte es femenino!: Una historia del arte diferente, desde Artemisia Gentileschi hasta Yoko Ono. Pintoras exitosas, redescubrimientos interesantes y artistas contemporáneas del retrato, editado por wbg Theiss; 1.ª ed. (22 de septiembre de 2023).
• Eve Straussman-Pflanzer, Oliver Tostmann: Por su mano: Artemisia Gentileschi y las mujeres artistas en Italia, 1500-1800, ed. v. Yale University Press (30 de noviembre de 2021), ISBN-13: 978-0300256369

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