Joyas antiguas: una guía de tesoros atemporales y su deslumbrante historia

Cada pieza de joyería antigua encierra su propia historia. Secretos ocultos de épocas pasadas, manifestados en cadenas de oro elaboradas con maestría, delicados broches y brillantes piedras preciosas: la joyería antigua abre una ventana fascinante a la historia cultural de la humanidad.

Consideremos el periodo Biedermeier, entre 1815 y 1848: durante tres décadas, se crearon joyas que eran mucho más que simples adornos. Encarnaban el floreciente culto a la amistad y servían como preciados recuerdos. Las joyas de luto experimentaron un notable renacimiento y evolucionaron hasta convertirse en entrañables objetos que expresaban profundos lazos emocionales.

El análisis de los distintos periodos de la joyería revela influencias y tendencias multifacéticas que moldearon el diseño de cada época. El historicismo , entre 1840 y 1890, marcó un punto de inflexión: el inicio de la industrialización hizo que la joyería fabricada a máquina fuera asequible para un mayor número de personas por primera vez. Se estaba gestando una revolución tecnológica: la galvanoplastia, descubierta por Hermann von Jacobi , encontró aplicación industrial a partir de 1885 y transformó radicalmente la producción de joyería.

Pocos objetos se prestan mejor al estudio histórico-cultural que la joyería. La evolución del diseño joyero narra una historia continua de transformación, desde los delicados tesoros esmaltados del siglo XV, con sus representaciones figurativas y elaborados motivos florales, hasta las radiantes amatistas y vibrantes turmalinas verdes de la década de 1920. Estas últimas se consideran hoy la máxima expresión del arte de la joyería. 

Contemplar estos tesoros atemporales reaviva la alegría de la belleza y el arte de vivir de épocas pasadas. ¿No te parece?

Los inicios: La joyería antigua en la Antigüedad y la Edad Media

Las raíces del arte de la joyería se remontan al quinto milenio a. C. Incluso los hallazgos de la cultura de Varna en Europa demuestran un asombroso nivel de maestría artística que marcaría todos los periodos posteriores de la orfebrería. Los etruscos en Italia y los tracios en los Balcanes crearon impresionantes piezas de joyería, a menudo estrechamente vinculadas a prácticas religiosas, un legado que perdura hasta nuestros días.

Materiales y técnicas típicas de la antigüedad

En el antiguo Egipto, el metal de los dioses. Al igual que el sol, era indestructible, simbolizando así la búsqueda de la eternidad. Los orfebres egipcios dominaban el arte del color: combinaban el metal precioso con piedras semipreciosas como el lapislázuli y la turquesa, o utilizaban vidrio y esmalte de colores. Cada color tenía un significado especial y se creía que protegía a quien lo portaba.

El grupo de joyas de oro representado en la Villa Getty consta de una redecilla con un medallón repujado de Afrodita y Eros; una diadema con un elaborado nudo de Hércules; dos pares de aros con remates de cabeza de Capricornio; un par de pendientes de disco con una figura de Eros; un par de brazaletes para la parte superior del brazo en forma de serpiente enroscada; un par de brazaletes en forma de serpientes enroscadas; dos anillos con incrustaciones de intaglios, uno que representa a Artemisa; el otro a Fortuna sosteniendo una cornucopia doble; 28 perlas surtidas y un pendiente de botón; y un collar de cuentas de oro en forma de conchas cauri.

En el antiguo Egipto, las joyas no eran meramente decorativas. Su propósito era otorgar poderes mágicos, una especie de eternidad portátil. Por ello, se han encontrado numerosas piezas de joyería como ajuar funerario, testigos silenciosos de esta profunda creencia.

El desarrollo tecnológico se puede rastrear mediante ejemplos concretos: ya en el Egipto prehistórico se creaban objetos recubiertos con pan de oro. Posteriormente, cadenas de oro con 24 conchas huecas adornaron incluso tumbas no reales. El Imperio Medio introdujo nuevas formas, como escarabajos y peces, e introdujo técnicas innovadoras como el cloisonné y la granulación.

Los romanos perfeccionaron estas técnicas. En la granulación de oro, soldaban diminutas cuentas de oro para crear intrincados diseños. La filigrana se elaboraba con los hilos metálicos más finos, dispuestos en intrincados zarcillos o motivos de hojas. El procesamiento de materiales minerales y orgánicos para crear camafeos —retratos grabados en ágata, ónix, cornalina o marfil— también alcanzó un notable apogeo en la antigüedad.

Simbolismo y función en la Edad Media

En la Edad Media , la importancia de la joyería se expandió considerablemente. Funcionaba como un espejo de la sociedad, reflejando jerarquías sociales, creencias religiosas y tendencias culturales. Dado que la mayoría de la población era analfabeta, la joyería evolucionó hasta convertirse en una forma de comunicación no verbal, que revelaba información sobre quien la llevaba con solo una mirada.

Para la nobleza, las joyas magníficas significaban mucho más que lujo. Demostraban poder e influencia, pero también conexiones con tierras lejanas y rutas comerciales. La Iglesia utilizaba astutamente las joyas para visualizar la fe: los símbolos religiosos en las joyas servían como recordatorio constante de la fe y protección contra las fuerzas del mal.

Incluso para la gente común, las joyas tenían un significado especial. Transmitidas como reliquias familiares de generación en generación, preservaban la historia familiar. En las zonas rurales, incluso podían servir como una especie de ahorro, fundiéndose o vendiéndose en momentos de necesidad. Comprar joyas antiguas sigue siendo una forma común de monetizar piezas valiosas hasta el día de hoy.

La estricta jerarquía medieval se manifestaba claramente en el uso de la joyería. Ciertos materiales y formas estaban reservados para clases sociales específicas: un simple anillo de cobre identificaba a un artesano, mientras que una cadena de oro adornada con piedras preciosas indicaba sin duda a un noble.

De broches a anillos de sello: formas en constante cambio

La fíbula fue una de las joyas más versátiles de la Alta Edad Media. Este broche metálico, basado en el principio del imperdible actual, sustituyó al simple alfiler de ropa y servía para sujetar las prendas. Más allá de su función práctica, evolucionó hasta convertirse en un objeto multifacético: joya, soporte simbólico y base para colgantes (pendilia).

Tras la caída del Imperio Romano, las tribus germánicas aportaron su propia experiencia en la metalurgia de metales preciosos. Los merovingios la técnica del cloisonné : finas tiras de metal se soldaban a una base para formar abanicos, que luego se rellenaban con piedras preciosas, granates o pasta de vidrio de colores.

Los anillos de sello representaban una combinación única de joyería y funcionalidad. Su historia se remonta a Egipto, donde los faraones lucían elaborados anillos de oro o piedras preciosas con jeroglíficos y símbolos protectores como el escarabajo. Los griegos los transformaron en herramientas de sellado grabadas con escenas mitológicas. En el Imperio Romano, servían tanto como joyas como herramientas prácticas para marcar documentos. La Edad Media los elevó a la categoría de símbolos de poder e identidad familiar, adornados con escudos de armas y emblemas heráldicos.

Particularmente destacable fue el cambio en el uso de los materiales: mientras que en la antigüedad existía una típica "pirámide material" , compuesta por muchos objetos de metales no ferrosos y pocos de metales preciosos, esta proporción se invirtió a principios de la Edad Media. Los broches de arco germánicos occidentales estaban hechos predominantemente de plata dorada —una pirámide material invertida—, que también se puede observar en pequeños broches, cruces de pan de oro y ajuares funerarios.

Rococó y clasicismo: transición a la elegancia

Las convulsiones sociales del siglo XVIII se reflejaron directamente en el diseño de joyas. El rococó y el clasicismo marcaron algo más que simples cambios estilísticos: representaron una transformación fundamental, pasando del opulento esplendor de la vida cortesana a una estética basada en los ideales clásicos.

Adornos florales y esplendor cortesano

Desde 1730, el estilo rococó cortesano definió el gusto de la alta sociedad europea. La opulencia era primordial: suntuosos diseños florales y extravagantes adornos evidenciaban el estatus de quien los lucía a simple vista. Cintas, guirnaldas y ramos enteros adornaban las joyas, a veces engastadas con piedras preciosas de colores, a veces completamente engastadas en diamantes. Los broches móviles de los amplios vestidos de las damas de la corte encarnaban a la perfección el espíritu de la época: todo debía brillar, resplandecer y atraer la atención.

El motivo rocaille, a la época, definió innumerables diseños de joyería. Elementos decorativos en forma de concha y voluta se extendían por las piezas con curvas orgánicas y composiciones asimétricas. Los collares Colliers de Chien, que se llevaban cerca del cuello y lucían llamativos colgantes centrales, realzaban el escote de las mujeres. Los orfebres engastaban diamantes principalmente en plata, una elección deliberada para mostrar al máximo el brillo de las piedras.

Lo que parece notable desde la perspectiva actual es que la pureza de un diamante desempeñaba un papel secundario en aquel entonces. El tamaño importaba más que la perfección, un principio que solo cambiaría más tarde.

Influencia de la antigüedad en el diseño

El clasicismo surgió como un movimiento deliberado en contra de la excesiva ornamentación del rococó. A partir de la década de 1780, este estilo también influyó en la moda de la joyería europea. de Johann Joachim Winckelmann por la antigüedad se apoderó de casi toda Europa: una auténtica euforia por los modelos grecorromanos impregnó todos los ámbitos del arte.

El cambio estilístico no se produjo de la noche a la mañana. Las etapas intermedias, como el estilo Luis XVI, influenciado por el gusto de María Antonieta, aún combinaban la claridad geométrica con sutiles y lúdicos símbolos naturales y animales. Frutas, ramas y pájaros adornaban los diseños antes de que el estilo trenzado marcara la transición final hacia un clasicismo sencillo.

Con el tiempo, la ornamentación se volvió cada vez más sobria. Los modelos antiguos influyeron cada vez más en el diseño, y la simplicidad sustituyó a la ostentación. El acero y la pedrería (cristal tallado incoloro) se usaron ampliamente en la joyería. El color dio paso a una paleta reducida: las perlas, los diamantes y las imitaciones de diamantes dominaron las elegantes creaciones.

Camafeos y anillos marquesina como fenómeno de moda

Las gemas experimentaron un renacimiento a mediados del siglo XVIII . Las imágenes talladas en piedra y concha ya habían fascinado al mundo antiguo, pero el auge del turismo las transformó en el souvenir italiano por excelencia. Dos técnicas dominaron el arte de la gemología: los intaglios representaban escudos de armas, figuras y escenas grabadas al revés en el material, mientras que los camafeos presentaban la imagen en relieve y correctamente orientada.

Italia, en particular la región de Nápoles, se convirtió en un centro de producción de camafeos. Durante su Grand Tour, los europeos adinerados visitaban monumentos antiguos y descubrían en estos preciosos camafeos de concha el recuerdo ideal de la alegría de vivir sureña. Usados ​​como broches, colgantes o miniaturas enmarcadas, representaban retratos de gobernantes, dioses antiguos y escenas mitológicas.

Luis XV creó un icono de la joyería francesa con el anillo de la marquesa . En honor a su amante, la marquesa de Pompadour , se crearon anillos de forma ovalada alargada y extremos puntiagudos, inspirados en la delicada curva de sus labios. Esta forma de lanzadera simbolizaba la elegancia y el refinamiento, y ha perdurado como un diseño clásico hasta nuestros días.

Biedermeier y el historicismo: Romanticismo y retorno a la tradición

Las heridas de las Guerras Napoleónicas sanaron lentamente, pero dejaron tras de sí un profundo anhelo de paz y seguridad. Entre 1820 y 1870, Europa se volcó en la esfera privada, una época que hoy conocemos como el período Biedermeier. La familia, la amistad y la serena belleza de la vida cotidiana cobraron protagonismo. De repente, la joyería dejó de ser solo un símbolo de estatus de los poderosos para convertirse en una expresión íntima de los sentimientos humanos más profundos.

Joyas de amistad y piezas de luto

Nunca antes las joyas de recuerdo habían adquirido tal significado emocional. Las piezas de amistad y los recuerdos se convirtieron en preciosos símbolos de conexión humana. En delicados relicarios, la gente guardaba mechones de cabello de sus seres queridos, pequeñas cartas u otros recuerdos, para llevarlos siempre consigo. Los broches con retratos mantenían el rostro querido de familiares o amigos cerca del corazón.

Particularmente conmovedoras fueron las joyas hechas con el cabello de seres queridos. Estas pulseras o broches creaban una conexión única, casi mágica, entre quien las llevaba y el recuerdo. Intercambiar cabello como muestra de amor era tan común en los siglos XVIII y XIX como lo es hoy intercambiar pulseras de la amistad.

Las joyas de luto ocupaban un lugar especial. Los retratos en miniatura enmarcados se exhibían abiertamente; no estaban destinados únicamente al duelo íntimo y silencioso. La práctica de encargar anillos conmemorativos o de luto en vida, para distribuirlos entre familiares y amigos selectos en el propio funeral, nos resulta asombrosa hoy en día. Esta tradición del anillo conmemorativo se remonta al siglo XIV, cuando los testadores ingleses estipulaban en sus testamentos que a menudo se distribuyeran cientos de anillos como recuerdo a los dolientes.

Escasez de materiales y soluciones creativas

Tras las Guerras de Liberación, la escasez de metales preciosos era extrema y los recursos económicos de quienes encargaban trabajos a los orfebres eran muy limitados. Sin embargo, la necesidad agudiza el ingenio: los orfebres desarrollaron técnicas extraordinarias para crear joyas preciosas. El «oro espumado» se convirtió en la solución característica de la época: el oro se extendía hasta obtener una lámina finísima, se le daba forma tridimensional y luego se estabilizaba con masilla, resina y arena. Broches, collares y pulseras se elaboraban con la lámina de oro más fina, que luego se rellenaba con resina o yeso para garantizar la resistencia necesaria.

Los artesanos también demostraron su creatividad en el uso de aleaciones básicas: Tombac y Pinchbeck imitaban con maestría el cálido color del oro. Las joyas de granate se engastaban casi exclusivamente en tombac —una aleación de latón sin oro— o en oro de 250/1000. Incluso el hierro se incorporó a la producción de joyería: el llamado Fer de Berlin, que se asemejaba a un delicado encaje negro, sigue siendo muy popular hoy en día.

Redescubrimiento de antiguas técnicas en el historicismo

Si bien 1848 marcó oficialmente el final del tranquilo período Biedermeier, su estilo perduró. Incluso en la década de 1870, un "Segundo Biedermeier" su época dorada, testimonio del aprecio perdurable por los productos de aquella era de paz.

Todo el periodo se caracterizó por una fascinante coexistencia de diferentes movimientos: Romanticismo, Clasicismo tardío, Realismo e Historicismo coexistieron. La estricta disciplina del Clasicismo se disolvió. Los diseñadores de joyas redescubrieron el estilo rococó y revivieron el esplendor cortesano de la época prenapoleónica. Otros buscaron inspiración en periodos aún más lejanos de la Edad Media. La naturaleza local se incorporó por primera vez a los diseños: hojas de roble y rosas fueron inmortalizadas en oro.

El historicismo, entre 1840 y 1914, se benefició de los avances tecnológicos de su época: las máquinas de vapor, los barcos de vapor, los ferrocarriles y la electricidad facilitaron el acceso a las piedras preciosas de colores. Todos los estilos anteriores experimentaron un resurgimiento, y la fiel reproducción de la joyería barroca permitió que el esplendor de épocas pasadas volviera a brillar.

Art Nouveau y Art Déco: El amanecer del modernismo

Alrededor de 1900, el mundo de la joyería se rebeló contra sus propias tradiciones. El Art Nouveau rompió radicalmente con todo lo que antes se consideraba bello, y tan solo treinta años después, el Art Déco hizo lo mismo con el Art Nouveau. Dos movimientos difícilmente más diferentes, pero unidos por su valentía para cambiar.

Formas orgánicas y motivos naturales en el Art Nouveau

Imagínense: joyas que parecen recién sacadas de un jardín encantado. El Art Nouveau, entre 1890 y 1910, transformó broches y collares en obras de arte vivientes. ¿Qué había sucedido? La insatisfacción con la producción en masa sin alma había desatado una revuelta creativa.

Originaria de París, esta nueva estética conquistó Europa, conocida como «Art Nouveau» en Francia, «estilo Secesión» en Austria y «Arts and Crafts» en Inglaterra . El movimiento estaba unido por un objetivo común: acabar con las copias históricas y apostar por los diseños originales.

Las líneas curvas ahora se entrecruzaban en las joyas como un sistema nervioso orgánico. Los críticos se burlaban de las "líneas abruptas", pero los artistas crearon mundos de curvas fluidas que imitaban plantas, cabello y agua. Libélulas extendían sus alas sobre broches, serpientes se enroscaban alrededor de brazaletes y siluetas femeninas se fusionaban con adornos florales para formar seductoras obras de arte.

René Lalique encarnó esta época como ningún otro. Sus diseños para Cartier exhibieron la pureza estilística del Art Nouveau en su máxima expresión. Pero la Primera Guerra Mundial puso fin abruptamente a este período de experimentación artística

Geometría e innovación en el Art Déco

En 1925, en París, la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas dio nombre a un nuevo estilo. El art déco no celebraba la naturaleza, sino la máquina. Mientras que los locos años veinte prometían prosperidad económica, la joyería encontraba su inspiración en los rascacielos y el diseño industrial.

La geometría reinaba aquí: triángulos, círculos y rectángulos se disponían en estrictas simetrías. Patrones escalonados y en zigzag adornaban elementos decorativos como las fachadas art déco en miniatura. Las líneas precisas reflejaban la fe en el progreso de una época que abrazaba la tecnología y la modernidad.

¿De dónde surgieron estos diseños? En 1922, el descubrimiento de la tumba de Tutankamón desató una auténtica fascinación por Egipto . Los motivos aztecas se mezclaron con los babilonios. La arquitectura de Nueva York y Berlín se reflejó en creaciones de joyería en miniatura. El icónico sautoir —un collar largo que llega hasta la cintura— encarnaba a la perfección la elegante sensualidad de la época.

Nuevos materiales y técnicas de molienda

Ambas épocas experimentaron audazmente con los materiales. El Art Nouveau rehabilitó el metal común: el cuerno, el coral y el esmalte se convirtieron en socios a la par del oro y los diamantes. La técnica plique-à-jour creó esmaltes translúcidos que brillaban como gotas de agua congeladas. Los ópalos y las piedras lunares, con su brillo misterioso, complementaban a la perfección las formas orgánicas, transformando las joyas de metal en vibrantes maravillas naturales.

El Art Déco, por otro lado, favoreció el platino: más resistente que el oro, más duradero, más moderno. El oro blanco conquistó los salones. Fuertes contrastes caracterizaron esta época: ónix negro junto a brillantes diamantes, esmeraldas luminosas en engastes geométricos junto a zafiros de un azul intenso y rubíes resplandecientes.

Las nuevas tallas revolucionaron el procesamiento de las piedras preciosas: la talla esmeralda, la talla Asscher, la talla baguette y la talla trapezoidal, con sus facetas nítidas, realzaron la claridad geométrica de la época. Cada piedra se convirtió en un elemento arquitectónico de una nueva estética que entendía la joyería como expresión de modernidad.

Mediados de siglo y vintage: de la gloria de la posguerra a la cultura pop

El mundo despertó de un largo y oscuro sueño. Tras los años de penurias de la guerra, la sociedad anhelaba glamour, color y vitalidad, y la joyería se propuso satisfacer este anhelo. Formas suaves y fluidas, junto con una ornamentación opulenta, conquistaron los talleres de joyería. El resultado marcó el comienzo de una nueva era: el estilo de mediados de siglo, que tradujo la euforia de la posguerra en oro brillante y diamantes radiantes.

El estilo retro y el regreso del color

La década de 1950 , la «Edad de Oro del Diseño» , marcó el diseño de la joyería moderna como pocas otras. Un nuevo optimismo impregnaba la sociedad, y este espíritu se manifestaba en magníficas y coloridas creaciones de joyería. Si bien el platino se había reservado para fines militares durante los años de la guerra, la prosperidad y la opulencia regresaban.

«Los diamantes son el mejor amigo de una chica» : la legendaria frase de Marilyn Monroe capturó a la perfección el espíritu de la época. La elegancia y la feminidad volvieron a ser protagonistas, y los diamantes brillaban con esplendor. Las formas abstractas de ramas con diversos cortes de diamante, que recordaban a los fuegos artificiales nocturnos, fueron especialmente populares y reflejaron el optimismo de la época.

Diseños icónicos de los años 50 y 60

El oro texturizado dominó el mundo de la joyería en la década de 1950. El lenguaje de diseño de esta década fue inconfundible:

• Cadenas de cola de zorro, cuerdas retorcidas y alambre trenzado
• Red, cruces dobles y puntadas decorativas
• Ranuras y perforaciones

Las joyas de oro y las perlas cultivadas formaban parte del atuendo diario, mientras que las joyas de diamantes se reservaban para las noches. La amatista, la turquesa, el topacio y el coral devolvieron el toque de color tan anhelado.

La década de 1960 proclamó una actitud revolucionaria de "todo vale". El oro amarillo, el platino y la plata se combinaron con cristales de gemas en forma de drusa para crear mundos de joyería completamente nuevos. Las turquesas se tallaron en cabujón y armonizaron con diamantes brillantes. Incluso la carrera espacial inspiró a los orfebres: en toda Europa, experimentaron con diseños de superficies futuristas.

Vintage como objeto de colección con historia

Las joyas vintage cuentan historias distintas a las de las antigüedades. Mientras que estas últimas deben tener al menos un siglo de antigüedad, las joyas vintage abarcan piezas de hace 20 años en adelante, entre 1920 y 1980. Estas piezas reflejan el estilo de su época y, por lo tanto, poseen un encanto nostálgico especial.

Hoy en día, la bisutería vintage es uno de los coleccionismos de. Los conocedores buscan piezas firmadas: las empresas que exhiben con orgullo su nombre suelen garantizar una mayor calidad. Si bien marcas como Coro, Lisner y Monet siguen siendo asequibles, las piezas de diseñador de Hattie Carnegie, Chanel y Dior alcanzan precios muy elevados.

Los años de posguerra consolidaron la joyería como un arte portátil que caracterizaba tanto a quien la llevaba como a quien la diseñaba. Esta liberación de las tradiciones joyeras convencionales se arraigó en los principios modernistas y los movimientos de vanguardia, un legado cultural que perdura en la apreciación actual de la joyería vintage.

Contemporáneo y atemporal: lo que queda y lo que viene

¿Por qué volvemos a apreciar cada vez más las joyas antiguas? La producción en masa actual despierta un profundo anhelo de autenticidad y singularidad. Las joyas antiguas satisfacen esta necesidad de una manera muy especial: cada pieza cuenta su propia historia y posee un carácter distintivo.

Interpretaciones modernas de estilos clásicos

Los diseñadores de joyería contemporáneos han redescubierto el pasado. Se inspiran en un rico acervo de técnicas y formas históricas, fusionando con maestría la herencia de épocas pasadas con las tendencias actuales. Las intrincadas técnicas de grabado y engaste de gemas de nuestros antepasados ​​están experimentando un renacimiento, reinterpretadas en joyas que encarnan tanto la modernidad como la tradición. 

Las piedras talladas tradicionalmente y las cadenas con eslabones grandes vuelven a estar de moda. Los joyeros artesanos se consideran guardianes del patrimonio histórico y están revitalizando técnicas antiguas.

Superposiciones e individualidad en el estilo de joyería

La tendencia de combinar varias piezas ha transformado radicalmente nuestra forma de usar joyas. Combinar varias a la vez se ha convertido en una declaración de estilo personal. En lugar de armonizar dos delicados collares, ahora la atención se centra en crear contrastes llamativos. 

Los eslabones de la cadena deben diferir significativamente en tamaño, grosor y diseño. La base debe constar de al menos tres cadenas: idealmente, una con un colgante tipo medallón, una gargantilla y otra cadena de color contrastante.

concluye Ourania Marmara en su artículo para WELT. La individualidad, la sostenibilidad y la libertad creativa son su esencia. Las piezas heredadas o de segunda mano cobran una segunda vida y se integran en un estilo vibrante y contemporáneo.

¿Por qué las joyas antiguas vuelven a tener demanda hoy en día?

El renacimiento de la joyería antigua tiene razones sólidas:

• La excepcional maestría artesanal de épocas pasadas contrasta claramente con los métodos de producción actuales.
• El uso de joyas vintage refleja la creciente conciencia sobre la sostenibilidad.
• Cada pieza es única y tiene su propia historia ; la pátina le confiere un carácter inconfundible.

Otro fenómeno interesante está surgiendo: las joyerías están recomprando sus piezas históricas para sus propios archivos, lo que intensifica la escasez. La gente anhela piezas únicas con historia en lugar de productos genéricos de producción masiva. Como resultado, la joyería vintage se está convirtiendo en uno de los sectores de mercado de más rápido crecimiento.