Joyas antiguas: una guía de tesoros atemporales y su deslumbrante historia

Cada pieza de joyería antigua encierra su propia historia. Secretos ocultos de épocas pasadas, manifestados en cadenas de oro elaboradas con maestría, delicados broches y brillantes piedras preciosas: la joyería antigua abre una ventana fascinante a la historia cultural de la humanidad.

Consideremos el período Biedermeier, entre 1815 y 1848: a lo largo de tres décadas, se crearon joyas que eran mucho más que un simple adorno.  Representaban el floreciente culto a la amistad y servían como preciados recuerdos.  Las joyas de luto experimentaron un notable renacimiento y se convirtieron en preciados recuerdos que expresaban profundos vínculos emocionales.

El análisis de diferentes períodos de la joyería revela influencias y tendencias multifacéticas que moldearon el diseño de cada época.  El historicismo , de 1840 a 1890, marcó un punto de inflexión: el inicio de la industrialización hizo que la joyería hecha a máquina fuera asequible por primera vez para segmentos más amplios de la población.  Se estaba gestando una revolución tecnológica: la galvanoplastia, descubierta por Hermann von Jacobi , encontró aplicación industrial a partir de 1885 y transformó radicalmente la producción de joyería.

Pocos objetos son más apropiados para el estudio histórico-cultural que la joyería. El desarrollo del diseño de joyas narra una historia continua de transformación. Esta abarca desde los delicados tesoros esmaltados del siglo XV, con sus representaciones figurativas y complejos patrones florales, hasta las radiantes amatistas y las vibrantes turmalinas verdes de la década de 1920. Estas últimas se consideran hoy la cumbre del arte de la joyería. 

Contemplar estos tesoros atemporales reaviva la alegría de la belleza y el arte de vivir de épocas pasadas. ¿No te parece?

Los inicios: La joyería antigua en la Antigüedad y la Edad Media

Las raíces del arte de la joyería se remontan al quinto milenio a. C. Incluso los hallazgos de la cultura de Varna en Europa demuestran un asombroso nivel de maestría que marcaría todos los períodos posteriores de la joyería. Los etruscos en Italia y los tracios en los Balcanes crearon impresionantes piezas de joyería, a menudo estrechamente vinculadas a prácticas religiosas, un legado que sigue vigente en la actualidad.

Materiales y técnicas típicas de la antigüedad

En el antiguo Egipto, el metal de los dioses. Al igual que el sol, nunca envejecía, representando así la búsqueda de la eternidad. Los orfebres egipcios dominaban el arte del color, combinando el metal precioso con piedras semipreciosas como el lapislázuli y la turquesa, o incorporando vidrio coloreado y esmalte. Cada color tenía un significado especial y se creía que ofrecía protección a quien lo usaba.

El grupo de joyas de oro representado en la Villa Getty consta de una redecilla con un medallón repujado de Afrodita y Eros; una diadema con un elaborado nudo de Hércules; dos pares de aros con remates de cabeza de Capricornio; un par de pendientes de disco con una figura de Eros; un par de brazaletes para la parte superior del brazo en forma de serpiente enroscada; un par de brazaletes en forma de serpientes enroscadas; dos anillos con incrustaciones de intaglios, uno que representa a Artemisa; el otro a Fortuna sosteniendo una cornucopia doble; 28 perlas surtidas y un pendiente de botón; y un collar de cuentas de oro en forma de conchas cauri.

En el antiguo Egipto, las joyas no eran meramente decorativas. Su propósito era otorgar poderes mágicos, una especie de eternidad portátil. Por ello, se han encontrado numerosas piezas de joyería como ajuar funerario, testigos silenciosos de esta profunda creencia.

El desarrollo tecnológico se puede rastrear mediante ejemplos concretos: ya en el Egipto prehistórico se creaban objetos recubiertos con pan de oro. Posteriormente, cadenas de oro con 24 conchas huecas adornaron incluso tumbas no reales. El Imperio Medio introdujo nuevas formas, como escarabajos y peces, e introdujo técnicas innovadoras como el cloisonné y la granulación.

Los romanos perfeccionaron estas técnicas. En la granulación de oro, soldaban pequeñas cuentas de oro para crear patrones complejos. La filigrana se creaba con los hilos de metal más finos, dispuestos en intrincados zarcillos o motivos de hojas. El procesamiento de materiales minerales y orgánicos para crear camafeos (retratos grabados en ágata, ónice, cornalina o marfil) también alcanzó un auge notable en la antigüedad.

Simbolismo y función en la Edad Media

En la Edad Media , la importancia de la joyería se expandió considerablemente. Funcionó como un reflejo de la sociedad, reflejando jerarquías sociales, creencias religiosas y tendencias culturales. Dado que la mayoría de la gente era analfabeta, la joyería se convirtió en una forma de comunicación no verbal que revelaba información sobre quien la llevaba a simple vista.

Para la nobleza, las joyas magníficas significaban mucho más que lujo. Demostraban poder e influencia, pero también conexiones con tierras lejanas y rutas comerciales. La Iglesia utilizaba astutamente las joyas para visualizar la fe: los símbolos religiosos en las joyas servían como recordatorio constante de la fe y protección contra las fuerzas del mal.

Incluso para la gente común, las joyas tenían importancia. Transmitidas como reliquias de generación en generación, preservaban la historia familiar. En las zonas rurales, incluso podían servir como una especie de cuenta de ahorros, fundidas o vendidas en tiempos de necesidad. Comprar joyas antiguas sigue siendo una forma común de monetizar piezas valiosas hasta el día de hoy.

La estricta jerarquía medieval se manifestaba claramente en el uso de la joyería. Ciertos materiales y formas estaban reservados para clases sociales específicas: un simple anillo de cobre identificaba a un artesano, mientras que una cadena de oro adornada con piedras preciosas indicaba sin duda a un noble.

De broches a anillos de sello: formas en constante cambio

La fíbula fue una de las piezas de joyería más versátiles de la Alta Edad Media. Este alfiler metálico, basado en el principio del imperdible actual, sustituyó al simple alfiler y servía para abrochar la ropa. Más allá de su función práctica, evolucionó hasta convertirse en un objeto multifacético: joya, portador simbólico y base para colgantes (pendilia).

Tras la caída del Imperio Romano, las tribus germánicas aportaron su propia experiencia en la metalistería. Los merovingios la técnica del cloisonné : se soldaban finas tiras de metal sobre una base para formar abanicos, que luego se rellenaban con piedras preciosas, granates o pasta de vidrio coloreada.

Los anillos de sello representaban una conexión especial entre la joyería y su función práctica. Su historia se remonta a Egipto, donde los faraones usaban elaborados anillos de oro o piedras preciosas con jeroglíficos y símbolos protectores como el escarabajo. Los griegos los desarrollaron como herramientas para sellar, grabadas con escenas mitológicas. En el Imperio Romano, servían tanto como joyas como herramientas prácticas para marcar documentos. La Edad Media los elevó a la categoría de símbolos de poder e identidad familiar, adornados con escudos de armas y emblemas heráldicos.

Particularmente notable fue el cambio en el uso de los materiales: mientras que en la antigüedad existía una típica "pirámide material" , compuesta por muchos metales no ferrosos y pocos objetos de metales preciosos, esta proporción se invirtió a principios de la Edad Media. Los broches de lazo de la época germánica occidental se fabricaban predominantemente en plata dorada, una pirámide material invertida, que también se observa en broches pequeños, cruces de pan de oro y ajuares funerarios.

Rococó y clasicismo: transición a la elegancia

Las convulsiones sociales del siglo XVIII se reflejaron directamente en el diseño de joyas. El Rococó y el Clasicismo marcaron más que simples cambios estilísticos: encarnaron un cambio fundamental: del opulento esplendor de la vida cortesana a una estética arraigada en los ideales clásicos.

Adornos florales y esplendor cortesano

Desde 1730, el estilo rococó cortesano definió el gusto de la alta sociedad europea. La opulencia era primordial: suntuosos diseños florales y extravagantes adornos evidenciaban el estatus de quien los lucía a simple vista. Cintas, guirnaldas y ramos enteros adornaban las joyas, a veces engastadas con piedras preciosas de colores, a veces completamente engastadas en diamantes. Los broches móviles de los amplios vestidos de las damas de la corte encarnaban a la perfección el espíritu de la época: todo debía brillar, resplandecer y atraer la atención.

motivo epónimo definió innumerables diseños de joyería de esta época. Elementos decorativos en forma de concha y voluta se extendían por las piezas formando curvas orgánicas y composiciones asimétricas. Los Colliers de Chien, que se llevaban cerca del cuello y presentaban llamativos colgantes centrales, acentuaban el escote de las mujeres. Los orfebres engarzaban predominantemente diamantes en plata, una elección deliberada para realzar el brillo de las piedras en todo su potencial.

Lo que parece notable desde la perspectiva actual es que la pureza de un diamante desempeñaba un papel secundario en aquel entonces. El tamaño importaba más que la perfección, un principio que solo cambiaría más tarde.

Influencia de la antigüedad en el diseño

El clasicismo surgió como un contramovimiento consciente a la ornamentación excesiva del rococó. A partir de la década de 1780, este estilo también influyó en la moda joyera europea. de Johann Joachim Winckelmann por la antigüedad se apoderó de casi toda Europa: una auténtica euforia por los modelos grecorromanos impregnó todas las áreas del arte.

El cambio de estilo no se produjo de la noche a la mañana. Etapas intermedias, como el estilo Luis XVI , influenciado por el gusto de María Antonieta, aún combinaban la claridad geométrica con símbolos naturales y animales sutilmente lúdicos. Frutas, ramas y pájaros adornaban los diseños antes de que el estilo trenzado marcara la transición definitiva al clasicismo sencillo.

Con el tiempo, la ornamentación se volvió cada vez más sobria. Los modelos antiguos influyeron cada vez más en el diseño, y la simplicidad sustituyó a la ostentación. El acero y la pedrería (cristal tallado incoloro) se usaron ampliamente en la joyería. El color dio paso a una paleta reducida: las perlas, los diamantes y las imitaciones de diamantes dominaron las elegantes creaciones.

Camafeos y anillos marquesina como fenómeno de moda

Las gemas experimentaron un renacimiento a mediados del siglo XVIII . Las imágenes talladas en piedra y concha ya fascinaban al mundo antiguo, pero el auge del turismo las transformó en el souvenir italiano por excelencia. Dos técnicas dominaron el arte de las gemas: los intaglios representaban escudos de armas, figuras y escenas grabadas al revés en el material, mientras que los camafeos presentaban la imagen en relieve y correctamente orientada.

Italia, en particular la región de Nápoles, se convirtió en un centro de producción de camafeos. Durante su Grand Tour, los europeos adinerados visitaban monumentos antiguos y descubrían en estos preciosos camafeos de concha el recuerdo ideal de la alegría de vivir sureña. Usados ​​como broches, colgantes o miniaturas enmarcadas, representaban retratos de gobernantes, dioses antiguos y escenas mitológicas.

Luis XV creó un icono de la joyería francesa anillo Marquesa Marquesa de Pompadour , se crearon anillos con una forma ovalada alargada y extremos puntiagudos, inspirados en la delicada curva de sus labios. Esta forma de "lanzadera" simbolizaba la elegancia y el refinamiento, y ha sobrevivido como un diseño clásico hasta nuestros días.

Biedermeier y el historicismo: Romanticismo y retorno a la tradición

Las heridas de las Guerras Napoleónicas sanaron lentamente, pero dejaron tras de sí un profundo anhelo de paz y seguridad. Entre 1820 y 1870, Europa se volcó en la esfera privada, una época que hoy conocemos como el período Biedermeier. La familia, la amistad y la serena belleza de la vida cotidiana cobraron protagonismo. De repente, la joyería dejó de ser solo un símbolo de estatus de los poderosos para convertirse en una expresión íntima de los sentimientos humanos más profundos.

Joyas de amistad y piezas de luto

Nunca antes las joyas de recuerdo habían adquirido un significado tan emotivo. La amistad y los recuerdos se convirtieron en preciosos símbolos de conexión humana.  En delicados medallones, la gente guardaba mechones de cabello de sus seres queridos, cartas u otros recuerdos para llevarlos siempre consigo. Los broches con retratos mantenían el rostro querido de familiares o amigos cerca del corazón.

Particularmente conmovedoras eran las joyas elaboradas con el cabello de seres queridos.  Estas pulseras o broches creaban una conexión única, casi mágica, entre quien las lucía y el recuerdo. Intercambiar cabello como muestra de amor era  tan común en los siglos XVIII y XIX como lo es hoy el intercambio de pulseras de la amistad.

Las joyas de luto ocupaban un lugar especial.  Las miniaturas de retratos enmarcados se exhibían abiertamente; no estaban destinadas únicamente al duelo privado y silencioso.  La práctica de encargar anillos conmemorativos o de luto en vida, para distribuirlos a familiares y amigos seleccionados en el funeral, nos resulta sorprendente hoy en día. Esta tradición del anillo conmemorativo se remonta al  siglo XIV, cuando los testadores ingleses estipularon en sus testamentos que a menudo se distribuirían cientos de anillos como recuerdo a los dolientes.

Escasez de materiales y soluciones creativas

Tras las Guerras de Liberación, se produjo una grave escasez de metales preciosos y los recursos financieros de quienes contrataban orfebres eran muy limitados.  Pero la necesidad es la madre de la invención: los orfebres desarrollaron técnicas extraordinarias para crear joyas preciosas. El «oro espumado» se convirtió en la solución característica de la época: el oro se laminaba hasta alcanzar un grosor finísimo, se moldeaba en objetos tridimensionales y luego se estabilizaba con masilla, resina y arena.  Broches, collares y pulseras se fabricaban con la lámina de oro más fina, que luego se rellenaba con resina o yeso para garantizar la resistencia necesaria.

Los artesanos también demostraron su creatividad en el uso de aleaciones base: Tombac y Pinchbeck imitaron con maestría el cálido color del oro.  Las joyas de granate se engarzaban casi exclusivamente en tombac (una aleación de latón sin oro) o en un cuarto de oro con una pureza de tan solo 250/1000.  Incluso el hierro se incorporó a la producción de joyas: el llamado Fer de Berlin, que recordaba a un delicado encaje negro, sigue siendo muy popular hasta nuestros días.

Redescubrimiento de antiguas técnicas en el historicismo

1848 marcó oficialmente el final del tranquilo período Biedermeier, pero su estilo perduró.  Incluso en la década de 1870, un "Segundo Biedermeier" su máximo esplendor, testimonio del perdurable amor por los productos de aquella época pacífica.

Todo el período se caracterizó por una fascinante coexistencia de diferentes movimientos: el Romanticismo, el Clasicismo Tardío, el Realismo y el Historicismo coexistieron. La estricta disciplina del Clasicismo se disolvió. Los diseñadores de joyas redescubrieron el estilo rococó y revivieron el esplendor cortesano de la época prenapoleónica.  Otros buscaron inspiración en períodos aún más lejanos de la Edad Media.  La naturaleza local se incorporó por primera vez a los diseños: hojas de roble y rosas se inmortalizaron en oro.

El historicismo, de 1840 a 1914, se benefició de los avances tecnológicos de su época: las máquinas de vapor, los barcos de vapor, los ferrocarriles y la electricidad facilitaron la disponibilidad de piedras preciosas de colores.  Todos los estilos anteriores experimentaron un resurgimiento, y la joyería barroca, fielmente reproducida, permitió que el esplendor de épocas pasadas brillara de nuevo.

Art Nouveau y Art Déco: El amanecer del modernismo

Alrededor de 1900, el mundo de la joyería se rebeló contra sus propias tradiciones. El Art Nouveau rompió radicalmente con todo lo que antes se consideraba bello, y tan solo treinta años después, el Art Déco hizo lo mismo con el Art Nouveau. Dos movimientos difícilmente más diferentes, pero unidos por su valentía para cambiar.

Formas orgánicas y motivos naturales en el Art Nouveau

Imagínense: joyas que parecen recién sacadas de un jardín encantado. El Art Nouveau, entre 1890 y 1910, transformó broches y collares en obras de arte vivientes. ¿Qué había sucedido? La insatisfacción con la producción en masa sin alma había desatado una revuelta creativa.

Originaria de París, esta nueva estética conquistó Europa, «Art Nouveau» «Estilo Secesión» en Austria y «Artes y Oficios» en Inglaterra . El movimiento estaba unido por un objetivo común: acabar con las copias históricas y avanzar hacia los diseños originales.

Líneas curvas se entrecruzaban ahora en la joyería como un sistema nervioso orgánico. Los críticos se burlaron de las "líneas de latigazo ", pero los artistas crearon mundos de curvas fluidas que imitaban plantas, cabello y agua. Libélulas extendían sus alas sobre broches, serpientes se enroscaban en pulseras y siluetas femeninas se fusionaban con adornos florales para formar seductoras obras de arte.

René Lalique encarnó esta época como ningún otro. Sus diseños Cartier

Geometría e innovación en el Art Déco

1925 en París: La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas dio nombre a un nuevo estilo. El Art Déco no celebraba la naturaleza, sino la máquina. Mientras que los felices años veinte prometían prosperidad económica, la joyería encontró su inspiración en los rascacielos y el diseño industrial.

La geometría reinaba aquí: triángulos, círculos y rectángulos se disponían en estrictas simetrías. Patrones escalonados y en zigzag adornaban elementos decorativos como las fachadas art déco en miniatura. Las líneas precisas reflejaban la fe en el progreso de una época que abrazaba la tecnología y la modernidad.

¿De dónde surgieron estos diseños? En 1922, el descubrimiento de la tumba de Tutankamón desató una fiebre por Egipto . Motivos aztecas se mezclaban con patrones babilónicos. La arquitectura de Nueva York y Berlín se reflejaba en creaciones de joyería en miniatura. El icónico sautoir —un collar largo que llegaba hasta la cintura— encarnaba a la perfección la elegante sensualidad de la época.

Nuevos materiales y técnicas de molienda

Ambas épocas experimentaron audazmente con los materiales. El Art Nouveau rehabilitó el metal "básico": el cuerno, el coral y el esmalte se convirtieron en aliados en igualdad de condiciones del oro y los diamantes. La técnica del plique-à-jour creó esmaltes translúcidos que brillaban como gotas de agua congelada. Los ópalos y las piedras lunares, con su misterioso brillo, complementaron a la perfección las formas orgánicas, transformando la joyería de metal en vibrantes maravillas naturales.

El Art Déco, por otro lado, favoreció el platino: más resistente que el oro, más duradero, más moderno. El oro blanco conquistó los salones. Fuertes contrastes caracterizaron esta época: ónix negro junto a brillantes diamantes, esmeraldas luminosas en engastes geométricos junto a zafiros de un azul intenso y rubíes resplandecientes.

Las nuevas tallas revolucionaron el procesamiento de las piedras preciosas: la talla esmeralda, la talla Asscher, la talla baguette y la talla trapezoidal, con sus facetas nítidas, realzaron la claridad geométrica de la época. Cada piedra se convirtió en un elemento arquitectónico de una nueva estética que entendía la joyería como expresión de modernidad.

Mediados de siglo y vintage: de la gloria de la posguerra a la cultura pop

El mundo despertó de un largo y oscuro sueño. Tras los años de privaciones de la guerra, la sociedad anhelaba glamour, color y vida, y la joyería estaba destinada a satisfacer este anhelo.  Formas suaves y fluidas y una ornamentación suntuosa conquistaron los talleres de joyería. Lo que surgió aquí marcó el inicio de una nueva era: el estilo de mediados de siglo, que tradujo la euforia de la posguerra en oro brillante y diamantes radiantes.

El estilo retro y el regreso del color

La década de 1950 , la «Edad de Oro del Diseño» , marcó el diseño de joyería moderna como casi ninguna otra década. Un nuevo optimismo se apoderó de la sociedad, y este espíritu de optimismo se manifestó en magníficas y coloridas creaciones de joyería.  Si bien el platino se había reservado para fines militares durante los años de guerra, la prosperidad y la opulencia regresaron.

"Los diamantes son los mejores amigos de una chica" —la legendaria frase de Marilyn Monroe capturó a la perfección el espíritu de la época. La elegancia y la feminidad volvieron a estar a la vanguardia, y los diamantes brillaron con esplendor.  Las formas abstractas de ramas con diversos cortes de diamantes, que evocaban los fuegos artificiales nocturnos, fueron especialmente populares y capturaron el ambiente optimista de la época.

Diseños icónicos de los años 50 y 60

El oro texturizado dominó el mundo de la joyería en la década de 1950. El lenguaje de diseño de esta década fue inconfundible:

• Cadenas de cola de zorro, cuerdas retorcidas y alambre trenzado
• Red, cruces dobles y puntadas decorativas
• Ranuras y perforaciones

Las joyas de oro y las perlas cultivadas formaban parte del atuendo diario, mientras que las joyas de diamantes se reservaban para la noche.  La amatista, la turquesa, el topacio y el coral aportaron de nuevo el ansiado toque de color.

La década de 1960 proclamó una revolucionaria actitud de "todo vale". El oro amarillo, el platino y la plata se combinaron con cristales de gemas en forma de drusa para crear un mundo de joyería completamente nuevo.  Las turquesas se tallaron en cabujón y armonizaron con brillantes diamantes.  Incluso la carrera lunar inspiró a los orfebres, que experimentaron con diseños de superficies futuristas en toda Europa.

Vintage como objeto de colección con historia

La joyería vintage cuenta historias diferentes a las de los tesoros antiguos.  Si bien estos últimos deben tener al menos un siglo de antigüedad, la joyería vintage abarca piezas de hace 20 años en adelante, datadas entre 1920 y 1980.  Estas piezas encarnan el estilo de moda de su época y, por lo tanto, poseen un encanto nostálgico especial.

Hoy en día, la bisutería vintage es uno de los ámbitos de coleccionismo .  Los entendidos buscan piezas firmadas; las empresas que llevan con orgullo su nombre suelen garantizar una mayor calidad.  Si bien marcas como Coro, Lisner y Monet siguen siendo asequibles, las piezas de diseño de Hattie Carnegie, Chanel y Dior alcanzan precios muy altos.

Los años de posguerra consolidaron la joyería como un arte portátil que caracterizaba tanto a quien la llevaba como a quien la diseñaba. Esta liberación de las tradiciones joyeras convencionales se arraigó en los principios modernistas y los movimientos de vanguardia, un legado cultural que perdura en la apreciación actual de la joyería vintage.

Contemporáneo y atemporal: lo que queda y lo que viene

¿Por qué recurrimos cada vez más a la joyería antigua hoy en día? La producción en masa de nuestra época despierta un profundo anhelo de autenticidad y singularidad.  La joyería antigua satisface esta necesidad de una manera muy especial: cada pieza tiene su propia historia y posee un carácter distintivo.

Interpretaciones modernas de estilos clásicos

Los diseñadores de joyería contemporánea han redescubierto el pasado.  Se inspiran en un rico acervo de técnicas y formas históricas, fusionando hábilmente la herencia de épocas pasadas con los hábitos de vestir actuales.  Las intrincadas técnicas de grabado y engaste de piedras preciosas de nuestros antepasados ​​están experimentando un renacimiento, reinterpretadas para crear joyas que encarnan modernidad y tradición. 

Las piedras talladas tradicionalmente y las cadenas con eslabones grandes vuelven a ser muy populares.  Los joyeros artesanos se consideran guardianes del patrimonio histórico y están revitalizando técnicas antiguas.

Superposiciones e individualidad en el estilo de joyería

La tendencia de las capas ha transformado radicalmente nuestra forma de llevar joyas. Combinar varias piezas a la vez se ha convertido en una declaración de intenciones.  En lugar de combinar armoniosamente dos delicados collares, se opta conscientemente por los contrastes. 

Los eslabones de la cadena deben diferir significativamente en tamaño, grosor y diseño.  Al menos tres cadenas forman la base: idealmente, una con un medallón, una gargantilla y otra cadena contrastante.

concluye  Ourania Marmara en su artículo de WELT . La individualidad, la sostenibilidad y la libertad creativa son sus pilares.  Las piezas heredadas o de segunda mano tienen una segunda oportunidad y se convierten en parte de un estilo vibrante y contemporáneo.

¿Por qué las joyas antiguas vuelven a tener demanda hoy en día?

El renacimiento de la joyería antigua tiene razones sólidas:

• La  excepcional artesanía  de épocas pasadas contrasta claramente con los métodos de producción actuales.
• El uso de joyas vintage refleja la creciente  conciencia de la sostenibilidad.
• Cada pieza es  única y tiene su propia historia  : la pátina le confiere un carácter inconfundible.

También se observa un fenómeno interesante: las casas de joyería están recomprando sus piezas históricas para sus propios archivos, lo que intensifica la escasez.  La gente anhela  piezas únicas con historia  en lugar de productos de producción en masa sin rostro.  Como resultado, la joyería vintage se está convirtiendo en uno de los sectores del mercado de mayor crecimiento.