Tra origine ed espressività: il ritorno dei forti simboli culturali nel mondo dell'arte

Chiunque abbia curiosato tra mostre, biennali, spazi off-space o anche solo sui social media negli ultimi anni riconoscerà subito un motivo ricorrente: gli artisti utilizzano sempre più spesso simboli forti per rendere visibili complesse questioni di appartenenza, potere e identità.

Un pezzo di tessuto apparentemente semplice – spesso rettangolare, dal design chiaro e ben visibile – diventa un palcoscenico su cui vengono raccontate storie di migrazione, storia coloniale, resistenza o biografia personale. È proprio qui che inizia la domanda. Perché gli artisti usano sempre più le bandiere come mezzo per esprimere identità e cultura? E perché questo formato sta acquisendo nuova rilevanza in un'epoca di identità ibride e crisi globali? Invece di limitarsi a contrassegnare l'appartenenza nazionale, questi simboli si trasformano in spazi di significazione multiforme in cui contraddizioni, rotture e speranze si sovrappongono.

Allo stesso tempo, sta emergendo una nuova cultura materiale attorno a queste forme simboliche: i progetti vengono creati in studio, sviluppati digitalmente, rifiniti graficamente e infine tradotti in tessuti di alta qualità. Disegni personalizzati, piccole tirature e formati personalizzati possono essere realizzati, ad esempio, tramite fornitori specializzati di bandiere che trasferiscono con precisione le idee artistiche su tessuto, trasportandole letteralmente nella sfera pubblica. Il risultato sono oggetti che sono allo stesso tempo opere d'arte, dichiarazioni, oggetti di uso quotidiano e documenti di processi di negoziazione sociale.

Il fulcro del fenomeno risiede in questa tensione tra narrazione privata e simbolismo collettivo, e verrà esaminato di seguito da prospettive storiche, estetiche, politiche e tecnico-produttive.

Radici storiche: come i simboli hanno plasmato l'identità collettiva

Prima che l'arte contemporanea decostruisca, distorca o riassembli i simboli, vale la pena di guardare indietro: in molte culture, stendardi, stemmi, bandiere e simboli portatori di identità collettiva per secoli . Hanno segnato l'affiliazione a case regnanti, città-stato, gruppi religiosi o unità militari e hanno reso visibili le gerarchie nel vero senso della parola.

Nel contesto europeo, gli stemmi araldici rappresentano la continuità genealogica, mentre in altre regioni le bandiere erano integrate in rituali, processioni e feste, stabilendo così uno stretto legame tra comunità, territorio e simbolo. Questa storia continua a plasmare la comprensione intuitiva che certi colori, forme e simboli siano più di una semplice decorazione: incarnano relazioni di potere, confini e memorie collettive.

Con l'ascesa dei moderni stati nazionali, questo simbolismo assunse una nuova dimensione. Le bandiere nazionali divennero simboli carichi di emotività, evocando sia fervore patriottico che critica radicale. Rivoluzioni, movimenti indipendentisti e lotte di liberazione utilizzarono stendardi riprogettati per marcare la loro distanza dai regimi coloniali e autoritari.

Soprattutto nei contesti postcoloniali, è diventato chiaro che il potenziale creativo dei simboli è sempre anche un terreno politico. Chi li crea contribuisce a determinare il modo in cui un collettivo si presenta, sia internamente che esternamente. Quando l'arte contemporanea oggi riprende questa tradizione, non cita solo forme storiche, ma anche le lunghe, spesso conflittuali, lotte per il potere di definire significato e interpretazione inscritte in questi motivi.

Pratica artistica contemporanea: storie individuali sul tessuto e nello spazio

In questa situazione, gli artisti utilizzano forme simboliche che ricordano le bandiere classiche per raccontare storie di percorsi di vita individuali:

Storie di migrazione, prospettive diasporiche, identità queer o esperienze di razzismo e classismo vengono catturate sul tessuto attraverso colori, forme e simboli grafici.

Dall'emblema nazionale standardizzato emerge una sorta di biografia personale o collettiva sotto forma di stendardo, appeso in spazi espositivi, trasportato nel paesaggio urbano o incorporato in performance . Proprio perché il formato è così familiare, la rottura è ancora più evidente quando, ad esempio, i colori nazionali vengono spezzati, invertiti o combinati con simboli inaspettati.

La pratica artistica spazia da opere puramente grafiche a installazioni ibride in cui si intrecciano pannelli di tessuto, video, suono e performance. Oggetti simili a bandiere possono essere disposti in file o stesi a terra. Possono anche essere drappeggiati sui corpi o fissati in luoghi insoliti, come cortili, tetti o luoghi dove altrimenti non sarebbero visibili simboli ufficiali.

Questo cambio di prospettiva modifica l'attenzione: si tratta meno della rappresentazione di uno Stato e più di chi è rappresentato e quali esperienze si riflettono nel canone dell'immaginario collettivo. In questo senso, molti progetti possono essere interpretati come tentativi di individuare lacune. Queste lacune devono essere colmate con nuovi simboli autodeterminati, non più imposti dall'alto ma progettati da coloro che ne sono direttamente interessati.

Nella pratica curatoriale , è evidente che queste opere sono spesso esposte in contesti tematici più ampi: formati espositivi su argomenti come "Confini , "Diaspora , "Queerness , "Postcolonialismo" o "Attivismo per il clima" utilizzano oggetti simili a bandiere per rendere i discorsi spazialmente tangibili. Lì, i visitatori possono non solo reagire esteticamente, ma anche interagire fisicamente con le opere. Ad esempio, possono camminare lungo lunghe file di striscioni, passare sotto pannelli di tessuto o interagire con gli elementi dell'installazione.

Tali progetti sono spesso accompagnati da iniziative di sensibilizzazione come workshop, dibattiti o processi creativi collaborativi in ​​cui le persone sviluppano il proprio simbolismo. Ciò rivela che l'arte contemporanea non solo produce opere finite, ma avvia anche processi collettivi in ​​cui identità e cultura vengono costantemente rinegoziate.

Tre artisti internazionali che utilizzano il medium tessile e la forma della bandiera per rinegoziare identità, migrazione e appartenenza.

Tutti trasformano il tessuto, tradizionalmente portatore di stemmi e colori nazionali, in un “archivio del tatto” che custodisce storie personali e politiche.

Yinka Shonibare CBE (Gran Bretagna/Nigeria)

Argomenti principali: postcolonialismo, questioni di classe, costruzione dell'"autenticità".

Yinka Shonibare è forse la figura più centrale quando si parla di decostruzione dell'identità nazionale attraverso il tessuto. Non utilizza le bandiere classiche, ma ne sostituisce la funzione con una cifra grafica specifica: il tessuto "Dutch Wax".

Il codice grafico: Shonibare utilizza tessuti batik colorati, apparentemente "africani". Il trucco: questi tessuti sono un prodotto delle rotte commerciali coloniali, originariamente sviluppati in Indonesia, industrializzati dagli olandesi e poi commercializzati nell'Africa occidentale. Il tessuto stesso è una menzogna sulla sua origine e autenticità.

Pratica artistica: crea sculture, vele e installazioni (come "The Nelson Ship in a Bottle ") in cui questi tessuti sventolano come bandiere di una nazione ibrida. Affronta il classismo e il razzismo vestendo gli aristocratici vittoriani con questi tessuti o usandoli come vele per le navi degli esploratori.

Il messaggio: l'identità non è mai pura; è una complessa rete di commercio globale, potere e appropriazione.

Sara Rahbar (Stati Uniti / Iran)

Argomenti chiave: migrazione forzata, trauma dell'esilio, dissonanza geopolitica.

Sara Rahbar, fuggita dall'Iran negli Stati Uniti da bambina prima della rivoluzione, lavora direttamente con la forma fisica della bandiera. La sua serie Flag (2005-2019) è un'opera monumentale di arte diasporica.

La cifra grafica: usa la bandiera statunitense (Stars and Stripes) come base letterale e la “infetta” o la completa con tessuti del Medio Oriente, ricami tradizionali, ma anche con cinghie militari e oggetti dolorosi.

Pratica artistica: le sue bandiere sono appese al muro come pelli pesanti e appesantite. Sono collage di frammentazione. Le linee nette della bandiera statunitense sono interrotte da elementi organici, caotici o artigianali tipici dell'Oriente.

Il messaggio: qui, la storia della migrazione non viene raccontata come una narrazione di integrazione riuscita, ma come una cucitura dolorosa. La bandiera diventa un campo di battaglia in cui il desiderio di appartenenza si scontra con la realtà dell'esclusione.

Jeffrey Gibson (USA / Choctaw-Cherokee)

Argomenti principali: identità queer, storia indigena, intersezionalità.

Jeffrey Gibson (rappresentante degli Stati Uniti alla Biennale di Venezia 2024) combina il linguaggio visivo dei popoli indigeni del Nord America con l'estetica dei club queer e delle proteste politiche.

Il cifrario grafico: Gibson utilizza astrazioni geometriche che ricordano i tradizionali motivi di tessitura Cherokee o la pittura parfleche, e le mescola a colori neon, frange e perline. Spesso integra frammenti di testi di canzoni pop o di attivismo come slogan grafici.

Pratica artistica: le sue opere sono spesso appese come enormi arazzi simili a bandiere o esposte nella stanza come abiti scultorei. Ricordano i paramenti dei powwow, ma anche la "Bandiera del Pride". In questo modo, crea spazi sicuri per i corpi emarginati dal razzismo e dall'omofobia.

Il messaggio: la visibilità è sopravvivenza. Le sue "bandiere" celebrano la differenza e rivendicano a gran voce lo spazio per un'identità che sia allo stesso tempo indigena e queer, e che non debba scegliere tra tradizione e modernità.

Tra protesta e appartenenza: messaggi politici e autoaffermazione culturale

Poche altre forme simboliche sono così strettamente legate ai movimenti politici come la bandiera, ed è proprio da qui che nascono molte opere artistiche. Quando gli artisti usano le bandiere in manifestazioni, performance o interventi nello spazio urbano, pratica artistica e strategie attiviste si fondono. Le immagini familiari di marce di protesta ricoperte di striscioni che rappresentano, ad esempio, la giustizia climatica, le cause femministe o le lotte antirazziste sono da tempo entrate a far parte di una memoria visiva collettiva. Questa memoria viene poi perpetuata dai media, dai social media e dalle istituzioni culturali.

I progetti artistici riprendono questo linguaggio visivo, lo esagerano, lo sovvertono ironicamente o lo radicalizzano attraverso inaspettate rotture iconografiche. Così facendo, i codici familiari dell'estetica della protesta diventano essi stessi oggetto di riflessione: chi può parlare per chi, quali simboli sono inclusi e quali storie rimangono invisibili?

I gruppi le cui voci sono state storicamente emarginate spesso usano i propri simboli per imporre la propria visibilità e praticare l'autoaffermazione culturale. Forme simili a bandiere, che rappresentano, ad esempio, prospettive queer, indigene, migranti o anticoloniali, vengono esposte in pubblico e costituiscono un controcanone al simbolismo tradizionale, per lo più basato sullo Stato-nazione. Non si tratta semplicemente di visualizzare rivendicazioni, ma dell'esperienza di riunirsi sotto un simbolo condiviso, riconoscersi in esso e provare forza.

La dimensione emotiva è immensa: chiunque si trovi in ​​una strada, davanti a un parlamento o in una piazza, circondato da simboli che prendono sul serio la propria realtà vissuta, sperimenta un senso di appartenenza che va ben oltre i dibattiti politici astratti.

Allo stesso tempo, l'arte riflette anche i pericoli associati ai simboli potenti. Movimenti nazionalisti, esclusivisti o autoritari usano bandiere e simboli simili per tracciare confini, marcare l'opposizione e mettere in scena immagini nemiche. Molti progetti artistici affrontano questa appropriazione distorcendo, frammentando o trasferendo simboli problematici in contesti completamente diversi. Il risultato sono opere in cui colori e motivi familiari rimangono riconoscibili ma perdono la loro autorità originaria.

L'arte rende visibile che i simboli non trasmettono significati fissi, ma sono ambiti politicamente contesi. A questo proposito, la domanda sul perché gli artisti utilizzino sempre più le bandiere come mezzo per esprimere identità e cultura la seguente questione: ciò porta sempre a un esame della responsabilità che deriva dal lavorare con simboli potenti.

In questo campo di tensione, i simboli simili a bandiere svolgono almeno tre funzioni: uniscono le emozioni, segnalano l'appartenenza e creano punti di ancoraggio visivi in ​​cui le discussioni su potere, giustizia e prospettive future possono attraccare senza perdersi in formule astratte.

Materiali, progettazione e produzione: dallo studio alla manifattura specializzata

Il lavoro artistico con i simboli non si esaurisce con la progettazione su carta o in un programma di grafica. Ciò che è fondamentale è come le idee possano essere tradotte in materiali resistenti a spazi esterni ventosi, cubi bianchi neutri o spazi improvvisati. La qualità del tessuto, la trama, le cuciture, il processo di stampa, la resistenza alla luce e la scelta del formato influenzano direttamente la percezione di un'opera.

Materiali sottili e trasparenti possono enfatizzare fragilità e vulnerabilità, mentre tessuti pesanti e robusti segnalano stabilità e durevolezza. Lamine metalliche, superfici riflettenti o applicazioni multistrato creano strati aggiuntivi che appaiono diversi a seconda della luce e aggiungono ulteriori livelli di interpretazione. Un'idea grafica diventa così un oggetto sfaccettato che interagisce con lo spazio, il vento, i corpi e gli sguardi.

Nella realtà della produzione artistica, le collaborazioni con laboratori specializzati, stampatori tessili e produttori stanno giocando un ruolo sempre più importante. Molti artisti non dispongono dell'infrastruttura tecnica necessaria per produrre autonomamente striscioni di grande formato di qualità museale. Piattaforme e fornitori come pheno-flags trasferiscono con precisione i singoli disegni su tessuto, consentendo formati personalizzati, piccole tirature, colori speciali e diverse opzioni di finitura.

Questo amplia la gamma di ciò che si può realizzare con un budget limitato: da singole opere d'arte numerate a mano a serie utilizzate per progetti comunitari, festival o interi allestimenti espositivi. La produzione diventa così un processo collaborativo in cui competenza tecnica e intenzione artistica sono strettamente allineate.

Una panoramica tabellare illustra quanto siano diversi i contesti in cui vengono utilizzati oggi oggetti simili a bandiere e quale effetto possano avere questioni di identità

contesto	Uso artistico	Impatto sull'identità e sulla cultura
Manifestazione politica	Banner di grande formato, messaggi chiari, colori forti	Visibilità delle preoccupazioni, auto-rafforzamento collettivo
Museo / Galleria	Appendini installativi, forme distorte o frammentate	Riflessione sulla storia, sui rapporti di potere e sulle pretese interpretative
Progetti comunitari	Progettazione co-creativa con gruppi locali	Rafforzare le narrazioni locali, riappropriarsi dei simboli
Festival / Spazio urbano	Utilizzo temporaneo di piazze, facciate, ponti	Ricodificazione temporanea dello spazio pubblico, invito al dialogo
Formati digitali/ibridi	Combinazione di banner fisici con proiezioni e AR	Espansione dei discorsi identitari negli spazi virtuali e globali

Tali costellazioni chiariscono che la produzione non riguarda solo l'implementazione tecnica. Ogni scelta di materiale, ogni orlo e ogni occhiello contribuiscono al significato: se uno striscione è fatto per resistere al vento e alle intemperie per anni, trasmette un messaggio di permanenza e resistenza. Se viene scelto deliberatamente un materiale fragile che sbiadisce, si sfilaccia o si disintegra, la transitorietà diventa parte del concetto.

La questione se un'opera sia concepita come un pezzo unico, in edizione limitata o come un oggetto liberamente riproducibile tocca direttamente le condizioni economiche e istituzionali. Collezioni, musei e acquirenti privati ​​reagiscono in modo diverso a un pezzo raro e unico rispetto a una serie che potenzialmente circola in molte mani. Pertanto, il campo creativo è ancora una volta legato a questioni di potere e proprietà, saldamente inscritte nella storia di simboli potenti.

Quale ruolo avranno i simboli potenti nell'arte del futuro?

Guardando al prossimo futuro, ci sono molti segnali che indicano che i simboli simili a bandiere acquisiranno un'importanza ancora maggiore come mezzo di espressione artistica. La polarizzazione politica, la crisi climatica, l'aumento delle migrazioni, il networking digitale e la parallela esistenza di realtà contraddittorie creano un enorme bisogno di immagini che condensino relazioni complesse in modo leggibile ma sfaccettato.

I simboli che ricordano le bandiere classiche svolgono esattamente questa funzione: sono riconoscibili da lontano, trasmettono emozioni e, allo stesso tempo, offrono spazio alla differenziazione artistica. Soprattutto in un'epoca in cui gli algoritmi elaborano flussi di immagini, forme forti e chiare possono diventare punti di riferimento visivi attorno ai quali focalizzare l'attenzione e sviluppare i discorsi.

Ciò accresce anche la responsabilità dell'arte. Chiunque lavori con simboli storicamente gravati o politicamente contestati deve esserne consapevole. I progetti che affrontano la questione del perché gli artisti utilizzino sempre più le bandiere come mezzo di espressione identitaria e culturale rifletteranno sempre più sulle condizioni della loro stessa circolazione: quali immagini diventano virali, quali rimangono intrappolate nel quadro istituzionale del mondo dell'arte e quali vengono appropriate da attori commerciali o politici?

Allo stesso tempo, i nuovi sviluppi tecnologici – dalla realtà aumentata ai sistemi di immagini generative, fino alle innovazioni tessili sostenibili – stanno aprendo ulteriori possibilità di sperimentazione. L'arte probabilmente produrrà forme ancora più ibride in cui banner fisici, livelli digitali e pratiche performative si intrecciano.

L'interesse per i simboli non è un ritorno nostalgico a forme passate, ma una reazione al presente. In un mondo in cui l'identità non è più intesa come una categoria rigida, ma come un processo di negoziazione, i simboli diventano palcoscenici mobili di questa negoziazione. Possono ferire o rafforzare, escludere o invitare, indurire o aprire.

Proprio per questo motivo, resta fondamentale che la pratica artistica sia consapevole di questa tensione e crei spazi in cui i simboli non vengano semplicemente riprodotti, ma esaminati criticamente e reinventati. In questo senso, le opere d'arte a forma di bandiera sono più domande che risposte: domande su chi "noi" siamo veramente, chi potrebbe mai stare sotto un simbolo comune e chi potrà contribuire a plasmare questi simboli in futuro.