Significato e fascino della batteria nelle diverse culture

Tesori ritmici da tutto il mondo: la ricchezza sonora delle diverse tradizioni di percussioni

Dal djembe africano al rullante brasiliano : scoprite con noi la ricchezza sonora delle percussioni e i ritmi caratteristici provenienti da tutto il mondo.

Tradizioni di tamburi africani

L'Africa è nota per le sue ricche e diversificate tradizioni legate al suono dei tamburi . Nel corso degli anni, le diverse culture africane hanno sviluppato un'impressionante varietà di tamburi, che variano per forma, dimensioni e qualità del suono.

Il djembe è probabilmente uno dei tamburi africani più noti e ha origine nell'Africa occidentale . È costituito da un corpo di legno ricoperto di pelle animale e viene tradizionalmente suonato a mano. Un altro tamburo popolare è il bougarabou , noto anche come " .

Questo tamburo ha una forma slanciata e può produrre toni diversi regolando il sistema di tensione per suonare ritmi complessi.

Sebbene esistano molti tipi diversi di tamburi africani, tutti condividono un obiettivo comune: celebrare il ritmo e la comunità con altre persone.

Origine e diversità dei ritmi africani

Innanzitutto, "musica tradizionale africana" è un termine vago per indicare la musica suonata nell'Africa subsahariana, considerata priva o quasi di influenze esterne alla regione. Il termine "tradizionale" implica una musica africana storicamente inalterata, distinta dalle influenze risalenti al periodo coloniale europeo.

Tuttavia, la musica africana è sempre stata caratterizzata da scambi e sviluppi culturali regionali ed è spesso difficile da classificare come un singolo gruppo etnico. Tale distinzione trascura la forte influenza della musica araba e sopravvaluta le importazioni culturali occidentali in una prospettiva eurocentrica.

La musica coloniale delle isole di Capo Verde è stata plasmata da influenze sudamericane, caraibiche, portoghesi e dell'Africa occidentale, mentre la musica più antica del Madagascar è stata inizialmente influenzata dal Sud-est asiatico. Nel complesso, è chiaro che la musica tradizionale africana è sempre stata e continua a essere in uno stato di continua evoluzione.

La musica africana è fondamentalmente caratterizzata dalla ripetizione, che permette agli ascoltatori di immergersi in stati di trance e di comprendere appieno la musica. La musica gioca un ruolo centrale in tutti gli eventi, comprese le attività quotidiane, e una celebrazione non può aver luogo senza il musicista giusto.

I tamburi africani hanno la straordinaria capacità di " cantare" e " parlare ". I modelli musicali che creano spesso hanno origine dal linguaggio.

Per essere comprensibili e significativi, i singoli battiti di un ritmo devono variare nettamente in altezza e timbro. I cosiddetti "tamburi parlanti", che spesso richiedono anni di pratica per essere padroneggiati, possono persino trasmettere intere parole e frasi.

La ricerca storica mostra chiaramente che le culture musicali africane sono soggette a continui cambiamenti. Per questo motivo, il termine "musica tradizionale africana" semplicemente una nozione occidentale romanticizzata e viene oggi utilizzato per aumentare il valore di mercato della musica africana in Occidente, sebbene ciò non abbia alcun fondamento oggettivo.

Importanza del djembe per la musica tradizionale africana

Il djembe affonda le sue radici nell'antica Africa occidentale ed è noto fin dal XIII secolo, quando fu fondato il Regno del Mali. Questo affascinante strumento è costituito da una ciotola scavata e ricoperta di pelle di animale e appartiene alla dei membranofoni .

Per la sua forma e le corde monolaterali, è anche tamburo a calice a una sola testa . Sebbene non si conosca la data della sua prima apparizione, il djembe rimane una parte importante della musica e della cultura africana ancora oggi.

La parola "djembe" è composta da due parti "dje" , che per i Bamana del Mali significa "persone che si uniscono", e "be" , che significa "accordo". Questo rende chiaro il significato del nome: lo strumento djembe unisce e unisce tutte le persone.

I Bamana dicono anche: "Anke dje, anke be ". Questo significa più o meno "riuniamoci per raggiungere un'intesa comune .

In senso più ampio, il nome djembe si riferisce anche a raduni per matrimoni, funerali o nascite, così come a molte altre occasioni in cui le persone si incontrano per promuovere la fratellanza e la comprensione. Questi sono i tradizionali incontri sociali nell'Africa occidentale, che quasi sempre includono musica, balli e canti con il djembe.

L'origine dei ritmi Djembe, estremamente complessi e stratificati, è dovuta principalmente al popolo Malinké , che vive principalmente in Mali e Guinea.

L'Africa occidentale è spesso considerata la culla dell'arte ritmica. Gli abitanti di questa regione hanno uno stretto legame con la natura e sono profondamente immersi nel mondo ritmico. La loro capacità di essere ritmici permette loro di connettersi armoniosamente con il respiro e il movimento.

Il seguente video fornisce una breve panoramica e mostra alcune fonti di ispirazione per i ritmi del djembe africano:

Tabla indiana: l'arte del tamburo a mano

Le tabla indiane sono un esempio affascinante della diversità e complessità delle tradizioni dei tamburi a mano . Questi tamburi sono composti da una coppia di strumenti di diverse dimensioni, suonati con le dita e le mani.

Il tamburo più grande è chiamato dayan , mentre quello più piccolo è il bayan . Ogni tamburo ha un'altezza e un timbro diversi, consentendo la creazione di ritmi complessi. La tabla è utilizzata in molti generi musicali, come la musica classica indiana e la musica fusion .

Le tabla richiedono molta pratica e abilità per essere padroneggiate. Un suonatore deve essere in grado di eseguire ritmi diversi su entrambi i tamburi per creare un ritmo. Esistono molte tecniche, come rulli, flam o doppi battiti, che possono essere utilizzate.

Tradizionalmente, le tabla erano fatte di legno, ma ora ne esistono versioni con telaio in plastica o metallo. È importante assicurarsi di acquistare strumenti di alta qualità, poiché materiali di qualità inferiore possono compromettere il suono.

Sono disponibili anche accessori come borse e supporti che facilitano l'apprendimento delle tabla. È importante prestare attenzione anche alla qualità quando si acquistano gli accessori.

Se sei interessato a suonare le tabla indiane, ci sono molte possibilità di formazione: workshop con musicisti esperti o insegnanti in presenza, così come corsi online, sono solo alcune di queste.

Nel complesso, il tabla indiano è senza dubbio uno dei tamburi a mano più affascinanti al mondo. Con i suoi ritmi complessi e la capacità di produrre una varietà di suoni, è un vero gioiello nel mondo degli strumenti a percussione.

Storia e struttura dei tamburi tabla indiani

La tabla è spesso considerata la regina dei tamburi e delle percussioni ed è lo strumento ritmico più popolare in India. È composta da due tamburi, il bayan (grancassa) e il dayan, che vengono quasi sempre suonati insieme.

Il termine "tabla" può riferirsi alla coppia di tamburi o solo al dayan, a volte chiamato tabla.

Entrambi i tamburi hanno un corpo chiuso nella parte inferiore. L'estremità superiore è solitamente ricoperta da una pelle di capra. Una seconda pelle (kani) si trova sul bordo della pelle principale. Al centro della pelle si trova un'area nera chiamata GAB, che conferisce allo strumento il suo suono caratteristico e consente una varietà di toni e modulazioni.

Ci vuole molta abilità per mescolare correttamente questo GAB e poi applicarlo in una pasta, composta principalmente da farina di riso e limatura di ferro, che può essere composta da più strati (fino a 8).

Durante l'esecuzione, entrambi i tamburi vengono posizionati su anelli (bira) per garantire loro stabilità.

Esistono numerose teorie sull'origine delle tabla. Alcuni ritengono che derivi dal pakhavaj, mentre altri sostengono che le tabla siano state introdotte nella musica classica indiana nel XIII secolo da Amir Khusrau, in modo simile al sitar e ad altri strumenti. Questa teoria afferma anche che le tabla provengano dall'Estremo Occidente.

Il termine "tabla" deriva dall'arabo "tabl" ed è un termine generico per tamburo. La prima descrizione scientifica di uno strumento che assomiglia molto all'attuale tabla risale al 1808.

Nei 50 anni precedenti questa data, molti dipinti in stile Moghul raffigurano queste coppie di strumenti nell'India nord-occidentale: coppie cilindriche di legno nel Punjab e coppie emisferiche di metallo o argilla nella zona di Delhi-Rajasthan-Oudh.

Sembra che verso la metà o la seconda metà del XVIII secolo queste due varianti siano state combinate: per la mano destra è stato scelto il "Tabla" punjabi a intonazione fissa; per la mano sinistra è stato utilizzato il "Duggi" di Delhi a intonazione variabile.

Si ritiene che tra il 1750 e il 1850 siano state apportate diverse modifiche allo strumento. La tabla utilizzata oggi probabilmente non ha più di 70-100 anni.

Ulteriori informazioni sulla tabla indiana:

• Tarang – Informazioni sulla Tabla
• Yogawiki – La Tabla

Tecniche di esecuzione e strutture ritmiche

La tabla si suona con le dita di entrambe le mani, appoggiate su anelli di tessuto. Offre un'ampia gamma di suoni.

La loro musica è utilizzata principalmente in India, Pakistan e Bangladesh, sia nella musica popolare che in quella religiosa.

Il bayan è responsabile della parte bassa del duo di tamburi. Il corpo del bayan è solitamente realizzato in rame cromato.

Per suonare il bayan, l'indice e il medio si alternano nella loro funzione, oppure entrambe le dita vengono utilizzate contemporaneamente. Il palmo della mano poggia leggermente sul bordo della pelle o cambia l'intonazione premendo delicatamente sulla pelle.

Taiko – Tamburi giapponesi potenti ed espressivi

La tradizione dei tamburi giapponesi, nota anche come Taiko , è una delle più antiche e affascinanti tradizioni di percussioni al mondo.

I massicci tamburi di legno vengono suonati con grande passione ed energia dai gruppi taiko. Il suono del taiko è forte e potente e spesso è accompagnato da altri strumenti come flauti o shamisen.

Una tecnica speciale nel suonare il taiko è quella di colpire in modo diverso le diverse parti del tamburo, come il basso o il rullante. Questo crea un ritmo sfaccettato che cattura il pubblico.

Un altro punto forte delle esibizioni è spesso la sincronizzazione dei movimenti dei suonatori, che aggiunge una componente visiva alla musica. Sebbene suonare il taiko fosse originariamente riservato agli uomini, negli ultimi anni anche le donne si sono affermate con successo in questa tradizione.

Tuttavia, le dimensioni e il peso dei tamburi rappresentano ancora una sfida, sia per gli uomini che per le donne. Per chiunque sia interessato a questa affascinante forma d'arte, sono ora disponibili numerosi workshop e corsi, oltre ad accessori come bacchette e borse per il trasporto dei tamburi.

I bambini, in particolare sviluppare la loro creatività e contemporaneamente sviluppare il loro senso del ritmo suonando gli imponenti tamburi di legno . Tra tutti gli strumenti giapponesi, il taiko è probabilmente il più facile da imparare e il più popolare. Può essere suonato a qualsiasi età e ha un effetto antistress.

Se desiderate approfondire il mondo delle percussioni giapponesi, troverete numerosi siti web con informazioni sui vari gruppi di Taiko, nonché annunci di concerti e workshop.

Conoscenze di base sulla cultura giapponese dei Taiko

Il taiko, termine che significa "grande tamburo ", è più comunemente chiamato dai giapponesi wadaiko (dove "wa" è il prefisso per tutto ciò che è giapponese). Scavi archeologici dimostrano che esisteva già nel periodo Jōmon (-131 a.C./4 a.C.).

I tamburi più antichi costruiti in stile taiko provengono dalla Cina. Da lì, questo tipo di tamburo arrivò in Corea. Durante il periodo Kofun, gli abitanti della penisola coreana e dell'arcipelago giapponese non erano separati l'uno dall'altro e, attraverso l'ampio scambio di culture, il taiko arrivò anche nell'arcipelago giapponese.

Probabilmente in origine veniva utilizzato nei rituali sciamanici per evocare vari kami, in particolare Susanoo, il dio delle tempeste e della vita.

Già in Cina, nei templi, i tamburi venivano usati più frequentemente al posto delle campane o dei gong e, con l'importazione del Buddismo (tra il IV e il VI secolo), i suoi strumenti giunsero anche in Giappone.

I samurai riconobbero l'efficacia dei tamburi taiko e li fecero suonare prima di un attacco: da un lato, questo aveva lo scopo di logorare psicologicamente l'avversario e, dall'altro, di far entrare i propri combattenti in una frenesia sanguinaria, una sorta di possessione estatica, che avrebbe portato un dio a entrare nel loro campo di battaglia.

Nel periodo Sengoku (1467-1591), il taiko veniva utilizzato per incoraggiare i soldati durante le battaglie e per sincronizzare i loro battiti cardiaci con il ritmo del tamburo, aumentando così la loro forza.

Già allora, il taiko non era solo uno strumento militare, ma anche una fonte di ritmo nella vita quotidiana. Segnalava il ritorno dei cacciatori al villaggio e l'avvicinarsi dei tifoni.

Ancora oggi è possibile ascoltare il Taiko durante festival, tornei di sumo o come accompagnamento agli spettacoli di Kabuki o Noh.

Düsseldorf – l’epicentro del Taiko in Germania

Negli ultimi anni Düsseldorf diventata il centro di una crescente comunità di residenti giapponesi che mantengono vive le loro tradizioni anche lontano da casa.

Le cerimonie del tè si tengono regolarmente presso l' Edo House annuale Japan Day celebra la cultura dell'Estremo Oriente, dalle intricate di ikebana alle di origami , dalle classiche prove di kimono alle dimostrazioni nel villaggio dei samurai, fino alla moderna arte manga.

Le esibizioni dei batteristi giapponesi sono particolarmente apprezzate e il pubblico le attende sempre con ansia.

Trio di percussioni latinoamericane: conga, bongo, timbales

Le percussioni latinoamericane sono un argomento affascinante, che comprende un'ampia varietà di strumenti. Un trio di conga , bongo e timbales è particolarmente popolare e ha le sue origini nella musica cubana .

Questi tre tamburi hanno suoni unici e sono spesso usati insieme per creare ritmi complessi. La conga è il più grande dei tre tamburi e di solito viene appoggiata sul pavimento, mentre i bongo vengono posizionati a coppie su un supporto.

I timbales diverse , solitamente posizionati su un supporto.

Insieme, creano un suono e possono essere suonati singolarmente o in gruppo. Se sei interessato a questo tipo di percussione, assicurati di cercare accessori online.

Esistono molti negozi online che offrono una categoria dedicata agli strumenti a percussione latinoamericani, dai tamburi agli accessori coordinati, come bacchette o borse per riporli.

Esistono tamburi speciali per bambini, con volume basso e dimensioni adatte.

Introduzione alle percussioni latinoamericane

La musica latinoamericana è indissolubilmente legata al ritmo e agli strumenti , in particolare le percussioni latinoamericane, che conferiscono a questa musica il suo suono caratteristico.

Il termine "Percussioni latine" descrive una vasta gamma di strumenti musicali appartenenti alle famiglie delle percussioni, delle membrane, dei lamellofoni e/o degli idiofoni . I musicisti che suonano questi strumenti a percussione in America Latina sono percussionisti .

La musica latinoamericana varia notevolmente da regione a regione, e la regione caraibica differisce dall'America meridionale e centrale continentale sia per mentalità che per strumenti. Ciononostante, questi paesi e le loro culture condividono una storia comune.

Pertanto, la cultura – compresa la sua musica – rappresenta una fusione di tre culture di base fondamentalmente diverse:

• l'indiano nativo,
• lo spagnolo-portoghese
• e quello africano.

Diversi imperi (Spagna, Inghilterra, Olanda, Francia e Stati Uniti) hanno lasciato il loro segno in America Latina.

Allo stesso modo, le nazioni africane esercitarono la loro influenza attraverso la tratta degli schiavi. Vari ritmi africani sono stati tramandati fino ai giorni nostri. La confluenza di diverse strutture musicali, abitudini esecutive e modi di pensare ha dato origine a una ricchezza di forme e a una diversità di suoni.

Strumenti a percussione tipici dell'America Latina

Gli strumenti a percussione possono essere classificati come segue. Esistono vari tipi di tamburi, come i bongo (una coppia di tamburi a una sola pelle), i timbal (composti da due tamburi a una sola pelle di uguali dimensioni posizionati su un treppiede), le congas (tamburi a una sola pelle), i pandeiros (piccoli tamburi a mano simili al tamburello) e i surdo (un tamburo con un corpo metallico), tra molti altri.

I tamburi variano in dimensioni e solitamente vengono tenuti tra le ginocchia e percossi con le dita. Tra questi rientrano anche strumenti a percussione improvvisati come scatole per il pesce, scatole di legno e persino claves (bastoncini sonori).

Gli idiofoni a sonagli vibranti producono un suono caratteristico e penetrante, che spesso costituisce il ritmo base di varie danze. Variano sia nella costruzione che nel materiale utilizzato, come bambù, metallo o plastica. Alcuni esempi includono maracas , tubos (canne vibranti) e chocalhos .

Un importante strumento musicale originario dell'Africa e appartenente alla famiglia degli strumenti a bacchetta di legno è la marimba . Il modello più comunemente utilizzato consiste in un telaio a cui sono fissate tavolette di varie lunghezze, simili a uno xilofono, con risonatori di legno alle estremità inferiori.

Queste tavole sono realizzate per produrre un suono percussivo utilizzando due bacchette con sfere di gomma. La marimba è diffusa in tutti i paesi dell'America Latina ed è persino lo strumento nazionale del Guatemala.

Inoltre, nelle percussioni latinoamericane vengono utilizzati anche Cuíca ) e gli archetti musicali ( Birimbao

Culture ritmiche di Cuba, Brasile o Colombia

L'uso degli strumenti a percussione è particolarmente enfatizzato nelle danze con ritmi multipli. Queste danze sono eseguite principalmente in 2/4 o 4/4 e possono essere eseguite sia strumentalmente che con la voce.

Si tratta per lo più di danze popolari tradizionali che consistono in un mix di elementi spagnoli, africani e creoli e si presentano in diverse varianti regionali.

Un esempio di danza popolare meticcia-afro-caraibica è la cumbia . Questa danza può essere eseguita sia cantata che puramente strumentale. Tipici strumenti di accompagnamento ritmico sono le maracas e il tamboril . I tamboril sono tamburi stretti con due pelli.

Le maracas sono uno strumento musicale ampiamente utilizzato che viene agitato. Sono costituite da due sfere di dimensioni più o meno uguali, riempite di pietre, sabbia o semi, e dotate di un manico. Producono suoni attraverso un movimento ritmico.

I musicisti che suonano le maracas sono chiamati maraqueros. Questi strumenti sono utilizzati anche nel merengue , una danza popolare molto veloce e dal ritmo pronunciato (sincopato). Esistono molte varianti regionali di questa danza, ciascuna con un nome diverso.

Una versione più lenta della danza è popolare sulla costa atlantica di Colombia e Venezuela. Oltre alle maracas, vengono utilizzati piccoli tamburi chiamati cajas , che possono essere trasportati intorno al corpo con cinghie o corde, così come vari idiofoni come le guacharacas.

Le guacharacas (conosciute anche come guiros o "cetrioli da samba" ) sono fatte di tubi di bambù con scanalature trasversali e producono suoni sfregando un bastoncino lungo queste scanalature. Un altro strumento raschiante utilizzato per l'accompagnamento ritmico è il reco-reco .

Bodhrán – il tamburo a cornice irlandese

Il bodhrán è un tamburo a cornice irlandese che ha riscosso notevole successo negli ultimi anni. Con il suo caratteristico suono di basso e rullante, è diventato parte integrante della tradizione musicale irlandese.

Il tamburo è costituito da un telaio in legno o metallo e da una membrana, tradizionalmente realizzata in pelle di capra. La sua costruzione semplice e la varietà dello spettro sonoro rendono il bodhrán adatto a tutti i generi musicali, dalle melodie tradizionali irlandesi alle sonorità fusion più moderne.

Inoltre, sono disponibili numerosi accessori, come bacchette, borse e libri di testo, per rendere più semplice suonare il bodhrán.

Il ruolo del bodhrán nella scena musicale irlandese

Il bodhrán è un tipo di tamburo a cornice presente in varie forme in tutto il mondo. Sebbene le sue origini non siano chiare, esiste un evidente legame con il tamburello . Tuttavia, non è stata ancora trovata alcuna prova che abbia raggiunto l'Irlanda

La parola "bodhrán" deriva dall'irlandese "bodhar ", che significa sordo, ottuso o intorpidito. È anche associata a suoni vuoti e al suono di un tamburo. È interessante notare che, fin dal Medioevo, il termine inglese "to bother" deriva da "bodhar". Oggi, il termine bodhar non è più utilizzato.

La prima testimonianza del termine bodhrán risale a un testo medico del XV secolo, che descrive uno stomaco gonfio accompagnato dal suono di un tamburo (bhodhrán). Antiche voci di dizionario indicano anche che il termine bodhrán era in uso prima del 1827.

Nelle illustrazioni di un pittore irlandese di nome Maclise, risalenti al 1850 circa, si può vedere un tamburo a cornice in cui la mano sinistra del suonatore tocca la parte interna della pelle e la mano destra sembra eseguire il movimento tipico.

Ulteriori studi (vedi Ireland.de – Bodhrán – l'insolito tamburo a cornice ) hanno dimostrato che alcuni produttori di bodhrán erano già presenti in alcune zone del Kerry negli anni '20. A quel tempo, venivano realizzati non solo per i musicisti locali, ma anche per i turisti, poiché il bodhrán era già un souvenir popolare.

La prima registrazione nota risale al 1927 e presenta un flauto e un tamburo. Tuttavia, non è chiaro se si tratti di un bodhrán con sonagli o di un tamburello.

Negli ultimi cinquant'anni, il suo utilizzo come strumento musicale è cambiato in modo significativo. Questo sviluppo è andato di pari passo con lo sviluppo della musica tradizionale irlandese. Mentre fino agli anni '50 la musica tradizionale veniva suonata principalmente per ballare, dagli anni '50 in poi si è evoluta anche in una forma d'arte da palcoscenico.

Sean O'Riada ha avuto un ruolo significativo in questo sviluppo . Ha portato la musica tradizionale irlandese sui palcoscenici dei concerti e ha fondato l'ensemble Ceoltóirí Chualann, precursore dell'ensemble The Chieftains, ancora attivo.

Caratteristiche speciali quando si suona il bodhrán

Lo stile di esecuzione attuale si è evoluto solo negli ultimi decenni e continua a evolversi ancora oggi. Una pelle accordata in modo basso permette al suonatore di ottenere un'ampia varietà di suoni rispetto ad altri tamburi a cornice.

Per un suonatore destrorso, la mano destra tiene il tipper, chiamato anche cipin , ed esegue un movimento rotatorio unico per creare il ritmo.

Toccando la pelle del tamburo in vari modi, la mano sinistra produce diverse tonalità. Combinando la mano destra e quella sinistra si creano suoni e pattern ritmici affascinanti. Questa complessità è cresciuta costantemente negli ultimi quattro decenni.

Negli anni '60, solo il suono aperto veniva attenuato appoggiando la mano sulla pelle del tamburo; poi vennero aggiunte diverse tonalità. Questo rese l'esecuzione più sfumata e, col tempo, vennero integrati ritmi di batteria e ritmi di altre culture.

Oggigiorno è possibile ascoltare il bodhrán anche come strumento basso nella musica irlandese, suonando linee di basso.

Molti lo vedono come un ibrido tra batteria e basso, senza perdere i suoi suoni e ritmi caratteristici. Tuttavia, c'è anche il rischio di un'esecuzione eccessivamente varia, che distrae dalla musica vera e propria.

Il bodhrán rimane uno strumento di accompagnamento ; dovrebbe sottolineare la melodia anziché coprirla, perché spesso meno è meglio.

Tamburi – fusione moderna di tradizione e innovazione

Una moderna fusione tra diverse tradizioni di percussioni è la batteria . Questo tipo di strumento a percussione è dotato di più tamburi e percussioni, consentendo la creazione di suoni diversi.

Spesso vengono combinati elementi di ritmi africani, percussioni latinoamericane e taiko giapponesi.

Il risultato è una ricchezza sonora senza pari. Particolarmente apprezzati sono i rullanti e le grancasse in legno, così come i djembe e i bougarabou. Anche accessori come bacchette e pedali possono svolgere un ruolo importante.

Breve storia della batteria come forma moderna di strumento a percussione

Gli strumenti a percussione, da cui si sono evoluti i tamburi, hanno una storia antica e variegata. Le più antiche testimonianze di piatti e tamburi risalgono al VII secolo a.C. Nelle tombe antiche troviamo sculture e dipinti di tamburi e cembali, realizzati sia dai Romani che dagli Egizi.

La parola tamburello deriva dal francese tambour , a sua volta di origine multiculturale. A sua volta, deriva dal persiano tabῑr e dall'arabo ṭubūl : lo stesso legno utilizzato nei tamburelli marocchini e nei rullanti .

I tamburi sono presenti in tutto il mondo e in ogni cultura, quindi la storia di questi strumenti deve essere molto antica.

I cembali sono stati rinvenuti nelle tombe degli antichi greci, che credevano potessero allontanare gli spiriti maligni. Troviamo anche dipinti che li raffigurano usati come strumenti durante le festività.

L'invenzione del primo pedale per grancassa nel 1887 da parte di J.R. Olney fu cruciale per lo sviluppo della batteria. Successivamente, William F. Ludwig produsse il primo pedale prodotto in serie nel 1899, proprio mentre negli Stati Uniti venivano promulgate le cosiddette "No Drumming Laws" , che proibivano agli schiavi di suonare i loro tradizionali tamburi a mano.

Ciò portò alla coltivazione della musica ritmica africana con strumenti a percussione europei e orientali.

La prima batteria completa fu finalmente lanciata sul mercato nel 1918 dalla Ludwig Drum Corporation .

A quel tempo, non esistevano le macchine per il charleston e il pedale della grancassa controllava anche un piccolo piatto. Le batterie erano "Jazz Drums Saale I-III ". Esistevano anche versioni semplificate chiamate Piccadilly e Shimmy.

Nel 1927 offrivano già un'ampia gamma di batterie, tra cui una batteria in valigia .

Le origini dell'attuale charleston possono essere attribuite a vari individui. Vic Berton, ad esempio, fu il primo a sperimentare un "low boy " rialzato, ma non riuscì a brevettarlo.

Tutte le fonti concordano sul fatto che Papa Jo Jones sia stato il primo maestro del charleston. Ha portato lo strumento a un livello superiore e ne ha sfruttato appieno il potenziale sonoro. Ha anche mostrato ad altri batteristi come usare il charleston al massimo delle sue potenzialità.

Grazie a lui, il “ritmo” spostato dalla grancassa al charleston, il che ha contribuito in modo significativo alla posizione dominante del charleston nella batteria odierna.

Ulteriori informazioni sulla storia e lo stile di esecuzione della batteria:

• Banda di ottoni di Erschwil: batteria
• drumtreff: Storia e curiosità sui tamburi
• superprof: Una panoramica della storia della batteria

Orchestra Classica – La Fondazione attraverso i Timpani

Nell'orchestra classica, i timpani la base e assicurano la coesione ritmica.

I grandi timpani vengono solitamente utilizzati in coppia e, con i loro toni bassi e profondi, forniscono una solida base per l'intera orchestra. Sono, per così dire, il cuore pulsante dell'orchestra .

Il timpano , uno strumento a percussione appartenente alla famiglia dei tamburi, produce suoni facendo vibrare una membrana.

Questo timpano è solitamente emisferico e spesso realizzato in rame. L'estremità superiore è ricoperta da una testa di plastica, sebbene le teste di capra o di vitello siano ancora utilizzate nelle orchestre classiche di alto livello.

Esistono in totale cinque diverse dimensioni di timpani . In genere, in una configurazione standard vengono utilizzate quattro diverse dimensioni, ciascuna delle quali produce un suono diverso. Ogni singolo timpano consente di suonare circa sei note diverse tendendo la membrana (timpano).

L' estensione è fissa e può essere regolata tramite viti, pedali o manovelle, a seconda del tipo di timpano.

Una tensione maggiore produce un tono più acuto. Inoltre, l'altezza può essere modificata durante l'esecuzione utilizzando un meccanismo ( pedale ) posto all'interno o sotto i timpani.

Le bacchette utilizzate per suonare i timpani sono fatte di legno o di canna. La testa della bacchetta è fatta di legno, feltro o gomma, ad esempio, e ha un'influenza decisiva sul suono. Suonare i timpani con una bacchetta di feltro produce un suono morbido; una bacchetta di legno, invece, produce un suono aspro.

Il suono avviene nella zona vicina al bordo laterale del suonatore e termina poco prima del centro. Più ci si sposta verso il centro, più forte diventa il suono. Occasionalmente, viene posizionato un panno sopra il centro e altre aree per attutire il suono.

I timpani vengono utilizzati principalmente nella musica orchestrale classica e nelle bande musicali; tuttavia, vengono occasionalmente impiegati anche nella musica pop e folk.

Il ruolo dei timpani nell'orchestra classica

A differenza delle percussioni, la cui importanza come strumento solista nell'orchestra è ancora relativamente nuova, i timpani svolgono da secoli un ruolo importante nella musica orchestrale.

Le origini dei timpani affondano nella storia militare . Durante le campagne militari, il timpanista cavalcava al fianco del generale e dava segnali di attacco o ritirata. Questa professione godeva di grande prestigio tra la cavalleria. L'eredità musicale di questa importanza storica si ritrova in tutta la letteratura sui timpani, fino ai giorni nostri.

Da Bach a Beethoven a Strauss , i timpani, insieme alla tromba, simboleggiano spesso aspetti regali, militari e cerimoniali, sia nelle sinfonie, negli oratori o nelle opere.

sinfonie di Mahler troviamo anche motivo della guerra nel ritmo dei timpani . Il concetto di base di questi motivi storici persiste per tutta la storia della musica: è proprio questo che rende questo strumento così affascinante.

Joachim Rodriguez y Romero

Titolare e amministratore delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattore e blogger appassionato nel campo dell'arte, del design e della creatività dal 2011. Laurea in web design conseguita nel corso degli studi universitari (2008). Sviluppo di tecniche di creatività attraverso corsi di disegno libero, pittura espressiva e recitazione/teatro. Conoscenza approfondita del mercato artistico grazie a ricerche giornalistiche pluriennali e numerose collaborazioni con attori/istituzioni dell'arte e della cultura.

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