Dal djembe africano al rullante brasiliano : scopri con noi i diversi paesaggi sonori delle percussioni e i ritmi caratteristici provenienti da tutto il mondo.
L'Africa è nota per le sue ricche e diversificate tradizioni musicali . Nel corso degli anni, le diverse culture africane hanno sviluppato un'impressionante varietà di tamburi, che variano per forma, dimensioni e qualità del suono.
Il djembe è probabilmente uno dei tamburi africani più conosciuti e ha origine nell'Africa occidentale . È costituito da un corpo di legno ricoperto di pelle animale e viene tradizionalmente suonato a mano. Un altro tamburo popolare è il bougarabou , noto anche come "tamburo parlante" .
Questo tamburo ha una forma sottile e può produrre diverse tonalità regolando il sistema di tensione per suonare ritmi complessi.
Sebbene esistano molti tipi diversi di tamburi africani, tutti condividono un obiettivo comune: celebrare il ritmo e la comunità con altre persone.
Innanzitutto: "musica tradizionale africana" è un termine vago per indicare la musica suonata nell'Africa subsahariana, considerata priva o quasi di influenze esterne alla regione. Il termine "tradizionale" implica una musica africana rimasta storicamente immutata, distinta dalle influenze del periodo coloniale europeo.
Tuttavia, la musica africana è sempre stata plasmata dagli scambi culturali e dallo sviluppo regionale, e spesso non può essere attribuita a specifici gruppi etnici. Tale distinzione trascura la forte influenza della musica araba e sopravvaluta le importazioni culturali occidentali in una prospettiva eurocentrica.
La musica dell'era coloniale di Capo Verde è stata plasmata da influenze sudamericane, caraibiche, portoghesi e dell'Africa occidentale, mentre la musica più antica del Madagascar è stata principalmente influenzata dal Sud-est asiatico. Nel complesso, è evidente che la musica tradizionale africana è sempre stata, e continua a essere, in uno stato di continua evoluzione.
La musica africana è fondamentalmente caratterizzata dalla ripetizione, che permette agli ascoltatori di entrare in stati di trance e di comprendere appieno la musica. La musica gioca un ruolo centrale in tutti gli eventi, comprese le attività quotidiane, e una celebrazione non può aver luogo senza il musicista giusto.
I tamburi africani hanno la straordinaria capacità di " cantare" e " parlare" . I pattern musicali che creano spesso hanno origine dal linguaggio.
Per essere compresi e significativi, i singoli battiti di un ritmo devono variare nettamente in altezza e timbro. I cosiddetti "tamburi parlanti", che spesso richiedono anni di pratica per essere padroneggiati, possono persino trasmettere intere parole e frasi.
La ricerca storica mostra chiaramente che le culture musicali africane sono soggette a continui cambiamenti. Per questo motivo, il termine "musica tradizionale africana" semplicemente una nozione occidentale romanticizzata e viene oggi utilizzato per accrescere il valore di mercato della musica africana in Occidente, sebbene, oggettivamente parlando, ciò non abbia alcun fondamento fattuale.
Il djembe affonda le sue radici nell'antica Africa occidentale ed è noto fin dal XIII secolo, quando fu fondato il Regno del Mali. Questo affascinante strumento è costituito da una ciotola scavata e ricoperta di pelle di animale e appartiene alla dei membranofoni .
Per la sua forma e il design a testa singola, è anche noto come tamburo a calice a testa singola . Sebbene non si conosca la data della sua prima apparizione, il djembe rimane una parte importante della musica e della cultura africana ancora oggi.
La parola "Djembé" è composta da due parti: "dje" , che nella lingua Bamana del Mali significa "unione", e "be" , che significa "accordo". Questo chiarisce il significato del nome. Lo strumento djembé unisce e unisce tutte le persone.
I Bamana dicono anche: "Anke dje, anke be" . Questo significa più o meno "uniamoci per raggiungere un'intesa comune" .
In senso più ampio, il nome Djembe si riferisce anche a raduni per matrimoni, funerali o nascite, così come a molte altre occasioni in cui le persone si riuniscono per promuovere la comunità e la comprensione reciproca. Questi sono i tradizionali raduni sociali dell'Africa occidentale, che quasi sempre prevedono musica, balli e canti legati al Djembe.
L'origine dei ritmi Djembe, estremamente complessi e sfaccettati, è dovuta principalmente al popolo Malinké , che vive principalmente nei paesi del Mali e della Guinea.
L'Africa occidentale è spesso considerata la culla della ritmica. Le popolazioni di questa regione hanno uno stretto legame con la natura e sono profondamente immerse nel mondo ritmico. La loro capacità di percepire il ritmo permette loro di armonizzarsi con il respiro e il movimento.
Il seguente video fornisce una breve panoramica e mostra alcune fonti di ispirazione per i ritmi del djembe africano:
Le tabla indiane sono un esempio affascinante della diversità e complessità delle tradizioni dei tamburi a mano . Questi tamburi sono composti da una coppia di strumenti di diverse dimensioni, suonati con le dita e le mani.
Il tamburo più grande è chiamato dayan e quello più piccolo bayan . Ogni tamburo ha un'altezza e un timbro diversi, consentendo la creazione di ritmi complessi. La tabla è utilizzata in molti generi musicali, come la musica classica indiana e la musica fusion .
Suonare le tabla richiede molta pratica e abilità. Un suonatore deve essere in grado di eseguire diversi colpi su entrambi i tamburi per creare un ritmo. Si possono utilizzare molte tecniche, come rulli, flam e colpi doppi.
Tradizionalmente, le tabla erano realizzate in legno, ma oggi sono disponibili anche versioni con telaio in plastica o metallo. È importante assicurarsi di acquistare strumenti di alta qualità, poiché materiali di qualità inferiore possono influire negativamente sul suono.
Sono disponibili anche accessori come borse o supporti che facilitano l'esecuzione delle tabla. È importante prestare attenzione alla qualità quando si acquistano gli accessori.
Se sei interessato a suonare il tabla indiano, sono disponibili numerose opportunità di formazione: workshop con suonatori esperti o insegnanti in loco, così come corsi online, sono solo alcuni esempi.
Nel complesso, il tabla indiano è senza dubbio uno dei tamburi a mano più affascinanti al mondo. Con i suoi ritmi complessi e la capacità di produrre un'ampia varietà di suoni, è un vero gioiello nel mondo degli strumenti a percussione.
La tabla è spesso considerata la regina dei tamburi e delle percussioni ed è lo strumento ritmico più popolare in India. È composta da due tamburi, il bayan (grancassa profonda) e il dayan, che vengono quasi sempre suonati insieme.
Il termine "Tabla" può riferirsi alla coppia di tamburi o al solo Dayan, talvolta chiamato anche Tabla.
Entrambi i tamburi hanno un corpo chiuso nella parte inferiore. L'estremità superiore è solitamente ricoperta da una pelle di capra. Una seconda pelle (kani) è attaccata al bordo della pelle principale. Al centro della pelle si trova un'area nera chiamata GAB, che conferisce allo strumento il suo suono caratteristico e consente un'ampia varietà di toni e modulazioni.
Ci vuole molta abilità per mescolare correttamente questo GAB per poi applicarlo in una pasta – composta principalmente da farina di riso e limatura di ferro – che può essere multistrato (fino a 8 strati).
Durante l'esecuzione, entrambi i tamburi vengono posizionati su anelli (Bira) per garantire loro stabilità.
Esistono numerose teorie sull'origine delle tabla. Alcuni ritengono che derivi dal pakhavaj, mentre altri sostengono che le tabla siano state introdotte nella musica classica indiana nel XIII secolo da Amir Khusrau, in modo simile al sitar e ad altri strumenti. Questa teoria suggerisce anche che le tabla provengano dall'estremo Occidente.
Il termine "tabla" deriva dall'arabo "tabl" ed è un termine generico per tamburo. La prima descrizione scientifica di uno strumento molto simile al moderno tabla risale al 1808.
Nei 50 anni precedenti questa data, molti dipinti in stile Moghul raffigurano queste coppie di strumenti nell'India nord-occidentale: coppie cilindriche di legno nel Punjab e coppie emisferiche di metallo o argilla nell'area di Delhi-Rajasthan-Oudh.
Sembra che a metà o nella seconda metà del XVIII secolo queste due varianti siano state combinate: per la mano destra è stato scelto il “Tabla” punjabi con accordatura fissa; per la mano sinistra è stato utilizzato il “Duggi” di Delhi con accordatura variabile.
Si ritiene che tra il 1750 e il 1850 siano state apportate diverse modifiche allo strumento. La tabla utilizzata oggi probabilmente non ha più di 70-100 anni.
Ulteriori informazioni sulla tabla indiana:
La tabla si suona con le dita di entrambe le mani, appoggiate su anelli di tessuto. Offre un'ampia gamma di suoni.
La loro musica è utilizzata principalmente in India, Pakistan e Bangladesh, sia nella musica popolare che in quella religiosa.
Il bayan è responsabile della parte bassa del duo di tamburi. Il corpo del bayan è solitamente realizzato in rame cromato.
Per suonare il bayan, l'indice e il medio si alternano nella loro funzione, oppure entrambe le dita vengono utilizzate contemporaneamente. Il palmo della mano poggia leggermente sul bordo della pelle del tamburo, oppure si applica una leggera pressione sulla pelle per cambiare l'intonazione.
La tradizione dei tamburi giapponesi, nota anche come Taiko , è una delle più antiche e affascinanti tradizioni di percussioni al mondo.
I gruppi di Taiko suonano con grande passione ed energia i massicci tamburi di legno
Una tecnica speciale per suonare il taiko consiste nel colpire diverse parti del tamburo, come il basso o il rullante. Questo crea un ritmo sfaccettato che cattura il pubblico.
Un altro punto forte delle esibizioni è spesso la sincronizzazione dei movimenti dei suonatori, che aggiunge una componente visiva alla musica. Sebbene suonare i tamburi taiko fosse originariamente riservato agli uomini, negli ultimi anni anche le donne si sono affermate con successo in questa tradizione.
Le dimensioni e il peso dei tamburi, tuttavia, rappresentano ancora una sfida, sia per gli uomini che per le donne. Per chiunque sia interessato a questa affascinante forma d'arte, sono ora disponibili numerosi workshop e corsi, oltre ad accessori come bacchette e borse per il trasporto dei tamburi.
I bambini, in particolare liberare la loro creatività e sviluppare il loro senso del ritmo suonando gli imponenti tamburi di legno . Tra tutti gli strumenti giapponesi, il taiko è probabilmente il più facile da imparare e il più popolare. Può essere suonato a qualsiasi età e ha un effetto antistress.
Chi desidera approfondire il mondo delle percussioni giapponesi troverà numerosi siti web su Internet con informazioni su vari gruppi di Taiko, nonché annunci di concerti e workshop.
Il taiko, termine che indica il "grande tamburo ", è più comunemente chiamato dai giapponesi wadaiko (dove "wa" è il prefisso per qualsiasi cosa giapponese). Scavi archeologici hanno dimostrato che esisteva già nel periodo Jōmon (131-4 a.C.).
I tamburi più antichi costruiti in stile taiko hanno avuto origine in Cina. Da lì, questo tipo di tamburo si diffuse in Corea. Durante il periodo Kofun, gli abitanti della penisola coreana e dell'arcipelago giapponese non erano ancora separati e, attraverso questo ampio scambio di culture, il taiko raggiunse anche l'arcipelago giapponese.
In origine veniva probabilmente utilizzato nei rituali sciamanici per evocare vari kami, in particolare Susanoo, il dio delle tempeste e della vita.
Già in Cina i tamburi venivano usati frequentemente nei templi al posto delle campane o dei gong e, con l'importazione del Buddismo (tra il IV e il VI secolo), i suoi strumenti giunsero anche in Giappone.
I samurai riconobbero l'efficacia dei tamburi taiko e li facevano suonare prima di un attacco: da un lato, lo scopo era quello di logorare psicologicamente l'avversario e, dall'altro, di gettare i propri combattenti in una frenesia sanguinaria – una sorta di possessione estatica – che avrebbe portato Dio ad entrare nel loro campo di battaglia.
Durante il periodo Sengoku (1467-1591), il taiko veniva utilizzato per incoraggiare i soldati durante le battaglie e per sincronizzare i loro battiti cardiaci con il ritmo del tamburo, in modo da aumentarne la forza.
Già a quei tempi, il taiko non era solo uno strumento militare, ma anche una fonte di ritmo nella vita quotidiana. Segnalava il ritorno dei cacciatori al villaggio e l'avvicinarsi dei tifoni.
Ancora oggi è possibile ascoltare il Taiko durante le feste, i tornei di sumo o come accompagnamento agli spettacoli di Kabuki o Noh.
Negli ultimi anni Düsseldorf diventata il centro di una crescente comunità di residenti giapponesi che mantengono vive le loro tradizioni anche lontano da casa.
Le cerimonie del tè si tengono regolarmente nella Casa Edo annuale Giornata del Giappone celebra la cultura dell'Estremo Oriente, dalle raffinate composizioni floreali Ikebana origami , dalle classiche prove di kimono alle dimostrazioni nel villaggio dei samurai, fino alla moderna arte manga.
Le esibizioni dei batteristi giapponesi sono particolarmente apprezzate e il pubblico le attende con impazienza.
Le percussioni latinoamericane sono un genere affascinante che comprende un'ampia varietà di strumenti. Un trio di conga , bongo e timbales è particolarmente popolare e ha origine nella musica cubana .
Questi tre tamburi hanno ciascuno un suono distintivo e vengono spesso usati insieme per creare ritmi complessi. La conga è il più grande dei tre e di solito viene appoggiata sul pavimento, mentre i bongo sono solitamente posizionati in coppia su un supporto.
I timbales tamburi con tonalità diverse, solitamente posizionati su un supporto.
Insieme creano un suono e possono essere suonati singolarmente o in gruppo. Se siete interessati a questo tipo di percussione, dovreste assolutamente cercare accessori online.
Esistono molti negozi online che offrono una categoria dedicata agli strumenti a percussione latinoamericani, dai tamburi agli accessori coordinati, come mazze o custodie.
Esistono tamburi speciali per bambini, con volume basso e dimensioni adatte.
La musica latinoamericana è indissolubilmente legata al ritmo e agli strumenti , in particolare alle percussioni latinoamericane, che conferiscono a questa musica il suo suono caratteristico.
Il termine "percussioni latine" descrive una vasta gamma di strumenti musicali appartenenti alla percussioni, a membrana, lamellofoni e/o idiofoni . I musicisti che suonano questi strumenti a percussione sono noti come percussionisti .
La musica latinoamericana varia notevolmente da regione a regione, e i Caraibi differiscono dall'America meridionale e centrale continentale sia per mentalità che per strumenti. Ciononostante, questi paesi e le loro culture condividono una storia comune.
Pertanto, la cultura, compresa la sua musica, rappresenta una fusione di tre culture di base fondamentalmente diverse:
Diversi imperi (Spagna, Inghilterra, Olanda, Francia e Stati Uniti) hanno lasciato il segno in America Latina.
Allo stesso modo, le nazioni africane esercitarono la loro influenza attraverso la tratta degli schiavi. Vari ritmi africani sono stati tramandati fino ai giorni nostri. La convergenza di diverse strutture musicali, stili esecutivi e modi di pensare ha dato vita a una ricchezza di forme e a una ricca varietà di suoni.
Gli strumenti a percussione possono essere classificati come segue. Esistono vari tipi di tamburi, ad esempio i bongo (una coppia di tamburi a una sola pelle), i timbales (composti da due tamburi a una sola pelle di uguali dimensioni posizionati su un supporto a tre gambe), le congas (tamburi a una sola pelle), pandeiros (piccoli tamburi a mano simili al tamburello) e i surdo (tamburi con un corpo metallico), oltre a molti altri.
I tamburi variano in dimensioni e solitamente vengono tenuti tra le ginocchia e percossi con le dita. Tra questi rientrano anche strumenti a percussione improvvisati come scatole per il pesce, scatole di legno e persino claves (bacchette sonore).
Gli idiofoni a sonaglio vibrante producono un suono penetrante e distintivo, che spesso costituisce il ritmo base di varie danze. Differiscono sia nella costruzione che nei materiali utilizzati, come bambù, metallo o plastica. Alcuni esempi includono maracas , tubos (tubi vibranti) e chocalhos .
Uno strumento musicale significativo originario dell'Africa e appartenente alla famiglia degli strumenti a bacchetta di legno è la marimba . Il modello più comune consiste in un telaio a cui sono fissate barre di legno di varie lunghezze – simile a uno xilofono – le cui estremità inferiori sono dotate di risonatori in legno.
Queste piccole tavolette di legno vengono percosse con due bacchette e palline di gomma per produrre un suono percussivo. La marimba è diffusa in tutti i paesi dell'America Latina ed è persino lo strumento nazionale del Guatemala.
Inoltre, nelle percussioni latinoamericane vengono utilizzati anche cuíca ) e gli archetti musicali ( birimbao
L'uso degli strumenti a percussione è particolarmente enfatizzato nelle danze con ritmi multipli. Queste danze sono suonate principalmente in 2/4 o 4/4 e possono essere eseguite sia strumentalmente che con la voce.
Si tratta per lo più di danze popolari tradizionali , composte da un mix di elementi spagnoli, africani e creoli, e presenti in diverse varianti regionali.
Un esempio di danza popolare meticcia-afro-caraibica è la Cumbia . Questa danza può essere eseguita sia cantata che puramente strumentale. Tipici strumenti di accompagnamento ritmico sono le maracas e i tamborils . I tamborils sono tamburi stretti con due pelli.
Le maracas sono uno strumento musicale ampiamente utilizzato e agitato. Sono costituite da due sfere di dimensioni più o meno uguali, riempite di pietre, sabbia o semi, e dotate di un manico. Scuotendole ritmicamente si producono dei suoni.
I musicisti che suonano le maracas sono chiamati maraqueros. Questi strumenti sono usati anche nel merengue , una danza popolare molto veloce e dal ritmo pronunciato (sincopato). Esistono molte varianti regionali di questa danza, ognuna con un nome proprio.
Una versione più lenta della danza è comune sulla costa atlantica di Colombia e Venezuela. Oltre alle maracas, vengono utilizzati anche piccoli tamburi chiamati cajas , che possono essere indossati intorno al corpo con cinghie o corde, così come vari idiofoni come le guacharacas.
Le guacharacas (conosciute anche come guiros o "cetrioli da samba" ) sono fatte di tubi di bambù con scanalature trasversali e producono suoni sfregando un bastoncino lungo queste scanalature. Un altro strumento raschiante utilizzato per l'accompagnamento ritmico è il reco-reco .
La salsa combina elementi di varie tecniche musicali provenienti dai balli sopra menzionati .
Il bodhrán è un tamburo a cornice irlandese che ha riscosso notevole successo negli ultimi anni. Con il suo caratteristico suono di basso e rullante, è diventato parte integrante della tradizione musicale irlandese.
Il tamburo è costituito da un telaio in legno o metallo e da una membrana, tradizionalmente in pelle di capra. La sua costruzione semplice e la sua ampia gamma tonale rendono il bodhrán adatto a tutti i generi musicali, dalle melodie tradizionali irlandesi alle sonorità fusion più moderne.
Inoltre, sono disponibili numerosi accessori, come bacchette, borse e manuali di istruzioni, per rendere più semplice suonare il bodhrán.
Il bodhrán è un tipo di tamburo a cornice presente in varie forme in tutto il mondo. Sebbene la sua origine non sia del tutto chiara, è chiaramente imparentato con il tamburello raggiunto l'Irlanda attraverso rotte commerciali dall'Europa meridionale
La parola "bodhrán" deriva dall'irlandese "bodhar", che significa sordo, sordo o ovattato. È anche associata ai toni cupi e al suono di un tamburo. È interessante notare che, fin dal Medioevo, il termine inglese "to bother" deriva da "bodhar". Oggigiorno, il termine bodhar non è più utilizzato.
La prima testimonianza dell'uso del termine bhodhrán risale a un testo medico del XV secolo, che descrive un addome disteso accompagnato dal suono di un tamburo (bhodhrán). Anche vecchie voci di dizionario confermano che il termine bodhrán era in uso prima del 1827.
Nelle illustrazioni di un pittore irlandese di nome Maclise, risalenti al 1850 circa, si può vedere un tamburo a cornice in cui la mano sinistra del suonatore tocca la parte interna della pelle del tamburo e la mano destra sembra eseguire il movimento tipico.
Ulteriori studi (vedi Ireland.de – Bodhrán – l'insolito tamburo a cornice ) hanno dimostrato che già negli anni '20 in alcune zone del Kerry . A quel tempo, venivano prodotti non solo per i musicisti locali, ma anche per i turisti, poiché il bodhrán era già un souvenir popolare.
La prima registrazione nota risale al 1927, e in essa si possono udire un flauto e un tamburo. Tuttavia, non è chiaro se si tratti di un bodhrán con sonagli o di un tamburello.
Negli ultimi cinquant'anni, il suo utilizzo come strumento musicale è cambiato radicalmente. Questo sviluppo è andato di pari passo con l'evoluzione della musica tradizionale irlandese. Mentre fino agli anni '50 la musica tradizionale era suonata principalmente per la danza, dagli anni '50 in poi si è evoluta anche in una forma d'arte scenica.
Sean O'Riada ha avuto un ruolo chiave in questo sviluppo , portando la musica tradizionale irlandese sui palchi dei concerti e fondando l'ensemble Ceoltóirí Chualann, la band precursore dell'ensemble ancora attivo The Chieftains.
Lo stile moderno di suonare si è sviluppato solo negli ultimi decenni e continua a progredire. Una pelle accordata più bassa consente al suonatore di produrre una gamma di toni molto più ampia rispetto ad altri tamburi a cornice.
In una persona destrorsa, la mano destra tiene il tipper, chiamato anche cipin , ed esegue un movimento di torsione particolare per creare il ritmo.
Toccando la pelle del tamburo in vari modi, la mano sinistra produce diverse tonalità. Combinando la mano destra e quella sinistra si creano suoni e pattern ritmici affascinanti. Questa complessità è cresciuta costantemente negli ultimi quattro decenni.
Negli anni '60, il suono aperto veniva semplicemente smorzato appoggiando la mano sulla pelle del tamburo; poi venivano aggiunte diverse tonalità. Questo rendeva l'esecuzione più sfumata e, col tempo, vennero integrati ritmi di batteria e pattern ritmici di altre culture.
Oggigiorno, il bodhrán può essere addirittura utilizzato come strumento basso nella musica irlandese, suonando linee di basso.
Molti lo vedono come un mix di batteria e basso, senza perdere i suoi suoni e ritmi caratteristici. Tuttavia, c'è anche il rischio di un'esecuzione eccessivamente varia, che distrae dalla musica vera e propria.
Il bodhrán rimane uno strumento di accompagnamento ; dovrebbe sottolineare la melodia piuttosto che oscurarla, perché spesso meno è meglio.
batteria offre una moderna fusione di diverse tradizioni batteristiche . Questo tipo di strumento a percussione è dotato di diversi tamburi e strumenti a percussione, rendendo possibile la produzione di suoni diversi.
Spesso combina elementi di ritmi africani, percussioni latinoamericane e taiko giapponesi.
Il risultato è una ricchezza sonora senza pari. Rullanti e grancasse in legno, così come djembe e bougarabou, sono particolarmente apprezzati. Anche accessori come bacchette o pedali possono svolgere un ruolo importante.
Gli strumenti a percussione, da cui si è evoluta la batteria, hanno una storia antica e variegata. Le più antiche testimonianze di piatti e tamburi risalgono al VII secolo a.C. Sculture e dipinti di tamburi e cembali, realizzati sia dai Romani che dagli Egizi, sono stati rinvenuti in antiche tombe
La parola tamburello deriva dal francese tambour , a sua volta di origine multiculturale. Questa parola, a sua volta, deriva dal persiano tabῑr e dall'arabo ṭubūl : i tamburelli marocchini sono fatti dello stesso legno dei rullanti .
I tamburi sono presenti in tutto il mondo e in ogni cultura, quindi la storia di questi strumenti deve essere molto antica.
Dalle tombe degli antichi greci sono stati rinvenuti dei bacini, che credevano potessero allontanare gli spiriti maligni. Tra i loro resti sono stati rinvenuti anche dipinti raffiguranti bacini usati come strumenti durante le feste.
L'invenzione del primo pedale per grancassa nel 1887 da parte di J.R. Olney fu cruciale per lo sviluppo della batteria. Successivamente, nel 1899, il primo modello prodotto in serie fu realizzato da William F. Ludwig, mentre negli Stati Uniti vennero promulgate le cosiddette "No Drumming Laws" , che proibivano agli schiavi di suonare i loro tradizionali tamburi a mano.
Ciò portò alla coltivazione della musica ritmica africana con strumenti a percussione europei e orientali.
Il primo set di batteria completo fu finalmente distribuito nel 1918 dalla Ludwig Drum Corporation .
All'epoca non esisteva il supporto per il charleston e il pedale della grancassa controllava anche un piccolo piatto. Le batterie dell'epoca si chiamavano "Jazz Drum Sets Saale I-III" . Esistevano anche versioni semplificate chiamate Piccadilly e Shimmy.
Già nel 1927 offrivano un'ampia scelta di batterie, tra cui una batteria in valigia .
Le origini del moderno supporto per charleston possono essere attribuite a vari individui. , ad esempio, che Vic Berton sia stato il primo a sperimentare un "low boy " rialzato, ma non è riuscito a brevettarlo.
Tutte le fonti concordano sul fatto che Papa Jo Jones sia stato il primo maestro del charleston. Ha elevato lo strumento a un livello superiore e ne ha sfruttato appieno le possibilità sonore. Inoltre, ha mostrato ad altri batteristi come utilizzare il charleston al massimo delle sue potenzialità.
Ha spostato la funzione di "temporizzazione" dalla grancassa al charleston, il che ha contribuito in modo significativo a far sì che il charleston occupasse ora una posizione dominante nella batteria.
Ulteriori informazioni sulla storia e la tecnica di esecuzione della batteria:
In un'orchestra classica, i timpani la base e assicurano la coesione ritmica.
I grandi timpani vengono solitamente utilizzati in coppia e, con i loro toni bassi e profondi, forniscono una solida base per l'intera orchestra. Sono, per così dire, il cuore pulsante dell'orchestra .
Il timpano , uno strumento a percussione appartenente alla famiglia degli strumenti che emettono suoni attraverso la pelle, produce suoni facendo vibrare una membrana.
Questo timpano è solitamente emisferico e spesso realizzato in rame. L'estremità superiore è ricoperta da una pellicola di plastica, mentre nelle orchestre classiche di alto livello si utilizzano ancora pelli di capra o di vitello.
Esistono cinque diverse dimensioni di timpani . Una configurazione standard prevede in genere quattro diverse dimensioni, ciascuna delle quali produce un suono distinto. Ogni timpano consente di suonare circa sei note diverse, tensionando la membrana (pelle del tamburo).
La gamma tonale è fissa e può essere regolata tramite viti, pedali o manovelle, a seconda del tipo di timpano.
Aumentando la tensione si produce un tono più acuto. Inoltre, il tono può essere modificato anche pedale
Le bacchette utilizzate per suonare i timpani sono realizzate in legno o in tubolare. La testa della bacchetta, ad esempio, è realizzata in legno, feltro o gomma e ha un'influenza decisiva sul suono. I timpani suonati con una bacchetta in feltro producono un suono morbido; al contrario, una bacchetta in legno produce un suono duro.
Il suono avviene nella zona vicina al bordo laterale del suonatore e termina poco prima del centro. Più ci si avvicina al centro, più forte è il suono. Occasionalmente, viene posizionato un panno sopra il centro e altre aree per attutire il suono.
I timpani vengono utilizzati principalmente nella musica orchestrale classica e nelle bande musicali; tuttavia, vengono occasionalmente impiegati anche nella musica pop e nel folklore.
A differenza della batteria, la cui importanza come strumento solista nell'orchestra è ancora relativamente nuova, i timpani svolgono da secoli un ruolo significativo nella musica orchestrale.
I timpani hanno avuto origine in ambito militare . Durante le campagne militari, il timpanista cavalcava al fianco del generale, dando segnali di attacco o ritirata. Questa professione godeva di grande prestigio nella cavalleria. L'eredità musicale di questa importanza storica si ritrova ancora oggi in tutta la letteratura sui timpani.
Da Bach a Beethoven a Strauss , i timpani, insieme alla tromba, simboleggiano spesso aspetti regali, militari e cerimoniali, sia nelle sinfonie, negli oratori o nelle opere.
Anche nelle sinfonie di Mahler, ritroviamo il motivo della guerra nel ritmo dei timpani . Il concetto di base di questi motivi storici persiste per tutta la storia della musica, ed è proprio questo che rende questo strumento così affascinante.
Titolare e amministratore delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattore e blogger appassionato nel campo dell'arte, del design e della creatività dal 2011. Laurea in web design conseguita nel corso degli studi universitari (2008). Sviluppo di tecniche di creatività attraverso corsi di disegno libero, pittura espressiva e recitazione/teatro. Conoscenza approfondita del mercato artistico grazie a ricerche giornalistiche pluriennali e numerose collaborazioni con attori/istituzioni dell'arte e della cultura.
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