Il percorso verso una vera opera d'arte - Una guida per artisti amatoriali

Il mondo della pittura offre uno spazio per l'espressione creativa. La scelta accurata dei materiali, la comprensione dei principi compositivi e lo sviluppo di una prospettiva artistica unica sono elementi chiave per creare opere d'arte emozionanti.

L'apprendimento continuo e l'esplorazione paziente trasformano le sfide in esperienze arricchenti, premiandole infine con risultati eccezionali.

Ma a cosa dovrebbero prestare particolare attenzione i principianti per ottenere un risultato finale eccellente? Le sezioni seguenti forniscono le risposte.

I principianti assoluti interessati a intraprendere la carriera di pittori troveranno questo libro estremamente utile. Mentre lo scrivevo, pensavo a cosa farei se mi trovassi a dover ricominciare a dipingere da capo.

01 Pensa al motivo per cui stai iniziando a dipingere e cosa ti aspetti da questo

Dovresti prima considerare perché vuoi iniziare a dipingere e cosa vuoi ottenere. Questo è qualcosa che dovresti fare prima di investire in attrezzature artistiche e iniziare a dipingere su una tela.

Le tue intuizioni determineranno il tuo approccio e le aree di apprendimento a cui dare priorità. Non credo che tutti abbiano un percorso di apprendimento prestabilito per diventare maestri pittori. Ognuno ha capacità, interessi e inclinazioni innate diverse che determinano il percorso di apprendimento ottimale.

Ad esempio, alcune persone non hanno la pazienza di sedersi e riprodurre fedelmente ogni sfumatura e sfumatura di un soggetto. Di conseguenza, potrebbero essere più abili ad adottare i colori e la pennellata degli impressionisti che le sofisticate tecniche dei pittori accademici russi.

Oppure potresti semplicemente desiderare un'attività ricreativa piacevole o un hobby gratificante. In questo caso, non avrai alcuna ambizione di entrare nel mondo dell'arte commerciale. In una situazione del genere, potresti voler adottare un approccio più rilassato al tuo apprendimento.

In alternativa, potresti voler diventare un maestro della pittura realista come Julien Dupré o John Singer Sargent . Se vuoi anche solo avvicinarti a questo obiettivo, dovrai completare un programma di formazione dedicato e rigoroso. Questo dovrebbe enfatizzare il disegno e altri fondamenti della pittura (colore, valore, composizione, ecc.).

02 Scegli il tuo mezzo: acrilico, olio, acquerello o qualcos'altro

Almeno per il prossimo futuro, dovresti concentrarti su un unico medium . Questo ti permetterà di sperimentare veramente il medium e poi concentrarti maggiormente sulle caratteristiche generali della pittura, come il colore, la composizione, l'espressione, ecc.

Le decisioni più importanti riguardano la scelta tra olio , acrilico e acquerello . Sebbene non li tratterò in questa guida, esistono altre opzioni, come guazzo , tempera, pastelli e oli idrosolubili.

Non esiste una risposta giusta o sbagliata. Ogni mezzo ha i suoi vantaggi e svantaggi. Ecco un corso accelerato sui diversi media per aiutarti a scegliere:

a. Colori acrilici: la scelta per i principianti

Chi si avvicina per la prima volta all'arte ama particolarmente i colori acrilici perché sono facili da usare e non richiedono strumenti speciali. Lo svantaggio è la loro rapida asciugatura.

I colori acrilici potrebbero fare al caso tuo se…

• …sei un principiante assoluto e non vuoi preoccuparti delle complessità della pittura a olio e ad acquerello.
• … vuoi tempi di pulizia e riordino brevi
• …hai un budget limitato.
• … ti piace molto lavorare con tecniche miste (combinare materiali diversi).
• …sei sensibile alle sostanze chimiche utilizzate nella pittura a olio.

Anche le vernici acriliche presentano diversi svantaggi :

• La vernice si asciuga piuttosto rapidamente, il che significa che ha solo un tempo limitato affinché venga assorbita dalla tela.
• Alcuni colori si scuriscono durante l'asciugatura; i colori più chiari spesso mostrano maggiori cambiamenti.

Molti anni fa, ho iniziato a usare i colori acrilici. Frustrato dai loro rapidi tempi di asciugatura, alla fine ho iniziato a usare gli oli. Ma, da principiante, i colori acrilici erano eccellenti per acquisire competenze pittoriche complete. Esistono anche additivi per i colori acrilici che rallentano leggermente i tempi di asciugatura.

La Draw Paint Academy è da anni un'eccellente risorsa per principianti e neofiti della pittura. Offre innumerevoli tutorial e guide per aspiranti artisti sul suo sito web , nei corsi online e su YouTube ( @drawpaintacademy )

b. Colori a olio: il mezzo preferito dai maestri

Gli artisti professionisti utilizzano spesso i colori a olio per diversi motivi:

• Sono flessibili. Utilizzando diluente e olio, è possibile modificare drasticamente il tempo di asciugatura e la consistenza della vernice. Questo consente di utilizzare velature, velature, sfumature e svolazzamenti, tra gli altri metodi di pittura.
• I grandi della pittura preferivano i colori a olio.
• Sembra che i collezionisti d'arte ai dipinti a olio rispetto ai dipinti acrilici (ci sono ovviamente delle eccezioni).

Con i colori a olio non si sbaglia mai. Se non sai da dove iniziare, ti consiglio di iniziare con gli acrilici e passare ai colori a olio una volta che sarai più esperto, oppure di passare direttamente ai colori a olio.

La pittura a olio si adatta perfettamente ai metodi pittorici convenzionali degli artisti del passato. Ti consiglio di rimandare la pittura a olio per un po' se la trovi troppo impegnativa.

Quando si dipinge a olio, ci sono alcune "regole" che devono essere seguite; il resto è simile alla pittura acrilica.

Se ti preoccupano i solventi aggressivi utilizzati nella pittura a olio, come la trementina, prendi in considerazione solventi inodori. Rendono la pittura a olio molto più gradevole. Dovresti anche considerare gli oli a base d'acqua.

c. Acquerelli: bellezza selvaggia

Poiché l'acqua è un elemento instabile e gli errori non possono essere corretti (poiché la carta può assorbire solo una certa quantità d'acqua), gli acquerelli sono generalmente considerati la tecnica più difficile da imparare. Eppure, se ben eseguiti, gli acquerelli possono creare opere squisite ed elegantemente belle.

Ecco perché consiglio di iniziare con gli acrilici o gli oli prima di sperimentare con gli acquerelli. Ma poiché gli acquerelli insegnano tecniche diverse rispetto agli acrilici o agli oli, si completano perfettamente a vicenda.

John Singer Sargent, ad esempio, dipinse paesaggi e ritratti impressionisti e informali ad acquerello, ma era più noto per i suoi meticolosi ritratti a olio. Per Sargent, che era abituato a lunghe e faticose sessioni di ritrattistica, questi acquerelli probabilmente risultavano piuttosto rigeneranti.

03 Vernici, utensili per la pittura e attrezzatura di base

Dovremmo iniziare a preparare il nostro materiale artistico . Non serve molto materiale, quindi è consigliabile leggere attentamente questa sezione prima di iniziare ad acquistare pennelli o colori.

Il materiale che sceglierai (vedi sopra) influirà sulla vernice e sui materiali artistici di cui avrai bisogno. Tutto ciò di cui avrai bisogno come materiale di base è:

• Un cavalletto per sostenere il tuo lavoro;
• Per la pittura acrilica o a olio: tela; per la pittura ad acquerello: carta;
• una gamma di colori da mescolare;
• Pennelli adatti al supporto selezionato;
• Spatole, colori, solventi (per la pittura a olio) e tovaglioli di carta per asciugare il pennello tra una pennellata e l'altra.

Esatto. Dipingere può essere così facile.

Il tuo negozio d'arte locale avrà sicuramente tutto questo a portata di mano. Se sei un principiante assoluto, potrebbe essere consigliabile iniziare con un kit per principianti che includa la maggior parte degli strumenti di base di cui avrai bisogno. Potrai sempre ampliare la gamma in seguito.

Proprio come per i pennelli, le tele e i colori, un cavalletto di alta qualità non ti rende automaticamente un pittore migliore: è perfettamente logico acquistare qualità dove conta.

Scegli colori di alta qualità

I colori di alta qualità costituiscono la base di ogni opera d'arte. Si riconoscono per la loro intensa pigmentazione, la resistenza alla luce e la consistenza cremosa. Consentono un'applicazione uniforme e aggiungono profondità all'immagine. La qualità del colore influenza direttamente l'espressività e l'impatto del dipinto.

Un investimento mirato in vernici di prima qualità contribuisce in modo significativo al successo di un'opera d'arte. Chi ha esigenze elevate può, ad esempio, ordinare diverse tipologie di kratom .

Per quanto riguarda i colori, consiglio di iniziare con una tavolozza limitata di rosso, blu, giallo (i colori primari), bianco e una tonalità terra che ricordi la terra d'ombra.

Ecco una discreta palette di livello base :

• rosso cadmio
• Blu oltremare
• Bianco titanio
• Giallo cadmio
• ombra

Trovare la tela e il cavalletto giusti

I dipinti moderni a olio e acrilico sono solitamente realizzati su tela. La tela sostituì i pannelli di legno nei dipinti rinascimentali perché la tela tesa su barre di legno consentiva di realizzare opere di dimensioni maggiori. Questo li rendeva anche più leggeri, più arrotolabili e più stabili dei pannelli di legno, ed erano meno inclini a deformarsi e scheggiarsi. La tela traeva origine dalla canapa e le prime tele per artisti erano realizzate con tela di canapa veneziana di alta qualità. Il cotone fu successivamente introdotto come lino.

Esiste un'ampia varietà di tele , sia che tu le realizzi da solo o che tu acquisti tele o pannelli di tela già montati. La scelta della superficie dipende dalle tue esigenze. Diversi pesi del tessuto, materiali e preparazioni della superficie producono esperienze pittoriche diverse. Anche l'aspetto del tuo dipinto ne risentirà.

Le tele tese e verniciabili sono disponibili in diverse dimensioni e design. Applicando un primer , è possibile personalizzare la superficie. I pannelli di tela sottili e i fogli Ultralite sono leggeri e ideali per la pittura en plein air. Offriamo 40 formati di tele al metro o in rotoli da 10 metri per la stesura.

Molti artisti sperimentano con diverse tele, primer e superfici per trovare la soluzione migliore. Le proprietà della superficie possono avere un profondo impatto sui dipinti di alcuni artisti, soprattutto quando si lavora con colori a olio o acrilici.

Considera il supporto con cui lavorerai e valuta la stabilità e la durata del cavalletto di cui hai bisogno. Mentre i materiali leggeri potrebbero essere adatti per lavori più piccoli e meno impegnativi, un robusto cavalletto in legno fornire il supporto necessario per materiali più pesanti come tele di grandi dimensioni o tecniche miste. L'ergonomia è davvero importante.

04 Familiarizza con le basi del design artistico

Credo fermamente nell'importanza di imparare in modo efficace, piuttosto che sprecare tempo senza meta. Senza una guida adeguata, potresti esercitarti per anni e vedere pochi o nessun miglioramento. Ecco i principi essenziali dell'arte:

• Colore
• Espressione
• composizione
• Bordi / Linee
• Pennellate
• Tecnica pittorica

Li considero i pilastri della pittura. È importante familiarizzarsi con essi fin da subito, perché aiutano a capire esattamente cosa succede quando il pennello tocca la tela. Padroneggiare questi aspetti essenziali migliorerà ogni tua applicazione pittorica.

Ecco una panoramica compatta degli elementi essenziali:

Colore

Il colore è qualcosa che conosciamo tutti così bene che spesso ne trascuriamo il significato. Molte persone non ne comprendono o ne apprezzano appieno la vera natura.

Trovo che sia più facile comprendere i colori considerando tonalità, saturazione e tono. Questi sono i tre elementi che compongono un colore.

La tonalità indica la posizione di un colore sulla ruota dei colori. Rosso, blu, giallo e verde sono tutti colori diversi. La saturazione descrive la ricchezza, l'intensità o la vivacità di un colore. Il tono descrive il grado di chiarezza o oscurità di un colore.

Familiarizza con questi tre termini, poiché appariranno in ogni opera d'arte che realizzerai.

Il valore tonale è un aspetto del colore, ma data la sua importanza in pittura, è spesso considerato un dominio fondamentale a sé stante. Ogni colore ha un valore intrinseco che si colloca nello spettro tra il bianco e il nero .

Quando eliminiamo il colore dall'equazione, otteniamo uno spettro di valori che va dal grigio chiaro al quasi nero. Una solida struttura di valori non è assolutamente necessaria (si pensi a molti dei notevoli dipinti impressionisti), ma innegabilmente aiuta a dare alla tua opera d'arte una solida base. Dipingere con valori tonali variabili offre maggiore flessibilità nell'applicazione di pennellate, colori e dettagli.

composizione

Nelle discussioni sulla composizione in pittura o fotografia, incontrerete una moltitudine di termini complessi, "regole" e teorie che mirano a spiegare i principi compositivi nelle arti visive. Termini come...

• Centro dell'attenzione
• Regola dei terzi
• Sezione aurea
• linea dell'orizzonte
• Linee guida
• bilancia
• ritmo
• Movimento
• armonia

...e così via. In definitiva, tuttavia, ci sono solo due domande essenziali che sono importanti per creare composizioni eccezionali.

1. Cosa vuoi esprimere?
2. Come lo esprimerai?

Questo è tutto. Tutto il resto è relativamente irrilevante."

Esaminiamo queste domande più in dettaglio…

Cosa vuoi esprimere?

Se il tuo dipinto avesse una voce, cosa esprimerebbe? Potrebbe essere semplice come... "Voglio rappresentare il modo in cui la luce si riflette sulla superficie dell'acqua".

È importante che il messaggio sia chiaro.

Come lo esprimerai?

Come organizzi tutti gli elementi del tuo dipinto per creare armonia e trasmettere il messaggio che desideri? Considera ogni tratto, forma, linea, colore e texture come uno strumento a tua disposizione.

Bordi / Linee / Bordi

I bordi fungono da linea di demarcazione tra due forme. Possono essere espliciti, sfumati o assenti. I bordi netti creano una transizione netta tra le due forme; i bordi sfumati forniscono una transizione fluida; e i bordi persi sono così sottili da essere quasi invisibili.

Pennellate

La pennellata alle impressioni tangibili create dal pennello, dalla spatola, dalle dita o da altri strumenti utilizzati nel processo pittorico. Si tratta di un elemento spesso trascurato della pittura, che rappresenta invece una caratteristica speciale, poiché conferisce al dipinto il suo aspetto distintivo.

Senza pennellate, potremmo anche scegliere la fotografia o dedicarci all'arte digitale invece che all'arte tradizionale.

Tecniche di pittura

La tecnica si riferisce alla capacità di eseguire determinate azioni. Man mano che acquisisci esperienza e acquisisci maggiore dimestichezza con il pennello e i colori, la tua tecnica evolverà naturalmente nel tempo. Tuttavia, è importante essere consapevoli di eventuali abitudini negative che potresti sviluppare durante il tuo percorso artistico.

Questo può dipendere dal modo in cui si impugna il pennello o dai tratti che si applicano. Può essere piuttosto difficile correggere cattive abitudini radicate nel corso degli anni.

Per coltivare una tecnica pittorica efficace, consiglio di osservare i maestri mentre creano le loro opere (è possibile farlo anche su YouTube, tramite corsi online o workshop virtuali). Prestate attenzione alla loro pennellata, al modo in cui stendono il colore sulla tela, a come mescolano i colori e a dettagli simili.

05 Inizia il tuo primo dipinto

Ora sei pronto per iniziare il tuo primo dipinto. Solo un piccolo avvertimento: potrebbe essere più impegnativo di quanto sembri 🙂

I maestri sembrano creare opere d'arte con una facilità impressionante. Ma non bisogna dimenticare che hanno dedicato molti anni, e in alcuni casi persino decenni, alla loro arte.

Consiglio di iniziare il primo dipinto in modo approssimativo; concentrati sulla cattura della tua prima impressione del soggetto. Considera il soggetto attraverso la lente delle forme e dei toni. Poi, puoi rifinire il dipinto e incorporare ulteriori dettagli.

Suggerimento 1: Inizia con schizzi di disegno approssimativi

Non stressarti per il disegno. Fai solo qualche segno. Di' a te stesso che stai solo giocando, sperimentando e vedendo che effetto fa.

Chiunque sappia scrivere sa disegnare; hai già una tua forma, un modo di scrivere lettere e numeri, e scarabocchi unici. Anche queste sono forme di disegno. Mentre segni e schizzi, presta attenzione al feedback fisico che ricevi dalla mano, dal polso, dal braccio, dalle orecchie e dal tatto.

Cambia il tuo approccio alle cose. Avvolgi le dita nel tessuto per cambiare il tuo tocco e sperimenta con l'altra mano per vedere cosa succede. Tutto questo ti sta dicendo qualcosa. Rimani completamente immobile dentro di te e presta attenzione a tutto ciò che senti. Non pensare in modo positivo o negativo. Pensa in modo emotivo, creativo e insolito.

Suggerimento 2: porta sempre con te un album da disegno

Traccia un grande foglio di carta alla volta. Ma non limitarti a riempire l'intera pagina da un bordo all'altro e da un bordo all'altro. Considera le forme, le figure, le strutture, le combinazioni, i dettagli, le curve, le costruzioni, le dispersioni e le composizioni che ti piacciono.

Ripeti ora l'operazione su un'altra superficie, qualsiasi essa sia, per decidere che tipo di materiale preferisci. Disegna su pietra, metallo, polistirolo, tazze da caffè, etichette, marciapiedi, muri, piante, tessuto, legno o qualsiasi altra cosa. Fai semplicemente dei segni per decorare queste superfici.

Non preoccuparti di ottenere di più. Ogni opera d'arte è una sorta di guadagno. Chiedi a qualcuno quali idee gli vengono quando guarda ciò che hai creato.

06 Il percorso verso la tua calligrafia

Un'espressione artistica distintiva richiede perseveranza e passione. L'ispirazione di altri artisti può fungere da catalizzatore senza compromettere la propria autenticità. La coerenza nella tecnica e nell'espressione plasma il proprio stile individuale.

Coraggio di esplorare nuovi territori creativi

Il coraggio di correre rischi creativi, esplorare nuovi approcci e fidarsi del proprio intuito sono fondamentali. Attraverso la pratica continua, emerge uno stile unico, che arricchisce e personalizza il percorso artistico.

Imitazione consentita

Tutti iniziano imitando. Va benissimo! Ma quando succede, concentrati e percepisci la possibilità di far tue tutte queste cose, anche se le idee, gli strumenti e le tecniche provengono da altri artisti.

Immagina di entrare in un enorme stadio pieno di idee, percorsi, approcci, strumenti e materiali ogni volta che crei qualcosa. 

Sviluppa una routine di esercizi

Ad esempio, esercitatevi a disegnare le vostre mani mentre aspettate in metropolitana o mentre siete seduti. Molte mani sullo stesso lato, mani sopra altre mani, mani di altre persone, se volete. Potete anche disegnare altri aspetti ben visibili del vostro corpo.

Ma bisogna guardare e poi schizzare o disegnare ciò che si osserva. Gli specchi sono utili anche se si vuole semplicemente abbozzare il punto in cui la guancia incontra la bocca. Giocate con diverse scale, ingrandendo, rimpicciolendo e ruotando gli oggetti.

07 Sviluppare le tue competenze

Valutare e sviluppare ulteriormente

Dopo aver completato il tuo primo dipinto, è il momento di fermarti un attimo e valutare il tuo lavoro, notando le aree che necessitano di sviluppo. Il tuo primo dipinto molto probabilmente non sarà un capolavoro a meno che tu non sia un genio; ma va bene così. Anche i maestri iniziano come dilettanti.

Considera la tua opera d'arte come se fosse una critica d'arte. Ecco alcune domande che potresti porti:

• Quali caratteristiche del dipinto mi piacciono?
• Quali elementi cambierei?
• Qual è l'atmosfera del dipinto?
• Qual è la prima impressione che si ha del dipinto?
• La combinazione di colori funziona?
• La composizione ha senso?
• Ci sono pennellate evidenti che completano l'immagine?
• Ho presentato correttamente l'argomento in generale?
• Questa immagine mi dà fastidio in qualche modo?
• Ho afferrato in parte il punto?

Raccogliere e implementare il feedback

Il feedback costruttivo è un altro elemento chiave per lo sviluppo artistico. Una comunicazione aperta con gli altri apre nuove prospettive sul proprio lavoro. È importante valutare attentamente i suggerimenti e allinearli alla propria visione personale.

La riflessione aiuta ad acquisire intuizioni preziose e a integrarle in modo mirato nel processo creativo. Il segreto sta nell'analizzare criticamente gli stimoli esterni e selezionare solo quelli che arricchiscono autenticamente il proprio percorso artistico.

Gestione costruttiva dei tentativi falliti

Nel processo creativo, i tentativi falliti sono esperienze preziose. Creano opportunità di autoriflessione e miglioramento continuo. Da una prospettiva costruttiva, gli ostacoli diventano momenti istruttivi.

Chi vede il fallimento come una guida migliora continuamente i propri metodi. Questo approccio valorizza l'intero processo creativo e supporta l'espressione artistica personale.

Diversità attraverso tecniche diverse

La sperimentazione apre nuove dimensioni creative per gli artisti. Oltre a metodi consolidati come la pittura a olio o ad acquerello, approcci non convenzionali (parola chiave: tecniche miste) possono produrre risultati sorprendenti. Ogni tecnica offre le sue possibilità, texture e caratteristiche. Il risultato finale può quindi essere singoli uffici , la cucina, il soggiorno o la camera da letto.

La chiave sta nella volontà di superare i limiti e di scoprire nuovi percorsi in modo giocoso.

08 Suggerimenti Bonus

1. Non preoccuparti di ciò che pensano gli altri. Anche se dovresti accogliere le critiche, non lasciare che condizionano il tuo comportamento.
2. Diventa parte di una community. Partecipa a concorsi, visita gallerie, fai networking con altri creativi, leggi i blog degli artisti, iscriviti alle newsletter, ecc. Sarai più motivato quanto più interagirai con persone che la pensano come te.
3. Cerca di non lasciarti intimidire dagli artisti di grande talento. Ci sarà sempre qualcuno più competente, informato o esperto di te dal punto di vista tecnico. Cerca idee invece di sentirti minacciato.
4. Quando inizi, non pensare di sviluppare uno stile unico o memorabile. L'esperienza ti permetterà di crescere gradualmente.
5. Concentrati sui fondamentali: colore, valore, composizione, contorni, pennellate ed esecuzione. Ogni pennellata che realizzerai contribuirà a migliorare questi fondamentali. Col tempo, questo rafforzerà i tuoi progressi.
6. Guardate ai maestri che ci hanno preceduto. Scoprite le loro condizioni di lavoro, di apprendimento e di vita. In questo modo, conoscenza e ispirazione saranno sempre a vostra disposizione.
7. Non esitate a esplorare nuove attività e idee.
8. Scopri gli approcci, i segreti, i metodi o le strategie intelligenti di altri creativi.
9. Rendi il tuo apprendimento flessibile e aperto.
10. Imparare, esercitarsi, ripassare e svilupparsi sono gli unici segreti per diventare un grande pittore.