Il percorso verso una vera opera d'arte - Una guida per artisti amatoriali

Il mondo della pittura offre uno spazio per l'espressione creativa. L'attenta selezione dei materiali, la comprensione dei principi compositivi e lo sviluppo di una prospettiva artistica unica sono elementi chiave per creare opere d'arte emozionanti.

L'apprendimento continuo e l'esplorazione paziente trasformano le sfide in esperienze arricchenti, premiate infine con risultati eccezionali.

Ma a cosa dovrebbero prestare attenzione i principianti per ottenere un risultato finale eccellente? Le sezioni seguenti forniscono le risposte.

I principianti assoluti interessati a intraprendere la carriera di pittori troveranno questo libro estremamente utile. Mentre lo scrivevo, pensavo a cosa farei se mi trovassi a dover ricominciare a dipingere da capo.

01 Considera il motivo per cui stai iniziando a dipingere e cosa ti aspetti da questa attività

Dovresti prima riflettere sul motivo per cui vuoi iniziare a dipingere e su cosa speri di ottenere. Dovresti farlo prima di investire in materiali artistici e iniziare a dipingere su una tela.

Le tue intuizioni determineranno il tuo approccio e le aree di apprendimento a cui dare priorità. Non credo che tutti abbiano un percorso di apprendimento fisso per diventare un maestro della pittura. Ognuno possiede capacità, interessi e inclinazioni innate diverse che determinano il processo di apprendimento ottimale.

Alcune persone non hanno la pazienza di sedersi e dipingere fedelmente ogni sfumatura di un soggetto. Di conseguenza, potrebbero essere più abili ad adottare i colori e la pennellata degli Impressionisti che le tecniche impegnative dei pittori accademici russi.

O forse desideri semplicemente un passatempo piacevole o un hobby gratificante. In tal caso, non avrai alcuna ambizione di entrare nel mondo dell'arte commerciale. In una situazione del genere, potresti preferire un approccio più rilassato al tuo apprendimento.

In alternativa, potresti aspirare a diventare un maestro della pittura realista come Julien Dupré o John Singer Sargent . Per avvicinarti anche solo lontanamente a questo obiettivo, dovrai completare un programma di formazione dedicato e rigoroso. Questo dovrebbe concentrarsi sul disegno e su altri aspetti fondamentali della pittura (colore, valore, composizione, ecc.).

02 Scegli il tuo mezzo: acrilico, olio, acquerello o qualcos'altro

Almeno nel prossimo futuro, dovresti concentrarti su un unico medium . Questo ti permetterà di sperimentare veramente il medium e poi concentrarti maggiormente sulle caratteristiche generali della pittura, come il colore, la composizione, l'espressione, ecc.

Le decisioni più importanti riguardano la scelta tra olio , acrilico e acquerello . Anche se non ne parlerò in questa guida, ci sono altre opzioni come guazzo , tempera, pastello e oli diluibili con acqua.

Non esiste una risposta giusta o sbagliata. Ogni mezzo ha i suoi vantaggi e svantaggi specifici. Ecco un corso accelerato sui diversi media per aiutarti a scegliere:

a. Colori acrilici: la scelta per i principianti

I colori acrilici sono particolarmente apprezzati da chi si avvicina per la prima volta alla pittura perché sono facili da usare e non richiedono strumenti speciali. Lo svantaggio è il loro rapido tempo di asciugatura.

I colori acrilici potrebbero fare al caso tuo se…

• …sei un principiante assoluto e non vuoi preoccuparti delle complessità della pittura a olio e ad acquerello.
• … tempi di pulizia e riordino brevi .
• …Sono soggetti a un budget limitato.
• … ti piace molto lavorare con tecniche miste (combinare materiali diversi).
• …Sono sensibili alle sostanze chimiche utilizzate nei dipinti a olio.

Anche le vernici acriliche presentano diversi svantaggi :

• La vernice si asciuga piuttosto rapidamente. Questo significa che il tempo a disposizione per la sua reattività sulla tela è limitato.
• Alcuni colori si scuriscono durante l'asciugatura; i colori più chiari spesso mostrano maggiori cambiamenti.

Molti anni fa, ho usato per la prima volta i colori acrilici. Frustrato dalla loro rapida asciugatura, alla fine sono passato agli oli. Ma, da principiante, gli acrilici erano eccellenti per acquisire competenze pittoriche complete. Esistono anche additivi per i colori acrilici che possono rallentare i tempi di asciugatura.

la Draw Paint Academy è un'eccellente risorsa per principianti e neofiti della pittura. Offre innumerevoli tutorial e guide per aspiranti artisti, sia sul sito web che nei corsi online, oltre che su YouTube ( @drawpaintacademy ) e Instagram.

b. Colori a olio: il mezzo preferito dai maestri

Per vari motivi, gli artisti professionisti utilizzano più spesso i colori a olio:

• Sono flessibili. Utilizzando diluente e aggiungendo più olio, è possibile modificare drasticamente il tempo di asciugatura e la consistenza della vernice. Questo consente di utilizzare tecniche di velatura, velatura, miscelazione e scorrimento, tra le altre.
• I più grandi pittori preferivano i colori a olio.
• Sembra che i collezionisti d'arte ai dipinti a olio rispetto a quelli acrilici (ci sono, ovviamente, delle eccezioni).

Con i colori a olio non si sbaglia mai. Se non sai da dove iniziare, ti consiglio di iniziare con gli acrilici e passare agli oli una volta acquisita maggiore esperienza, oppure di passare direttamente agli oli.

La pittura a olio si adatta perfettamente ai metodi pittorici convenzionali dei pittori del passato. Se la trovate troppo impegnativa, vi consiglio di rimandare la pittura a olio per un po'.

La pittura a olio ha alcune "regole" che devono essere seguite; il resto è simile alla pittura acrilica.

Se ti preoccupano i solventi aggressivi utilizzati nella pittura a olio, come la trementina, dovresti cercare solventi inodori. Questo rende la pittura a olio molto più attraente. Dovresti anche prendere in considerazione gli oli a base d'acqua.

c. Acquerelli: bellezza selvaggia

Poiché l'acqua è imprevedibile e gli errori non possono essere corretti (poiché la carta può assorbire solo una certa quantità d'acqua), gli acquerelli sono generalmente considerati la tecnica più difficile da imparare. Tuttavia, se ben eseguiti, gli acquerelli possono creare opere squisite ed elegantemente belle.

Pertanto, consiglio di iniziare con i colori acrilici o a olio prima di sperimentare con gli acquerelli. Tuttavia, poiché gli acquerelli insegnano tecniche diverse rispetto alla pittura acrilica o a olio, si completano a vicenda magnificamente.

John Singer Sargent, ad esempio, dipinse paesaggi e ritratti impressionisti e informali ad acquerello, ma era più noto per i suoi meticolosi ritratti a olio. Per Sargent, abituato a lunghe e faticose sessioni di ritratti, questi acquerelli probabilmente rappresentavano di tanto in tanto un momento di vera e propria ispirazione.

03 Colori, materiali per la pittura e attrezzatura di base

Nel terzo passaggio, dovremmo iniziare a preparare il nostro materiale artistico . Non serve molto materiale, quindi è consigliabile leggere attentamente questa sezione prima di acquistare tutti i tipi di pennelli o colori.

Il materiale scelto (vedi sopra) inciderà sugli acquisti necessari di colori e materiali artistici. Tutto ciò di cui avrai sempre bisogno come set base è:

• Un cavalletto per sostenere il tuo lavoro;
• Per la pittura acrilica o a olio: tela; per la pittura ad acquerello: carta;
• una gamma di colori da mescolare;
• Pennelli adatti al supporto scelto;
• Spatola, colori, solventi (per la pittura a olio) e tovaglioli di carta per asciugare il pennello tra una pennellata e l'altra.

Esatto. Dipingere può essere così facile.

Il tuo negozio di forniture artistiche locale avrà tutto questo a portata di mano. Se sei un principiante assoluto, potrebbe essere una buona idea iniziare con un kit di base che include la maggior parte degli strumenti di base di cui avrai bisogno. Potrai sempre ampliare la gamma in seguito.

Come per i pennelli, le tele e i colori, un cavalletto di alta qualità non ti rende automaticamente un pittore migliore: è perfettamente sensato acquistare la qualità dove conta.

Scegli colori di alta qualità

I colori di alta qualità costituiscono la base di ogni opera d'arte. Si riconoscono per la loro intensa pigmentazione, la resistenza alla luce e la consistenza cremosa. Consentono un'applicazione uniforme e conferiscono profondità al dipinto. La qualità del colore influenza direttamente l'espressività e l'impatto del dipinto.

Un investimento mirato in vernici di alta qualità contribuisce in modo significativo al successo di un'opera d'arte. Chi ha esigenze elevate può, ad esempio, ordinare diverse tipologie di kratom .

Per quanto riguarda i colori, consiglio di iniziare con una tavolozza limitata di rosso, blu, giallo (i colori primari), bianco e una tonalità terra che ricordi la terra d'ombra.

Ecco una gamma di livello base decente :

• rosso cadmio
• Blu oltremare
• Bianco titanio
• Giallo cadmio
• ombra

Trovare la tela e il cavalletto giusti

I dipinti moderni a olio e acrilico sono per lo più realizzati su tela. La tela sostituì i pannelli di legno per i dipinti rinascimentali perché la tela tesa su barre di legno consentiva di realizzare opere di dimensioni maggiori. Questo la rendeva anche più leggera, arrotolabile e più stabile dei pannelli di legno, e meno soggetta a deformazioni e scheggiature. La tela ha origine dalla canapa e le prime tele per artisti erano realizzate con tela da vela veneziana di canapa di alta qualità. Il cotone fu introdotto in seguito come sostituto del lino.

Esiste un'ampia scelta di tele disponibili, sia che tu le realizzi da solo o che tu acquisti tele o pannelli di tela già montati. La superficie che sceglierai dipenderà dalle tue esigenze. Diversi pesi del tessuto, materiali e preparazioni della superficie creano esperienze pittoriche diverse. Anche l'aspetto finale del tuo dipinto ne risentirà.

Le tele tese e verniciabili sono disponibili in diverse dimensioni e stili. L'applicazione di un primer consente di personalizzare la superficie. I pannelli di tela sottili e i fogli Ultralite sono leggeri e ideali per la pittura en plein air. Offriamo 40 formati di tele al metro o in rotoli da 10 metri per la distensione.

Molti artisti sperimentano con diverse tele, primer e supporti per trovare la superficie migliore. Le proprietà della superficie possono influenzare notevolmente i dipinti di alcuni artisti, soprattutto quando si lavora con colori a olio o acrilici.

Considerando il supporto con cui lavorerai, pensa anche alla stabilità e alla durata del cavalletto di cui avrai bisogno. Mentre i materiali leggeri sono adatti per lavori più piccoli e meno impegnativi, un robusto cavalletto in legno fornire il supporto necessario per materiali pesanti come tele di grandi dimensioni o tecniche miste. L'ergonomia è davvero importante.

04 Familiarizza con le basi del design artistico

Credo fermamente che sia importante imparare in modo efficace, piuttosto che sprecare tempo senza meta. Senza una guida adeguata, potresti esercitarti per anni e vedere pochi o nessun miglioramento. Ecco i principi essenziali dell'arte:

• Colore
• Espressione
• composizione
• Bordi / Linee
• Pennellate
• Tecnica pittorica

Li considero i pilastri della pittura. È importante familiarizzarsi con essi fin da subito, perché aiutano a capire esattamente cosa succede quando il pennello tocca la tela. Padroneggiare queste aree essenziali migliorerà ogni applicazione di colore.

Ecco una breve panoramica degli elementi essenziali:

Colore

Il colore è qualcosa che conosciamo tutti così bene che spesso ne trascuriamo il significato. Molte persone non comprendono o apprezzano appieno la vera natura del colore.

Trovo che sia più facile comprendere il colore considerando tonalità, saturazione e valore tonale. Questi sono i tre elementi che compongono un colore.

La tonalità indica la posizione di un colore sulla ruota dei colori. Rosso, blu, giallo, verde: sono tutti colori diversi. La saturazione descrive la ricchezza, l'intensità o la vivacità di un colore. Il valore descrive il grado di chiarezza o oscurità di un colore.

Familiarizza con questi tre termini, poiché appariranno in ogni opera d'arte che realizzerai.

Il valore tonale è un aspetto del colore, ma data la sua importanza in pittura, è spesso considerato un concetto fondamentale a sé stante. Ogni colore possiede un valore intrinseco che si colloca nello spettro tra il bianco e il nero .

Se eliminiamo il colore dall'equazione, otteniamo uno spettro di valori che va dal grigio chiaro al quasi nero. Una solida struttura tonale non è strettamente necessaria (si pensi a molti dei notevoli dipinti impressionisti), ma contribuisce innegabilmente a dare alla tua opera d'arte una solida base. Dipingere con diversi valori tonali offre maggiore flessibilità nell'applicazione di pennellate, colori e dettagli.

composizione

Nelle discussioni sulla composizione in pittura o fotografia, incontrerete una moltitudine di termini complessi, "regole" e teorie che mirano a spiegare i principi della composizione nelle arti visive. Termini come...

• centro dell'attenzione
• regola dei terzi
• Sezione aurea
• linea dell'orizzonte
• Linee guida
• Equilibrio / Bilanciamento
• ritmo
• Movimento
• armonia

…e così via. In definitiva, tuttavia, ci sono solo due domande essenziali che sono importanti per creare composizioni eccezionali.

1. Cosa vorresti esprimere?
2. Come lo esprimerai?

Questo è tutto. Tutto il resto è relativamente insignificante

Esaminiamo più da vicino queste domande..

Cosa vorresti esprimere?

Se il tuo dipinto avesse una voce, cosa esprimerebbe? Potrebbe essere semplice come... "Voglio rappresentare il modo in cui la luce si riflette sulla superficie dell'acqua".

È importante avere chiarezza sul messaggio.

Come lo esprimerai?

Come organizzi tutti gli elementi del tuo dipinto per creare armonia e trasmettere il messaggio desiderato? Considera ogni pennellata, forma, linea, colore e texture come strumenti a tua disposizione.

Bordi / Linee / Confini

I bordi fungono da linea di demarcazione tra due forme. Possono essere espliciti, sfumati o assenti. I bordi netti creano una transizione netta tra le due forme; i bordi sfumati forniscono una transizione fluida; e i bordi persi sono così sottili da risultare quasi invisibili.

Pennellate

La pennellata si riferisce alle impressioni tangibili create dal pennello, dalla spatola, dalle dita o da altri strumenti utilizzati nel processo pittorico. Si tratta di un elemento spesso trascurato della pittura, eppure è una caratteristica distintiva che conferisce a un dipinto il suo aspetto unico .

Senza pennellate, potremmo anche scegliere la fotografia o dedicarci all'arte digitale invece di dedicarci all'arte tradizionale.

Tecniche di pittura

La tecnica si riferisce alla capacità di eseguire azioni specifiche. Man mano che acquisisci esperienza e acquisisci maggiore dimestichezza con pennelli e colori, la tua tecnica si svilupperà naturalmente nel tempo. Tuttavia, è importante essere consapevoli di eventuali abitudini negative che potresti sviluppare durante il tuo percorso artistico.

Questo può dipendere dal modo in cui si impugna il pennello o dai tratti che si eseguono. Correggere cattive abitudini radicate da molti anni può essere una vera sfida.

Per coltivare una tecnica pittorica efficace, consiglio di osservare i maestri mentre creano le loro opere (è possibile farlo anche su YouTube, nei corsi online o nei workshop virtuali). Prestate attenzione alla loro pennellata, a come stendono il colore sulla tela, a come mescolano i colori e a dettagli simili.

05 Inizia con il tuo primo dipinto

Ora sei pronto per iniziare il tuo primo dipinto. Solo un piccolo avvertimento: potrebbe essere più impegnativo di quanto sembri 🙂

I maestri artigiani sembrano creare opere d'arte con una facilità impressionante. Ma non bisogna dimenticare che hanno dedicato molti anni, e in alcuni casi persino decenni, alla loro arte.

Consiglio di iniziare il primo dipinto con uno schizzo approssimativo; concentrati sulla cattura della tua prima impressione del soggetto. Considera il soggetto attraverso la lente delle forme e dei colori. Potrai poi rifinire il dipinto e incorporare ulteriori dettagli.

Suggerimento 1: inizia con degli schizzi approssimativi

Non stressarti per il disegno. Fai solo qualche schizzo. Di' a te stesso che stai solo giocando, sperimentando e vedendo come viene.

Se sai scrivere, sai disegnare; hai già una tua forma, un modo di scrivere lettere e numeri, e scarabocchi unici. Anche queste sono forme di disegno. Quando segni e schizzi, presta attenzione al feedback fisico che ricevi da mano, polso, braccio, orecchie e tatto.

Cambia il tuo approccio. Avvolgi le dita nel tessuto per alterare il tocco e sperimenta con l'altra mano per vedere cosa succede. Tutto questo ti sta dicendo qualcosa. Rimani completamente immobile dentro di te e presta attenzione a tutto ciò che senti. Non pensare né in modo positivo né in modo negativo. Pensa in modo emotivo, creativo e non convenzionale.

Suggerimento 2: porta sempre con te un album da disegno

Traccia un grande foglio di carta alla volta. Tuttavia, non limitarti a riempire l'intera pagina da un bordo all'altro. Osserva le forme, le figure, le strutture, le combinazioni, i dettagli, le curve, le sovrapposizioni, le dispersioni e le composizioni che ti attraggono.

Ora ripeti l'operazione su una superficie diversa, qualsiasi, per decidere che tipo di materiale preferisci. Disegna su pietra, metallo, polistirolo, tazze da caffè, etichette, marciapiedi, muri, piante, tessuto, legno o qualsiasi altra cosa. Basta tracciare dei segni per decorare queste superfici.

Non preoccuparti di ottenere di più. Ogni opera d'arte è una sorta di guadagno. Chiedi a qualcuno quali idee gli vengono quando vede ciò che hai creato.

06 Il percorso verso la tua calligrafia

Un'espressione artistica distintiva richiede perseveranza e passione. L'ispirazione di altri artisti può fungere da catalizzatore senza compromettere la propria autenticità. La coerenza nella tecnica e nell'espressione plasma uno stile individuale.

Coraggio di esplorare nuovi territori creativi

Il coraggio di assumersi rischi creativi, esplorare nuovi approcci e affidarsi al proprio intuito sono fondamentali. Attraverso la pratica continua, emerge uno stile unico, che arricchisce e personalizza il percorso artistico.

Imitazione consentita

Tutti iniziano imitando. Va benissimo! Ma quando lo fai, concentrati e senti la possibilità di far tue tutte queste cose, anche se le idee, gli strumenti e le tecniche provengono da altri artisti.

Immagina di entrare in un vasto stadio pieno di idee, percorsi, approcci, strumenti e materiali ogni volta che crei qualcosa. 

Sviluppa una routine di esercizi

Esercitati a disegnare le tue mani mentre aspetti in metropolitana o sei seduto in giro. Molte mani sullo stesso lato, mani sovrapposte ad altre mani. Anche le mani di altre persone, se preferisci. Puoi anche disegnare altri aspetti chiaramente visibili del tuo corpo.

Ma bisogna guardare attentamente e poi schizzare o disegnare ciò che si osserva. Gli specchi sono utili anche se si vuole solo abbozzare il punto in cui la guancia incontra la bocca. Sperimentate con diverse scale, ingrandendo, riducendo e ruotando gli oggetti.

07 Sviluppare le tue competenze

Valutare e sviluppare ulteriormente

Una volta terminato il tuo primo dipinto, è il momento di fermarti e valutare il tuo lavoro, notando gli aspetti da migliorare. Il tuo primo dipinto molto probabilmente non sarà un capolavoro a meno che tu non sia un genio; ma va bene così. Anche i maestri iniziano come dilettanti.

Considera la tua opera d'arte come se fosse una critica d'arte. Ecco alcune domande che potresti porti:

• Quali caratteristiche del dipinto mi piacciono?
• Quali elementi cambierei?
• Qual è l'atmosfera del dipinto?
• Qual è la prima impressione che si ha del dipinto?
• La combinazione di colori funziona?
• La composizione ha senso?
• Ci sono pennellate evidenti che completano l'immagine?
• Ho presentato correttamente l'argomento in generale?
• L'immagine mi dà fastidio in qualche modo?
• Ho afferrato abbastanza bene il punto di vista?

Raccogliere feedback e implementarlo

Il feedback costruttivo è un altro elemento chiave per lo sviluppo artistico. Una comunicazione aperta con gli altri consente di acquisire nuove prospettive sul proprio lavoro. È importante valutare attentamente i suggerimenti e allinearli alla propria visione personale.

La riflessione aiuta ad acquisire intuizioni preziose e a integrarle in modo mirato nel processo creativo. L'arte sta nell'esaminare criticamente le influenze esterne e selezionare solo quelle che arricchiscono autenticamente il proprio percorso artistico.

Gestione costruttiva dei tentativi falliti

Nel processo creativo, i tentativi falliti sono eventi preziosi. Creano opportunità di autoriflessione e miglioramento continuo. Da una prospettiva costruttiva, gli ostacoli diventano momenti istruttivi.

Chi considera il fallimento un'esperienza di apprendimento migliora costantemente i propri metodi. Questo approccio favorisce l'intero processo creativo e supporta l'espressione artistica personale.

Diversità attraverso tecniche diverse

La sperimentazione apre nuove dimensioni creative per gli artisti. Oltre a metodi consolidati come la pittura a olio o ad acquerello, approcci non convenzionali (parola chiave: tecniche miste) possono produrre risultati sorprendenti. Ogni tecnica offre le sue possibilità, texture e caratteristiche. L'opera d'arte risultante può quindi essere utilizzata uffici , cucine, soggiorni o camere da letto.

La chiave sta nella volontà di superare i limiti e di scoprire nuovi percorsi in modo giocoso.

8 consigli bonus

1. Non preoccuparti di ciò che pensano gli altri. Anche se dovresti accogliere le critiche, non lasciare che condizionano il tuo comportamento.
2. Diventa parte di una community. Partecipa a concorsi, visita gallerie, fai networking con altri creativi, leggi blog di artisti, iscriviti alle newsletter, ecc. Più scambi idee con persone che la pensano come te, più sarai motivato.
3. Cerca di non lasciarti intimidire dagli artisti di grande talento. Ci sarà sempre qualcuno più abile, competente o esperto di te. Cerca ispirazione invece di sentirti minacciato da loro.
4. Quando inizi, non pensare di sviluppare uno stile unico o memorabile. L'esperienza ti permetterà di crescere gradualmente.
5. Concentrati sui fondamentali: colore, valore, composizione, contorni, pennellate ed esecuzione. Ogni pennellata che realizzerai trarrà beneficio da questi elementi fondamentali. Col tempo, questo amplificherà i tuoi progressi.
6. Cercate i maestri che ci hanno preceduto. Scoprite il loro lavoro, la loro cultura e le loro circostanze di vita. Questo vi permetterà di avere conoscenza e ispirazione a portata di mano.
7. Non esitate a esplorare nuove attività e idee.
8. Osserva gli approcci intelligenti, i segreti, i metodi o le strategie di altre persone creative.
9. Rendi il tuo apprendimento flessibile e aperto.
10. Imparare, esercitarsi, verificare e svilupparsi sono gli unici segreti per diventare un grande pittore.