Marina Abramovic: Arte per società distruttive

L'articolo Marina Abramović o “L'artista e la sua storia” ha trattato in dettaglio i retroscena storici e personali che giocano un ruolo Marina Abramović

Ora parliamo dello sviluppo di Abramović come artista e dello sviluppo della sua opera.

Come si è avvicinata Marina Abramovic all'arte e alla sua arte?

Nell'articolo appena citato sull'artista Abramović, è stato dimostrato che Marina Abramović proviene da una famiglia in cui l'arte e la creatività hanno avuto e continuano ad avere un ruolo importante.

Di conseguenza, Marina Abramović in un'intervista: "Ho sempre saputo che avrei vissuto come un'artista. Era una necessità [...] l'unico modo in cui potevo funzionare in questo mondo" (Lynn MacRitchie, 1996, 'Marina Abramović: Exchanging Energies', Performance Research, Vol. 1, p. 29).

Subito dopo il diploma di scuola superiore, Abramović studiò pittura all'Accademia di Belle Arti di Belgrado dal 1965 al 1970. I suoi compagni di corso la descrissero come una giovane donna straordinariamente bella, sicura del suo impatto, straordinariamente dotata nella comunicazione e sempre entusiasticamente ottimista.

A quel tempo, Abramović dipingeva opere figurative raffinate e raffinate su tele più grandi di qualsiasi altro studente, quadri potenti che misuravano oltre 2 metri quadrati. Dal 1968 in poi, Abramović iniziò a pubblicare testi, disegni e le sue prime opere concettuali.

Che si è inesorabilmente evoluto verso la performance come espressione artistica di Abramović, anche se inizialmente attraverso rifiuti e coincidenze:

Nel 1970, Abramović volle esibirsi per la prima volta in una famosa galleria di Belgrado: di fronte a un pubblico, avrebbe gradualmente sostituito i suoi abiti con quelli della sua giovinezza scelti dalla madre (gonna lunga fino al polpaccio, calze spesse, scarpe che ricordavano quelle ortopediche), poi si sarebbe puntata una pistola carica alla testa e avrebbe premuto il grilletto.

O questa proposta della Galleria Doma Omaldine era troppo pericolosa, oppure la protesta giovanile contro i tentativi protettivi di ridurre l'attrattiva da parte delle madri preoccupate era troppo radicale per loro; in ogni caso, la proposta di Abramović si trasformò in una mostra delle sue prime opere astratte , una serie di dipinti di nuvole.

La prima performance di Abramović non ebbe quindi luogo fino al 1971, quando lei e altri studenti esposero le loro opere allo SKC (Studentski kulturni centar Beograd = Centro Culturale Studentesco di Belgrado) quell'ottobre. Abramović si sdraiò su un tavolo in una galleria vicina (si diceva che fosse semplicemente stanca), mentre il collega artista Era Milivojević avvolgeva la donna distesa nel nastro adesivo che teneva in mano fino a farla assomigliare a una mummia: si trattava di performance art, anche se il significato dell'opera d'arte doveva essere reinterpretato.

L'artista apprezzò ovviamente l'esperienza e nel 1973 iniziò a creare le sue prime performance pianificate.

Non se la cavarono con il nastro adesivo: Marina Abramović dichiarò inequivocabilmente fin dalle sue prime esibizioni che accontentare l'arte istituzionale non faceva per lei.

Poco dopo, nel 1975, lo rese chiaro al grande pubblico partecipando a una performance di Hermann Nitsch . Il co-fondatore dell'Azionismo Viennese non era più viennese a quel tempo; aveva irritato i "Renani dell'Est" nei primi anni '60 con scandalose azioni pittoriche e teatri di orge e misteri per così tanto tempo che le autorità lo imprigionarono per settimane, rendendolo incapace di esibirsi o creare arte. Nitsch alla fine reagì trasferendosi in Germania.

Sia per Nitsch che per Abramović, la collaborazione con un'altra artista non fu evidentemente proficua: dopo di lei, Nitsch si avvalse solo di dilettanti, e Abramović commentò di non aver trovato la motivazione per lavorare su un concetto sconosciuto; la performance nel suo complesso era così insignificante che non esiste alcuna documentazione dettagliata. Ciononostante, Hermann Nitsch e Marina Abramović rientrarono nella lista delle "10 performance artistiche più scioccanti di sempre" stilata dal quotidiano londinese The Guardian nel 2013.

Lo sanno tutti! – Le opere più importanti di Marina Abramovic

Il fatto che l'arte istituzionale non faccia per lei è dimostrato anche dalle opere più importanti di Abramović, che la maggior parte delle persone (colte nell'Europa centrale) conosce. E anche questa breve panoramica chiarisce quanto movimento ci sia nell'arte di Marina Abramović:

"Balkan Baroque" è un'installazione video-performativa che Abramović ha messo in scena nel 1997 nel Padiglione Jugoslavo della 47a Biennale di Venezia. Abramović ha commentato la sua patria e il conflitto nei Balcani trascorrendo ore ogni giorno a strofinare mucchi di ossa fresche di bovini con una spazzola, mentre cantava inni funebri della sua terra natale, accanto a un trittico di proiezioni video.

"Seven Easy Pieces" al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. La performance è durata sette giorni e ha riproposto sei performance storiche di altri artisti che avevano avuto successo negli anni '60 e '70; la settima performance era una sua nuova opera.

Abramović ha fatto riferimento:

• "Seedbed" di Vito Acconci del 1972
• “Come spiegare le immagini a una lepre morta” di Joseph Beuys del 1965
• "Action Pants, Genital Panic" di VALIE EXPORT
• "Body Pressure" di Bruce Nauman
• The "Conditioning" di Gina Pane del 1973
• La sua performance “Lips of Thomas” del 1975
• La nuova performance si chiamava “Entering the Other Side”

"The Artist is Present" al Museum of Modern Art (MoMA) nel 2010, durante una retrospettiva del suo lavoro al museo newyorkese. Abramović è rimasta seduta a un tavolo nell'atrio del museo per tutta la durata della mostra, dal 14 marzo al 31 maggio 2010, con una sedia per i visitatori di fronte a lei.

Abramović è rimasto in silenzio, ma nel video seguente potete vedere quanto loquaci fossero i visitatori per qualche minuto...

... con il momento toccante in cui il suo compagno di lunga data Ulay si siede sulla sedia riservata ai visitatori. Abramović è rimasta seduta lì per un totale di 721 ore; alla fine della performance, era stata vista da 750.000 visitatori e "posseduta" da oltre 1.500 persone.

Questi non erano certo tutti gli esempi “che tutti conoscono”, l’arte di Marina Abramović è di una ricchezza e diversità straordinarie:

L'arte di Marina Abramovic: da una spettacolare apparizione solista a una performance eterna

La prima performance di Marina Abramović nel 1971 fu piuttosto innocua, con il suo atteggiamento da mummia, ma non dovette collaborare con l'attivista dello scandalo Hermann Nitsch per scatenarsi davvero:

"Rhythm 10", Abramović si divertiva a tagliarsi gli spazi tra le dita divaricate con 20 coltelli (un omaggio alle artiste del passato, vedi "Art-o-Gram: Picasso – The Artist, Life and Love – Scenes 2 and 5" su Dora Maar, che si abbandonava anche lei a questa malsana abitudine). Abramović, in ogni caso, si tagliava spesso e violentemente; nonostante questo (o proprio per questo), "Rhythm 10" è considerata la sua prima opera "adulta".

In Rhythm 5 (1974), Abramović immerge una cornice di legno a forma di stella a cinque punte (che richiama la "Stella Rossa" comunista) in 100 litri di benzina, le dà fuoco e, dopo qualche imbroglio, salta dentro la cornice e si sdraia sul pavimento della galleria. Sviene immediatamente in questo spazio ormai privo di ossigeno.

Abramović è stata salvata da uno spettatore che si è appena reso conto che una Marina Abramović insolitamente immobile era fuori posto in una performance altrimenti ricca di azione. Un'ambulanza è arrivata appena in tempo e l'ha trasportata in ospedale. Qui potete assistere allo spettacolo in fiamme con la Abramović mezza morta al centro.

Abramović evidentemente sopravvisse di buon umore, e nello stesso anno seguì "Rhythm 0": una performance di sei ore in cui Abramović rimane in silenzio tra il pubblico. Ai partecipanti vengono consegnati 72 oggetti e invitati a farne ciò che desiderano (per) l'artista. Tra questi oggetti c'erano rose e piume, profumo e miele, pane, uva e vino, forbici e un bisturi, lamette e chiodi, un'asta di metallo e una pistola carica.

Abramović voleva mettere alla prova il pubblico. Iniziò in modo pacato, con carezze, fiori, baci e abbuffate; presto, passarono a imbrattarla di rossetto, versarle acqua in testa e conficcarle spine di rosa nel ventre. A metà dello spettacolo, il pubblico le aveva già strappato i vestiti con le lamette. Alla quarta ora, le stesse lamette venivano usate per esplorarle la pelle, e un ammiratore le tagliò persino la gola per berne il sangue.

Ne seguì una serie di aggressioni sessuali, subite anche dall'artista determinata a esplorare o denunciare il comportamento umano di gruppo; quando il pubblico notò la sua decisa rinuncia alla volontà, si formò un gruppo per proteggerla.

Quando la pistola carica venne puntata alla testa di Abramović e il suo dito si avvolse attorno al grilletto, scoppiò una rissa tra il pubblico... Brutto, terrificante, disilluso: quando Abramović si svegliò la mattina dopo, aveva una ciocca grigia tra i capelli.

Se solo avessi avuto accesso alle conoscenze disponibili online oggi! Poche informazioni rivelano che gruppi di persone inseguono leader forti (che ovviamente hanno cattive intenzioni, anche verso se stessi) e, incomprensibilmente, interpretano persino affermazioni palesemente false come corrette non appena si sentono turbati, confrontati con qualcosa di nuovo o con un cambiamento (si potrebbe anche dire che gruppi di persone mostrano tendenze verso comportamenti di gruppo autodistruttivi non appena la vita non va come al solito – Pegida invia i suoi saluti).

Se Abramović avesse letto solo i resoconti su "The Wave", l'esperimento di Milgram e l'esperimento di conformità di Solomon Asch, non sarebbe stata meno spaventata o disillusa, ma avrebbe potuto risparmiarsi l'esperienza fisica...

• "L'onda"
• esperimento di Milgram
• Esperimento di conformità

Abramović potrebbe essere stata emotivamente fragile in quel periodo, poiché il suo primo matrimonio era appena finito. Dal 1971 al 1976, Abramović è stata sposata con l'artista serba Neša Paripović , ex compagna di corso all'Accademia di Belgrado, con la quale ha anche collaborato presso il Centro Culturale Studentesco nei primi anni '70.

Entrambi lavorarono in un gruppo informale con altri artisti, nientemeno che sulla decostruzione del concetto modernista di arte. Si diceva che questo lavoro fosse privo di conflitti; quando il gruppo incontrò e discusse con Josef Beuys a un festival a Edimburgo, in Scozia, nel 1973, il gruppo si sciolse poco dopo.

Il matrimonio potrebbe non essersi concluso in modo del tutto pacifico: quando, nei primi anni 2000, il biografo di Abramović, James Westcott, chiese a Neša Paripović di rilasciare un'intervista, si dice che lui abbia semplicemente riattaccato il telefono.

Nel 1975, Marina Abramović eseguì la performance "Lips of Thomas" in una galleria in Austria: completamente nuda, mangiò un chilo di miele, bevve un litro di vino rosso, si incise un pentagramma sullo stomaco con delle lamette e giacque sanguinante e barcollante su una croce di ghiaccio. Si dice che abbia resistito per mezz'ora.

Ecco una scena: Immagine aperta (riproposta al Guggenheim Museum di New York nel 2005). Una sequenza di altre quattro performance del 1975 e del 1976 può essere vista su www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

Nel 1975, ha anche creato "L'arte deve essere bella, l'artista deve essere bello" , una delle opere rivoluzionarie di Abramović, in cui si dedica ampiamente e in modo molto pratico alla bellezza dell'artista e alla bellezza dell'arte, che non sono state sradicate nella borghesia conservatrice dai tempi del "Sistema di filosofia teorica, parte 3, teoria del gusto" di Wilhelm Traugott Krug (1810). Un estratto può essere trovato qui:

Nel 1975, Abramović si trasferì anche ad Amsterdam, dove incontrò e si innamorò dell'artista performativo tedesco Frank Uwe Laysiepen (Ulay). Vissero e lavorarono insieme dal 1979 al 1988, conducendo una vita artistica nomade, in continuo movimento, anche tra gli aborigeni e il Tibet. Molte delle sue opere più famose e influenti risalgono a questo periodo:

"Charged Space ", 1978, ora nella collezione del Museum Ludwig di Colonia. Su newmedia-art.org, è possibile vedere un'immagine della folle danza dedicata a Jane Crawford e Gordon Matta-Clark, opera conclusiva della serie di "14 Performance" che realizzarono nel maggio 1978 durante la "European Performance Series" al Brooklyn Museum di New York.

Nel 1980 "Rest Energy" , una performance in cui Ulay impugnava una freccia e Abramović l'arco. Mentre entrambi si appoggiavano allo schienale, la freccia puntava al cuore di Abramović. La vita di lei era nelle sue mani, come spesso accadeva nelle loro performance congiunte.

"Come Lutero", Abramović e Ulay collocarono un cactus in una galleria, lo circondarono con del filo spinato e chiesero ai galleristi di rivolgergli ogni giorno un saluto affettuoso. Volevano vedere se, in un ambiente così protetto e amorevole, avrebbe perso le spine (non lo fece).

E così andò avanti (con ampio spazio per le loro personali scoperte di performance spettacolari) finché Abramović e Ulay si separarono nel 1988/1989. Non così, e non di cattivo umore, ovviamente, ma con una performance, una performance di tre mesi sulla Grande Muraglia cinese.

Ulay è partito da ovest, Abramović da est, poi hanno corso per 2.500 chilometri l'uno verso l'altro. Tuttavia, non era proprio questo il piano; quando lo spettacolo è iniziato, si chiamava "The Lovers" e aveva lo scopo di ricucire la loro già fragile relazione.

Quando Ulay mise incinta la traduttrice cinese lungo il cammino e lo confessò ad Abramović alla fine del cammino di riconciliazione di 2500 chilometri, non ci fu molto che si potesse fare per evitarlo... l'incontro in mezzo al muro fu l'ultimo incontro tra Ulay e Abramović per molto tempo.

A partire dal 1989, Abramović ha collaborato con il regista, performer e videoartista Charles Atlas (noto per la sua lunga collaborazione con Merce Cunningham, che ha dato vita a 10 film di danza) allo spettacolo teatrale "The Biography", che presenta la sua carriera artistica fino a oggi come un'opera solista. "The Biography" ha debuttato nel 1992 e presenta diverse sfaccettature della sua pratica artistica e del suo sviluppo personale in ogni spettacolo.

Nel 1994, Abramović mise in scena lo spettacolo teatrale Delusional, in cui espresse la sua impotenza e rabbia per gli eventi accaduti durante le guerre jugoslave, un precursore dello spettacolo Balkan Baroque del 1997, incentrato sul dolore per le atrocità accadute, sulle numerose vittime e sull'ormai irreversibile stato di degrado.

Nel 2001, per la sua opera "Human Nests", Abramović ha scavato sette piccole grotte artificiali nelle pareti di una cava, dotando ciascuna di una scala di corda. Destinate alla contemplazione, ma "guarnite" con il rischio di cadere dalle piccole cavità, creano un ambiente al tempo stesso protetto e inquietante.

Nel 2002, l'artista trascorse dodici giorni e dodici notti alla Sean Kelly Gallery di New York per la sua opera "The House with the Ocean View", in tre stanze aperte al pubblico. Beveva solo acqua minerale, si asteneva dal mangiare, parlare, scrivere o leggere, non dormiva più di sette ore al giorno e faceva la doccia tre volte al giorno: un ritiro di meditazione monastica in pubblico, nel cuore di New York.

"Tesla Ball" risale al 2003 .

“Sette pezzi facili” sopra descritti , avviando una discussione fondamentale sulla permanenza e la durevolezza della performance art.

Nello stesso anno, Abramović ha prodotto il film d'autore "Balkan Erotic Epic" , che parla di riti sessuali e di fertilità nei Balcani: Abramović spiega vari riti in singole scene, mentre le donne tenevano i seni al sole e le vulve sotto la pioggia e gli uomini si masturbavano o penetravano il terreno (descrizione un po' confusa, ma non sembra che si sappia perché le donne non tenessero anche le vulve al sole o quanto fosse duro il terreno che gli uomini avrebbero dovuto penetrare).

Nel 2010, ad Abramović fu nuovamente richiesto di rimanere immobile per "qualche ora" nella performance "The Artist is Present", questa volta seduta. Estratti della performance senza Ulay nell'inquadratura sono disponibili nell'undicesima parte della serie YouTube del documentario "The Future of Art" (Erik Niedling, Ingo Niermann, Germania, 2010):

(La serie, con le sue 21 puntate su molti importanti artisti contemporanei, merita di essere guardata nel suo complesso).

Nel 2011, "The Life and Death of Marina Abramović" ha debuttato al Manchester International Festival, The Lowry, Manchester, Regno Unito. Questa "intersezione tra teatro, opera e arti visive" è stata creata dal genio teatrale e artista poliedrico Robert Wilson in collaborazione con Marina Abramović e, dopo la sua première, ha fatto tappa in festival teatrali e spazi espositivi.

deSingel ad Anversa, Theater Carre ad Amsterdam, Theater Basel, Teatro Real a Madrid, Luminato Festival a Toronto e Park Avenue Armoury a New York; alla fine della “serie di scene magistrali” il pubblico si è alzato in piedi e ha applaudito (The Independent, Regno Unito).

Ecco due estratti:

Nel 2013, Abramović ha disegnato la scenografia per la nuova produzione del "Boléro" di Maurice Ravel all'Opéra Garnier di Parigi. La regia è stata affidata a Sidi Larbi Cherkaoui e Damien Jalet, mentre i costumi dei ballerini sono stati disegnati dallo stilista italiano Riccardo Tisci della casa di moda parigina Givenchy.

Dall'11 giugno al 25 agosto 2014, Abramović ha realizzato la performance a lungo termine "512 Hours" alla Serpentine Gallery di Londra. Ha rinunciato completamente agli oggetti e ha costretto il pubblico a fare lo stesso: chiunque poteva entrare e trascorrere del tempo con lei durante l'orario di apertura, ma era tenuto a lasciare giacche, bagagli e dispositivi elettronici al guardaroba.

Abramović ha pubblicato un resoconto quotidiano della sua giornata sotto forma di un videodiario personale. Un'intervista con Marina Abramović su questa e altre sue performance può essere letta sulla Süddeutsche Zeitung: "Bisogna essere pronti a cadere da terra ".

spettacolo "Seven Easy Pieces", messo in scena al Guggenheim di New York nel 2005, Abramović ha avviato una discussione che potrebbe cambiare significativamente la performance art: se una performance possa essere nuovamente rappresentata, come la conoscenza culturale della performance art debba e possa essere preservata e come si presenti la tutela dei diritti degli artisti in quanto produttori: tutte nuove questioni che potrebbero sconvolgere la comprensione tradizionale della performance art.

Se in precedenza si riteneva che la performance fosse legata al corpo dell'esecutore e non ripetibile, ora gli esecutori, i fruitori e i valutatori della performance devono confrontarsi con la ripetibilità e la ri-performabilità, con lo scambio di conoscenze artistiche il cui significato culturale e storico è andato finora perduto nel tempo.

Così facendo, Abramović si batte anche per la stabilizzazione della forma d'arte della performance, poiché è l'unico modo in cui gli artisti performativi possono riuscire a far valere i diritti sulle loro opere contro lo sfruttamento commerciale e la falsa rappresentazione in un mondo di crescente digitalizzazione e intercambiabilità della conoscenza culturale.

A proposito, le opere di Abramović appena presentate non sono certo tutte; c'è ancora molto da scoprire nell'opera di questa artista sensibile e straordinaria per chi è interessato all'arte del nostro tempo.

Il lavoro di Marina Abramović in pubblico: mostre, arte negli spazi pubblici e nelle collezioni pubbliche

Le opere di Marina Abramović sono state esposte al pubblico in 79 mostre personali e 632 mostre collettive , ovvero oltre 700 mostre pubbliche, di cui 122 negli Stati Uniti, 79 in Germania, 63 in Italia, oltre 50 in Spagna, oltre 40 in Francia e le restanti 350 sparse in tutto il mondo.

Ecco una selezione dei momenti salienti, biennali e documentari:

• 1975 IX Biennale di Parigi
• 1982 documenta 7, Kassel
• 1982 4a Biennale di Sydney: Vision in Disbelief, Sydney, NSW
• 1985 18° Biennale di San Paolo, San Paolo, Brasile
• 1987 documenta 8, Kassel
• 1990 Biennale dell'immagine del movimento '90, Madrid
• 1992 documenta 9, Kassel
• 1995 4a Biennale Internazionale di Istanbul, Istanbul
• 1995 SITE Prima Biennale Internazionale di Santa Fe - Desiderio e Appartenenza: Dal Faraway Nearby, Santa Fe, NM
• 1997 47a Biennale di Venezia, Venezia
• 2000 Prima Triennale d'Arte Echigo-Tsumari 2000, Niigata-ken, Giappone
• 2001 Yokohama 2001 – Triennale Internazionale d’Arte Contemporanea, Yokohama, Tokyo
• 2003 50a Biennale di Venezia, Venezia
• 2003 II Biennale di Valencia – La Ciudad Ideal, Valencia
• 2004 Terza Biennale Internazionale di Media Art di Seul – Digital Homo Ludens (Gioco e Gioco), Seoul Musuem of Art (SeMA), Seul
• 2005 5a Biennale di Cetinje, Cetinje, Montenegro
• 2005 5a Biennale del Mercosul, Porto Alegre, Brasile
• 2007 52a Biennale di Venezia, Venezia
• Biennale di Praga 2007 3, Karlin Hall, Praga
• 2007 ArtFilmBiennale 2007, Kunstmuseum Bonn
• Triennale di Yokohama 2008 – Time Crevasse, Central and Waterfront Sites, Yokohama
• 2008 28° Biennale di San Paolo, San Paolo
• 2008 Biennale di Mediazione 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 Xviii Biennale Internazionale di Scultura, Accademia di Belle Arti di Carrara
• 2009 5a Bienal VentoSul – o mundo todo aqui, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brasile
• 2009 3a Biennale di Arte Contemporanea di Mosca, Mosca
• 2009 7a Biennale di Firenze, Firenze
• Biennale delle immagini in movimento 2009, Deventer
• 2011 54a Biennale di Venezia, Venezia
• 2011 3a Biennale delle immagini in movimento, Videoarte ispirata, Deventer
• 2012 11a Biennale dell'Avana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, L'Avana
• 2012 7a Biennale Internazionale di Arte Mediatica di Seul, Seoul Museum of Art (SeMA), Seul
• 2013 4a Biennale di Arte Contemporanea di Salonicco – Le vecchie intersezioni lo rendono nuovo 2, Museo Statale di Arte Contemporanea, Salonicco
• 2013 2a Biennale del Mediterraneo a Sakhnin, Museo del patrimonio arabo di Sakhnin, Israele
• 2014 V Bienal De Arte Contemporáneo De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1° Trio Bienal, Rio de Janeiro, Brasile

Marina Abramovic come personaggio pubblico: premi e riconoscimenti, attività didattica, conseguenze

Una selezione dei premi ricevuti da Marina Abramovic:

• 1982 Premio ars viva per la videoarte, Circolo culturale dell'economia tedesca nella Federazione delle industrie tedesche (BDI), insieme a Uwe Laysiepen
• 1997 Leone d’Oro alla XVIII Biennale di Venezia, per lo spettacolo “Balkan Baroque”
• Premio d'arte della Bassa Sassonia 2003
• Premio Bessie 2003, per "La casa con vista sull'oceano"
• 2004 Dottorato honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago
• 2008 Onorificenza austriaca per la scienza e l'arte
• 2009 Dottorato onorario in Arti, Università di Plymouth, Inghilterra
• Premio per la leadership culturale 2011, American Federation of Arts, New York
• Premio alla carriera del 13 luglio 2012, Podgorica, Montenegro
• 2012 Nominato nella giuria del concorso della 69a Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia
• Orso di Berlino 2012, premio del quotidiano BZ Berlin
• Membro onorario della Royal Academy of Arts, Londra, 2012
• Membro del 2013 della National Academy of Design, New York
• Premio Globet 2018
• Premio Principessa delle Asturie per l'arte 2021

Subito dopo aver completato gli studi, Marina Abramović iniziò a trasmettere le sue conoscenze e la sua esperienza: negli anni Settanta iniziò a insegnare all'Accademia di Belle Arti di Novi Sad.

Dal 1990 al 1991, Marina Abramović è stata professoressa ospite presso l'Académie des Beaux-Arts di Parigi e presso l'Università delle Arti di Berlino.

Dal 1992 al 1996 è stata professoressa presso l'Università di Belle Arti di Amburgo e dal 1997 al 2004 è stata professoressa di performance presso l'Università di Belle Arti di Braunschweig.

Nel 2005 ha fondato l'Independent Performance Group (IPG) a New York, un forum per la performance art contemporanea che collabora con giovani artisti di talento. Nel 2007, l'Independent Performance Group si è sciolto e Abramović ha fondato la Marina Abramović Foundation for Preservation of Performance Art .

I preparativi per l'istituzione del "Marina Abramović Institute" (MAI) sono in corso dal 2012. L'istituto si propone di sostenere lo sviluppo di arti performative innovative e, in quanto "archivio vivente", di preservare le performance storiche attraverso la loro rinascita.

Nell'ambito di questo progetto a lungo termine, un edificio a Hudson, New York, sarà convertito e ristrutturato a partire dal 2013. Ospiterà il Marina Abramović Institute. L'edificio, che ospita anche un "Office for Metropolitan Architecture" progettato dall'architetto Rem Koolhaas, si estende su 3.000 metri quadrati.

Abramović intende utilizzare gli spazi come un “laboratorio per lo studio dell’arte legata al tempo e senza tempo” – performance art, ma anche film, musica, opera, danza, teatro, video – e collaborare con professionisti provenienti dai campi della scienza, della tecnologia e dell’istruzione, OMA – Marina Abramovic Institute .

Nella fase attuale dello sviluppo del progetto, gli architetti Rem Koolhaas e Shohei Shigematsu coinvolti come partner. Rem Koolhaas è un architetto olandese di fama internazionale che ha fondato l'ormai rinomato studio di architettura OMA (Office for Metropolitan Architecture) a Rotterdam nel 1975 con Elia e Zoe Zenghelis e Madelon Vriesendorp.

L'OMA e il suo think tank affiliato, AMO, per progetti che vanno oltre l'architettura e l'urbanistica, sono attivi e rinomati a livello internazionale. L'OMA è responsabile di un elenco impressionante di edifici architettonici contemporanei d'avanguardia, tra cui in Germania la Koolhaas House al Checkpoint Charlie, l'Axel Springer Campus, l'Ambasciata olandese a Berlino e l'ampliamento del sito Patrimonio dell'Umanità Zollverein a Essen. Nel resto del mondo, la Kunsthalle di Rotterdam, il Nexus Housing a Fukuoka, in Giappone, i negozi Prada Epicenter a Beverly Hills e New York, il Guggenheim Hermitage a Las Vegas, la Casa da Música a Porto e il National University Museum of Art di Seul; l'elenco include altri 295 edifici.

Nel 2000, Rem Koolhaas ha ricevuto il Pritzker Architecture Prize, un premio di fama mondiale per l'architettura, un anno dopo Norman Foster e un anno prima di Herzog & de Meuron. Nel 2014 è stato nominato direttore della 14a Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia ("Fundamentals"). Come professore ad Harvard, Koolhaas è impegnato nella ricerca fondamentale in architettura.

Shohei Shigematsu lavora presso OMA dal 1998 ed è diventato socio nel 2008. Dal 2006 dirige la sede di OMA a New York. Tra i numerosi edifici urbani, Shigematsu ha progettato luoghi culturali come il Quebec National Beaux Arts Museum e il Faena Arts Center di Miami Beach e ama collaborare direttamente con artisti (ad esempio, Cai Guo Qiang, Marina Abramović e Kanye West). Presso la Harvard Graduate School of Design, dirige un istituto di ricerca chiamato "Alimentary Design, Investigating the Intersection of Food, Architecture, and Urbanism".

Il motto del MAI è militante: "L'arte può essere praticata solo in società distruttive che devono essere ricostruite" – al momento sembrano essercene molte, quindi il MAI ha molto da fare; proprio come il "barocco balcanico" sta acquisendo triste rilevanza nel mondo un po' più a sud.

Un'altra delle attività orientate al futuro di Marina Abramović è la condivisione del Metodo Abramović, una serie di esercizi olistici per corpo e mente che Abramović ha sviluppato negli ultimi 40 anni per sperimentare e superare i limiti del corpo e della mente.

In linea con la medicina moderna, che sta superando a ogni passo i limiti della medicina tradizionale, Abramović ha sviluppato esercizi meditativi e fisici in grado di proteggere gli artisti performativi dai danni fisici causati dallo stress tipico associato alla performance.

Insegna questo metodo principalmente ai giovani artisti performativi, come ulteriore modo, insieme alle idee trasmesse tramite MAI, per rendere l'arte performativa e le generazioni successive di artisti performativi "adatte al futuro".

75 anni nel 2021 e, nel corso della sua lunga vita, è diventata la regina controversa ma molto rispettata della performance art . Ha davvero reso il genere famoso. Per riuscirci, a volte è rimasta seduta in silenzio su una sedia per più di 700 ore, si è lanciata contro i muri e si è tagliata a sangue con le lamette.

Accesso attuale a Marina Abramovic

È possibile seguire un incontro di un'ora con l'artista Sam Keller, direttore del Museo svizzero d'arte e della Fondation Beyeler, qui: https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (in inglese).

intitolato "Balkan Baroque" , la cui sceneggiatura è stata scritta dal regista Pierre Coulibeuf insieme all'artista. Marina Abramović interpreta se stessa nel film, Ubu Film: Pierre Coulibeuf .

È possibile ammirare le opere di Marina Abramović nelle seguenti gallerie:

• Brasile: Luciana Brito Galeria São Paulo
• Grecia: Galleria Kappatos, Atene
• Italia: Galleria Lisson Milano, Galleria Lia Rumma Napoli
• Paesi Bassi: PARC Editions Lent
• Norvegia: Galleria Brandstrup Oslo
• Austria: Galerie Krinzinger, Vienna
• Spagna: Bernal Espacio Galería Madrid, La Fabrica Galeria Madrid
• Svizzera: Art Bärtschi & Cie Ginevra
• USA: Kathryn Miriam Greenwich CT, Kunzt.gallery Miami FL, Sean Kelly Gallery New York City NY
• Regno Unito: Lisson Gallery London

Marina Abramovic nelle collezioni pubbliche:

• Australia: Galleria d'arte del Nuovo Galles del Sud Sydney NSW, Museo di arte contemporanea di Sydney (MCA) Sydney NSW
• Belgio: Museo d'Arte Contemporanea di Anversa (MuHKA) Anversa, Stedelijk Museum for Actual Art (SMAK) Gand
• Germania: Collezione Wemhöner Berlino, Kunsthalle Bielefeld, Museo Ludwig Colonia, Collezione Julia Stoschek Dusseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle Kiel
• Finlandia: Museo d'Arte Contemporanea Kiasma Helsinki
• Francia: Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Grecia: Museo Nazionale d'Arte Contemporanea (EMST) Atene
• India: Museo d'Arte Kiran Nadar (KNMA) Nuova Delhi
• Italia: Studio Stefania Miscetti e Fondazione Nomas Roma
• Canada: Galleria Nazionale del Canada Museo delle belle arti del Canada Ottawa ON
• Croazia: Museo d'arte contemporanea (MSU) Zagabria
• Lussemburgo: Museo d'Arte Moderna Grand-Duc Jean (MUDAM) Lussemburgo
• Macedonia: Museo orientale del disegno di Skopje
• Paesi Bassi: Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Polonia: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Serbia: Museo d'arte contemporanea di Belgrado (MoCAB)
• Slovenia: Moderna Galerija Lubiana
• Spagna: Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, Collezione ARCO e Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Mallorca, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Svezia: Fondazione Wanas Knislinge
• Svizzera: Museo d'arte di Berna, Museo d'arte vallesano di Sion, Museo d'arte del cantone di Turgovia Warth
• USA: Museum of Contemporary Photography (MoCP) Chicago IL, Eileen S. Kaminsky Family Foundation (ESKFF) Jersey City NJ, The Progressive Art Collection Mayfield Village OH, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) Miami FL, Solomon R. Guggenheim Museum e Museum of Modern Art (MoMA) New York City NY, The Fabric Workshop and Museum Philadelphia PA, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) San Francisco CA

Su pippinbarr.com/games/dmai troverai il “Digital Marina Abramović Institute”, dove puoi fare molto… e supportare il vero Marina Abramović Institute: “Se ti piace l'esperienza digitale dell'Istituto, aiutaci a rendere il MAI una realtà sostenendolo qui.”

Nel 2010 è stata pubblicata la biografia “When Marina Abramović Dies” ; un'intervista con il biografo e autore James Westcott può essere letta su ARTFCITY: When Marina Abramović Dies, An Interview with Biographer and Author James Westcott .

Nel 2012 è uscito il film documentario “The Artist Is Present” di Matthew Akers e Jeff Dupre, che mostra i preparativi per la retrospettiva, la performance e gli eventi al MoMA.

Uno dei suoi progetti più recenti, "7 Deaths of Maria Callas ", è stato celebrato a Monaco e Parigi qualche mese fa. In quest'opera di musica, canzone e film, l'artista mette in scena la sua morte insieme all'attore statunitense Willem Dafoe.

Abramovic ha trascorso la maggior parte della pandemia di coronavirus nella campagna vicino a New York, dedicandosi al giardinaggio, nuotando, osservando gli animali e praticando yoga.

"Sento di aver raggiunto la fase migliore della mia vita. Non bevo, non fumo, non mi drogo e faccio cinquanta minuti di yoga ogni mattina , ha affermato l'artista pluripremiata , che quest'anno è stata insignita, tra gli altri premi, del premio Principessa delle Asturie di Spagna.