Marina Abramovic: Arte per società distruttive

L'articolo Marina Abramović o "L'artista e la sua storia" ha trattato in dettaglio i retroscena storici e personali che giocano un ruolo nelle considerazioni sull'artista Marina Abramović e sul suo lavoro (forse più che per altri artisti).

Ora l'attenzione è rivolta allo sviluppo di Abramović come artista e allo sviluppo della sua opera.

Come è arrivata Marina Abramovic all'arte e alla sua arte?

L'articolo appena citato sull'artista Abramović ha dimostrato che Marina Abramović proviene da una famiglia in cui l'arte e la creatività hanno avuto e continuano ad avere un ruolo importante.

Marina Abramović ha dichiarato in un'intervista: "Ho sempre saputo che avrei vissuto come un'artista. Era una necessità […] l'unico modo in cui potevo funzionare in questo mondo" (Lynn MacRitchie, 1996, 'Marina Abramović: Exchanging Energies', Performance Research, Volume 1, p. 29).

Abramović studiò pittura all'Accademia di Belle Arti di Belgrado subito dopo il diploma di scuola superiore, dal 1965 al 1970. I suoi compagni di corso la descrissero come una giovane donna straordinariamente bella, sicura del suo impatto sugli altri, straordinariamente dotata nella comunicazione e sempre entusiasticamente ottimista.

A quel tempo, Abramović dipingeva un'arte figurativa sofisticata e raffinata su tele più grandi di qualsiasi altro studente, creando dipinti potenti di oltre due metri quadrati. Dal 1968 in poi, Abramović iniziò a pubblicare testi, disegni e le sue prime opere concettuali.

Che si è inesorabilmente evoluto in performance art come espressione artistica di Abramović, anche se solo attraverso rifiuti e coincidenze:

Nel 1970, Abramović volle esibirsi per la prima volta in una famosa galleria di Belgrado, sostituendo gradualmente i suoi abiti di fronte al pubblico con quelli della sua giovinezza scelti dalla madre (gonna lunga fino al polpaccio, calze spesse, scarpe che ricordavano quelle ortopediche), poi puntandosi una pistola carica alla testa e premendo il grilletto.

O questa proposta della Galleria Doma Omaldine era troppo pericolosa, oppure la protesta giovanile contro i tentativi protettivi delle madri preoccupate di ridurre l'attrattiva era troppo radicale per loro; in ogni caso, la proposta di Abramović si è tradotta in una mostra delle sue prime opere astratte , una serie di dipinti di nuvole.

La prima performance di Abramović non ebbe quindi luogo fino al 1971, quando lei e altri studenti esposero le loro opere allo SKC (Studentski kulturni centar Beograd = Centro Culturale Studentesco di Belgrado) in ottobre. Abramović si era sdraiata su un tavolo in una galleria vicina (a quanto pare era solo stanca), e il collega artista Era Milivojević avvolse la donna sdraiata con un po' di nastro adesivo che gli capitava tra le mani, finché non sembrò una mummia: si trattava di performance art, anche se il significato dell'opera d'arte doveva essere reinterpretato.

L'artista aveva evidentemente apprezzato l'esperienza; dal 1973 in poi iniziò a creare le sue prime performance, sia personali che pianificate.

Non si sono limitati a usare il nastro adesivo; Marina Abramović ha chiarito inequivocabilmente fin dalle sue prime esibizioni che accontentare l'arte istituzionale non faceva per lei.

Poco tempo dopo, nel 1975, lo rese chiaro al grande pubblico partecipando a una performance di Hermann Nitsch . Il co-fondatore dell'Azionismo Viennese a quel tempo non era più viennese; aveva irritato i "Renani dell'Est" per così tanto tempo, nei primi anni '60, con scandalose azioni pittoriche e orge teatrali misteriose, che le autorità lo resero incapace di esibirsi e creare arte per settimane, con la reclusione, a cui Nitsch alla fine rispose trasferendosi in Germania.

Sia per Nitsch che per Abramović, la collaborazione con un altro artista non fu chiaramente un successo: Nitsch in seguito si avvalse solo di non professionisti, mentre Abramović commentò di non essere motivata a lavorare all'interno di un concept altrui; la performance fu nel complesso così insignificante che non esiste alcun resoconto dettagliato. Ciononostante, Hermann Nitsch e Marina Abramović riuscirono a entrare nella lista delle "10 performance artistiche più scioccanti di sempre" stilata dal "The Guardian" di Londra nel 2013.

Lo sanno tutti! – Le opere più importanti di Marina Abramovic

Che l'arte istituzionale non faccia per lei è dimostrato anche dalle opere più importanti di Abramović, che la maggior parte delle persone (colte nell'Europa centrale) conoscono. E anche questa breve panoramica chiarisce quanto movimento ci sia nell'arte di Marina Abramović:

"Balkan Baroque" è un'installazione video-performativa che Abramović ha messo in scena nel 1997 nel padiglione jugoslavo della 47a Biennale di Venezia. Abramović ha commentato la sua patria e il conflitto nei Balcani strofinando montagne di ossa fresche di bovini con una spazzola per ore ogni giorno, insieme a un trittico di proiezioni video, mentre cantava canti funebri della sua terra natale.

"Seven Easy Pieces" al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. La performance è durata sette giorni e ha riproposto sei performance storiche di altri artisti che avevano suscitato scalpore negli anni '60 e '70; la settima performance era una sua nuova opera.

Abramović ha fatto riferimento:

• "Seedbed" di Vito Acconci del 1972
• “Come spiegare le immagini a una lepre morta” di Joseph Beuys del 1965
• di VALIE EXPORT del 1969
• “Body Pressure” di Bruce Nauman
• Il “condizionamento” di Gina Pane del 1973
• La sua performance “Lips of Thomas” del 1975
• La nuova performance originale si chiamava "Entering the Other Side"

"The Artist is Present" al Museum of Modern Art (MoMA) nel 2010, durante una retrospettiva del suo lavoro al museo newyorkese. Per tutta la durata della mostra, dal 14 marzo al 31 maggio 2010, Abramović si è seduta a un tavolo nell'atrio del museo, con una sedia per i visitatori di fronte a lei.

Abramović rimase in silenzio; quanto fossero loquaci i visitatori lo si può vedere in alcuni minuti del seguente video..

…con il momento toccante in cui il suo compagno di lunga data Ulay si è seduto sulla sedia riservata ai visitatori. In totale, Abramović è rimasta seduta lì per ben 721 ore; alla fine della performance, era stata vista da 750.000 visitatori ed era stata "posseduta" da oltre 1.500 persone.

Questi non erano certo tutti gli esempi “che tutti conoscono”; l’arte di Marina Abramović è di una ricchezza e diversità straordinarie:

L'arte di Marina Abramovic: da una spettacolare performance solista a una performance eterna

La prima performance di Marina Abramović nel 1971, con il suo atteggiamento da mummia, era ancora piuttosto innocua, ma non dovette lavorare con lo scandaloso attivista Hermann Nitsch per scatenarsi davvero:

Nel 1973, Abramović si divertiva in "Rhythm 10" a infilzare gli spazi tra le sue dita divaricate con 20 coltelli (un omaggio alle artiste del passato, vedi Art-o-Gramm: Picasso – The Artist, Life and Love – Scenes 2 and 5 su Dora Maar, che si abbandonava anche a questa malsana abitudine). Abramović, in ogni caso, si tagliava spesso e gravemente, eppure "Rhythm 10" è ancora (o forse proprio per questo) considerata la sua prima opera "adulta".

In Rhythm 5 (1974), Abramović immerge una cornice di legno a forma di stella a cinque punte (che evoca la "Stella Rossa" dei comunisti) in 100 litri di benzina, le dà fuoco e, dopo qualche capriccio, salta dentro la cornice e si sdraia sul pavimento della galleria. Perde immediatamente conoscenza in questo spazio ormai privo di ossigeno.

Abramović è stata salvata da uno spettatore che si è appena reso conto che una Marina Abramović insolitamente immobile non si adattava a un'esibizione altrimenti ricca di azione; l'ambulanza è arrivata giusto in tempo e l'ha trasportata in ospedale. Qui potete vedere lo spettacolo in fiamme con la Abramović mezza morta al centro.

Abramović evidentemente sopravvisse di buon umore; nello stesso anno seguì "Rhythm 0": una performance di sei ore in cui Abramović rimase in silenzio in mezzo al pubblico. Vennero forniti 72 oggetti, con l'invito a farne ciò che desideravano all'artista. Tra questi oggetti c'erano rose e piume, profumo e miele, pane, uva e vino, forbici e un bisturi, lamette e chiodi, un'asta di metallo e una pistola carica.

Abramović voleva scoprire fin dove si sarebbe spinto il pubblico. Iniziò con delicatezza, accarezzandola, regalandole fiori, baciandola e nutrendola; ben presto, la imbrattarono di rossetto, le versarono acqua sulla testa, le infilarono spine di rosa nell'ombelico... a metà dello spettacolo, il pubblico le aveva già tagliato i vestiti con delle lamette; alla quarta ora, le esplorarono la pelle con le stesse lamette, e un ammiratore le tagliò persino la gola per berne il sangue.

Ne seguì una serie di aggressioni sessuali, che l'artista, determinata a esplorare e denunciare il comportamento di gruppo umano, subì; quando il pubblico notò la sua risoluta resa di volontà, si formò un gruppo per proteggerla.

Quando la pistola carica venne puntata alla testa di Abramović e il suo dito venne posizionato sul grilletto, scoppiò una rissa tra il pubblico... Brutto, spaventoso, disilluso: quando Abramović si svegliò la mattina dopo, aveva una ciocca grigia tra i capelli.

Se solo avesse avuto accesso allora alle conoscenze disponibili oggi su internet! Bastano poche informazioni per capire che gruppi di persone seguono leader forti (che hanno ovviamente cattive intenzioni, anche verso se stessi) e inspiegabilmente accettano come vere anche affermazioni palesemente false non appena si sentono turbati, confrontati con qualcosa di nuovo o con dei cambiamenti (si potrebbe anche dire che gruppi di persone mostrano tendenze verso comportamenti di gruppo autodistruttivi non appena la vita non va come al solito, Pegida manda i suoi saluti).

Se Abramović avesse letto solo i resoconti su “The Wave”, l’esperimento di Milgram e l’esperimento di conformità di Solomon Asch, non sarebbe stata meno spaventata o disillusa, ma avrebbe potuto risparmiarsi l’esperienza fisica…

• "L'onda"
• esperimento di Milgram
• Esperimento di conformità

Abramović potrebbe essere stata emotivamente fragile in quel momento, poiché il suo primo matrimonio era appena finito. Dal 1971 al 1976, Abramović è stata sposata con l'artista serba Neša Paripović , ex compagna di corso all'Accademia di Belgrado, con la quale aveva anche collaborato presso il centro culturale studentesco nei primi anni '70.

Entrambi lavoravano in un gruppo informale con altri artisti, nientemeno che sulla decostruzione del concetto modernista di arte. Anche questo lavoro non fu privo di conflitti: quando il gruppo dovette affrontare un incontro e una discussione con Joseph Beuys a un festival a Edimburgo, in Scozia, nel 1973, si sciolse poco dopo.

Il matrimonio potrebbe non essersi concluso in modo del tutto pacifico: quando, nei primi anni 2000, il biografo di Abramović, James Westcott, chiese a Neša Paripović di rilasciare un'intervista, si dice che lui abbia semplicemente riattaccato il telefono.

Nel 1975, Marina Abramović eseguì le "Labbra di Tommaso" in una galleria in Austria: completamente nuda, mangiò un chilo di miele, bevve un litro di vino rosso, si incise un pentagramma sullo stomaco con delle lamette e si sdraiò sanguinante e barcollante su una croce sul ghiaccio; si dice che abbia resistito per mezz'ora.

Ecco un'immagine della performance: Open image (riprodotta al Guggenheim Museum di New York nel 2005). Una sequenza di altre quattro performance del 1975 e del 1976 è disponibile su www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

Nel 1975, Abramović creò "L'arte deve essere bella, l'artista deve essere bello" , una delle sue opere rivoluzionarie, in cui affronta in modo ampio e pratico il tema del bello artista e della bella arte, impossibili da sradicare nella borghesia conservatrice fin dal "Sistema di filosofia teoretica, parte 3, Teoria del gusto" di Wilhelm Traugott Krug (1810). Di seguito ne è riportato un estratto:

Nel 1975, Abramović si trasferì anche ad Amsterdam, dove incontrò e si innamorò dell'artista performativo tedesco Frank Uwe Laysiepen (Ulay). Vissero e lavorarono insieme dal 1979 al 1988, conducendo una vita artistica nomade, in continuo movimento, che la portò persino a visitare gli aborigeni e il Tibet. Molte delle sue opere più famose e influenti risalgono a questo periodo.

"Charged Space" , del 1978, è ora nella collezione del Museum Ludwig di Colonia. Un'immagine fissa della danza folle dedicata a Jane Crawford e Gordon Matta-Clark, l'ultima opera della loro serie "14 Performance", è disponibile su newmedia-art.org. La performance ebbe luogo nel maggio 1978 durante la "European Performance Series" al Brooklyn Museum di New York.

Nel 1980, "Rest Energy" , una performance in cui Ulay teneva una freccia e Abramović l'arco; mentre entrambi si appoggiavano allo schienale, la freccia puntava al cuore di Abramović. Le loro vite erano nelle sue mani, come spesso accadeva nelle loro performance congiunte.

Nel 1982, Abramović e Ulay collocarono un cactus in una galleria nella loro performance "Like Luther" , lo circondarono con del filo spinato e chiesero ai galleristi di rivolgergli ogni giorno un saluto affettuoso. Volevano vedere se, in un'atmosfera così protetta e amorevole, avrebbe perso le spine (non lo fece).

E così continuò (con ampio spazio per le vostre personali scoperte di performance spettacolari) finché Abramović e Ulay si separarono nel 1988/1989. Naturalmente, non così all'improvviso, e non di cattivo umore, ma con una performance: una performance di tre mesi sulla Grande Muraglia cinese.

Ulay è partito da ovest, Abramović da est, poi hanno percorso a piedi 2.500 chilometri l'uno verso l'altro. Tuttavia, questo non era esattamente il piano originale; quando lo spettacolo iniziò, si intitolava "The Lovers" e aveva lo scopo di ravvivare la loro relazione già tesa.

Quando Ulay mise incinta la traduttrice cinese lungo il cammino, e Abramović lo confessò alla fine del cammino di riconciliazione di 2500 chilometri, non ci fu molto che si potesse fare per aiutarla... l'incontro in mezzo al muro fu l'ultimo incontro tra Ulay e Abramović per molto tempo.

Dal 1989, Abramović ha collaborato con il regista, performer e videoartista Charles Atlas (noto per la sua lunga collaborazione con Merce Cunningham, che ha dato vita a 10 film di danza) alla pièce teatrale "The Biography", che presenta la sua vita artistica fino a oggi come un'opera solista. "The Biography" ha debuttato nel 1992 e mette in mostra diverse sfaccettature della sua pratica artistica e del suo sviluppo personale in ogni performance.

Nel 1994, Abramović mise in scena lo spettacolo teatrale Delusional, in cui espresse la sua impotenza e rabbia per gli eventi accaduti durante le guerre jugoslave, un precursore dello spettacolo del 1997 "Balkan Baroque", incentrato sul dolore per le atrocità, le numerose vittime e l'ormai irreversibile stato di disintegrazione.

Nel 2001, per la sua opera "Human Nests", Abramović ha scavato sette grotte artificiali nelle pareti di una cava e ha dotato ciascuna di una scala di corda. Destinate alla contemplazione, ma "guarnite" con il rischio di cadere dalle piccole cavità, le grotte hanno creato un ambiente al tempo stesso protetto e inquietante.

Nel 2002, l'artista ha trascorso dodici giorni e dodici notti in tre stanze aperte al pubblico presso la Sean Kelly Gallery di New York per la sua opera "The House with the Ocean View". Ha consumato solo acqua minerale, non ha mangiato, parlato, scritto o letto, non ha dormito più di sette ore al giorno e si è fatta la doccia tre volte al giorno: un ritiro di meditazione monastica pubblica nel cuore di New York City.

Questo ricordo di Abramović del lavoro del fratello Velimir Abramović, professore di filosofia ed esperto di Tesla, risale al 2003: “Tesla Ball” .

“Sette pezzi facili” sopra descritti , dando così inizio a una discussione fondamentale sulla permanenza e la durevolezza della performance art.

Nello stesso anno, Abramović ha prodotto il film d'autore "Balkan Erotic Epic" , che tratta dei riti sessuali e di fertilità nei Balcani: Abramović spiega vari riti in singole scene, mentre le donne tenevano i seni al sole e le vulve sotto la pioggia, e gli uomini si masturbavano o penetravano il terreno (una descrizione un po' confusa, ma non sembra essere stato registrato il motivo per cui le donne non tenevano anche le vulve al sole o quanto fosse duro il terreno che gli uomini avrebbero dovuto penetrare).

Nel 2010, ad Abramović fu nuovamente richiesto di rimanere immobile per "qualche ora" nella performance "The Artist is Present", questa volta seduta. Estratti della performance senza Ex Ulay sono disponibili nella parte 11 della serie YouTube del documentario "The Future of Art" (Erik Niedling, Ingo Niermann, Germania, 2010).

(La serie, composta da 21 parti che riguardano molti importanti artisti contemporanei, merita di essere guardata per intero).

"The Life and Death of Marina Abramović" nel 2011 al Manchester International Festival, The Lowry, Manchester, Regno Unito. Questo "incrocio di teatro, opera e arti visive" è stato creato dal genio teatrale e artista universale Robert Wilson in collaborazione con Marina Abramović e ha girato festival teatrali e spazi espositivi dopo la sua première.

deSingel ad Anversa, Theater Carre ad Amsterdam, Theater Basel, Teatro Real a Madrid, Luminato Festival a Toronto e Park Avenue Armoury a New York; alla fine della “serie di scene magistrali” il pubblico si è alzato in piedi e ha applaudito (The Independent, Regno Unito).

Ecco due estratti:

Nel 2013, Abramović ha disegnato la scenografia per la nuova produzione del "Boléro" di Maurice Ravel all'Opéra Garnier di Parigi. La regia è stata affidata a Sidi Larbi Cherkaoui e Damien Jalet, mentre i costumi dei ballerini sono stati disegnati dallo stilista italiano Riccardo Tisci della casa di moda parigina Givenchy.

Dall'11 giugno al 25 agosto 2014, Abramović ha realizzato l'opera a lungo termine "512 Hours" alla Serpentine Gallery di Londra. Ha completamente rinunciato agli oggetti e ha costretto il pubblico a fare lo stesso: chiunque poteva entrare durante l'orario di apertura e trascorrere del tempo con lei, ma era tenuto a lasciare giacche, bagagli e dispositivi elettronici al guardaroba.

Abramović ha pubblicato un resoconto giornaliero della giornata sotto forma di un videodiario personale. Un'intervista con Marina Abramović su questa e altre performance è disponibile sulla Süddeutsche Zeitung: "Bisogna essere pronti a cadere da terra ".

Con il suo "Seven Easy Pieces", , Abramović ha innescato un dibattito che potrebbe cambiare in modo decisivo la performance art: se una performance possa essere rieseguita, come la conoscenza culturale della performance art debba e possa essere preservata, come si presenta la tutela dei diritti degli artisti in quanto produttori; tutte nuove domande che potrebbero capovolgere la tradizionale comprensione della performance art.

Mentre in precedenza si dava per scontato che la performance fosse legata al corpo dell'artista e non ripetibile, ora gli artisti, i fruitori e i valutatori della performance devono confrontarsi con la ripetibilità e la ri-eseguibilità, con lo scambio di conoscenze artistiche il cui significato culturale e storico è andato perduto nel tempo.

Abramović si batte quindi anche per la stabilizzazione della forma d'arte della performance; solo in questo modo gli artisti performativi possono riuscire a far valere i diritti sulle loro opere contro lo sfruttamento commerciale e la falsa rappresentazione in un mondo di crescente digitalizzazione e intercambiabilità della conoscenza culturale.

Le opere di Abramović appena presentate non sono certo tutte; c'è ancora molto da scoprire nell'opera di questa artista sensibile e straordinaria per chi è interessato all'arte del nostro tempo.

Il lavoro di Marina Abramović nella sfera pubblica: mostre, arte negli spazi pubblici e nelle collezioni pubbliche

Le opere di Marina Abramović sono state esposte al pubblico in 79 mostre personali e 632 mostre collettive ; ciò significa ben 700 mostre pubbliche, 122 delle quali negli Stati Uniti, 79 in Germania, 63 in Italia, ben 50 in Spagna, ben 40 in Francia e le restanti 350 sparse in tutto il mondo.

Ecco una selezione di eventi salienti, biennali e documentari:

• 1975 IX Biennale di Parigi
• 1982 documenta 7, Kassel
• 1982 4a Biennale di Sydney: Vision in Disbelief, Sydney, NSW
• 1985 18° Biennale di San Paolo, San Paolo, Brasile
• 1987 documenta 8, Kassel
• 1990 Biennale dell'immagine del movimento '90, Madrid
• 1992 documenta 9, Kassel
• 1995 4a Biennale Internazionale di Istanbul, Istanbul
• 1995 SITE Prima Biennale Internazionale di Santa Fe - Desiderio e Appartenenza: Dal Faraway Nearby, Santa Fe, NM
• 1997 47a Biennale di Venezia, Venezia
• 2000 Prima Triennale d'Arte Echigo-Tsumari 2000, Niigata-ken, Giappone
• 2001 Yokohama 2001 – Triennale Internazionale d’Arte Contemporanea, Yokohama, Tokyo
• 2003 50a Biennale di Venezia, Venezia
• 2003 II Biennale di Valencia – La Ciudad Ideal, Valencia
• 2004 Terza Biennale Internazionale di Media Art di Seul – Digital Homo Ludens (Gioco e Gioco), Seoul Musuem of Art (SeMA), Seul
• 2005 5a Biennale di Cetinje, Cetinje, Montenegro
• 2005 5a Biennale del Mercosul, Porto Alegre, Brasile
• 2007 52a Biennale di Venezia, Venezia
• Biennale di Praga 2007 3, Karlin Hall, Praga
• 2007 Biennale del cinema d'arte 2007, Museo d'arte di Bonn
• Triennale di Yokohama 2008 – Time Crevasse, Central and Waterfront Sites, Yokohama
• 2008 28° Biennale di San Paolo, San Paolo
• 2008 Biennale di Mediazione 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 Xviii Biennale Internazionale di Scultura, Accademia di Belle Arti di Carrara
• 2009 5a Bienal VentoSul – o mundo todo aqui, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brasile
• 2009 3a Biennale di Arte Contemporanea di Mosca, Mosca
• 2009 7a Biennale di Firenze, Firenze
• Biennale delle immagini in movimento 2009, Deventer
• 2011 54a Biennale di Venezia, Venezia
• 2011 3a Biennale delle immagini in movimento, Videoarte ispirata, Deventer
• 2012 11a Biennale dell'Avana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, L'Avana
• 2012 7a Biennale Internazionale di Arte Mediatica di Seul, Seoul Museum of Art (SeMA), Seul
• 2013 4a Biennale di Arte Contemporanea di Salonicco – Le vecchie intersezioni lo rendono nuovo 2, Museo Statale di Arte Contemporanea, Salonicco
• 2013 2a Biennale del Mediterraneo a Sakhnin, Museo del patrimonio arabo di Sakhnin, Israele
• 2014 V Bienal De Arte Contemporáneo De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1° Trio Bienal, Rio de Janeiro, Brasile

Marina Abramovic come personaggio pubblico: premi e riconoscimenti, attività didattica, ripercussioni

Una selezione dei premi ricevuti da Marina Abramovic:

• Premio ars viva 1982 per la videoarte, Circolo culturale dell'economia tedesca nel BDI e. V., insieme a Uwe Laysiepen
• 1997 Leone d’Oro alla XVIII Biennale di Venezia, per lo spettacolo “Balkan Baroque”
• Premio d'arte della Bassa Sassonia 2003
• Premio Bessie 2003, per "La casa con vista sull'oceano"
• 2004 Dottorato honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago
• 2008 Decorazione austriaca per la scienza e l'arte
• 2009 Dottorato onorario in Arti, Università di Plymouth, Inghilterra
• Premio per la leadership culturale 2011, American Federation of Arts, New York
• Premio alla carriera del 13 luglio 2012, Podgorica, Montenegro
• 2012 Nomina nella giuria del concorso della 69a Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia
• Orso di Berlino 2012, premio del quotidiano BZ Berlin
• Membro onorario della Royal Academy of Arts, Londra, 2012
• Membro del 2013 della National Academy of Design, New York
• Premio globale 2018
• Premio Principessa delle Asturie per l'arte 2021

Subito dopo aver completato gli studi, Marina Abramović iniziò a trasmettere le sue conoscenze e la sua esperienza: negli anni Settanta iniziò a insegnare all'Accademia di Belle Arti di Novi Sad.

Dal 1990 al 1991, Marina Abramović è stata professoressa ospite presso l'Académie des Beaux-Arts di Parigi e presso l'Università delle Arti di Berlino.

Dal 1992 al 1996 è stata professoressa presso l'Università di Belle Arti di Amburgo e dal 1997 al 2004 è stata professoressa di performance presso l'Università d'Arte di Braunschweig.

Nel 2005 ha fondato l'Independent Performance Group (IPG) a New York, un forum per la performance art contemporanea, per collaborare con giovani artisti di talento. L'Independent Performance Group si è sciolto nel 2007 e Abramović ha fondato la Marina Abramović Foundation for the Preservation of Performance Art .

I preparativi per l'istituzione del "Marina Abramović Institute" (MAI) sono in corso dal 2012. L'istituto ha lo scopo di sostenere lo sviluppo di arti performative innovative e, in quanto "archivio vivente", di preservare le performance storiche attraverso la rievocazione.

Nell'ambito di questo progetto a lungo termine, a partire dal 2013, un edificio a Hudson, New York, sarà convertito e ristrutturato per ospitare il Marina Abramović Institute. L'edificio, che ospita anche un "Office for Metropolitan Architecture" progettato dall'architetto Rem Koolhaas, si estende su una superficie di 3.000 metri quadrati.

Abramović intende utilizzare gli spazi come un “laboratorio per l’esplorazione dell’arte legata al tempo e senza tempo” – performance art, ma anche film, musica, opera, danza, teatro, video – e collaborare con professionisti provenienti dai campi della scienza, della tecnologia e dell’istruzione, OMA – Marina Abramovic Institute .

Nell'attuale fase di sviluppo del progetto, sono coinvolti come partner gli architetti Rem Koolhaas e Shohei Shigematsu . Rem Koolhaas è un architetto olandese di fama internazionale che, nel 1975, ha fondato a Rotterdam quello che è diventato il più prestigioso studio di architettura, OMA (Office for Metropolitan Architecture), insieme a Elia e Zoe Zenghelis e Madelon Vriesendorp.

L'OMA e il suo think tank affiliato AMO, che si concentra su progetti che vanno oltre l'architettura e l'urbanistica, sono attivi e rinomati a livello internazionale. L'OMA è responsabile di un impressionante portfolio di progetti di architettura contemporanea d'avanguardia, tra cui, in Germania, la Koolhaas House al Checkpoint Charlie, l'Axel Springer Campus, l'Ambasciata olandese a Berlino e l'ampliamento del sito patrimonio mondiale dell'umanità Zollverein a Essen; e in altri paesi, la Kunsthal Rotterdam, il Nexus Housing a Fukuoka, in Giappone, i negozi Prada Epicenter a Beverly Hills e New York, il Guggenheim Hermitage a Las Vegas, la Casa da Música a Porto e il National University Museum of Art di Seul; l'elenco include altri 295 edifici.

Nel 2000, Rem Koolhaas ha ricevuto il Pritzker Architecture Prize, un premio di fama mondiale per l'architettura, un anno dopo Norman Foster e un anno prima di Herzog & de Meuron. Nel 2014 è stato nominato direttore della 14a Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia ("Fundamentals"). Come professore ad Harvard, Koolhaas si concentra sulla ricerca fondamentale in architettura.

Shohei Shigematsu lavora presso OMA dal 1998 ed è socio dal 2008. Dal 2006 dirige la sede di OMA a New York. Oltre a numerosi altri edifici urbani, Shigematsu ha progettato luoghi culturali come il Quebec National Beaux Arts Museum e il Faena Arts Center di Miami Beach, e ama collaborare direttamente con artisti (ad esempio, Cai Guo Qiang, Marina Abramović, Kanye West). Presso la Harvard Graduate School of Design, dirige un istituto di ricerca chiamato "Alimentary Design", che indaga l'intersezione tra cibo, architettura e urbanistica.

Il motto del MAI è combattivo: "L'arte può essere realizzata solo in società distruttive che devono essere ricostruite" – al momento sembrano essercene molte, quindi il MAI ha molto da fare; proprio come il "barocco balcanico" sta tristemente acquisendo rilevanza nella parte leggermente più meridionale del mondo.

Un'altra attività lungimirante di Marina Abramović è la diffusione del Metodo Abramović, una serie di esercizi olistici per corpo e mente che Abramović ha sviluppato negli ultimi 40 anni per sperimentare e superare i limiti del corpo e della mente.

In completa sintonia con la medicina moderna, che supera in ogni momento i limiti della medicina tradizionale, Abramović ha sviluppato esercizi meditativi e fisici in grado di proteggere gli artisti performativi dai danni fisici causati dallo stress tipico associato all'arte performativa.

Insegna questo metodo principalmente ai giovani artisti performativi; insieme alle idee trasmesse attraverso il MAI, è un altro modo per rendere l'arte performativa e le generazioni successive di artisti performativi "adatte al futuro".

75 anni nel 2021 e, nel corso della sua lunga vita, è diventata la regina controversa ma molto rispettata della performance art . Ha avuto un ruolo determinante nel rendere popolare il genere. Per riuscirci, a volte si è seduta in silenzio su una sedia per più di 700 ore, si è lanciata contro i muri e si è tagliata a sangue con le lamette.

Accesso attuale a Marina Abramovic

È possibile seguire un incontro di un'ora con l'artista Sam Keller, direttore del museo d'arte svizzero e della Fondation Beyeler, qui: https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (in inglese).

intitolato "Balkan Baroque". La sceneggiatura è stata scritta dal regista Pierre Coulibeuf insieme all'artista. Marina Abramović interpreta se stessa nel film. Ubu Film: Pierre Coulibeuf .

È possibile ammirare le opere di Marina Abramović nelle seguenti gallerie:

• Brasile: Luciana Brito Galeria São Paulo
• Grecia: Galleria Kappatos, Atene
• Italia: Galleria Lisson Milano, Galleria Lia Rumma Napoli
• Paesi Bassi: PARC Editions Lent
• Norvegia: Galleria Brandstrup Oslo
• Austria: Galerie Krinzinger, Vienna
• Spagna: Bernal Espacio Galería Madrid, La Fabrica Galeria Madrid
• Svizzera: Art Bärtschi & Cie Ginevra
• USA: Kathryn Miriam Greenwich CT, Kunzt.gallery Miami FL, Sean Kelly Gallery New York City NY
• Regno Unito: Lisson Gallery London

Marina Abramovic nelle collezioni pubbliche:

• Australia: Galleria d'arte del Nuovo Galles del Sud Sydney NSW, Museo di arte contemporanea di Sydney (MCA) Sydney NSW
• Belgio: Museo d'Arte Contemporanea di Anversa (MuHKA) Anversa, Stedelijk Museum for Actual Art (SMAK) Gand
• Germania: Collezione Wemhöner Berlino, Kunsthalle Bielefeld, Museo Ludwig Colonia, Collezione Julia Stoschek Düsseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle zu Kiel
• Finlandia: Museo d'Arte Contemporanea Kiasma Helsinki
• Francia: Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Grecia: Museo Nazionale d'Arte Contemporanea (EMST) Atene
• India: Museo d'Arte Kiran Nadar (KNMA) Nuova Delhi
• Italia: Studio Stefania Miscetti e Fondazione Nomas Roma
• Canada: Galleria Nazionale del Canada Museo delle belle arti del Canada Ottawa ON
• Croazia: Museo d'arte contemporanea (MSU) Zagabria
• Lussemburgo: Museo d'Arte Moderna Grand-Duc Jean (MUDAM) Lussemburgo
• Macedonia: Museo orientale del disegno di Skopje
• Paesi Bassi: Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Polonia: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Serbia: Museo d'arte contemporanea di Belgrado (MoCAB)
• Slovenia: Moderna Galerija Lubiana
• Spagna: Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, Collezione ARCO e Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Mallorca, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Svezia: Fondazione Wanas Knislinge
• Svizzera: Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Wallis Sion, Kunstmuseum des Kantons Thurgau Warth
• USA: Museum of Contemporary Photography (MoCP) Chicago IL, Eileen S. Kaminsky Family Foundation (ESKFF) Jersey City NJ, The Progressive Art Collection Mayfield Village OH, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) Miami FL, Solomon R. Guggenheim Museum e Museum of Modern Art (MoMA) New York City NY, The Fabric Workshop and Museum Philadelphia PA, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) San Francisco CA

Su pippinbarr.com/games/dmai troverai il “Digital Marina Abramović Institute”, dove potrai fare diverse cose… e supportare il vero Marina Abramović Institute: “Se ti piace l'esperienza digitale dell'Istituto, aiutaci a rendere il MAI una realtà sostenendolo qui.”

Nel 2010 è stata pubblicata la biografia “When Marina Abramović Dies” ; un'intervista con il biografo e autore James Westcott può essere letta su ARTFCITY: When Marina Abramović Dies, An Interview with Biographer and Author James Westcott .

Nel 2012 è uscito “The Artist Is Present”

Uno dei suoi progetti più recenti, "7 Deaths of Maria Callas ", è stato celebrato a Monaco e Parigi qualche mese fa. In quest'opera che unisce musica, canzone e film, l'artista, insieme all'attore statunitense Willem Dafoe, mette in scena la propria morte.

Durante la pandemia di Coronavirus, Abramovic ha trascorso la maggior parte del tempo nella campagna vicino a New York, dedicandosi al giardinaggio, nuotando, osservando gli animali e facendo yoga.

"Sento di aver raggiunto la fase migliore della mia vita. Non bevo, non fumo, non mi drogo e faccio cinquanta minuti di yoga ogni mattina , ha affermato la pluripremiata artista , che quest'anno è stata insignita, tra gli altri riconoscimenti, del Premio Principessa delle Asturie di Spagna.