Comment la mode et l'art s'inspirent mutuellement – Collaborations iconiques

L'art a une influence significative sur le monde de la mode et la créativité des créateurs de mode. Voici notre tentative de décryptation de la relation étroitement ramifiée entre les coopérations les plus importantes.

Depuis le développement de la haute couture au 19e siècle, l'art et la mode deux domaines qui s'attirent et mélangent l'esthétique et la passion. Le lien inséparable entre ces deux disciplines peut être vu dans la façon dont le créateur de mode est inspiré des œuvres d'artistes et vice versa. Ils reconnaissent une variété d'idées et de sujets communs qui traversent les deux mondes, créant une synergie créative qui enrichit à la fois la mode et l'art.

En effet, la mode ne se résume pas à porter des vêtements ; c'est l'expression d'une personnalité, d'une identité sociale et, surtout, d'une création artistique. Les créateurs de mode s'inspirent souvent de divers mouvements artistiques, qu'il s'agisse de l'impressionnisme, du surréalisme ou même de mouvements contemporains comme le street art. Cette interaction crée des créations innovantes qui non seulement ravissent l'œil, mais offrent également une réflexion culturelle plus approfondie.

Des artistes tels que des peintres, des illustrateurs et des photographes sont devenus des acteurs centraux du monde de la mode, dont les contributions augmentent immédiatement la valeur esthétique d'une collection. Dans ce processus, la direction est souvent déterminée par le concepteur, tandis que la reconnaissance mutuelle des performances des autres entraîne l'ensemble.

Un aspect central de cette interrelation est le plaisir de représenter la société . Ces deux sphères répondent aux enjeux sociaux et les reflètent. Si la mode a tendance à être perçue comme une tendance passagère, elle peine encore à être reconnue comme une forme d'art. Pour transcender les idées reçues et surmonter ces barrières, de nombreux créateurs ont intégré des artistes directement dans leur processus créatif.

Cette coopération vous permet non seulement de créer des pièces uniques, mais aussi de rechercher de nouvelles perspectives et de remettre en question les conventions existantes. En combinant l'art visuel et la mode ensemble, ils façonnent les normes existantes et élargissent la conscience du potentiel des deux disciplines.

Commençons par la question récurrente:

Est l'art de la mode?

La mode peut-elle être considérée comme de l'art? Cette question a été posée à maintes reprises pendant des siècles et a besoin d'un examen plus approfondi.

L'industrie de la mode a tenté de s'établir comme une forme d'art sur une longue période de temps. Il existe des conceptions exceptionnelles et complexes qui pourraient clairement être considérées comme des œuvres d'art. De nombreuses créations de haute couture trouvent leur place dans les musées d'art parce qu'ils représentent l'art de l'artisanat dans le traitement des tissus.

La mode peut être aussi impressionnante et expressive que des formes d'art classiques telles que la peinture et la sculpture. Mais la mode peut-elle être considérée universellement comme de l'art?

Une définition de l'art est:

L'expression ou l'application des compétences créatives humaines et de l'imagination, généralement sous une forme visuelle, comme la peinture ou la sculpture, qui crée des œuvres qui sont principalement valorisées en raison de leur beauté ou de leur pouvoir émotionnel ».

De nombreux vêtements et accessoires créés Alexander McQueen, Yves Saint Laurent ou Guo Pei Vos conceptions nécessitent des compétences créatives et de l'imagination. La mode est également perçue visuellement et appréciée pour leur esthétique.

Néanmoins, la discussion pour savoir si la mode est considérée comme l'art est plus complexe si vous pensez à un simple t-shirt blanc. Ce sont sans aucun doute des éléments essentiels de tenues expressives inspirées par la mode de rue. Cependant, ils seuls ne génèrent pas une esthétique attrayante. Un autre aspect de la définition de l'art est lié à un effet émotionnel.

La peinture minimaliste intitulée "Bridge" de Robert Ryman a été vendue aux enchères pour 20,6 millions de dollars. Qu'est-ce qui fait une toile blanche basée? Ou pensons à Mark Rothko . Ce sont sur toile pour l'observateur inexpérimenté d'une technologie batik.

Des peintures blanches sur blanc de Robert Ryman ont été créées, par exemple, du mouvement minimalisme à la fin des années 1950. C'était un recul contre le mouvement artistique de l'expressionnisme abstrait, qui a dominé les années 40 et 50. L'idée de la peinture le fait de l'art. L'expérience de regarder une toile peinte blanche est l'art. La peinture est une image de la possibilité et de sa réflexion.

Un t-shirt blanc vaut à peine 20,6 millions de dollars. Pourtant, il offre à celui qui le porte des possibilités de combinaison et de personnalisation, et peut être un symbole d'identité et une déclaration. Chaque tache, chaque déchirure, chaque trou peut contribuer à l'histoire expressive et à la force émotionnelle de celui qui le porte.

La complexité de la question devient claire dans cette comparaison.

Le créateur de mode français Yves Saint Laurent apporte une perspective intéressante au point avec la citation suivante:

La mode n'est pas en gentillesse, mais besoin d'artiste pour exister »

La série d'interview "est le mode Art" du Metropolitan Museum of Art Bulletin

En novembre 1967, le Bulletin du Metropolitan Museum of Art une série fascinante d'entretiens avec le titre provocateur "Is Fashion Art?" . Le magazine de mode français L'Odiciel en Autriche l'a rapporté.

Cette série d'entretiens a mis les domaines de la mode et de l'art souvent perçus comme un contraste dans un dialogue profond pour la première fois. En fait, la mode et l'art se sont toujours influencés et inspirés au cours des siècles, les deux formes d'expression poursuivant le même objectif global: l'expression des émotions.

Une conclusion du bulletin est deux manifestations différentes, mais complémentaires du travail humain, qui sont, dans une certaine mesure, dans un échange créatif constant.

Il y a d'innombrables occasions dans la vie quotidienne dans lesquelles vous rencontrez des œuvres d'art impressionnantes. Il n'est pas rare que ces travaux provoquent des sentiments aussi intenses que vous semblez les ressentir presque physiquement - comme si chaque ligne, chaque gradation de couleurs et chaque texture font partie d'une expérience sensorielle profonde. Ces réactions émotionnelles sont selon l'un des partenaires d'interview qui rendent l'art et la mode uniques; Ils sont capables de transformer nos habitudes visuelles et notre image de soi.

On peut noter que la mode a souvent la capacité de mettre en œuvre ces sensations abstraites qui ont été précédemment déclenchées par une œuvre d'art dans la réalité tangible. La combinaison de l'expression artistique et du design à la mode permet à l'invisible de devenir visible. De plus, de nombreuses œuvres d'art emblématiques ont trouvé leur chemin dans le monde de la mode au cours de l'histoire et ont donné aux vêtements une signification sémiotique spéciale qui va bien au-delà du physique.

Cette symbiose entre les deux disciplines a produit de nombreuses collaborations exceptionnelles dans le passé.

Coopération légendaire entre les créateurs de mode et les artistes

De nombreux créateurs ont été inspirés par des chefs-d'œuvre artistiques au cours de leur carrière - des œuvres qui ont souvent soudainement contesté leur propre idée de la mode et les ont encouragées à franchir les limites habituelles. En intégrant des éléments d'art contemporain ou classique dans leurs collections, ils ont créé des pièces remarquables dans lesquelles l'art et la mode ont fusionné sur le tissu.

Cette approche interdisciplinaire à ce jour s'avère être fertile et enrichissant en même temps; Il ajoute de nouvelles dimensions au dialogue artistique et a demandé aux téléspectateurs de regarder les vêtements et les œuvres d'art avec une nouvelle attention. L'esprit du travail créatif vit dans cette fusion - il est clair que non seulement l'esthétique est créée dans la combinaison unique de la mode et de l'art, mais aussi une réponse émotionnelle plus profonde est créée.

Elsa Schiaparelli & Salvador Dalí

Le sentiment de l'unicité d'un vêtement augmente considérablement lorsqu'il est lié à une composante artistique - une connaissance que la célèbre créatrice de mode italienne Elsa Schiaparelli a magistralement mise en œuvre. Elle a maintenu des amitiés étroites avec des artistes importants tels qu'Andy Warhol , Pablo Picasso , Man Ray et le légendaire surréaliste Salvador Dalí . Au cours du 20e siècle, elle a conçu de nombreuses pièces qui ont fait apparaître la brillance et la créativité du monde de la mode sous un nouveau jour à travers des designs exceptionnels.

Dans les années 1930, Salvador Dalí et Elsa Schiaparelli ont formé un duo fascinant à l'interface de la mode et de l'art. Elsa a présenté son talent extraordinaire en tant que styliste dans le chef-d'œuvre de Dali "Vêlements de Nuits et de Jour" (vêtements de nuit et de jour), tandis que Dalí a contribué à la conception de l'emblématique "Robe Homard" (robe de homard) et du chapeau de chaussure saisissant. Les modèles développés par l'artiste donnent les créations de la valeur spéciale du designer alors et lui permettent de vous plonger progressivement dans le monde fascinant de l'art.

La robe de dîner Organza avec le homard astucieusement peint est l'un des premiers résultats magistraux de la coopération entre un créateur de mode et un artiste.

En 1937, il a été présenté par Wallis Simpson dans une équipe éditoriale sensationnelle de Vogue, qui comprenait deux côtés, et est maintenant l'un des objets de mode les plus frappants de cette époque.

Étonnamment, la robe de homard a initialement rencontré des réactions mitigées, car le placement des crustacés sur la jupe a été perçu érotiques Ce domaine fascinant de tension entre l'art provocateur et la mode innovante invite le spectateur à se rapprocher de la signification historique de ce vêtements extraordinaires.

Avec la combinaison du design avant-gardiste de Schiaparelli et de la vision surréaliste de Dalí, la robe obtient non seulement une pertinence à la mode, mais aussi une pertinence culturelle qui est encore impressionnante.

Yves Saint Laurent et Piet Mondrian

En 2022, les musées de la région de Paris ont rendu hommage au légendaire créateur de mode Yves Saint Laurent , dont le travail est profondément enraciné dans le monde de l'art. Déjà dans son enfance, l'amant d'art passionné a développé des relations étroites avec divers artistes. Ces rencontres ont façonné son travail créatif et trouvé leur expression dans ses créations.

Un exemple exceptionnel est la collection d'automne-hiver de 1965 , dans laquelle Yves Saint Laurent a présenté une sélection remarquable de vêtements qui honoraient des artistes tels que Piet Mondrian, Henri Matisse , Pablo Picasso et Andy Warhol . Cette collection signifie non seulement des compétences à la mode, mais aussi du pouvoir d'inspiration qui provient de ces grandes personnalités.

Dans le cadre d'une exposition complète intitulée "Yves Saint Laurent aux Musés", les modèles et ensembles emblématiques du designer ont été présentés avec d'importantes collections d'art dans six musées parisiens. Le but de cette exposition était de mettre le fascinant échange entre designers et des artistes sous les projecteurs. Il indique clairement que chaque mode représente également le reflet de la relation artistique avec les artistes respectifs.

Néanmoins, la mode reste souvent dans l'ombre du grand art et n'est pas toujours reconnue comme telle. Le décédé Karl Lagerfeld a estimé que la mode et l'art sont deux zones distinctes. Cette évaluation est également compréhensible, car les œuvres d'art contemporaines peuvent exister au cours des générations, tandis que la mode est soumise à un changement continu afin de répondre aux exigences commerciales en constante évolution.

Bien que ce ne soit pas une coopération complète, mais plutôt une source d'inspiration, la collection de Yves Saint Laurent, qui est dédiée au chef-d'œuvre Piet Mondrian, est sans aucun doute l'un des certificats les plus remarquables pour la mode et l'art.

Dans les années 1960 , lorsque la robe morte s'est transformée en une forme modifiée de la robe de quart, Saint Laurent s'est rendu compte que la nature plate de la robe offrait un espace idéal pour l'intégration des blocs de couleurs. Inspiré par les conceptions de ligne et de couleurs de l'époque néoplasique renommée Mondrian, il a conçu une collection qui ne comprenait que six vêtements. Ces pièces étaient caractérisées par des lignes noires et des couleurs vives et sont rapidement devenus un symbole de la plasticité de la haute couture.

Compte tenu des toiles plates qui ont créé des artistes contemporains dans les années 1960 sur la base de Mondrian, Saint Laurent incarne le sentiment artistique de son temps d'une manière impressionnante. La presse internationale était enthousiaste à propos de ses œuvres d'art extraordinaires. Diana Vreeland l'a félicité dans le New York Times comme la "meilleure collection" , tandis que le quotidien des femmes Women's Wear Saint Laurent a couronné le " roi de Paris" .

Ce lien entre la mode et l'art invite le lecteur à explorer davantage les relations complexes entre ces deux disciplines créatives et à faire face aux influences intemporelles de Mondrian.

Yves Saint Laurent et Vincent Van Gogh

Pour sa collection printemps / été en 1988, Yves Saint Laurent a montré un hommage magistral à l'artiste légendaire Vincent Van Gogh , qui a non seulement relié le monde de la mode, mais aussi celui de l'art d'une manière remarquable. À une époque où les frontières entre différentes disciplines créatives sont de plus en plus floues, Saint Laurent s'est inspiré des peintures emblématiques de Van Gogh "Swords and Sunflowers" et a transféré leur palette de couleurs vivante ainsi que des formes impressionnantes sur les vestes extravagantes. Celles-ci ont été brodées artistiquement par le célèbre Maison LeSage , un studio connu pour son savoir-faire exquis.

Le résultat de ce processus créatif était bien plus qu'une simple création de mode ; c'était une véritable œuvre d'art. Saint Laurent a réussi à capturer d'innombrables nuances et détails complexes dans les motifs floraux, un travail qui a nécessité plus de six cents heures de travail manuel intensif pour chaque veste. Ce dévouement au savoir-faire artisanal et ce souci du détail ont conféré aux vêtements un caractère unique qui les a non seulement propulsés au rang de créateurs de tendances, mais aussi de précieuses pièces de collection.

Par conséquent, ces vestes sont devenues l'un des investissements de mode les plus chers dans le monde et symbolisent la fusion de l'art et de la mode. Avec cette collection extraordinaire, Yves Saint Laurent a non seulement honoré Van Gogh, mais a également prouvé que la mode est bien plus que des vêtements - il peut être un tube de langue pour les formes d'art, qui touche et inspecte même la société contemporaine. 

Yves Saint Laurent et Andy Warhol

Dans les années 1960 scintillantes, Andy Warhol est apparue comme l'une des personnalités les plus fascinantes de l'époque et incarnait un nouveau type d'icônes culturelles qui ont révolutionné l'art et la mode. Son apparence était non seulement remarquable, mais a suscité un intérêt étincelant de la scène de la mode dans le monde de l'art, qui jusque-là n'était pas là dans cette intensité. Warhol, avec son esthétique distinctive et son approche avant-gardiste, a conquis le cœur des créateurs, des artistes et des amateurs de mode.

L'amitié entre Warhol et Yves Saint Laurent fut particulièrement formatrice. Ces deux esprits créatifs trouvèrent en l'autre non seulement un ami, mais aussi un partenaire d'entraînement qui s'inspirait et se mettait mutuellement au défi. Warhol créa une impressionnante série de portraits colorés du créateur , qui non seulement capturent la personnalité de Saint Laurent, mais reflètent aussi l'esprit vibrant des années 1960. Parallèlement, Saint Laurent affirma clairement sa collection révolutionnaire automne-hiver 1966 : il intégra des éléments du mouvement Pop Art à ses créations, donnant ainsi à la mode une nouvelle dimension. Ses créations n'étaient pas seulement portables, elles devinrent l'expression d'une révolution culturelle.

Les effets de l'influence de Warhol sur le monde de la mode sont impressionnants et étendus. De nombreux designers ont été inspirés par son travail et ont présenté ses œuvres emblématiques dans leurs collections. Des noms comme Gianni Versace , Jean-Charles de Castelbajac et RAF Simons témoignent de la fascination continue pour l'esthétique unique de Warhol. Son art, qui a souvent causé les frontières entre la haute culture et la culture populaire, a consolidé son statut d'artiste préféré du monde de la mode et a soutenu son rôle de catalyseur pour les synergies créatives entre l'art et la mode.

Louis Vuitton et Jeff Koons

L'artiste américain Jeff Koons , considéré comme le successeur légitime d'Andy Warhol et une icône majeure du Pop Art contemporain, a lancé une collaboration fascinante avec la célèbre maison de couture française Louis Vuitton . Ce partenariat a donné naissance à une collection exquise de sacs et d'accessoires qui reflète avec brio l'engagement critique de Koons envers le comportement des consommateurs.

Les sacs emblématiques de Vuitton peuvent être vus par des reproductions magistrales d'œuvres célèbres qui sont liées Van Gogh, Titian, Fragonard , Leonardo da Vinci et Rubens Les sacs rapides, néfastes et Keepall agissent comme des toiles excitantes qui font briller les compositions intemporelles des grands maîtres sous un nouveau jour.

Les œuvres d'art sélectionnées incluent "Nymphaeus" de Claude Monet , "Agrippina avec les cendres du Germanicus" de Joseph William Turner , "Lie Girl" de François Boucher , "Gorgeous Land" de Paul Gauguin et "Lunch in the Grass" par Edouard Manet . Un autre exemple de la fusion harmonieuse de l'art et de la vie quotidienne qui stimule la pensée.

Louis Vuitton / Marc Jacobs et Stephen Sprouse, Takashi Murakami + Richard Prince

Louis Vuitton s'est positionné comme un pionnier dans le monde de la coopération artistique au cours des deux dernières décennies, comme Vogue Allemagne . Sous la direction visionnaire de Marc Jacobs , qui a agi en tant que directeur créatif, une tradition extraordinaire de coopération avec des artistes internationaux a été créée. Jacobs a embauché le célèbre Stephen Sprouse repenser le monogramme emblématique de la marque pour la collection printemps / été en 2001 Ce partenariat a jeté les bases d'une ère remarquable.

L'une des coopérations les plus importantes a été la collaboration de 13 ans avec l'artiste japonais Takashi Murakami , dont l'énergie créative a produit le légendaire "multicolore" en 2003. Ce chef-d'œuvre de poche est rapidement devenu le sac convoité du début des années 2000 et témoigne d'une combinaison intelligente de l'art et de la mode.

De plus, Jacobs a travaillé avec l'artiste provocateur Richard Prince pour le spectacle printemps / été 2008 . Pour ce spectacle impressionnant, des modèles, y compris le mannequin international Naomi Campbell, ont été envoyés sur le défilé des infirmières frappantes, tout en présentant une autre variante fascinante du célèbre monogramme.

Louis Vuitton a non seulement établi des approches aussi courageuses et créatives comme une maison de couture, mais aussi comme une plate-forme d'expression artistique et invite le public à continuer à gérer cette interface fascinante de l'art .

Dior Men / Kim Jones & Kaws + Hajime Sorayama

Kim Jones , l'ancien chef des collections de vêtements pour hommes de Louis Vuitton, a initié un développement remarquable ailleurs en établissant une culture similaire de coopération artistique chez les hommes dior . Sous sa direction créative, l'idée a été promue pour brouiller davantage l'art

Pour sa première collection chez Dior Men, Jones a fusionné avec l'artiste contemporain Kaws , dont le travail est accepté dans le monde entier et est connu pour leur esthétique ludique. Kaws a réinterprété le logo emblématique des abeilles de la maison et lui a donné une peinture fraîche et moderne à travers son caractère indubitable. Cette coopération a abouti à une collection de capsule exclusive qui a combiné l'essence de la marque avec des influences artistiques et a donc captivé à la fois les amateurs de mode et les amoureux de l'art.

Un autre élément captivant de cette coopération était une version gigantesque de la célèbre figure "BFF" , qui était entièrement en fleurs colorées. Cette impressionnante sculpture a trouvé sa place dans la campagne printemps / été des Jones et a converti le défilé de mode en un festival visuel d'étonnant. La combinaison d'éléments floraux et un personnage emblématique du monde de l'art ont créé une symbiose de créativité qui a littéralement enthousiasmé le public et annoncé le lien entre la haute culture et la mode.

En outre, le spectacle pré-fréquente de Jones 2018 à Tokyo a été caractérisé par une autre œuvre d'art distinctive: l'impressionnant robot de douze mètres de haut par l'artiste japonais Hajime Sorayama . Cette sculpture extraordinaire n'était pas seulement un chef-d'œuvre technique, mais incarnait également la vision futuriste et avant-gardiste de Jones.

Sorayama a également eu le privilège de concevoir un sac limité pour la collection, qui a souligné la polyvalence et l'esprit d'innovation de ce défilé de mode. Cette approche non conventionnelle du processus de création de mode souligne les efforts de Jones pour utiliser la mode comme plate-forme d'expression artistique et pour maintenir le dialogue entre différentes disciplines créatives vivantes.

De telles initiatives impressionnantes montrent clairement que Kim Jones crée non seulement des tendances, mais s'efforce également d'un héritage artistique important chez Dior Men - une vision qui pourrait façonner le monde de la mode de manière durable.

Miuccia Prada et Christophe Chemin

Prada a suivi une manière légèrement différente pour sa collection automne / hiver en 2016 que les étiquettes mentionnées jusqu'à présent en travaillant avec l'artiste française Christophe Chemin, . Alors que de nombreux créateurs de mode choisissent des artistes établis pour enrichir leurs collections et donc aussi pour assurer la conversation, Miuccia Prada a décidé de coopérer consciemment avec un artiste qui était encore largement inconnu à l'époque.

Christophe Chemin, qui vit à Berlin et travaille à la fois en tant qu'artiste et en tant que cinéaste, a apporté une nouvelle perspective dans la collection. Les chemises qui ont été imprimées avec ses dessins frappantes et qui se sont révélées se sont avérées être de véritables cacks oculaires dans une collection pleine de capes et de vestes de marin. Cela montre le courage de Prada à innover et sa volonté pour aller de nouvelles façons créatives.

Isabel Marant & I'vr Isabel Vollrath - Art dans l'ADN

Même si ces deux créateurs de mode n'ont reçu aucune collaboration directe avec des artistes ou que les œuvres artistiques bien connues utilisent comme référence, j'aimerais connaître les deux créateurs de mode de cette liste. Les deux sont communs qu'une approche artistique est profondément codée dans leur propre ADN.

Isabel Marant - Un nom qui n'est pas seulement entendu tranquillement dans le monde de la mode, mais qui laisse également un écho puissant, comme le dit magazine de style de vie, Ajouré Les Français ne sont pas seulement un designer; C'est une pionnière qui sait établir son écriture distinctive dans l'industrie de la mode.

Née à Paris , ville souvent considérée comme le centre dynamique de la mode, Isabel Marant baigne dans la créativité dès son plus jeune âge. L'atmosphère artistique de sa famille influencera profondément sa jeunesse et posera ainsi les bases de son impressionnante carrière. Isabel Marant incarne un style souvent qualifié de « bohème chic ». Cependant, cette catégorisation ne parvient pas à rendre pleinement la profondeur et la complexité de ses créations. Isabel Marant considère la mode comme une expression d'individualité et de liberté, une philosophie bien loin du carcan des tendances éphémères.

Votre approche innovante et son sens pour la spéciale font d'Isabel Marant une voix importante dans le cirque de la mode. 

I'vr Isabel Vollrath n'est pas seulement un designer, mais un artiste qui aime la vie dans toutes ses facettes et abandonne vivante. Sa passion pour la mode est non seulement superficielle, mais imprègne tous les aspects de son travail créatif. Lors de la Fashion Week 2016, il est devenu un clair de manière impressionnante à quel point Isabel se déroule fondamentalement et profondément dans son art et a ainsi créé une collection d'extravagance exceptionnelle.

Le spectacle était plus qu'un simple festival de mode; C'était une fusion harmonieuse du spectacle visuel et de l'accompagnement musical. La musique électronique à base de basse, qui a pénétré l'ambiance, a donné à la présentation une profondeur énergique et a laissé les téléspectateurs s'immerger dans une nouvelle dimension de l'expérience.

Chaque tenue a raconté sa propre histoire et a offert une vue unique des différentes facettes de l'identité et de la confiance en soi. Isabel Vollrath parvient magistralement à intégrer ses expériences et influences personnelles dans sa mode. Votre collection se démarque non seulement de la foule, mais met également au défi le public de faire face activement aux sujets de l'individualité et de l'expression.

La Fashion Week 2016 était une toile impressionnante pour les visions créatives d'Isabel. Sa capacité à interpréter la mode comme une forme d'art contemporain en a fait une taille fixe dans le monde de la mode et suscite le désir de plus; Plus d'inspiration, plus de créativité et, surtout, des expériences plus exceptionnelles.

Joachim Rodriguez y Romero

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplôme de webdesign obtenu avec succès dans le cadre d'études universitaires (2008). Développement continu des techniques de créativité grâce à des cours de dessin en plein air, de peinture expressive et de théâtre/jeu d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art grâce à de nombreuses années de recherches journalistiques et à de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions du monde de l'art et de la culture.

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplômé en design web au cours d'un cursus universitaire (2008). Perfectionnement des techniques de créativité grâce à des cours de dessin libre, de peinture expressive et de théâtre/acting. Connaissances approfondies du marché de l'art grâce à des recherches journalistiques longues et de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions de l'art et de la culture.