Art de la mode - sur la fusion de la mode et de l'art

L'art de la mode peut être considéré comme un croisement entre la mode et l'art, car il offre une symbiose de l'expression créative et de l'innovation esthétique. Sous cette forme, les vêtements sont non seulement considérés comme un élément de tissu fonctionnel, mais plutôt comme une toile pour les idées artistiques et les concepts intellectuels.

La coopération et la co-création entre les artistes et les créateurs de mode crée son propre espace culturel qui combine l'identité, le développement personnel et la réflexion sociale. La qualité va au-delà des simples vêtements: c'est le reflet des valeurs contemporaines, des philosophies et de l'esthétique.

Le célèbre dicton d'Andy Warhol "La mode est plus d'art peut" vivre une pertinence actuelle ici, car l'art de la mode brouille les frontières entre la mode et l'art d'une manière inspirante et crée un espace pour les arguments critiques dans un monde de plus en plus orienté vers le consommateur.

Dans la bande de magazines actuelle du Kunstforum International la rédactrice hôte Pamela C. Scorzin vous invite à réfléchir sur le lien actuel entre la mode et l'art. Cela soulève la question de savoir si la séparation d'aujourd'hui est toujours importante et lorsque nous pouvons parler de «l'art de la mode» . En utilisant des exemples tels que Chanel, Beyoncé et Yayoi Kusama , Scorzin dissout à quel point ces deux zones peuvent être étroitement liées.

Art corporel et mode: art sur votre propre corps

Aimer l'art signifie souvent que cet enthousiasme et cette passion peuvent être intégrés dans votre vie quotidienne possible - à tel point que vous voulez porter de l'art presque sur votre propre corps. Cette pensée impressionnante se manifeste particulièrement de manière impressionnante pour Pamela C. Scorzin lorsque vous regardez les salons et les musées. Cela se montre également lorsque vous examinez de plus près les préférences à la mode des collectionneurs d'art à l'intérieur et des artistes à l'intérieur.

On peut voir rapidement comment ils se sont organisés dans le monde de l'art et souligner subtilement leur habitude sociale. Leur apparence à la mode est souvent non seulement une expression de style, mais aussi une mise en scène significative pour l'identité personnelle et l'individualité.

En fait, votre propre créativité et culture sont souvent à la mode comme une caractéristique de distinction. C'est comme si chaque pièce de vêtements racontait sa propre histoire et ouvre en même temps une fenêtre sur la perspective individuelle. À une époque où les tatouages sont devenus la forme commune d'expression personnelle - de nombreux jeunes montrent fièrement leur art corporel , qui est souvent artistique et significatif - les vêtements pour Scorzin représentent le niveau de mise en scène le plus proche.

Ici, les couleurs, les formes, les motifs et les ornements se développent dans une interaction remarquable. Chaque morceau de tissu peut non seulement flatter la forme du corps, mais aussi "présents" .

C'est l' interface entre l'art et la vie quotidienne , où les vêtements deviennent un médium - une expression d'esthétique, d'identité et de philosophie, combinée dans une seule tenue. En y regardant de plus près, vous pouvez voir que la mode est bien plus que de simples vêtements ; Cela fait partie du dialogue artistique qui remet en question les conventions existantes et crée en même temps de nouveaux récits sociaux.

Le spectateur ne remarque pas seulement ce qui est porté; Il ressent également une certaine attraction pour les valeurs et les idéaux qui sont incarnés par cette manière. Les vêtements deviennent ainsi une gamme vivante d'inspiration et de créativité qui va bien au-delà des limites de l'art classique.

Ce langage visuel offre à la fois un accès et une incitation à gérer l'art en général. En illustrant leur lien personnel avec l'art à travers la mode, ils contribuent activement à la création d'un discours culturel à la fois stimulant et accessible. Ce jeu avec identité et expression nous montre d'une manière impressionnante à quel point la relation entre l'art et la mode est profondément entrelacée - une relation qui inspire et inspire.

Les enchevêtrements de la mode et de l'art depuis la postmodernité: une analyse de Natasha Degen

Depuis la postmodernité , cette relation s'est transformée en un dialogue fascinant et une tresse finement ramifiée. Natasha Degen est professeure et titulaire de chaise pour les études de marché artistique à la Fit à New York. Elle en a acquis une à l'Université de Princeton et un mphil et un doctorat à l'Université de Cambridge. Dans le volume actuel de l'international de Kunstforum, elle nous emmène profondément dans un voyage analytique profondément dans la relation entre la mode et l'art.

La postmodernité et sa signification

Afin de comprendre la fusion de la mode et de l'art depuis la postmodernité, nous devons d'abord comprendre ce qu'est la postmodernité. La postmodernité, qui a commencé à la fin des années 1960, est un mouvement qui s'est tourné contre les règles et normes claires de la modernité. Avec un clin d'œil, elle a dit au revoir à l'idée de la vérité absolue et a salué la polyphonie et la fragmentation.

Imaginez que vous entrez dans une galerie d'art et soudain, vous entendez non seulement le chuchotement des visiteurs, mais aussi le murmure incompréhensible des œuvres elles-mêmes. La postmodernité nous invite à célébrer la variété et à dissoudre les frontières entre la haute culture et la culture populaire, entre l'art et les objets quotidiens.

La mode comme expression de l'art

La mode s'est toujours comprise comme une forme d'auto-expression. Mais depuis la postmodernité, elle a reçu une symbiose encore plus profonde avec l'art. Le premier jalon pour cela a certainement été l'influence du pop art , qui a fait exploser toutes les conventions dans les années 1960. Andy Warhol, le maître du pop art, était connu non seulement pour travailler avec la couleur et la toile, mais aussi avec du tissu et de l'aiguille. Ses célèbres boîtes à canne à soupe Campbell peuvent être trouvées non seulement dans les musées, mais aussi sur les vêtements, les t-shirts et les sacs.

Le studio de Warhol, The Factory , était un hotspot pulsateur, sur lequel des artistes, des musiciens, des acteurs et des créateurs de mode se sont gâchés dans une ruche créative. Un exemple de cette synergie créative est la coopération de Warhol avec le créateur de mode Halston , qui a conduit à une collection qui est entrée en collision le glamour de Studio 54 .

Un autre exemple intéressant est la collaboration entre le designer Yves Saint Laurent et le peintre Piet Mondrian . Yves Saint Laurent, fasciné par les abstractions géométriques de Mondrian, a conçu la robe mondrie emblématique en 1965. Avec ses lignes claires et les couleurs primaires vives bleues, rouges et jaunes, qui reposent sur un fond blanc, la robe est devenue un exemple pionnier de fusion de la mode et de l'art.

Mode comme toile

Un grand changement est survenu dans les années 1990 lorsque les maisons de mode ont commencé à intégrer directement des artistes afin de concevoir leurs collections. Donc, quelque chose de complètement nouveau a été créé: la mode comme toile.

Le designer japonais Issey Miyake Ikko Tanaka dans les années 1990 . Ensemble, ils ont créé des vêtements où Tanakas a rencontré la calligraphie artistique sur des coupes élégantes de Miyakes. De telles coopérations ouvrent de nouveaux horizons et montrent qu'une robe peut être une expression de la voix artistique qu'une peinture.

Un autre exemple marquant est Jean-Paul Gaultier du début des années 2000, directement inspirée de la « Nuit étoilée de Vincent van Gogh . Gaultier a transféré les ciels étoilés tourbillonnants que Vincent a capturés sur toile sur la soie la plus fine, transformant une œuvre d'art en conditions générales .

Sujets et motifs communs

Une compréhension plus approfondie de la fusion entre la mode et l'art révèle que les deux mondes sont souvent émus par des problèmes et des motifs similaires. Voici quelques-uns qui ont été particulièrement visibles depuis la postmodernité:

• Identité et auto-expression : à la fois dans l'art et la mode, il s'agit de qui nous sommes et de la façon dont nous nous présentons. L'artiste Cindy Sherman s'est utilisée comme toile pour explorer différentes identités, similaire au nombre de collections de maisons de couture qui traitent de l'identité et du changement.
• Limites et transgression : L'art et la mode sont constamment mis au défi depuis la postmodernité, qui "acceptable" . Le travail notoire de Damien Hirst , par exemple son requin conservé en formaldéhyde, et de Vivienne Westwood en sont des exemples.
• Technologie et artisanat : avec la numérisation et les avancées technologiques, l'art et la mode se sont développés. défilés de mode hologramme de Burberry ou des œuvres d'art numériques par des artistes tels que Beeple .

Faits et curiosités amusants

• Le "Tattoo Designer" : le designer coréen Kimmy J. a surpris le monde avec une collection inspirée par des tatouages. Ses vêtements ressemblaient à une peau humaine avec des tatouages traditionnels et modernes. Cette œuvre d'art rappelait fortement l'œuvre du tatoueur Henk Schiffmacher .
• Fashion in the Museum : L'exposition "Savage Beauty" , qui a été montrée après la mort d'Alexander McQueen au Metropolitan Museum of Art de New York, a battu tous les archives des visiteurs. Plus de 600 000 visiteurs sont venus - un témoignage de la quantité de mode également évaluée en tant que forme d'art.
• La mode rencontre l'art de l'installation : les installations artistiques de Hussein Chalayan sont parmi les fusions les plus extraordinaires de la mode et de l'art. Un point culminant de sa carrière a été la "robe fluide" , qui pourrait changer sa forme et sa couleur à travers des appareils mécaniques - un chef-d'œuvre de la technologie et du design.

Mode et art: un parallèle infini

L'histoire de la relation entre la mode et l'art est riche et diversifiée. Ce qui se démarque clairement, c'est que ces deux mondes se déroulent non seulement en parallèle, mais aussi souvent se chevauchent et se fertilisent. Ce dialogue a gagné en profondeur et en complexité depuis la postmodernité. Les artistes voient la mode comme un médium étendu, tandis que les créateurs de mode trouvent une source d'inspiration dans l'art.

Mes expériences personnelles et mes observations dans les musées et les défilés de mode m'ont appris que cette relation étroite nous offre une nouvelle perspective sur les deux disciplines. Il s'agit d'une conversation en cours qui ouvre toujours de nouvelles facettes et de nouvelles opportunités.

Comment fusionner l'art, la mode, le design et la photographie en scénographie

Lorsqu'ils sont des étiquettes de mode ouvertes avec des artistes contemporains , des créateurs de design consciente de la mode avec des architectes progressistes et un scénographe innovant allié avec des experts de l'art subtil, alors quelque chose de futur se produit dans ce creuset de créativité.

Janina Poesch , cela pourrait alors être l'une des nombreuses semaines de mode des métropoles du monde qui célèbrent les dernières tendances et visions créatives. Ou la foire des meubles de Milan ouvre ses portes et montre comment les fonctionnalités peuvent être réinterprétées par les traditions de conception artistique. Ne pas oublier est également le gala annuel des avantages du New York Metropolitan Museum of Art, où l'art et la société entrent en conversation d'une manière particulièrement impressionnante.

Mais à un moment qui est façonné par un changement rapide, il n'est souvent plus possible de déterminer quel événement se déroule. Les frontières entre les disciplines ne sont plus aussi claires qu'elle l'était autrefois; Ils se brouillent de plus en plus. La mode, le design, l'architecture, la photographie et l'art sont en train de combiner une unité créative, dont le rayonnement atteint de nouveaux sommets. Ce mélange transdisciplinaire crée non seulement de nouvelles formes d'expression; Il attire également un groupe cible exigeant qui attache l'importance à l'innovation et est disposé à payer des expériences uniques.

C'est précisément ici aux yeux de Poesch le renforcement de «l'économie de l'expérience» , qui illustre que la mode n'est plus destinée à notre corps. Il est plutôt conçu dans le cadre d'une expérience culturelle plus complète. Dans ce contexte, le design est bien plus qu'une simple nécessité fonctionnelle - il devient un moyen pour les émotions et les histoires.

Et l'art? Il ne se déroule plus seulement dans le musée; Il traverse tous les domaines de la vie et nous amène à remettre en question nos perspectives habituelles.

Ces différents genres se sont découverts comme des sources d'inspiration . Ils ont non seulement reçu des convergences, mais ils ont également acquis un nouveau moyen d'expression commun: le domaine scénographique. Dans cette salle, chaque événement - que ce soit un défilé de mode, une présentation de design ou une exposition d'art - devient une expérience immersive. Le jeu avec la lumière, les couleurs et les proportions crée une atmosphère qui fait appel aux sens et captive les spectateurs.

La vision d'une telle symbiose créative ne se développe pas seulement sur les étapes et les zones d'exposition; Dans le même temps, un changement de paradigme culturel est annoncé.

Si nous suivons les arguments de Poesch, nous sommes au début d'une époque passionnante dans laquelle l'interaction des disciplines est non seulement possible, mais est également considérée comme l'une des options les plus excitantes pour nous exprimer artistiquement et pour repenser notre monde. En surmonter les limites et en essayant ensemble de nouveaux chemins, ces penseurs créatifs conçoivent un futur plein d'expériences inspirantes. Ces expériences peuvent nous défier, stimuler la pensée et susciter le potentiel en nous à devenir nous-mêmes actifs.