Un statelier d'art sert souvent de vue sur le monde émotionnel d'un artiste. Les ateliers sont des endroits où des traces de processus créatifs, de méthodes de travail, de percées mais aussi d'erreurs sur les murs, les sols, les fenêtres et les portes sont capturées. En tant que témoin silencieux d'une découverte et de la création de l'artiste sur le chemin de l'art .
Les studios racontent une histoire de développement créatif ainsi que les catastrophes qui se sont produites au fil des ans pour affiner un métier ou un style. Un studio peut être une pièce très personnelle pleine d'émotions qui peuvent donner aux artistes et aux visiteurs des impressions précieuses.
Le stateler d'art comme un incubateur pour la hausse sociale
De nombreuses études indiquent que le contact intensif avec l'art et l'art à tout âge favorise le puits physique et psychologique (voir Internet Source # 1 ). Si vous donnez du temps individuel, de l'espace et des matériaux pour l'expression créative, cela peut réduire le stress, augmenter la mémoire et renforcer les connexions sociales.
À une époque où la pensée créative est un atout extrêmement précieux, la société bénéficie sans aucun doute d'un investissement dans les arts et l'éducation artistique. Dans les endroits où l'environnement facilite et favorise la créativité, il y a un niveau plus élevé d'engagement civique, de stabilité sociale et d'une reprise économique.
des salles créatives ont toujours été créées (publiques, entrepreneuriales ou privées), qui ont apporté une contribution significative à la soutien à la création d'art .
Le timbre d'art dans la vision théorique
Lorsque nous entrons dans un stateler d'art, nous avons un aperçu de la manière de travailler et des connaissances que les artistes utilisent lors de la création. Les historiens de l'art supposent qu'une œuvre d'art et aussi l'artiste ne se présente pas simplement.
L'art et les artistes sont basés sur des pratiques de connaissances complètes et des connaissances spatiales spécifiques. La clé de cela est le statelier d'art.
Bien que chaque salle de studio soit unique pour l'artiste et son projet, il est souvent utilisé comme une pièce dans laquelle les artistes réfléchissent, exposent, recherchent, campent et créent de l'art. Obbs Votre propre studio est un moyen pour les artistes de maintenir leur production et leur travail individuels et est crucial pour la stabilisation et la participation au discours professionnel et à une identité artistique (voir les sources de la littérature # 1-3 ).
En studio, les artistes ont la possibilité de développer leurs idées et expériences créatives en trouvant l'attention et le changement dans un espace de réflexion et d'élaboration artistiques. Cela crée des œuvres d'art de la qualité esthétique grâce à une action expérimentale qui ouvre de nouveaux domaines d'expérience et permet aux scènes et objets familiers apparaissent sous un nouveau jour (voir les sources de la littérature # 4-6 ).
Le studio sert de lieu où les idées des artistes sont spécifiées et représentent un laboratoire artistique . Selon le philosophe américain John Dewey, l'expérimentation est d'une grande importance non seulement dans le laboratoire scientifique, mais aussi dans les travaux artistiques (voir la source littéraire n ° 7 ).
Le studio contemporain combine l'imagination, les connaissances et les travaux artistiques dans une pièce qui combine la vie privée, la production matérielle, les connaissances et l'apprentissage. C'est un lieu de lutte civilisée selon les connaissances. "
Ateliers et espaces d'art: anciennement et aujourd'hui
De nos jours, la production artistique se déroule à la fois sur l'ordinateur portable et dans un grenier foulé avec couleur. Néanmoins, le studio garde son aura unique comme le lieu de création ultime.
Quelle que soit la taille et le type de meuble - le statelier d'art a une aura unique comme lieu ultime de la source d'image de création: DC Studio, via Freepik
Comme le montre les peintures telles que l'autoportrait allégorique de Courbet de 1855 ou dans les photos du milieu du siècle de tailles modernisées du réalisateur de tante Vogue Alexander Liberman , le studio est un endroit où l'expérience est transformée à travers la lutte d'un génie en or de l'or et littéralement (voir Internet quelle # 2 ).
Des ateliers (bottega) au Moyen Âge aux studiolos
Au cours des derniers siècles, la plupart des artistes ont travaillé dans des ateliers, où ils ont été formés par des artisans ou dans les tubes d'écriture des monastères. Le faible statut des travailleurs de l'art au Moyen Âge a commencé à changer lorsqu'ils ont pris en charge les exigences scientifiques de leurs clients aristocratiques.
Le Bottega est devenu un studio , un lieu de raffinement savant, qui était plus adapté à la contemplation silencieuse que pour le bruit et l'artisanat. Des artistes à succès comme Tintoretto ont pu se permettre à la fois un bottega et un studio, ce qui a permis une séparation spatiale de la recherche et de la production.
Cette évolution est allée de pair avec la division croissante du travail, qui a été accélérée par la montée du capitalisme. Leonardo da Vinci a rejeté le principe du bottega et a souligné qu'un studio d'artiste devrait être petit pour discipliner l'esprit (voir Internet Source # 2 ).
Le studio devient le lieu central de l'identité des artistes
Dans la peinture néerlandaise du XVIIe siècle, le studio était complètement le lieu central de l'identité des artistes, comme à Rembrandt et Vermeer , qui a tenu leur environnement de travail dans les auto-portraits.
Au XVIIIe siècle, cependant, les écoles ont offert une formation alternative en tant que studio traditionnel. Félix Dubanécole des beaux-art avec son style architectural d'avant-garde . Plus tard, la transparence et la fonctionnalité ont également été soulignées dans des architectures telles que l'école de Mackintosh à Glasgow et le Bauhaus Weimar - une approche qui a redéfini la production artistique et industrielle.
Le mur vitré était également la plaque d'immatriculation de l'usine, un double codage (qui a été explicitement exprimé Dessau Bauhaus de Gropiusde William Morris de re -calibrer les formes de production artistique et industrielle.
Peinture pleinair-escape dans la nature
Le programme de Morris a conduit au vol de certains peintres du studio vers les grands espaces. Cela s'est produit à une époque où les couleurs étaient maintenant fabriquées industrielles et étaient donc facilement disponibles. Les impressionnistes ont révélé plus tard que même la nature était industrialisée, mais ils ont continué à maintenir la tradition de la peinture Pléinair, qui était désormais plus considérée comme une activité de loisirs bourgeoise que comme une œuvre rurale.
Cette feuille de développement a culminé dans le grand studio étranger d'Anselm Kiefer près de Nîmes.
Dans sa nouvelle «The Real Thing», l'Américain Henry James un studio dans lequel la lumière joue un rôle décisif et donne à la pièce une certaine lisibilité. Le studio est présenté comme un lieu pour les artistes, dont la fenêtre orientée nord l'indique explicitement.
Compatibilité de la vie et de l'art en un seul endroit
Dans le même temps, en raison de l'urbanisme industriel, la ville et le pays fusionnent, ce qui ouvre de nouvelles opportunités de peinture ouverte en banlieue artistique. Alors que les académies professionnels la discipline, Morris a tenté de surmonter la fragmentation institutionnelle et spatiale. Néanmoins, l'unité de la vie et de l'art n'est souvent réservée qu'aux riches.
Au cours de l'histoire, les artistes traitent de divers environnements de travail. Dans le passé, seuls quelques artistes pouvaient se permettre une maison avec un studio dans une belle banlieue, tandis que d'autres devaient travailler dans des districts négligés. Des colonies d'artistes célèbres telles que Montmartre et Chelsea ont été créées comme centres créatifs alternatifs. Bien que de tels lieux aient souvent été façonnés par la pauvreté, ils ont également offert une communauté et un espace solides pour les activités politiques.
La transition des ateliers traditionnels aux studios Avant-Garde a conduit à une refonte des zones urbaines par des artistes tels qu'Andy Warhol , qui s'est inspiré des zones plus pauvres. Le développement de ces espaces créatifs mirrors également les changements sociaux et a produit à plusieurs reprises des résultats inattendus.
État post-studio aujourd'hui: Retour au système Bottega et aux espaces de co-travail
De nombreux artistes ont rejoint le retour de Warhol au système Bottega, notamment Damien Hirst et Jeff Koons . Ceux-ci ont lancé tous les restes de Morris par-dessus bord et ont plutôt imité les processus industriels moins romantiques du capitalisme.
De nos jours, il y a un état post-studio dans lequel un décor de jet précise des producteurs d'art porte ses ordinateurs portables entre Londres, Lisbonne et Berlin. Si vous pouvez vous le permettre, vos salles de travail sont dans des entrepôts divisés à la périphérie, tout en étant dans "revitalisés" dans lesquels tout le monde s'efforce de statuer de la "créativité" , des espaces de co-travail tels que une résidence secondaire avec des modèles non conventionnels.
Configurer votre propre studio d'art ou votre salle créative
Le pas du Home Studio à un Statel d'art professionnel est un rêve fréquent d'artistes. Si vous êtes sorti de la chambre d'amis ou de la hangar de jardin, la mise en place d'un studio professionnel est la prochaine étape logique.
Configuration de votre propre studio d'art ou salle créative - Conseils et suggestions Source de l'image: Seniv Petro, via Freepik
Cependant, avant qu'un accord de location ne soit signé pour une zone ou une conversion d'une propriété existante (par exemple, d'anciennes salles ou salles d'usine), il existe de nombreux aspects à considérer.
L'espace ou les bâtiments entiers sont souvent libérés en déménageant ou en dissolvant leur studio. Étant donné qu'une configuration réussie peut contribuer considérablement au succès artistique, les objets existants être choisis avec soin.
Dans certains cas, la rénovation complète (ZT également avec des mesures de conversion) est logique afin d'adapter de manière optimale les locaux existants à vos propres besoins individuels. Vous pouvez trouver des prestataires de services fiables dans chaque plus grande ville (par exemple, la rénovation de Welsch à https://welsch-bausanierung.de/dienstleistle/fomplettsanierung/ pour ulm et la zone environnante).
La question du coût
Les coûts jouent un rôle crucial dans la considération si un artiste peut se permettre un studio. Comme pour chaque individu privé ou chaque entreprise, les frais pour le bâtiment - y compris le loyer (ou les taux de crédit lors de l'achat), les frais supplémentaires et les frais d'assurance, la connexion Internet, le contrat téléphonique, etc. - doivent également être inclus dans le calcul des bénéfices.
Il est important de lutter contre cette décision comme pour toute autre entreprise. Il est important de savoir ce qui est financièrement possible (par rapport au revenu) et quelle valeur il a pour avoir votre propre espace. La salle ne doit pas nécessairement être spécialement conçue pour les artistes, mais elle facilite généralement le travail. Si nécessaire et le «changement» , vous pouvez également (laisser) pour (laisser) convertir les conversions et les rénovations.
Sculpers et Potter ont besoin d'un équipement coûteux et d'un accès aux zones extérieures. Les peintres doivent également vérifier s'ils peuvent utiliser des peintures à l'huile et des tissus inflammables tels que la térébenthine. Si vous vous installez dans une zone commerciale, vous devez considérer comment d'autres entreprises réagiront aux odeurs de couleur fraîche dans les couloirs.
Les prix des zones sont généralement calculés par mètre carré, ce qui permet une comparaison de coûts simples.
À quoi vous devriez faire attention
L' équipement de base comprend des fonctions telles que la connexion Internet et les services d'approvisionnement habituels. Ensuite, vous devez vous informer des heures d'ouverture (certains peuvent offrir un accès 24h / 24) qui fournissent des informations et un stationnement .
disponibilité des installations sanitaires , les éviers , l'accès aux zones extérieures et l' exigence d'assurance sont également importantes .
Un autre point important est l' éclairage . Les peintres doivent éviter les pièces sans fenêtres car elles n'offrent pas de lumière naturelle. Les statels d'art professionnels en tiennent généralement compte et garantissent un bon éclairage quelle que soit la taille de l'espace.
Le studio doit également facilement accessible - alors ne choisissez pas un endroit trop éloigné. Il est souvent tentant pour les artistes de travailler à domicile parce que la chambre d'amis est plus proche.
En cas de location, un court accord de location essentiellement une bonne idée.
Devriez-vous rejoindre un studio existant?
Les studios professionnels existants sont des bâtiments spéciaux qui ont été conçus ou meublés pour les artistes. Il peut être possible de louer des studios individuels dans un bâtiment commun qui offrent toutes les installations nécessaires, que ce soit une bonne lumière du jour pour la peinture ou l'évier et l'équipement spécial.
Le grand avantage de l'adhésion à un studio existant est que de nombreuses considérations ont déjà été faites et que tous les services peuvent être inclus dans un seul frais. Cela ne nécessite que la signature, puis vous pouvez commencer le travail créatif.
Cependant, un prix plus élevé pourrait devoir être payé pour cette commodité. Il est possible de commencer avec une pièce plus petite ou partagée et de se déplacer progressivement dans des pièces plus grandes en fonction du succès.
Un aspect important du travail dans un studio professionnel établi est un accès facile à d'autres artistes . Le travail créatif peut souvent être seul, il offre donc un grand avantage pour pouvoir échanger des idées dans les cuisines communautaires ou lors d'événements.
Lorsque vous entrez un tel studio, vous devez également garder un œil sur les autres artistes. Les céramistes, les artistes en verre, le potier et le sculpteur partagent souvent leurs salles de studio pour des raisons pratiques et peuvent donc utiliser l'équipement requis et les coûts associés ensemble.
Configurez votre propre salle de studio
Si vous avez trouvé une pièce appropriée ou si vous souhaitez démarrer une colonie d'artistes tout de suite, il y a des choses importantes à clarifier avant de enfin vous faire des ongles avec la tête.
Avez-vous les compétences et les expériences nécessaires?
Il est crucial d'avoir déjà travaillé dans un espace de travail commun et même de le gérer afin de comprendre toutes les responsabilités.
De nombreux studios professionnels ont un directeur de studio qui s'occupe des tâches organisationnelles telles que les paiements de location, les réglementations de construction, l'assurance et le marketing afin que les artistes puissent se concentrer entièrement sur leur art. Il est compréhensible pourquoi de nombreux studios choisissent d'employer gestionnaire
Y a-t-il un soutien financier?
Au niveau local, étatique et fédéral, des sommes d'argent considérables circulent pour le soutien des artistes. Un financement spécial pour certains médias, sujets, régions géographiques et artistes est fourni.
Certains de ces fonds restent souvent inutilisés car les artistes appropriés ne s'appliquent pas. Un bon point de départ est le National Endowment for the Arts, qui a accordé près de 230 millions de dollars en 2023.
En Allemagne, un grand nombre d'institutions telles que le gouvernement fédéral, les États et les fondations soutiennent les projets culturels et artistiques grâce à diverses offres de soutien . Les professionnels créatifs ont la possibilité de postuler à ces financements pour réaliser leurs projets artistiques.
Ces financements de projet peuvent prendre différentes formes. Les récipiendaires de ces subventions peuvent être des individus, des groupes ou des institutions et la portée créative est souvent limitée par les objectifs de l'institution de financement. La Federal Cultural Foundation se concentre sur le soutien de programmes et de projets innovants dans un contexte international ainsi que sur l'échange culturel.
Federal Cultural Foundation également des projets de financement dans le financement transversal et ouvert du projet deux fois par an.
En plus d'eux, il existe également de nombreuses autres installations de financement au niveau national et européen qui soutiennent en particulier les artistes et les artistes.
Des conseils pour les fondateurs, les fondateurs et les travailleurs indépendants dans les industries culturelles et créatives offrent également à la fois les conseils de promotion et de financement du BMWK et le guide "Tout, tout simplement pas d'entrepreneur?" L' initiative de l'industrie culturelle et créative du gouvernement fédéral.
En savoir plus sur les diverses opportunités de financement et de financement et le cours du processus de demande. Il existe à la fois des subventions généreuses et des subventions spéciales pour certains groupes d'artistes. Cependant, une grande partie des fonds se déroule dans des projets qui apportent de l'art dans la communauté.
En intégrant des ateliers dans votre horaire, vous pourriez recevoir un soutien financier pour votre studio d'art professionnel. Après vous être familiarisé avec les processus nationaux et fédéraux spécifiques à l'État, vous devriez également vérifier les opportunités de financement locales .
Y a-t-il la possibilité d'un parrainage économique?
L'opération des studios est sans aucun doute coûteuse. Mais il peut y avoir des réponses commerciales à la question du financement difficile. Par exemple, les entreprises locales pourraient être disposées à fournir des fonds contre une publicité ou à fournir du matériel. Cela peut se manifester sous forme de présence sur le site Web du studio, des mesures marketing ou des expositions.
Beaucoup de gens aiment les arts et veulent être intégrés dans le monde de l'art.
Intégrer la salle d'exposition / galerie
truc d'art professionnel est qu'il pourrait être possible sans l'étape intermédiaire d'une galerie et peut construire un canal direct vers vos acheteurs.
Jusqu'à 50% des ventes d'art ont lieu via des galeries. Des événements de studio ou des visites de studio individuels peuvent également conduire à des ventes importantes.
Si vous faites partie d'un studio de groupe professionnel , vous devriez envisager de mettre en place un espace d'exposition fixe pour les œuvres de tous les artistes.
Voici quelques points pour un succès plus élevé:
Assurez-vous que toutes les travaux sont à vendre.
Offrez une variété de niveaux de prix.
Commencez avec de petites imprimés ou des céramiques inférieures à 100 euros et augmentez progressivement aux plus grandes peintures, céramiques ou sculptures avec des prix plus élevés.
Soumettez des temps d'ouverture réguliers et assurez-vous que le personnel est présent pendant ces temps (les artistes peuvent alterner).
Changez régulièrement les œuvres exposées et planifiez des événements d'ouverture spéciaux.
Organiser des modalités de paiement. L'achat sur le compte ou maintenant de nombreux fournisseurs de paiement numériques (en ligne ou via l'application pour smartphone) peuvent être utilisés ici. Si vous acceptez les paiements électroniques, vous devez créer un compte bancaire de studio ou un compte PayPal auxquels l'argent est transféré avant qu'il ne soit versé à l'artiste.
Derniers mots
Dès que la création de votre studio d'art est terminée, vous ne devez pas hésiter et pouvoir commencer votre travail créatif immédiatement. Pensez à la façon dont vous voulez vous voir dans cette pièce. Rien n'est plus frustrant pour un artiste que d'avoir le sentiment que la pièce dans laquelle il travaille limite sa créativité au lieu de les promouvoir.
Pensez aux paroles de Pablo Picasso :
Il y a des peintres qui transforment le soleil en un endroit jaune, et il y en a d'autres qui, avec leur art et leur intelligence, transforment une tache jaune en soleil. "
Votre espace vous offre-t-il cette liberté pour la croissance artistique?
Vous pouvez trouver l'inspiration dans nos deux articles sur le sujet:
Bain, A. (2005): Constructing to Artistic Identity Work, Employment and Society , pp. 25-46
Bain, A. (2004): Identité artistique féminine en place: le studio. Géographie sociale et culturelle , pp. 171-193
Buren, D. (2007): Dans le studio (Dublin Gallery, 2007 pp. 104-106) Une conversation entre Buren et Jens Hoffman, Christina Kennedy et Georgina Jackson
Jacob, MJ (2010): Avant-propos dans Jacob, MJ et Grabner, M eds. 2010 The Studio Reader: Sur l'espace des artistes , Chicago University of Chicago Press
O'Doherty, B. (2007): Studio et le cube sur la relation entre où l'art est fabriqué et où l'art est affiché, Princeton Architectural Press
Wainright, L. (2010): Foreword in Jacob MJ et Grabner M eds 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
Dewey, J. (1934): Art as Experience, New York Penguin Group
Internet:
Samantha Frew sur Architizer : Art House: The Inspiring Architecture of Art Studios , https://architizer.com/blog/inspiration/collections/art-house-the-architecture-of-studios/
Tom Wilkinson dans The Architectural Review : Typology: Artist Studio, https://www.architectural-review.com/essays/typology-artist-studio
Mac Art Galleries : Comment configurer votre studio de beaux-arts , https://macfineart.com/how-to-set-pyour-fine-art-studio/
Web d'art : comment créer un studio d'art professionnel , https://blog.artweb.com/how-to/set-ul-a-professional-art-studio/
Fondation culturelle du gouvernement fédéral : financement , https://www.kulturstiftung-des-bunde.de/de/foerderung.html
Propriétaire et directeur général de Kunstplaza . Publiciste, rédacteur en chef et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Conclusion réussie dans la conception Web dans le cadre d'un diplôme universitaire (2008). Développement supplémentaire des techniques de créativité à travers des cours de dessin gratuit, de peinture d'expression et de théâtre / d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art à travers de nombreuses années de recherche journalistique et de nombreuses collaborations avec des acteurs / institutions de l'art et de la culture.
Un besoin fondamental pour chaque personne créant artistiquement devrait pouvoir vivre à partir de son art.
Afin de garantir votre propre existence, il est essentiel de gagner de l'argent avec l'art . En fait, contrairement à la perception majoritaire, de nombreux artistes peuvent bien vivre de leur travail créatif ces jours-ci. Néanmoins, une grande majorité de tous les artistes indépendants dépendent de nouvelles sources de revenus (par exemple, donner des cours, un travail de commande, des emplois de temps, etc.).
La reconnaissance en tant qu'artiste n'apporte souvent aucune sécurité financière directe. Par conséquent, les artistes sont souvent des artistes de la vie en même temps.
Cependant, les possibilités de pouvoir vivre sur votre propre art se sont considérablement développées via Internet et les médias sociaux. En tant qu'artiste, cependant, vous devez être polyvalent et flexible pour réussir. Un certain degré de persévérance est également essentiel.
Avec des figures artistiques ou des sculptures extérieures, vous pouvez définir des points forts spéciaux dans la maison et le jardin. Garden Dream ne laisse rien à désirer.
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