La rébellion continue: l'art urbain comme une forme de protestation

Accompagnez-nous dans un voyage passionnant dans le monde vivant de l'art urbain comme une puissante manifestation, qui ne peut être réduite au silence. Explorez les différentes formes d'expression de l'art urbain qui veulent toujours remettre en question le statu quo et initier des changements sociaux.

Des peintures murales à la réflexion sur la pensée - découvrez la révolution visuelle et découvrez le pouvoir transformateur de l'art urbain dans notre société.

Le pouvoir de l'art urbain comme une forme de protestation

L'art urbain, qui l'art de la rue ou les graffitis en particulier, est devenu un support vivant et dynamique pour exprimer des messages qui s'écartent du courant dominant et pour travailler pour les changements. Leur capacité à atteindre un large public et à perturber de manière créative l'espace public en fait un instrument de protestation dans l'architecture sociale moderne.

Au cours de l'histoire récente, nous avons vu de nombreux exemples de la façon dont l'art urbain a été utilisé pour initier des changements sociaux. Des œuvres de guérilla emblématiques de Banksy aux peintures murales puissantes de Keith Haring, les artistes urbains se sont opposés aux systèmes établis et ont suggéré des discussions sur les problèmes urgents.

En infiltrant les paysages urbains et en interagissant avec les communautés (communautés), ces artistes ont la capacité unique de réduire les barrières et d'augmenter les votes marginalisés .

Avec cet article, nous souhaitons explorer en profondeur les subtilités du graffiti de rue et son impact sur les mouvements politiques et l'identité sociale. Nous examinons les sous-cultures et les codes qui émergent dans le monde du street art et mettons en lumière la nature subversive de cette forme d'art.

En comprenant leurs origines et leurs motifs, nous avons un aperçu de la force réelle derrière la boîte de pulvérisation.

Nous examinerons également la réponse culturelle de l'art de la rue et son rôle dans la conception des communautés. L'art urbain a la capacité de transformer les districts négligés en centres de créativité vivants et de promouvoir un sentiment de fierté et d'identité parmi les résidents (voir "Huzur Project" avec le Musée urbain de la nation et le Berlin Tape Art Selfmadecrew ).

En raison de la reconquête de l'espace public et de la question des normes sociales, les artistes de rue provoquent des changements sociaux positifs qui s'étendent bien au-delà de leurs œuvres d'art.

Dans notre société moderne, la pertinence de l'art de rue contemporain ne peut pas être négligé. Leur capacité à capturer le zeitgeist de notre temps et à résoudre les problèmes sociaux urgents et l'injustice sociale en fait un support de protestation pertinent et efficace. Avec l'avènement des médias sociaux, l'art urbain a désormais une gamme mondiale qui permet aux artistes de partager leurs messages et de contactez-nouser des personnes similaires à travers les frontières.

Dans un monde, dans lequel les sociétés de médias et leurs structures de pouvoir ignorent souvent les communautés marginalisées, l'art urbain sert d'espoir et de catalyseur aux changements.

Accompagnez-nous dans ce voyage passionnant, tandis que nous vous immergeons profondément dans le monde rebelle de l'art urbain et découvrons la force transformatrice qu'elle a dans notre société.

Qu'est-ce que l'art urbain? Une courte définition

L'art urbain comprend un certain nombre de pratiques créatives, y compris des peintures murales (donc des peintures murales), des pochoirs (pochoirs), des autocollants / autocollants, du ruban adhésif et des installations . L'art urbain est basé sur la marginalisation et l'activisme de base , et sur les idées traditionnelles de l'art en question et les espaces publics démocratisés.

L'art urbain , également appelé Street Art, est une forme d'expression artistique qui se déroule dans les environnements urbains. L'art urbain est profondément enraciné dans la structure culturelle et sociale d'une ville et sert souvent de plate-forme pour des voix marginalisées.

Ce qui distingue l'art urbain, c'est leur capacité à aller au-delà des espaces d'art traditionnels et à s'adresser à un public plus large. Il peut être trouvé sur les côtés des bâtiments, sous les ponts et sur des terres abandonnées et transforme les paysages urbains morne en œuvres d'art vives et réfléchissantes.

À travers ses images audacieuses, ses messages puissants et ses sujets parfois controversés, l'art urbain en question et propose une histoire alternative sur les idéologies dominantes.

Il favorise le dialogue, stimule les conversations et déclenche le changement social.

Dans le contexte de la manifestation, l'art urbain a joué un rôle crucial dans le renforcement des mouvements de base , en leur donnant une voix qui se sent inconnue et en mettant l'accent sur les injustices systémiques . Il représente l'esprit rebelle et la puissance de la créativité face à l'adversité. L'art urbain n'est donc pas seulement une forme d'expression artistique; Il s'agit d'un instrument efficace pour remettre en question l'ordre établi et exiger une société plus équitable.

Exemples importants d'art urbain

The Flower Thrower - Banksy (West Jordanland)

Choisir parmi toutes les œuvres de Banksy pour cette liste est presque impossible, tant son influence est vaste. Si sa série « Girl with Balloon » à Londres est souvent considérée comme son œuvre la plus emblématique, « The Flower Thrower » est, à nos yeux, plus significative en raison de son emplacement symbolique et de son caractère unique.

Si vous ne prenez que le pèlerinage dans votre vie pour voir un morceau de Banksy, cela devrait l'être.

Nelson-Mandela-Mural -Shepard Fairey (Johannesburg, Afrique du Sud)

La longue et glamour carrière de Shepard Fairey s'est construite sur sa célèbre campagne d'Obey , mais son profil a tourné dans la stratosphère après affiches "Hope" de Barack Obama En 2014, il a créé ces peintures murales incroyables dans la plus grande ville d'Afrique du Sud en hommage à son leader le plus célèbre.

Il n'a peut-être pas l'attitude subversive de ses œuvres d'obérissement, mais il ne fait aucun doute qu'il est aussi inspirant que tout le reste de cette liste.

Nous les jeunes - Keith Haring (Philadelphie)

Keith Harings Famous Pop Art a fait sensation au début des années 1980 avec ses commentaires audacieux et son inspiration claire de la culture des graffitis de New York. Mais son travail le plus célèbre est en fait situé dans le Point Breeze District à Philadelphie.

Keith Haring a commencé sa carrière aux côtés de Jean-Michel Basquiat . En 1988, il a été diagnostiqué avec le séropositif et il a décidé de parcourir sa lutte à travers l'art. Dans son travail, il se bat contre la drogue, le sida et de nombreuses autres adversités.

En 1987, il a peint ces peintures murales à Philadelphie, qui a été l'une des premières peintures murales du genre. Après avoir cherché l'endroit idéal pendant plusieurs mois, il l'a fait avec 14 élèves du secondaire. Les travaux étaient situés dans une zone urbaine défavorisée de Philadelphias et devraient promouvoir son développement.

C'était à l'origine un espace réservé pour "nous le peuple" , mais la pièce fait maintenant partie de son paysage et attire des touristes du monde entier.

La petite fille avec le ballon - Banksy (Londres)

Il est incontestablement l'artiste de rue le plus célèbre du monde. Anonymous Banksy crée des œuvres d'art dans le monde depuis plus de 23 ans.

En 2002, il a créé une autre de ses œuvres les plus célèbres à Londres, "The Little Girl with a Balloon" . Cette petite fille dans une robe noire permet à son ballon de voler, et Banksy écrit à côté du mot-clé "Il y a toujours de l'espoir" . C'est sa façon de dire que nous ne devrions jamais abandonner, même si tout semble être le pire.

En 2018, lors d'une vente aux enchères pour la version d'impression d'écran, le travail s'est détruit quelques secondes après la grève du marteau du commissaire-priseur. C'est l'un des plus grands scandales d'art et laisse encore de nombreuses questions sans réponse.

Mon Dieu, aidez-moi à survivre à cet amour mortel - Dmitri Vrubel (mur de Berlin)

En Allemagne, vous trouverez également ce que vous recherchez à la recherche de peintures murales significatives. de Vrubel sont une interprétation d'une photo prise en 1979 à l'occasion du 30e anniversaire de la fondation de la République démocratique allemande (RDA).

Le baiser lui-même ne signifiait pas romantiquement, mais un "frère baiser" , une salutation socialiste alors populaire. Les hommes sur la photo sont Leonid Brejnev , le secrétaire général de l'Union soviétique, et Erich Honecker , secrétaire général du parti socialiste de l'unité de la RDA.

L ' «amour mortel» auquel Vrubel se réfère pourrait être l'accord militaire de dix ans conclu par les deux États, qui a fourni la livraison d'armes chimiques à l'Union soviétique. Cette peinture murale n'est pas seulement un symbole pour le mur de Berlin , mais aussi pour la ville elle-même.

Faire taire! - Jef Aérosol (Paris)

Jef aérosol-avec un nom bourgeois Jean-François Perroy - est l'un des pionniers de l'art de la rue française . Son travail est connu dans le monde entier, y compris cet énorme modèle intitulé "Hush!", Qui a été créé en 2011.

Cet art de rue emblématique est situé à Paris près du centre Pompidou, non loin de l'église Saint-Merri. Dans cet auto-Portrait, l'artiste lui demande de se traiter un moment de silence pour se reposer malgré la ville animée qui l'entoure.

L'érosol utilise presque toujours une flèche rouge dans son art de rue. Il les utilise comme une deuxième signature, mais n'a jamais expliqué leur sens. Cette murale devrait en fait être détruite début 2014, mais elle a finalement été maintenue intacte et est maintenant une œuvre emblématique de l'art de la rue parisienne.

Faith in Women - Lady Pink (Minneapolis, USA)

La Lady Pink, née en Équateur et a grandi dans le Queens, est l'un des rares artistes à traverser la forme androentrique de l'art de rue célèbre constamment la figure féminine de ses peintures murales .

Les déesses folkloriques roses servent non seulement à incarner leurs racines sud-américaines et leur imagination animée, mais transmettent également une profonde intention politique. La foi dans les femmes recherche une version quelque peu féminisée de la guerre; Où un petit camion-citerne de bébé passe avec désinvolture sur un lapin sans méfiance et des dizaines de crânes sans méfiance se rassemblent sous un arc-en-ciel vif fait de couleurs.

Chaotique, anarchique, turbulente et pourtant incroyablement enfantine: la version de la guerre de Pink est une critique de la destruction irréfléchie, que les nations (principalement) sont ajoutées par les mains humaines.

Inside Out / Time est maintenant, Yalla! - Jr (Israël / Palestine)

Jr est l'un des principaux artistes de rue français contemporains. Son travail peut être vu dans les villes du monde dans les espaces publics. Son travail tourne autour de plusieurs sujets centraux, notamment l'engagement, la liberté et l'identité.

Le travail à l'intérieur / temps est maintenant, Yalla! Équipé en 2011. Pour cette vaste pièce interactive, les Palestiniens et les Israéliens ont été invités à un portrait et ont reçu un portrait en noir et blanc de grand format qu'ils pouvaient attacher à n'importe quel endroit. Cette installation publique exige la justice sociale et montre une solution qui apportera la paix et la prospérité.

Personne ne m'aime - iheart (Vancouver, Canada)

Iheart est un artiste canadien de rue , dont le travail est tout aussi déroutant que celui de Banksy. Iheart utilise des graffitis pour exprimer son opinion sur les questions sociales avec des images simples mais émouvantes. Il se décrit comme «juste un garçon avec des idées, des opinions et beaucoup d'aérosols».

Son travail peut être trouvé dans les grandes villes du Canada comme Vancouver et Calgary ainsi que dans d'autres grandes villes du monde. Ce travail intitulé Nobody Lise Me souligne l'influence négative que les médias sociaux ont sur les adolescents. Il montre un enfant qui pleure car il n'y a pas de goûts, pas de mentions et pas de followers sur Instagram. Ironiquement, cet article est devenu viral sur les réseaux sociaux et a même été partagé par Banksy.

 

Etnias - Eduardo Kobra (Rio de Janeiro)

Kobra est l'un des peintres muraux les plus célèbres au monde. L'artiste originaire de São Paulo crée des peintures de street art sur des murs en Espagne, en France, en Inde et de nombreux autres pays.

En 2016, à l'occasion des Jeux Olympiques à Rio, Kobra a battu le record des plus grandes peintures murales du monde "Etnias" Il mesure 190 mètres de long et 15 mètres de haut. Cela signifie qu'un total de 3 000 mètres carrés doivent être supprimés. Pour cela, 1 000 pots de couleur blanche, 1 500 litres de couleur de couleur, 3 500 doses d'aérosol et 40 jours de travail étaient nécessaires.

Le tableau montre cinq visages d'origine différentes qui représentent les cinq anneaux olympiques et les cinq continents. Avec son travail, Kobra voulait transmettre le message suivant: "Nous sommes tous une chose: l'humanité."

 

Marianne (Pleure) - Shepard Fairey (Paris)

"Marianne" a été peinte par Shepard Fairey Alias Olias Obey et était à l'origine un hommage aux victimes des attaques terroristes à Paris en 2015. Liberté, Egalité, Fraternité - L'artiste voulait référer à ces trois valeurs du peuple français, qu'il considère comme une base nécessaire pour chaque société démocratique.

La femme au milieu du tableau est Marianne - l'allégorie de la République. Fait intéressant, l'image elle-même a été inspirée par un ornement populaire qui a été utilisé dans l'imprimerie pendant l'Époque Belle.

Dans la nuit du 13 décembre, un groupe de Vandal a changé les peintures murales. Les trois mots de la devise ont été extraits avec de grandes éclaboussures de couleur blanche et les larmes de sang rouge sont apparues sur tout le visage de Marianne. Le hashtag #Mariannepleure (Marianne Weits) a été ajouté avec une référence au magazine Hiya , qui a reçu le message crypté des auteurs peu de temps après l'événement.

L'équipage mystère a partagé des photos qui documentent leur intervention avec le manifeste et plus tard un court clip vidéo que vous pouvez trouver ici.

Ce hashtag, proposé par le mouvement citoyen Concorde et promu par HIYA, est un appel aux artistes soucieux de créer et de partager des œuvres qui répondent à la dégradation constante des valeurs de la République (liberté, égalité, fraternité, mais aussi laïcité, droit à la terre, droit d'asile, droits des femmes, pour n'en citer que quelques-unes) en France. Cette action a déjà suscité un intérêt considérable dans le milieu du graffiti et d'autres arts.

Le créateur des peintures murales a réagi rapidement et a exprimé son plein soutien aux manifestants:

Je me tiens sur le côté des gens qui protestent contre l'injustice. Donc, lorsque la déclaration est signifiée, je comprends cela. Je pense que le slogan français liberté, Égalité, Fraternité est vraiment sympa s'il se manifeste de la manière positive que j'aimerais voir.

La liberté, l'égalité et la fraternité sont des principes pour lesquels je suis attaché à mon art et à mon activisme et que, à mon avis, devrait être évident pour tous ceux qui regardent mon histoire avec des messages de paix et d'harmonie, le respect de la planète et le respect des personnes de toutes races et de toutes horizons.

Ce sont ces idées que je conduis dans mon art et que j'aimerais voir en France, aux États-Unis et partout dans le monde. Si certaines personnes estiment que l'œuvre liberté, Egalité, Fraternité a été détournée par des gens avec qui ils ne sont pas d'accord, alors ma réponse est: je ne suis pas prêt à le leur donner. "

- Shepard Fairey -

Ensuite, les peintures murales ont été renouvelées. Les trois valeurs sont restées, mais un petit détail a été modifié.

J'ai écrit à Marianne une larme au visage. Et a produit une nouvelle impression d'écran en édition limitée, dont le profit total profite à la personne la plus pauvre. Les actes sont plus importants que les mots »,

exprimé obéir dans une explication officielle.

Son studio a produit 650 imprimés. Le bénéfice de la vente est allé à l'association les Restos du Cœur .

L'insta-post suivant montre une revue d'une photo de l'artiste d'art de rue, alors qu'il travaillait sur une peinture murale à Dallas, au Texas, au Texas. "Rise Above Rebel" montre une femme qui lève les yeux, et à gauche d'elle se trouve "Rise au-dessus" . Les femmes ne sont généralement pas les initiateurs de la violence dans le monde et dans notre société, donc Fairey aime travailler sur des portraits de figures de femmes comme symboles de la résistance pacifique.

L'idée de vous élever à travers l'oppression, au lieu des mauvaises choses qui se produisent dans le monde, de laisser l'âme écraser et de trouver un moyen, de la surmonter et d'être positif n'est pas toujours facile. "

si fée dans son poste.

L'amour ne nous déchirera pas - D * Face (Paris, 2017)

Dean Stockton , également connu sous le nom de D * Face , est un artiste d'art pop anglais né au début des années 1980. Afin de contrer l'ennui, il a d'abord dessiné des chiffres sur papier. Au fil du temps, ses petits dessins sont devenus sa passion.

Puis il a commencé à dessiner divers médias et à créer des autocollants. Plus tard, il est devenu des affiches, qui sont ensuite devenues encore plus grandes et finalement accrochées aux murs de Paris.

En 2017, il a créé une fresque de street art dans le 13e arrondissement de Paris, qu'il "l'amour ne nous déchirera pas" . D * Face peint un couple pour symboliser l'amour. L'homme au visage du crâne incarne les vieilles relations qui ne sont plus dans notre vie, mais toujours très présentes dans nos pensées.

L'homme et le bateau - Vhils (Lisbonne)

Le paysage de la ville est vraiment la toile d' Alexandre Farto (Vhils) , mais au lieu d'un pulvérisation, un casque protecteur et un masque de protection respiratoire sont les outils préférés de Vhils.

Alors qu'il découpe des briques, du plâtre et de la pierre, l'artiste portugais parvient à exposer des basreliefs très détaillés et magnifiques comme s'ils étaient profondément gravés en bronze ou en ivoire. Les Vhils examinent souvent les conséquences nuisibles de l'industrialisation et du développement dans les villes du monde entier et représentent les héros méconnus du climat manuel moderne.

Pac-Man- envader (Bilbao)

À la fin des années 1990, l'artiste français anonyme envahir a commencé à cimenter et à coller des personnages pixéliens du jeu vidéo de 1978 du même nom de Paris . Il a élargi sa liste pour inclure les spiritueux Pac-Man et d'autres personnages populaires 8 bits, et ses œuvres décorent désormais des villes du monde, de Los Angeles à Katmandou.

Invader se considère comme un «pirate» de l'espace public qui propage un «virus» mosaïque. Il croit que les musées et les galeries ne sont pas accessibles à tout le monde et installent donc son travail sur les routes publiques afin que tout le monde puisse en profiter chaque jour.

Les lieux de ses mosaïques sont souvent sélectionnés en raison de leur visibilité, de leur intérêt local et de leur symbolisme. Il n'y a pas deux pièces identiques.

En plus de ces illustrations routières secrètes, Invader a produit des mosaïques sur des plaques en plexiglas, un contreplaqué et des couvertures de livres. Il a également créé des peintures, des dessins et des empreintes d'écran dans son style pixelisé caractéristique. Sur le marché secondaire, ces travaux sont régulièrement vendus pour des montants à six chiffres.

En 2019, l'astronaute Samantha Cristoforetti a apporté l'une des œuvres d'envahisseur à la Station spatiale internationale, à environ 248 miles au-dessus de la terre.

Invader a maintenant exposé à l'échelle internationale, notamment à Los Angeles, Paris, Bruxelles et Hong Kong.

700 mur - MADC (Berlin)

L'artiste allemande Claudia Walde (MADC) combine sa formation artistique officielle avec l'art de la rue et réécrit l'art urbain contemporain.

Le titre simple "700 Wall" fait référence aux 700 mètres carrés que votre chef-d'œuvre prend et peut être vu sur la voie ferrée entre Berlin et Halle.

Les couleurs ondulées et les scènes graphiques s'étendent sur la surface des peintures murales MADCS. Ils sont un symbole de la capacité de l'artiste à combiner une approche académique consciencieuse avec une poésie visuelle sans restriction.

Son idée de stylemachine est basée sur la vie d'un pulvérisateur de graffitis passionné. C'est un mur pour tous ces artistes de rue qui peignent depuis plus de 10 ans et mettent toute leur énergie et leur passion dans leur travail.

Coexist - Combo (Paris)

Combo est né le fils d'un père chrétien libanais et d'une mère musulmane marocaine et a commencé sa carrière en tant qu'artiste à l'âge de 16 ans.

Il a d'abord attiré l'attention des médias en 2012 lorsqu'il a appliqué de la publicité pour l'industrie nucléaire dans la zone de Tchernobyl. En Chine, il a peint des pages Google censurées par le Parti communiste du pays: le lieu de la paix céleste, l'arrestation de l'Ai Weiwei, etc.

Il a également travaillé avec le groupe féministe Femen . Le jour de la Bastille en 2013, il a peint une énorme réinterprétation de la peinture de Delacroix "Freedom dirige le peuple" et a inséré des femmes au lieu des femmes de Jacobin qui ont marché vers la liberté.

Il a également fait de l'art de la rue à Beyrouth et l'a appelée Jih-Art , où il dit dans l'une de ses œuvres: "moins du Hamas, plus de houmous".

En 2015, il a été inspiré par un logo polonais du designer Piotr Mlodocceisc : Coexist .

Le coexiste est illustré par divers symboles religieux : le croissant de lune, la star de David et la croix chrétienne. Cet art de rue exige la tolérance et le respect de toutes les confessions. Depuis les attaques contre Charlie Hebdo, Combo a exposé son art dans les rues de Paris. Malheureusement, il a déjà été agressé dans la création de son art.

Faire de l'art n'était pas - Shepard Fairey (Berlin)

Shepard Fairey est sans aucun doute l'un des artistes de rue les plus influents, mais aussi illustrateur, graphiste et activiste politique. L'art de Fairey est une arme contre l'injustice, l'oppression et la violence; Cela lui a permis de remettre en question les inégalités socio-politiques avec ses grandes peintures murales.

"Make Art Not War" aborde non seulement le bain de sang de la guerre, mais aussi le jeu sur le jeu révèle également le seul sentiment suffisamment fort pour mettre le feu; Amour.

 

Ice-Cream Dream / Sueño de Un Carrito de Paletas -Héctor Duarte (Chicago, 2004)

Un exemple remarquable est la fresque emblématique du district de Pilsen de Chicago, qui a été créée Héctor Duarte Ces peintures murales sont les difficultés et la résistance de la communauté mexicaine et rappelle fortement le besoin de justice sociale et d'égalité.

Héctor Duarte est né en 1952 à Caurio de Guadalupe, Michoacán, au Mexique, et a déjà montré des compétences artistiques comme un enfant. Alors qu'il faisait des dessins d'organismes et d'animaux dans ses cours de biologie au lycée, il a découvert son talent et a commencé à penser à une carrière d'artiste.

La plupart des artistes autodidactiques ont visité l'atelier de murale Siqueiros à Cuernavaca sous la direction de Luis Arenal et Roberto Díaz en 1977.

Lors d'une courte visite à Chicago en 1978 pour participer à la conférence internationale sur les peintures murales municipales, Duarte a été impressionné par la vitalité d'une activité de peinture murale et d'un mouvement conjoint. Ce mouvement a changé le district mexicain Pilsen, mais il a rencontré les artistes chicano Ray Vasquez, Luis Aguirre, Marcos Raya, Aurelio Diaz, Oscar Moya, José Guerrero, José González, Alejandro Romero, Carlos Moth, Salvador Vega et autres. Ces artistes avaient à voir avec Casa Aztlán.

En 1985, Duarte s'est installé dans le district de Pilsen de Chicago pour devenir un artiste mural à temps plein. Avec une carrière artistique productive, il faisait partie de l'importante scène artistique publique de la ville; Duarte a effectué plus de cinquante peintures murales dans des chambres publiques et privées, y compris dans les gares.

Il a traité intensivement des perspectives multi-alngares dans le niveau d'image des peintures murales et a acquis une compétence dans la conception de compositions qui peuvent être vues sous différentes perspectives. Une autre peinture murale impressionnante à l'extérieur est la façade de sa maison et de son studio, où Duarte Gulliver est au pays des merveilles.

Dans une deuxième répétition sur le même sujet (la première murale a été détruite), un énorme migrant se réveille et se bat pour libérer son corps des fils de barre qui le retiennent. Dans ce document, l'artiste aborde les voyages presque impossibles et la vie des immigrants contemporains.

L'idée oblige que l'art doit être amusant pour tout le monde, Duarte utilise la peinture murale comme un langage visuel, pour examiner les questions du combat et de la survie ainsi qu'un état transnational du moment mondial. Duarte a repris le monarchfalter comme symbole de la migration et a créé un couloir entre Chicago et sa ville natale au Mexique, créant l'un des couloirs d'art transnationaux les plus impressionnants.

Il a peint les murs des bâtiments autour de la Plaza de Caurio. Il a également invité des artistes des États-Unis, du Mexique et de l'Europe à soumettre des papillons qui étaient autrefois attachés aux murs et ont servi de véritables protagonistes d'un processus de migration circulaire.

Don't Shoot - Bambi (Rivington Street, Londres)

Cette dernière œuvre a été créée par une femme, le célèbre artiste britannique avec le surnom de Bambi . Elle est née dans les années 1980 et a commencé à peindre des graffitis dans les rues de Londres. Ils sont secrètement appelés "la femelle Banky" .

Il crée également des pochoirs qui dénoncent différentes formes d'injustice. Dans ses œuvres, elle présente des personnalités contemporaines telles que Donald Trump ou Amy Winehouse.

Son travail le plus célèbre est celui de cinq garçons qui sont à la fois représentés côte à côte et lève la main. Au lieu des ballons qui devraient être sous leurs pieds, il y a des crânes là-bas. Bambi a décidé d'écrire "ne tirez pas" De manière significative, les garçons transportent des t-shirts avec le logo Nike "Don't Do It" . Ce travail qui a déplaté la marque Nike devrait être contre la violence policière.

La complexité derrière les graffitis de rue et leurs effets sur les mouvements politiques

La considération et la créativité derrière ces projets d'art urbain vont au-delà de la simple esthétique; Ils visent à provoquer l'observation de soi, à mettre en évidence les récits marginalisés et à favoriser la solidarité.

En interagissant avec le public dans des espaces non conventionnels, l'art urbain parvient à capter l'attention et à favoriser l'empathie et la compréhension entre les communautés. Ces exemples illustrent le pouvoir de l'art urbain pour inspirer l'activisme et la protestation contre l'injustice, ce qui en fait un outil essentiel dans la lutte continue pour une société plus juste.

Comprendre les subtilités derrière les graffitis de rue est crucial pour comprendre leurs effets sur les mouvements politiques.

En raison de couleurs vives, de messages courageux et d'images réfléchissantes, les graffitis de rue attirent l'attention des passants - par stimuler les discussions et remettre en question le statu quo.

Ce qui distingue les graffitis de rue, c'est leur accessibilité et sa capacité à atteindre un public diversifié. En raison de la présentation des messages politiques dans les espaces publics, les artistes graffitis peuvent gérer les canaux de communication traditionnels et en public . Cela peut avoir des effets profonds sur les mouvements politiques, car il permet aux individus de faire face aux problèmes sociaux et politiques qui autrement seraient ignorés ou réduits au silence.

De plus, le graffiti de rue a le pouvoir de dire la vérité au pouvoir. Il constitue une forme visuelle de protestation, permettant aux individus de se réapproprier l'espace public et de remettre en question les discours dominants . En défiant l'autorité et en faisant entendre les voix marginalisées, les graffeurs peuvent créer une plateforme d'expression et de résistance communautaire.

Les graffitis de rue peuvent non seulement influencer les mouvements politiques, mais aussi façonner le paysage culturel des communautés. Ils favorisent un sentiment d'appartenance et de fierté, et inspirent l'action collective. En embellissant des zones délaissées et en illustrant l'histoire locale, les graffitis de rue transforment les espaces en toiles dynamiques, reflets de l'identité et des aspirations de la communauté.

Réponse culturelle du street art et leur rôle dans la conception des communautés

L'art de la rue, en particulier sous la forme de graffitis , a longtemps été une force forte dans la conception des communautés et la promotion de la réponse culturelle. Sa présence dans les environnements urbains sert souvent de représentation visuelle de l'identité locale et de l'expression de l'esprit collectif de ses habitants.

Le street art traverse les frontières des institutions artistiques traditionnelles et établit un lien direct avec la communauté et intègre des personnes qui ne traitent normalement pas avec des formes d'art plus traditionnelles. À travers des peintures murales animées, des pochoirs stimulants et des œuvres exécutées professionnellement, le street art a la capacité d'attirer l'attention des passants et de stimuler les discussions.

L'art routier a également le potentiel de répondre aux besoins et aux préoccupations spécifiques d'une communauté et à agir comme catalyseur de changement social et de protestation. En traitant des sujets tels que l'inégalité sociale, la justice raciale et la dégradation de l'environnement, les artistes de rue créent une plate-forme pour le dialogue ouvert et la réflexion.

L'accessibilité du street art encourage les gens ayant un contexte différent à faire face à ces sujets et favorise le sentiment de responsabilité commune de créer une société plus équitable .

L'art routier peut également servir d'instrument efficace pour reprendre les espaces publics et remettre en question les récits culturels en vigueur. En transformant les artistes de rue délabrés, des murs, des ruelles stériles et des pièces négligées en toiles vivantes, ils respirent une nouvelle vie et transmettent un sentiment de fierté, de responsabilité personnelle et d'identité culturelle.

Avec leurs créations, ils remettent en question le statu quo, brisent l'esthétisme conventionnel et renforcent les voix marginalisées.