Art corporel: plus que la peau. Le corps humain comme zone d'exposition

L' art visuel s'occupe toujours du corps. Avec un effort physique complet, de nombreuses expositions liées à l'art corporel et à l'art corporel , qui consacrées à un objet préféré constant des beaux-arts et pouvaient parfois être effectués de la courbe.

Au fil du temps, l' art visuel corps humain . motif central de l'art depuis des siècles et a été représenté de diverses manières.

L' idéalisation du corps humain populaire dans l'antiquité grecque La sculpture grecque a été caractérisée par sa représentation réaliste du corps, l'effort pour la perfection et l'harmonie soulignés.

Les statues célèbres telles que les Vénus de Milo ou le Discus Thrower sont toujours des témoignages impressionnants de cette époque.

Mais même bien avant les anciens Grecs, la représentation des attributs physiques a joué un rôle important dans différentes cultures archaïques.

En Égypte, par exemple, les pharaons ont été décrits comme des dirigeants forts et puissants, tandis que les femmes étaient souvent montrées comme un symbole en matière de fertilité. , divers mouvements artistiques ont traité intensivement le sujet du corps humain.

Alors que dans certaines époques, des formes plus idéalisées ont dominé, d'autres périodes se sont concentrées sur l'illustration réaliste des caractéristiques et des émotions individuelles.

Le corps humain dans l'art contemporain

21e siècle aussi, cette fascination pour le corps qui continue de trouver une expression dans de nombreuses expositions et œuvres d'artistes contemporains. Il ne s'agit pas seulement de la simple représentation du corps, mais aussi du reflet des normes sociales et de l'identité.

Dans la société d'aujourd'hui, on nous présente un corps intact et beau que le plus naturel au monde.

Que ce soit dans les magazines, sur des affiches, à la télévision et surtout sur Internet et les médias sociaux - partout où nous sommes confrontés à des corps parfaits et impeccables. Cet idéal de beauté est omniprésent et exerce une énorme pression sur nous.

Il semble presque qu'il est devenu un devoir de s'adapter à cet idéal. Nous nous efforçons de façonner et d'améliorer notre corps. Les régimes , les gymnases et les opérations de beauté ne sont que quelques-uns signifie que nous utilisons pour répondre à notre désir d'un extérieur attrayant.

Il n'est donc pas important de nous faire comprendre que la beauté n'est pas exclusivement définie à l'extérieur. Un beau corps intact peut également aller de pair avec des imperfections - les cicatrices racontent des histoires, des rides montrent l'expérience de vie et les courbes symbolisent la féminité ou la masculinité.

Avec un effort physique complet, les artistes sont déterminés à explorer et à présenter le corps humain dans toutes ses facettes. Ils portent des expositions sur leurs épaules pour garder le public de nouvelles perspectives sur le sujet.

Non seulement les médias traditionnels tels que la peinture ou la sculpture utilisés, mais aussi de nouvelles formes d'art telles que la performance , l'art de l'action , les installations , l'art conceptuel ou les médias numériques sont utilisés.

Le corps comme concept culturel

Le corps est soumis à des changements, juste d'un point de vue d'évolution et médical (mot-clé: vieillissement). Mais aussi des aspects esthétiques et culturels.

Mais le corps était-il fondamentalement différent de celle d'aujourd'hui? "Certainement pas ", postule Philip J. Sampson , auteur de "The Representation of the Body" .

Un corps reste un corps, que ce soit celui de Leonardo Da Vinci ou des montagnes musculaires en acier d' Arnold Schwarzenegger dans un film d'action. Le corps n'a aucun souhait et aucune capacité à changer. Cela semblait évident. Mais est-ce toujours vrai?

L'idée du corps humain est restée constante sur plusieurs siècles. On a supposé que le corps est un objet naturel complexe mais non problématique et, en raison de ses propriétés physiques et biologiques, nécessite de la nourriture, de la chaleur et de l'oxygène.

La forme du corps a changé relativement peu depuis le dernier saut évolutif (à moins qu'il ne soit intemporel) et n'est pas non plus influencé de manière significative par les circonstances sociales ou culturelles. Toutes ces hypothèses sont remises en question par des théoriciens postmodernes et semblent parfois assez naïfs.

Le corps humain est un produit de la culture et notre compréhension de celle-ci s'est développée au cours de l'histoire. "

Le corps humain - ou plutôt la perception de celui-ci - est un produit du développement culturel et notre compréhension de celui-ci s'est régulièrement développé au cours de l'histoire. Des idéaux anciens de la beauté aux idées modernes d'aujourd'hui de l'esthétique, nous avons traversé un changement remarquable.

Par exemple, nous prenons la musculation , dans laquelle l' Arnold Schwarzenegger a atteint la renommée mondiale et le zeitgeist de la bodybuilding phase contre mirrors .

Cependant, les racines de la musculation remontent à la Grèce antique. Là, le corps humain a été vénéré comme une expression de la beauté et de la force il y a plus de 2000 ans. Les athlètes ont été admirés pour leurs corps musculaires et leurs compétences sportives. Ce culte a formé le fondement de la musculation ultérieure.

Le développement de la musculation en tant qu'art a été principalement avancé par les médias. Des films comme «Pumping Iron» avec Arnold Schwarzenegger ou des magazines tels que «Muscle & Fitness» signifiaient que de plus en plus de gens étaient inspirés par l'esthétique de la musculation.

L'accent n'était plus mis sur les compétitions individuelles - une sous-culture entière autour du sujet a été créée. En plus d'une grande discipline et d'une formation difficile, des suppléments tels que les acides aminés pour la construction musculaire un rôle chez les athlètes.

Il est particulièrement intéressant de savoir à quel point la culture pop et la pénétration de notre vie moderne avec les médias sociaux continuent d'influencer notre conscience corporelle, notre identité et notre définition des idéaux de la beauté.

Dans un monde dans lequel les selfies et les images éditées sont omniprésent, la poursuite de la perfection devient de plus en plus présente. Il semble presque compulsif - ce culte du corps excessif chez les jeunes ainsi que chez les personnes âgées.

Les studios de fitness sont en plein essor, les programmes de régime deviennent tendance et même les interventions chirurgicales pour embellir votre propre apparence sont très populaires.

Le culte du corps omniprésent est le résultat d'une interaction complexe de divers facteurs: la pression sociale, les influences des médias et la motivation personnelle, tout le monde joue un rôle dans notre perception de son propre corps et de l'effort pour la beauté.

Cependant, il est important de noter que les idéaux de la beauté changent avec le temps. Ce qui est considéré comme beau aujourd'hui peut être sorti demain. Par conséquent, le terme subjectif de l'esthétique à une adaptation constante.

Une petite histoire d'art du corps dans la modernité

Le titre de la publication de Marina Schneede, "avec la peau et les cheveux" , nous fournit une bonne base pour considérer l'art corporel et le corps humain comme toile, surface de projection et matériau depuis les années 1960.

Il s'agit du corps et de ses composants les plus importants dans l'art contemporain . Mais non seulement le sujet est illustré par ce titre, mais aussi la passion et le dévouement avec lesquels les artistes se consacrent à ce sujet.

, l'historienne allemande de l'art Marina Schneede illumine divers aspects du corps dans l'art: des représentations classiques aux interprétations abstraites, une grande variété de positions artistiques sont présentées.

La variété de matériaux et de techniques avec lesquels les artistes abordent le sujet sont particulièrement intéressants. Que ce soit des sculptures en marbre ou en bronze, peintures sur toile ou installations dans l'espace public - chaque forme a sa propre signification et transmet des impressions très différentes pour le spectateur.

Mais ce qui combine ces œuvres, c'est leur intensité. Les artistes font campagne avec passion pour leur objet - ils entrent littéralement dans leur travail «avec la peau et les cheveux» Ils recherchent non seulement les caractéristiques externes du corps humain telles que les proportions ou l'anatomie , mais aussi pénétrer plus profondément: ils traitent des émotions , de l'identité et des normes sociales .

Ils ne craignent pas les représentations provocantes ou controversées, mais recherchent délibérément de nouvelles perspectives. Cette utilisation pour le corps dans l'art est également une expression du zeitgeist .

Dans un monde caractérisé par le progrès technologique et les réalités virtuelles, l'art contemporain établit un signe: cela nous rappelle que nous, en tant qu'êtres humains, avons toujours une présence physique - avec toutes nos forces et nos faiblesses. "

Les œuvres présentées transmettent une conscience corporelle qui ne vise pas le style corporel standardisé, mais plutôt pour explorer les frontières de la psyché et du corps. Ils considèrent le corps comme une expression et examinent à la fois son utilisation rituelle et manipulatrice.

Les années 60 et 70: art corporel et époque de l'assurance auto-assurance

Dans les années 1960, les artistes ont commencé à utiliser le corps humain comme domaine de travail direct . Initialement, cela s'est produit sous la forme de l'art corporel , dans lequel le corps lui-même est devenu une œuvre d'art.

Art corporel, également connu sous le nom d'art corporel , s'est développé comme un concept artistique du mouvement des événements et des fluxus . Le corps humain est utilisé à la fois comme support pour l'art et l'objet d'art réel lui-même.

Les artistes bien connus du Mouvement de l'art corporel sont Marina Abramović, Chris Burden, Günter Brus, Gina Pane, Pippilotti Rist, Carolee Schneemann, Vito Acconci, Valie Export et Timm Ulrichs. De nombreux artistes de l'actionnisme viennois des années 1960 sont également inclus.

Un élément central de l'art corporel est de défier le spectateur. La valeur d'une œuvre d'art était suspendue à la façon dont les disques du spectateur sont mélangés et il est arraché de son rôle passif.

Plus tard dans les années 1970, ils ont ensuite utilisé le corps comme matériel pour leurs œuvres. Ce développement était-il une réaction à la domination de l'art abstrait ?

Il y a eu diverses raisons d'inclure directement votre propre corps. C'était certainement aussi une réponse à l'art abstrait, mais de l'avis de l'historienne de l'art Marina Schneede, l'essentiel était de générer une expérience immédiate

C'était d'une importance cruciale pour les artistes d'alors. Un exemple de ceci est l'artiste d'action le plus célèbre d'Allemagne, Timm Ulrichs , qui s'est déjà présenté comme une œuvre d'art vivante en 1961.

Mais il y avait aussi d'autres considérations: par exemple, certains chercheurs voulaient explorer l'espace spécifiquement - en particulier l'environnement de leur propre corps. Rebecca Horn a inventé les doigts de gants - Extensions de doigt d'une longueur de mètre - pour examiner plus en détail cet aspect de la pièce.

À la fin des années 1960 et au début des années 1970, de plus en plus d'artistes ont commencé à se considérer comme des gens politiquement actifs . Ils s'efforcent d'attirer l'attention et de secouer les adeptes de la Société de Prosperity Carefree et le public confortable du miracle économique. Cela nécessitait des formes artistiques drastiques d'expression et de contenu.

Ceux-ci devraient être apparents et choquants, ce qui nécessitait souvent l'engagement complet de l'individu.

Qu'est-ce qui pourrait illustrer une utilisation plus forte et plus inconditionnelle à ce moment-là que de faire propre corps comme une expression du message artistique

Mon corps est l'intention, mon corps est l'événement, mon corps est le résultat »,

Une fois annoncé Günter Brus , qui a transféré son auto-peinture initial dans les analyses du corps public à partir de 1967, qui est allée de pair avec des lames de rasoir, des produits digestifs, du sang et des souffrances physiques.

Dans quelle mesure la représentation du corps dans l'art moderne diffère-t-elle de cette époque passée?

La conscience du corps a-t-elle changé?

Les exemples mentionnés par Marina Schneede précisent que l'occupation artistique immédiate avec le corps - qui, dans la plupart des situations, signifiait: avec votre propre corps - continue d'exister à ce jour.

Les années 80 et 90: aliénation, modification du corps et biotechnologie

Dans les années 1980, l'épidémie du sida est devenue la nouvelle menace pour le corps et Mona Hatoum , artiste de Documenta 11 en 2002, a souligné la vulnérabilité du corps comme le point central de son travail peu de temps après le début du nouveau siècle.

Dans les années 1990, il y a eu des développements rapides en génie génétique, en biotechnologie et en technologie de l'information , des possibilités et des dangers.

À une époque où de nouveaux cultes physiques ont prospéré et traitant intensivement les fonctions et les restrictions du corps humain, alors qu'il y avait un risque de dissolution dans le cyberespace, le lieu de soi individuel a été discuté en raison du moi individuel en raison de la conception du corps, des transplantations cérébrales et des manipulations de gènes. Cette discussion s'est déroulée entre la surstimulation et l'imitation virtuelle.

Bien que les artistes ne puissent pas intervenir directement dans les discours biotechnologiques, ils peuvent représenter l'étrangeté par la manipulation des images et ainsi exprimer l'incertitude à travers ces projets.

Mona Hatoum

L'inconnu de son propre corps, le sentiment d'étrangeté de son convivialité et la menace potentielle de ne pas pouvoir se percevoir comme une unité de corps et d'esprit - tous ces aspects d'une éventuelle division de conscience au 21e siècle ont été représentés de manière impressionnante par Mona Hatoum à Kassel.

Elle a visualisé cela par un voyage endoscopique à travers son intérieur.

Orlan

Depuis 1990, l'artiste d'action française et féministe Orlan de prendre une décision extraordinaire: elle a subi un certain nombre d' opérations faciales . Mais ceux-ci étaient non seulement purement esthétiques, mais ont été mis en scène pour une performance artistique dans une célèbre galerie de New York.

Avec cette action spectaculaire, elle ne voulait remettre en question rien de moins que les idéaux communs de la beauté de notre temps .

Orlan a documenté l'ensemble du processus de sa transformation répugnante à travers une série de photos fascinantes qu'elle a présentée au public. En conséquence, chaque spectateur a immédiatement vu la façon dont son visage a été changé après chaque intervention chirurgicale.

Ces images choquantes ont clairement montré ce qui se passait dans les coulisses de l'industrie de la beauté et a stimulé la pensée About us l'esthétique.

Avec sa performance, Orlan a mis le sujet de la modification du corps (modification du corps) dans une lumière complètement nouvelle. Au lieu d'abandonner la pression pour le perfectionnisme et la conformité, elle a délibérément organisé sa propre individualité et son caractère unique.

Grâce à son acte radical de résistance aux normes dominantes, elle nous a tous demandé de remettre en question nos propres définitions de la beauté.

Marina Abramovic et Jenny Holzer

La scène de l'art corporel est une communauté éblouissante, des premiers artistes corporels à des artistes éthiques et socialement politiques tels que Marina Abramovic et Jenny Holzer .

Ils semblent être beaucoup et le public, travaillent méditativement ou avec des moyens surprenants.

Jenny Holzer, une artiste de renom et concept des États-Unis, a conçu un magazine pour le Süddeutsche Zeitung en 1993. Ce faisant, elle a établi un accent provocateur et choquant en mélangeant du sang dans la police de la feuille de titre.

Cette conception inhabituelle avait un objectif très spécifique: souligner des effusions de sang violentes dans le monde. Grâce à son travail artistique, elle a essayé de souligner les effets terribles de la violence et de la guerre.

L'intégration du sang dans la conception du magazine a provoqué un effet énorme parmi les lecteurs. Il a déclenché de fortes émotions telles que l'horreur, le dégoût ou l'indignation.

En utilisant cette forme radicale d'art, Jenny Holzer a directement abordé notre responsabilité humaine en vue des souffrances mondiales à travers des actes de violence. Son objectif n'était pas seulement de souligner que de tels événements sanglants ont lieu; Beaucoup plus voulaient encourager leurs travaux à faire face à ce problème et à rechercher activement des solutions.

100. Biennale di Venezia

Le corps humain était également le thème central de la 100e Biennale à Venise en 1995. Dans une exposition impressionnante, qui a convaincu son abondance de matériaux, à la fois l'histoire de l'art des 100 dernières années a été présentée sous cet aspect et parfois par rapport aux études scientifiques.

L'exposition a convaincu sa diversité et sa qualité des expositions. Des peintures classiques aux installations modernes, il a offert un aperçu complet de divers mouvements et styles artistiques qui avaient choisi le corps humain comme motif principal.

Art corporel au 21e siècle - Renaissance de l'art corporel?

L'artiste visuel Käthe Wenzel , qui est professeur de pratique esthétique à l'Université européenne de Flensburg depuis juin 2016, s'est concentrée sur trois artistes extraordinaires dans un livre quelques années après le début du siècle, qui ont choisi le corps humain comme objet d'exposition .

Gunther von Hagens , un anatome et plastinateur renommé, a acquis une sensibilisation mondiale à travers ses techniques révolutionnaires de préparation et de représentation plastique du corps humain.

Ses plastins fascinants permettent au spectateur de vivre l'interaction complexe des organes et des tissus d'une manière unique.

Un autre protagoniste du livre est le photographe Michael Brendel . Avec son approche artistique, il organise habilement le corps humain et crée des images impressionnantes pleines d'esthétique et de profondeur. Par son regard aux détails, il parvient à capturer la beauté du corps humain dans toutes ses facettes.

L'artiste d'installation britannique, Damien Hirst, est également l'un des principaux acteurs de ce travail. Connu pour ses œuvres d'art provocantes autour de la vie et de la mort, il représente également les gens comme un élément central. Avec ses installations spectaculaires, il stimule la réflexion sur la mortalité, la transitoire et l'existence.

Ici, un aperçu détaillé de la création de trois artistes exceptionnels et leur examen du corps humain se révèle comme une expression de la vie et de la transacité. Soit dit en passant, il y a une critique détaillée du livre ici: Deutschlandfunk Kultur - le corps en art.

Mais il y a encore des artistes plus radicaux qui agissent avec un effort physique complet - et parfois même violent. Cela a également été montré en 2010 dans le centre d'Arts Contemporain à Brétigny près de Paris près de Paris en France en France.

Dans l'exposition, des photographies d'une campagne extrêmement provocante et controversée ont été présentées, dans lesquelles la mousse de polyuréthane et diverses prostituées ont joué un rôle central.

Cette mise en scène a montré les dames enveloppées dans un film en plastique noir, tandis qu'ils prenaient des positions claires et explicites qui n'étaient certainement pas destinées aux jeunes yeux.

L'artiste Sierra avait décidé d'embaucher plusieurs hommes pour injecter spécifiquement la mousse envers les organes génitaux féminins - une décision audacieuse dans le but de dépasser les limites et d'encourager les discussions sur la sexualité et la gestion des tabous sexuels. La série d'images crée un effet visuel fort et a en même temps déclenché des réactions intensives.

Ces dernières années, certaines expositions d'art ont traité les nouveaux ajustements et formes d'expression du corps humain à l'ère de la manipulation génétique, de la modification du corps et de la reproduction capitaliste ( SZ rapportée ).

L'exposition «Extensions corporelles» dans le Musée du design de Zurich, par exemple, a examiné l'importance croissante de la forme physique et de la beauté dans notre société, qui est perfectionnée par la chirurgie plastique et les prothèses artificielles du corps.

La sécession de Vienne, en revanche, a présenté des stratégies de publicité et d'évasion des fantasmes au sein de la structure corporelle commerciale mondiale dans l'exposition "Body Display" .

L'art concerne souvent le corps humain, mais surtout son impuissance . Dans l'exposition de Teresa Margolles «en el aire», vous êtes entré dans une pièce qui rappelle une buanderie. Deux humidificateurs ont considérablement augmenté la teneur en eau dans la cellule et l'évaporation des cadavres précédemment lavés a été contaminée.

Ces cadavres étaient censés être des victimes anonymes de la guerre contre la drogue à Mexico. L'exposition a demandé à demander plus précisément et à reconnaître la réalité de la guerre contre la drogue.

Que reste-t-il?

Les travaux de Margolles et de Sierra rappellent le mouvement artistique corporel des années 1960 et 70 lorsque les artistes ont utilisé leur corps comme toile et percé d'armes. L'objectif était d'écrire des expériences telles que le plaisir, la souffrance et la mort directement dans le corps.

Chris Burden, Gina Pane et Marina Abramovic ont également exposé une douleur considérable à démontrer sur la façon dont l'art corporel a servi à surmonter les sentiments ternes et l'oppression sociale.

L' école de Vienne d'art d'action radicale autour d'Otto Mühl, Günter Brus et Hermann Nitsch a été redécouverte dans les musées de Vienne et de Graz au 21e siècle. Cependant, leur ancien potentiel destructeur apparaît aujourd'hui plutôt ludique et humoristique au lieu de scandaleux. Leur confiance dans l'authenticité du corps est naïve et dépasse l'ère de la manipulation génétique et la conformité de la masse capitaliste du corps.

L' art corporel des années 60 et 70 , dans lequel les artistes ont utilisé leur corps comme toile pour présenter des expériences telles que le plaisir, la souffrance et la mort, est maintenant remplacée par une forme plus raffinée et cynique d'art corporel.

Ce nouvel art corporel porte les vrais champs de bataille vers le musée et est posthuman. Néanmoins, ce nouvel art corporel n'est pas à l'abri du kitsch et du pathos.

Répertoire source et bibliographie

Livres et magazines

• Forum d'art: Vol. 132 - L'avenir du corps I (1995)
• Marina Schneede : avec la peau et les cheveux: le corps dans l'art contemporain , la littérature Dumont et Kunst Verlag (2002)

Internet

• Philip J. Sampson: La représentation du corps :, https://www.kunstforum.de/artikel/die-rasprasentation-de-korpers/
• Deutschlandfunk : avec la peau et les cheveux. Le corps en art contemporain , https://www.deutschlandfunk.de/mit-haut-und-haaren-der-koerper-in-zeitenessischen-100.html
• Susanne Nessler : The Body in Art , Deutschlandfunk Kultur, https://www.deutschlandfunkkultur.de/der-koerper-in-kunst-100.html
• Holger Liebs (Süddeutsche Zeitung) : Le corps humain dans l'art : les nus et les chaots, https://www.sueddeutsche.de/kultur/der--schliche-koerper-in-kunst-kunst-nacken-und-d.-chaoten-

Joachim Rodriguez Y Romero

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza . Publiciste, rédacteur en chef et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Conclusion réussie dans la conception Web dans le cadre d'un diplôme universitaire (2008). Développement supplémentaire des techniques de créativité à travers des cours de dessin gratuit, de peinture d'expression et de théâtre / d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art à travers de nombreuses années de recherche journalistique et de nombreuses collaborations avec des acteurs / institutions de l'art et de la culture.

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