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Peinture à l'huile - La technologie des siècles des maîtres
La technologie de la peinture à l'huile, définie par la peinture avec des pigments avec de l'huile sèche comme classeur, remonte à l'origine au 7ème siècle après JC et comprend ainsi une large gamme de styles bien connus et de mouvements artistiques . D'innombrables œuvres d'art célèbres ont été créées avec cette technique.
Les artistes bouddhistes en Afghanistan ont peint les premiers spécimens connus de peintures à l'huile. En Europe, la technologie a été utilisée par des artistes du XIIe siècle.
Beaucoup des peintures à l'huile les plus célèbres connues du monde occidental aujourd'hui ont été créées par des artistes européens, y compris des maîtres anciens, dans les siècles suivants pour suivre leurs prédécesseurs bouddhistes.
L'histoire de la peinture à l'huile en Europe
Ce sont des artistes des Pays-Bas qui ont été les premiers à reprendre le processus de peinture à l'huile en Europe. De nombreux exemples peuvent être trouvés dans la peinture néerlandaise précoce.
La peinture à l'huile a une longue histoire en Europe Source de l'image:Depositphotos
La peinture à l'huile nécessitait un processus élaboré à ces débuts, car les huiles traditionnelles (y compris les graines de lin, les graines de pavot, les noix et l'huile de chardon) avaient besoin d'environ 1 à 3 semaines pour sécher. Les huiles étaient parfois cuites avec une résine, ce qui a conduit à une peinture brillante.
La technologie de la peinture à l'huile a également été répandue, au point culminant de la Renaissance, de nombreux artistes célèbres à travers l'Europe ont remplacé cette technologie par Temperamalerei.
les précieuses peintures à l'huile sont encore très populaires lors des enchères aujourd'hui, et bon nombre des œuvres les plus célèbres de l'huile sur toile sont admirées dans un zèle ininterrompu par d'innombrables visiteurs du musée.
Donc, si vous êtes d'humeur pour une visite virtuelle des peintures à l'huile les plus célèbres et les plus populaires au cours des derniers siècles, vous trouverez les 100 œuvres d'art les plus populaires ci-dessous qui ont jamais été peintes avec des peintures à l'huile. La plupart de ces célèbres peintures à l'huile sont originales dans les meilleurs musées du monde.
Notre top 100
1. Mona Lisa par Leonardo da Vinci
Année: env. 1503-06 | Medium: Huile sur la plaque de peuplier | Lieu: Musée du Louvre, Paris
L'aimant des visiteurs par excellence dans le Louvre de Paris (environ 6 000 peintures sont exposées, mais 90% des visiteurs vont directement à Mona Lisa). de Leonardo Da Vinci de la Renaissance italienne est peut-être le portrait de peinture à l'huile le plus célèbre et non contesté notre Numero Uno.
Après tout, il a été décrit comme "le plus connu, le plus visité, le plus décrit, le plus chanté, la plupart des œuvres d'art parodies dans le monde" . La Mona Lisa a été peinte dans l'huile sur un panneau de peuplier Lombardie blanche et est connu pour l'expression déroutante du motif (prétendument Lisa Gherardini, un noble italien), l'illusionnisme atmosphérique et sa composition exceptionnellement unique.
Depuis que la peinture a été acquise par le roi Franz I de France, il est maintenant la propriété de la France et est suspendue au Louvre depuis 1797. Peut-être la peinture à l'huile au monde détient un record de l'évaluation des assurances la plus connu de l'histoire: 100 millions de dollars en 1962, ce qui correspond à 660 millions de dollars en 2019.
Année: 1889 | Moyen: huile sur toile | Lieu: Musée d'art moderne (MoMA), New York City
de Vincent Van Gogh est considérée comme l'une des peintures les plus célèbres de l'art occidental et est une œuvre éblouissante dans l'huile sur toile qui est actuellement suspendue dans le MoMA.
Il a été peint en 1889 et montre l'apparence du peintre post-impressionniste de sa salle de sanatorium (avec un village fictif ci-dessous) à Saint-Rémy-de-Provence, en France. Alors que Van Gogh a créé plusieurs peintures de cette vue spéciale, la soirée étoilée est la seule nuit. Il est considéré comme un opus magnum de l'artiste - son chef-d'œuvre.
Année: 1907-1908 | Medium: huile et feuille sur toile | Emplacement: Belvedere, Vienne
Gustav Klimt était un peintre autrichien et a été attribué au symbolisme et à l'art nouveau. Il a créé le baiser entre 1907 et 1908. Les experts artistiques croient que ce fut le point culminant de la "période d'or" de Klimt.
Cette pièce chatoyante a été peinte avec de l'huile sur toile, mais Klimt a ajouté la feuille d'or, l'argent et le platine pour le faire briller. Le travail montre deux amoureux des étreintes (d'où les amateurs de noms d'origine), décorés de robes Nouveau.
Aujourd'hui, cette célèbre peinture à l'huile est suspendue dans le complexe baroque de construction de Belvédere à Vienne, en Autriche. Il est considéré comme un chef-d'œuvre de la succession viennoise (une version viennoise de l'art nouveau) et est l'œuvre la plus célèbre climatique.
4. Fille à l'oreille perle suspendue de Johannes Vermeer
Année: env. 1665 | Moyen: huile sur toile | Emplacement: Mauritshuis, la Haye
Le peintre néerlandais de l'âge d'or , Johannes Vermeer , a peint la fille avec la bague d'oreille perle vers 1665, un portrait en huile sur toile.
Bien qu'il ait eu des noms différents au cours des derniers siècles, il a pris son titre actuel au 20e siècle après la boucle d'oreille que la fille portait dans le tableau (elle porte également une robe exotique et un turban oriental).
Aujourd'hui, l'œuvre à Mauritstshuis, un musée d'art du Haag, accroche un sujet populaire dans la littérature (y compris dans le roman de Tracy Chevalier "Girl with a Pearl Earge" de 1999, une histoire fictive sur la création de l'œuvre).
Année: 1937 | Moyen: huile sur toile | Emplacement: Museo Reina Sofía, Madrid
Le célèbre artiste espagnol Pablo Picasso a peint l'une de ses œuvres les plus célèbres, Guernica en 1937 pendant la guerre civile espagnole.
Cette plante en noir et blanc dans l'huile sur toile montre des personnes et des animaux souffrant au milieu de la violence chaotique. Picasso l'a peint dans sa maison à Paris, après l'Allemagne nazie et le fasciste Italie Guernica, une ville du pays basque en Espagne. Le bombardement a été demandé par les nationalistes espagnols de cette époque.
La représentation choquante de Guernica des atrocités de la guerre a fait de ce que les critiques artistiques décrivent comme l'une des peintures anti-guerre les plus influentes de l'histoire qui a porté l'attention nécessaire à la guerre civile espagnole.
L'énorme peinture mesure 3,49 mètres de haut et 7,76 mètres de large et montre clairement un cheval pilé, une femme hurlant, des flammes, un taureau et un démembrement. Aujourd'hui, la peinture au musée d'art du 20e siècle, le Museo Reina Sofía, à Madrid, en Espagne.
La peinture de Rembrandt Van Rijn "Die Nachtwache" de 1642, également appelée Militia Company of the II District sous le commandement du capitaine Frans Banninck Cocq, est l'une des meilleures œuvres connues de la collection du Rijksmuseum à Amsterdam.
Une autre peinture à l'huile célèbre sur toile de l' âge d'or néerlandais . The Night Watch est populaire en raison de sa taille impressionnante, de l'utilisation du ténébrisme (la coordination dramatique de la lumière et de l'ombre) par l'artiste et la représentation du mouvement.
Rembrandt dirige le spectateur vers ses motifs d'image les plus importants par Mastery Sunlight and Shadow: les deux hommes au milieu et la femme avec un poulet derrière lui au centre gauche.
Année: 1872 | Moyen: huile sur toile | Lieu: Musée Marmottan Monet, Paris
Le peintre impressionniste français Claude Monets a créé ce travail de rêve. Le lever du soleil de 1872 a été présenté pour la première fois lors de l'exposition des impressionnistes à Paris en avril 1874. Cette peinture à l'huile sur toile aurait également été l'homonyme du mouvement impressionniste.
Avec une belle combinaison de tons gris, orange et rose, Monet dépeint le port de Le Havre, sa ville natale du nord-ouest de la France.
"impression, Sunrise" est suspendue dans le Musée Marmottan Monet à Paris, en France.
Année: 1930 | Medium: Huile sur Biberkarton | Lieu: Art Institute de Chicago
Grant Woods American Gothic, une œuvre emblématique du mouvement régionaliste américain , a été peinte en 19730 pendant la Grande Dépression en Amérique.
La peinture, qui fait actuellement partie de la collection de l'Art Institute de Chicago, montre un fermier qui se tient à côté de sa fille (bien qu'elle soit souvent considérée à tort sa femme).
Après le style de construction de la maison en arrière-plan, appelé American Gothic, c'est l'une des peintures les plus connues de l'art américain du 20e siècle . Il a rapidement acquis une grande renommée partout dans le monde et est souvent parodié dans la culture populaire américaine.
L'œuvre a été exposée pour la première fois en 2016 et 2017 à l'extérieur des États-Unis dans le Musée de l'Orangerie à Paris et à la Royal Academy of Arts de Londres.
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Année: 1931 | Moyen: huile sur toile | Lieu: Musée d'art moderne (MoMA), New York City
Le peintre espagnol Salvador Dalí a créé son œuvre de renommée mondiale "la persistance de la mémoire" . L' œuvre surréaliste de l'art est rapidement devenue l'une des œuvres les plus importantes du mouvement surréaliste.
Depuis sa création, il a été mentionné à plusieurs reprises dans la culture pop, en particulier en raison de ses caractéristiques les plus frappantes - les watches du sac "fondant".
Ces objets doux et fondants soutiennent la théorie de l'artiste de la «douceur» et de la «dureté», qu'il a recherché intensivement et qui à cette époque était d'une importance centrale pour ses œuvres.
Alors que certains croyaient que la persistance de la vision de la mémoire de Dalí sur la relativité spéciale d'Albert Einstein était, selon l'artiste, c'était "la perception surréaliste d'un camember qui fond au soleil".
10. Christ dans la tempête du lac de Galilée par Rembrandt Van Rijn
Année: 1633 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 160 cm × 128 cm | Stilpoché: baroque | Emplacement: inconnu
Un autre travail du célèbre peintre pétrolier et Master néerlandais Rembrandt . La tempête sur la mer de Galilée a été créée en 1633.
Ce travail montre les disciples du Christ dans un bateau de pêche en haute mer comment ils se battent dans une tempête et ont perdu le contrôle de leur navire.
Un disciple vomit par-dessus bord, un autre regarde directement le spectateur pendant qu'il s'en tient à son chapeau. Ceci est un autoportrait de Rembrandt lui-même.
Seul Christ est montré comment il préserve son sens du calme. La scène vient d'une histoire biblique du Christ, qui calme la tempête, du quatrième chapitre de l'Évangile de Mark.
La tempête sur le lac Galilée, connu sous le nom de seul paysage maritime , était le plus récemment au musée Isabella Stewart Gardner à Boston, mais était l'une des 13 œuvres volées au musée en 1990. Ses allaides sont encore inconnues.
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Année: 1903-04 | Medium: Huile sur le bois | Lieu: Art Institute de Chicago
L'une des œuvres antérieures et les plus célèbres de Pablo Picasso est l'ancienne guitaniste , une peinture à l'huile à bord qui a été créée entre 1903 et 1904. Le travail montre un vieux musicien aveugle et émacié qui se plie au-dessus de sa guitare dans les rues de Barcelone.
À cette époque, Picasso a été influencé par les mouvements de la modernité , de l'impressionnisme , du post-impressionnisme et du symbolisme . À cette époque, il vivait dans de mauvaises conditions. En attendant, son cher ami s'est suicidé, qui a marqué la période bleue .
Un fait intéressant dans cette célèbre peinture est que, comme l'ont montré les rayons X, 3 figures différentes sont cachées derrière l'ancien guitariste. Aujourd'hui, les spectateurs peuvent s'émerveiller de ce chef-d'œuvre de l'Art Institute de Chicago.
12. Vincent Van Gogh Swords
Année: 1889 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 71 cm x 93 cm | Stilpoché: Post impressionnisme | Lieu: J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Une autre peinture à l'huile célèbre de l'artiste néerlandais Vincent Van Gogh , peinte en mai 1889. Il s'agit de l'une des nombreuses œuvres d'une série qui a également été créée dans l'institution Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence.
Le beau travail a été créé un an avant la mort de Van Gogh en 1890. Les épées qu'il a peintes étaient dans le jardin de l'hôpital, et il a été supposé que le style de cette série était influencé par les coupes japonaises Ukiyo-e-Woodcut, comme on peut le voir dans beaucoup par Van Goghs.
La peinture est aimée en raison de sa douceur et de sa légèreté et est "pleine d'air et de vie", comme l'a décrit le frère de Van Gogh Theo.
Aujourd'hui, le travail peut être vu dans le musée J. Paul Getty à Los Angeles, en Californie.
Année: 1656 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 3,18 mx 2,76 m | Stilpoché: baroque | Emplacement: Museo del Prado, Madrid
Le peintre espagnol et artiste de premier plan de l' âge d'or espagnol , Diego Velázquez, a peint son travail emblématique à Las Meninas .
Il est surtout connu pour sa complexité, depuis cette peinture à l'huile, créée sur toile, remet en question la relation entre la réalité et l'illusion ainsi que celle entre le spectateur et les motifs montrés. Las Menina est l'une des œuvres les plus analysées de la peinture occidentale.
Bien que son importance soit largement controversée, Las Menina montre la chambre principale de l'Alcazar royal de Madrid.
Les chiffres présentés sont membres de la cour espagnole - Infantin Margaret Theresa, ainsi que ses dames honoraires, ses femmes de décence, ses gardes du corps, deux nains et un chien. L'accent est mis sur Velázquez lui-même, qui regarde directement le spectateur et peint sur un grand écran. Les figures du roi et de la reine devraient se tenir en arrière-plan.
À cette époque, Las Menina reste l'une des peintures les plus importantes de l'art occidental et a été décrite comme une représentation de la théologie en peinture, d'abord par le peintre baroque Luca Giordano et bien d'autres après lui.
L'œuvre est actuellement suspendue dans toute sa splendeur dans sa propre pièce du Museo del Prado à Madrid, en Espagne.
14. "La naissance de Vénus" (La Nascita di Venere) par Sandro Botticelli
Année: env. 1485 | Medium: Tempera | Taille d'origine: 180 x 280 cm | Stilpoché: Renaissance italienne | Emplacement: Galleria degli Uffizi Florence Italie
La peinture de Sandro Botticelli (1445-1510) montre la naissance de la déesse Vénus , qui arrive sur le continent de l'île de Chypre, dans une moule de mer qui est poussée par le chaud: Zephyr et peut-être Aura .
La déesse est accueillie par une jeune femme reconnue dans certains cas comme l'une des grâces ou comme Hora du printemps, et elle a un tissu prêt à couvrir Vénus.
Les Romains ont mis leur déesse de l'amour, Vénus, avec l'Aphrodite grec, qui est née dans la saga de la mousse de mer après que Kronos a été diverti son père Uranos et a jeté le phallus dans la mer.
Pour les Italiens, Vénus en tant que mère d'Énée, l'ancêtre des Romains, aux côtés de Mars, le père de Romulus et Remus, dont la ligne de la mère d'Éneas venait, avait une signification particulière comme preuve de l'origine divine de leur peuple.
15. "The Cafe Terrace on the Place du Forum, Arles" par Vincent Van Gogh
Année: 1888 | Moyen: huile sur toile | Taille: 81 x 65,5 cm | Stilpoché: post-impressionnisme | Emplacement: Kroller-Mueller Museum Otterlo, Pays-Bas
Café Terrace est un peinture à l'huile de 1888 par le célèbre artiste néerlandais Vincent Van Gogh . La terrasse du café est souvent mentionnée au Place du Forum.
Lorsqu'il a été émis à l'origine en 1891, il était intitulé Coffeehouse la nuit.
17. "La création d'Adam" (Création d'Adam) par Michelangelo Buonarroti
Année: 1510 | Fresque de plafond de la chapelle Sixtine
La création d'Adam est sans aucun doute une de ces œuvres qui laisse les téléspectateurs profondément impressionnés. Pas une grande surprise, car ici on nous montre une vision écrasante de Dieu .
Bien que l'original ne soit pas une peinture à l'huile, mais une fresque de plafond , le motif est très souvent reproduit comme une peinture à l'huile .
Cela montre comment Dieu a créé Adam à partir des restes de la terre. Dans l'image, vous pouvez voir Adam à gauche, qui est presque détendu sur le sol. Michel-Ange aurait peint Adam dans cette attitude pour montrer que Dieu n'a pas encore inspiré la vie en lui.
Selon les examens d'un neuromédien, la représentation de Dieu, avec ses aides et le tissu rouge, devrait correspondre à la section croisée du cerveau humain. Cela devrait probablement être l'unité de l'esprit et du corps contre mirrors n.
Le travail de Michel-Ange est typique de l'utilisation de corps musclés, ainsi que de peinture de figures qui agissent comme des sculptures . Le fait que Michel-Ange ait d'abord contribué à cela.
18. "Napoléon traverse les Alpes / Napoléon traversant les Alpes" de Jacques Louis David
Année: 1803 | Moyen: huile sur toile | Taille: 2,6 mx 2,21 m | Stilpoché: classicisme, néoclassicisme | Emplacement: château de Versailles
Entre 1801 et 1805, l' artiste français Jacques-Louis David une série de cinq portraits de chevaux à l'écran d'huile par le Great Army Guide Napoléon Bonaparte .
La peinture commandée par le roi d'Espagne montre une version fortement romantisée de la traversée alpine de Napoléon sur le grand Saint-Bernhard en mai 1800, peu de temps avant sa victoire contre les Autrichiens dans la deuxième guerre de la coalition (1799-1802).
La représentation d'un souverain à cheval est basée sur une longue tradition qui remonte à l'antiquité, la Rome impériale. L'absence d'aspects militaires dans cette image est destiné à servir le but de dépeindre Napoléon comme un penseur souverain et des stratèges qui remportent ses victoires avec l'esprit et non l'arme.
Il est controversé que le client soit lui-même Napoléon.
Néanmoins, il est devenu l'une des illustrations les plus réimprimées de Napoléon.
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Année: 1907 | Moyen: huile sur toile | Taille: 243,9 × 233,7 cm | Stilpoché: Cubisme | Emplacement: Musée d'art moderne, NY
Une célèbre peinture à l'huile de l'artiste espagnol Pablo Picasso , qui a été achevée en 1907. La peinture, qui fait partie de la collection constante du Musée de l'art moderne, montre cinq prostituées nues dans un bordel à Barcelonas Carrer D'Avinyó (Calle de Avión [es]).
Aucune des figures n'est conventionnelle, et chacune est représentée de manière tolérée et en forme de masque.
La peinture à l'huile de l'artiste espagnol est considérée comme un tournant dans l'histoire de la peinture occidentale et a en même temps initié le cubisme annonçant.
20. "Le randonneur au-dessus de la mer de brouillard" (le vagabond au-dessus de la mer du brouillard) par Caspar David Friedrich
Année: 1818 | Medium: Couleur d'huile | Taille: 95 cm x 75 cm | Style Epoch: Romance allemande | Emplacement: Hamburger Kunsthalle
Hiker Over the Fog Sea est une peinture de Caspar David Friedrich , un romantique allemand qui a été peint en 1818. Il est considéré comme l'une des plus grandes œuvres de romance et l'une de ses œuvres les plus emblématiques. L'œuvre d'art peut être vue dans le Hamburger Kunsthalle à Hambourg.
Le randonneur dans la vue arrière comme un motif d'image central se dresse sur un sommet rock avec une vue d'un paysage de montagne recouvert de brouillard. Ses cheveux blonds sombres soufflent dans le vent. Malgré l'emplacement dangereux, toute la posture semble équilibrée, confiante et calme.
Dans le milieu et le fond de la peinture, nous voyons un paysage de montagne échelonné qui est traversé par plusieurs berges de brouillard.
En arrière-plan, nous voyons une grande montagne sur le côté gauche du tableau derrière les banques de brouillard. Une plus petite montagne de table peut être vue sur le côté droit. C'est probablement le cercle, une formation rocheuse de Suisse saxonne .
Avec son échec multi-réparties des différentes montagnes et des bandes de brouillard, Caspar David Friedrich parvient à créer l'impression d'une largeur presque infinie. Nous voyons l'étendue illimitée de la nature, comme le montre le randonneur, comme si nous étions derrière lui.
21. Les deux sœurs, sur la terrasse (les deux sœurs, sur la terrasse, 1881) par Pierre Auguste Renoir
Année: 1881 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 100,5 x 81 cm | Stilpoché: Post impressionnisme | Lieu: Art Institute de Chicago, États-Unis
Le titre "Two Sisters" (français: Les deux Sœurs) a été donné à la peinture à l'huile Renoir elle-même. La photo a ensuite été surnommée "sur la terrasse" (français: sur la Terrasse) de son premier propriétaire Paul Durand-Ruel .
Renoir a travaillé sur le tableau sur la terrasse de Maison Fournaise, un restaurant sur une île de Seine à Chatou, une banlieue de Paris.
La peinture montre une jeune femme et sa sœur cadette, qui s'assoient dehors avec un petit panier avec un petit panier. Vous pouvez voir des buissons et des feuilles sur les garde-corps de la terrasse.
Jeanne Darlot (1863-1914), une future actrice, à cette époque seulement pour 18 ans, a fait passer "la sœur aînée". On ne sait pas qui s'est rendu disponible en tant que "sœur cadette". Cependant, il est indiqué que les deux modèles n'étaient pas vraiment liés.
Renoir a commencé à travailler sur le tableau en avril 1881 et en juillet de la même année, il a été acheté par le marchand d'art Paul Durand-Ruel pour CHF 1 500.
Le tableau a été rendu accessible au public lors de la 7e exposition impressionniste au printemps 1882. En 1883, il est devenu connu qu'il était passé dans la collection de Charles Ephrussi. En 1892, le tableau est revenu à la collection de la famille Durand Ruel.
22. Arrangement en gris et noir n ° 1 (portrait de la mère de l'artiste) par James Abbott McNeill Whistler
Année: 1871 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 144,3 × 162,4 cm | Stilpoché: réalisme américain | Lieu: Musée d'Orsay, Paris
Le nom familier du travail de "Mère Whistler" a été manqué, ce travail de toile à l'huile sur la simplification. Le titre original "Arrangement en gris et noir n ° 1 (portrait de la mère des artistes)" de James Abbott McNeil Whistler était un peu trop volumineux pour la plupart des téléspectateurs.
En fait, le motif est Anna McNeil Whistler, la mère de Whistler, qui a posé pour ce chef-d'œuvre lorsqu'elle a vécu avec son fils à Londres en 1871.
Le peintre américain a non seulement peint sa mère, mais en même temps une image abstraite. Les tons gris et noirs maîtrisent la peinture ainsi que des rectangles sous différentes formes: un rideau à gauche, une image avec un cadre noir et un passeport brillant à gauche, et une image coupée peut être vue sur le bord droit de l'image, également avec un cadre noir.
Bien qu'il s'agisse d'une copie emblématique d'American Art (il est également appelé Victorian Mona Lisa ), la mère de Whistler orne aujourd'hui le Musée d'Orsay à Paris. La peinture à l'huile a été acquise pour la première fois par le français français en 1891.
Il reste l'une des peintures les plus célèbres d'un artiste américain en dehors des États-Unis.
Année: 1906 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 89,9 × 94,1 cm | Stilpoché: impressionnisme | Emplacement: Art Institute de Chicago, IL, USA
"Seerose" a été créé en 1906 par Claude Monet dans le style de l'impressionnisme . Cette célèbre œuvre d'art de Claude Monet suit le sujet naturaliste typique de l'impressionniste.
Monet peint la même image plusieurs fois, mais chaque jour, les lys d'eau étaient différents, les détails et l'éclairage et les coups de pinceau sont très différents, ce qui rend à son tour chaque peinture de lys à eau unique.
Claude Monet a dit un jour que son jardin était sa passion. Il avait un étang dans sa cour arrière avec un pont japonais qui a conduit sur l'eau, ce qui a créé un endroit parfait pour lui pour créer ses célèbres créations.
Dans sa première série Water Lily (1897–99), Monet a peint l'environnement de l'étang avec ses plantes, ses ponts et ses arbres qui ont été séparés proprement par un horizon ferme. Au fil du temps, l'artiste était de moins en moins préoccupé par l'espace d'image conventionnel. Jusqu'à la peinture des lys d'eau, qui provient de son troisième groupe d'œuvres, il avait complètement distribué la ligne Horizon.
Sur cette toile spatialement ambiguë, l'artiste a baissé les yeux et s'est concentré exclusivement à la surface de l'étang avec son groupe de végétation, qui planait au milieu du reflet du ciel et des arbres.
Soit dit en passant, le peintre n'a pas utilisé beaucoup de couleurs terreuses telles que les tons bruns et terrestres. Il s'est principalement concentré sur des tons frais tels que le bleu et le vert afin de transmettre une ambiance apaisante et relaxante. Tout comme il se sentait quand il est resté dans son jardin.
24. Le cours de danse (la classe de danse) par Edgar Degas
Année: 1874 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 85 x 75 cm | Stilpoché: impressionnisme | Lieu: Musée d'Orsay, Paris
Lorsque ces travaux et ses variations ont été créés au milieu des années 1870, ils étaient, en dehors des peintures historiques, des compositions figuratives les plus ambitieuses de Degas .
Une vingtaine de femmes, de ballerines et de leurs mères restent en position d'attente, tandis qu'une danseuse effectue une attitude pour son examen. Jules Perrot, l'un des meilleurs danseurs et ballet maître connue en Europe, donne la leçon de danse dans une salle de répétition dans l'Old Paris Opera, qui a été brûlé peu de temps avant.
La peinture a été commandée en 1872 par le chanteur d'opéra et collectionneur d'art Jean-Baptiste Faure. Ce n'était que l'un des ordres très rares que Degas ait jamais accepté. Il a travaillé pendant deux ans avec des interruptions avant de finalement la terminer.
25. Un dimanche à La Grande Jatte (un dimanche sur La Grande Jatte) par Georges Seurat
Année: 1884 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 207,6 × 308 cm | Style Epoch: Poitilisme, néo-impressionnisme | Lieu: Art Institute de Chicago, États-Unis
Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte est l'œuvre la plus célèbre du peintre français Georges Seurat. Il montre les citoyens parisiens qui se reposent dans un parc le long de la sienne et divertissent le leur.
L'œuvre est devenue célèbre pour la technique pointilliste utilisée, une façon de peindre, dont le développement était considérablement impliqué. Le pointillisme comprend l'utilisation de petits points de couleur qui sont appliqués dans les motifs pour créer une image.
Surat n'avait que 26 ans lorsqu'il a montré ce travail pour la première fois lors de la huitième exposition annuelle et dernière impressionniste en 1886.
Dans la portée, la technologie et la composition, il est apparu comme une provocation consciente à ses premiers représentants, comme Renoir et Monet. Il a immédiatement changé le cours de la peinture d'avant-garde et a initié un nouveau mouvement artistique qui a été baptisé "néo-impressionnisme"
Surat est décédé à l'âge de 31 ans. Il a créé d'autres toiles ambitieuses, mais La Grande Jatte est restée son opus magnum. Bien que la photo ait rarement été vue dans les trois décennies après sa mort en 1891, sa visibilité a été considérablement augmentée en 1924 lorsque Frederic Clay Bartlett a acheté la photo et l'a remise à l' Art Institute de Chicago comme prêt.
Depuis lors, il y a suspendu et est devenu une icône et l'une des peintures les plus célèbres du monde de l'art.
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Propriétaire et directeur général de Kunstplaza . Publiciste, rédacteur en chef et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Conclusion réussie dans la conception Web dans le cadre d'un diplôme universitaire (2008). Développement supplémentaire des techniques de créativité à travers des cours de dessin gratuit, de peinture d'expression et de théâtre / d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art à travers de nombreuses années de recherche journalistique et de nombreuses collaborations avec des acteurs / institutions de l'art et de la culture.
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