Famous Oil Painting - Top 100 pour les reproductions en qualité du musée

Qui ne rêverait pas de posséder un chef-d'œuvre de l'histoire de l'art , une célèbre peinture à l'huile ? Pour le commun des mortels, cependant, les prix, souvent à sept ou huit chiffres, sont tout simplement inabordables. La meilleure alternative reste néanmoins une reproduction fidèle et de grande qualité d'une œuvre d'un maître ancien ou contemporain.

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L’art de la reproduction englobe les estampes et les peintures réalisées à la main, deux options qui diffèrent sensiblement sur certains points. « Reproductions d’art et de peintures de haute qualité pour votre intérieur – Guide pratique » explique en détail si une reproduction peinte à la main ou une impression d’art giclée ( impression d’art de qualité .

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La peinture à l'huile – La technique séculaire des maîtres

périodes stylistiques et de mouvements artistiques célèbres . D'innombrables œuvres d'art célèbres ont été réalisées grâce à cette technique.

Les plus anciens exemples connus de peintures à l'huile ont été réalisés par des artistes bouddhistes en Afghanistan. En Europe, cette technique fut utilisée par les artistes à partir du XIIe siècle.

Nombre des tableaux à l'huile les plus célèbres connus du monde occidental aujourd'hui ont été créés par des artistes européens, y compris des maîtres anciens, au cours des siècles suivants, suivant les traces de leurs prédécesseurs bouddhistes.

L'histoire de la peinture à l'huile en Europe

Ce sont les artistes néerlandais qui, les premiers, ont adopté la peinture à l'huile en Europe. On en trouve de nombreux exemples dans les débuts de la peinture hollandaise.

La peinture à l'huile, à cette époque, était un procédé laborieux, car les huiles traditionnelles (notamment l'huile de lin, d'opacifique, de noix et de carthame) mettaient environ une à trois semaines à sécher. On faisait parfois bouillir les huiles avec de la résine, ce qui donnait un vernis brillant.

Malgré la popularité croissante de la technique de la peinture à l'huile, au plus fort de la Renaissance, de nombreux artistes célèbres à travers l'Europe ont remplacé cette technique par la peinture à la tempera.

les tableaux à l'huile de grande valeur restent très recherchés lors des ventes aux enchères d'aujourd'hui, et nombre des œuvres les plus célèbres peintes à l'huile sur toile sont admirées avec un enthousiasme constant par d'innombrables visiteurs de musées.

Si vous souhaitez découvrir virtuellement les peintures à l'huile les plus célèbres et les plus appréciées des derniers siècles, vous trouverez ci-dessous les 100 œuvres d'art les plus populaires jamais réalisées à la peinture à l'huile. La plupart de ces célèbres tableaux sont conservés dans les plus grands musées du monde, dans leur version originale.

Notre Top 100

1. La Joconde de Léonard de Vinci

Année : vers 1503-1506 | Technique : Huile sur panneau de peuplier | Lieu : Musée du Louvre, Paris

Au Louvre à Paris (où sont exposés environ 6 000 tableaux, mais 90 % des visiteurs se dirigent directement vers la Joconde), le de Léonard de Vinci, fleuron de la Renaissance italienne, est sans doute le portrait à l'huile le plus célèbre de tous les temps et assurément notre préféré.

Elle a été décrite « l'œuvre d'art la plus célèbre, la plus visitée, la plus décrite, la plus chantée et la plus parodiée au monde ». Joconde a été peinte à l'huile sur un panneau de peuplier blanc de Lombardie et est connue, entre autres, pour l'expression déconcertante du sujet (qui serait Lisa Gherardini, une noble italienne), son illusionnisme atmosphérique et sa composition exceptionnellement unique.

Acquise par le roi François Ier de France, cette toile appartient désormais à la France et est exposée au Louvre depuis 1797. Considérée comme l'une des peintures à l'huile au monde, elle détient le record de la plus haute estimation d'assurance jamais enregistrée : 100 millions de dollars en 1962, soit l'équivalent de 660 millions de dollars en 2019.

2. La Nuit étoilée de Vincent Van Gogh

Année : 1889 | Technique : Huile sur toile | Lieu : Musée d’art moderne (MoMA), New York

de Vincent Van Gogh est considérée comme l'une des peintures les plus célèbres de l'art occidental et constitue une œuvre éblouissante à l'huile sur toile, actuellement exposée au MoMA.

Peinte en 1889, cette toile représente la vue que le peintre post-impressionniste avait depuis sa chambre de sanatorium (avec un village imaginaire en contrebas) à Saint-Rémy-de-Provence, en France. Bien que Van Gogh ait réalisé plusieurs tableaux de ce paysage, La Nuit étoilée est le seul à le représenter de nuit. Elle est considérée comme son chef-d'œuvre.

3. Le Baiser de Gustav Klimt

Année : 1907-1908 | Technique : Huile et papier sur toile | Lieu : Belvédère, Vienne

Gustav Klimt était un peintre autrichien associé au symbolisme et à l'Art nouveau. Il a créé Le Baiser entre 1907 et 1908. Les experts considèrent cette œuvre comme l'apogée de sa période dorée.

Cette œuvre chatoyante a été peinte à l'huile sur toile, mais Klimt y a ajouté de la feuille d'or, de l'argent et du platine pour lui donner tout son éclat. Elle représente deux amants enlacés (d'où son titre original, Les Amants), vêtus de costumes Art nouveau.

Aujourd'hui, ce célèbre tableau est exposé dans le complexe baroque du Belvédère à Vienne, en Autriche. Considéré comme un chef-d'œuvre de la tradition viennoise (une version viennoise de l'Art nouveau), il s'agit de l'œuvre la plus célèbre de Klimt.

4. La Jeune Fille à la perle de Johannes Vermeer

Année : vers 1665 | Technique : Huile sur toile | Lieu : Mauritshuis, La Haye

Le peintre néerlandais du Siècle d'or, Johannes Vermeer, a peint La Jeune Fille à la perle, un portrait à l'huile sur toile, vers 1665.

Bien qu'elle ait porté différents noms au cours des siècles passés, elle a adopté son nom actuel au XXe siècle d'après la boucle d'oreille portée par la jeune fille du tableau (elle porte également une robe exotique et un turban oriental).

Aujourd'hui, l'œuvre est exposée au Mauritshuis, un musée d'art de La Haye, aux Pays-Bas, et a été un sujet populaire en littérature au fil du temps (notamment dans le roman de Tracy Chevalier de 1999, « La Jeune Fille à la perle » , une histoire fictive sur la création de l'œuvre).

5. Guernica de Pablo Picasso

Année : 1937 | Médium : Huile sur toile | Lieu : Musée Reina Sofía, Madrid

Le célèbre artiste espagnol Pablo Picasso a peint l'une de ses œuvres les plus célèbres, Guernica, en 1937, pendant la guerre civile espagnole.

Ce tableau en noir et blanc, peint à l'huile sur toile, représente des personnes et des animaux souffrant au milieu d'une violence chaotique. Picasso l'a réalisé dans son appartement parisien après le bombardement de Guernica, ville du Pays basque espagnol, par l'Allemagne nazie et l'Italie fasciste. Ce bombardement avait été demandé par les nationalistes espagnols de l'époque.

La représentation choquante des atrocités de la guerre dans Guernica en a fait ce que les critiques d'art décrivent comme l'une des peintures antimilitaristes les plus influentes de l'histoire, attirant une attention indispensable sur la guerre civile espagnole.

Cette immense toile, haute de 3,49 mètres et large de 7,76 mètres, représente clairement un cheval encorné, une femme hurlant, des flammes, un taureau et des scènes de démembrement. Elle est aujourd'hui exposée au musée Reina Sofía d'art du XXe siècle à Madrid, en Espagne.

6. La Ronde de nuit de Rembrandt van Rijn

Année : 1642 | Technique : Huile sur toile | Lieu : Rijksmuseum, Amsterdam

Le tableau de Rembrandt van Rijn « La Ronde de nuit » de 1642, également connu sous le nom de représentation de la compagnie de milice du 2e district sous le commandement du capitaine Frans Banninck Cocq, est l'une des œuvres les plus célèbres de la collection du Rijksmuseum d'Amsterdam.

Une autre célèbre peinture à l'huile sur toile de l' âge d'or néerlandais de l'utilisation par l'artiste ténébrisme

Grâce à sa maîtrise de la lumière et de l'ombre, Rembrandt attire le regard du spectateur sur ses motifs picturaux les plus importants : les deux hommes au centre et la femme avec une poule derrière eux, au centre gauche.

7. Lever de soleil par Claude Monet

Année : 1872 | Médium : Huile sur toile | Lieu : Musée Marmottan Monet, Paris

Le peintre impressionniste français Claude Monet a créé cette œuvre onirique. « Soleil levant », peint en 1872, fut exposé pour la première fois à l' impressionniste de Paris en avril 1874. Cette huile sur toile est également considérée comme ayant donné son nom au mouvement impressionniste.

Monet représente le port du Havre, sa ville natale du nord-ouest de la France, en utilisant une magnifique combinaison de tons gris, orange et roses.

« Impression, Sunrise » est exposé au Musée Marmottan Monet à Paris, en France.

8. American Gothic de Grant Wood

Année : 1930 | Technique : Huile sur carton en peau de castor | Lieu : Art Institute of Chicago

American Gothic de Grant Wood, œuvre emblématique du mouvement régionaliste américain , a été peinte en 1930, pendant la Grande Dépression aux États-Unis.

Le tableau, qui fait actuellement partie de la collection de l'Art Institute de Chicago, représente un fermier debout à côté de sa fille (bien qu'on la prenne souvent à tort pour sa femme).

Intitulé « American Gothic » en référence au style architectural de la maison en arrière-plan, ce tableau est l'un des plus célèbres de l'art américain du XXe siècle . Il a rapidement acquis une renommée mondiale et est souvent parodié dans la culture populaire américaine.

L'œuvre a été exposée pour la première fois hors des États-Unis en 2016 et 2017 au Musée de l'Orangerie à Paris et à la Royal Academy of Arts à Londres.

9. La Persistance de la mémoire de Salvador Dalí

Année : 1931 | Technique : Huile sur toile | Lieu : Musée d’art moderne (MoMA), New York

En 1931, le peintre espagnol Salvador Dalí créa son œuvre mondialement célèbre « La Persistance de la mémoire » . Cette œuvre surréaliste devint rapidement l'une des plus importantes du mouvement surréaliste.

Depuis sa création, elle a été mentionnée à de nombreuses reprises dans la culture populaire, notamment en raison de sa caractéristique la plus frappante : les montres de poche « fondantes ».

Ces objets mous et fondants soutiennent la théorie de l'artiste sur la « douceur » et la « dureté », qu'il a étudiée intensivement et qui était au cœur de ses œuvres de cette époque.

Alors que certains pensaient que La Persistance de la mémoire représentait le point de vue de Dalí sur la théorie de la relativité restreinte d'Albert Einstein, selon l'artiste lui-même, il s'agissait de « la perception surréaliste d'un camembert fondant au soleil ».

10. Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée de Rembrandt van Rijn

Année : 1633 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 160 cm × 128 cm | Style : Baroque | Lieu : Inconnu

Une autre œuvre du célèbre peintre à l'huile et maître néerlandais Rembrandt . La Tempête sur la mer de Galilée a été créée en 1633.

Cette œuvre représente les disciples du Christ dans une barque de pêche en haute mer, luttant contre une tempête et ayant perdu le contrôle de leur navire.

Un disciple vomit par-dessus bord, un autre fixe le spectateur en serrant sa casquette. Il s'agit d'un autoportrait de Rembrandt lui-même.

Seul le Christ est représenté, conservant son calme. La scène est tirée d'un passage biblique où le Christ apaise la tempête, dans le quatrième chapitre de l'Évangile selon Marc.

La Tempête sur la mer de Galilée, connue comme la seule marine , a été exposée pour la dernière fois au musée Isabella Stewart Gardner de Boston, mais elle faisait partie des 13 œuvres volées au musée en 1990. On ignore toujours où elle se trouve.

11. Le Vieux Guitariste de Pablo Picasso

Année : 1903-1904 | Technique : Huile sur bois | Lieu : Art Institute of Chicago

L'une des premières œuvres et des plus célèbres de Pablo Picasso est Le Vieux Guitariste , une peinture à l'huile sur panneau réalisée entre 1903 et 1904. L'œuvre représente un vieux musicien aveugle et émacié, penché sur sa guitare dans les rues de Barcelone.

Picasso fut influencé à cette époque par les mouvements du modernisme , de l'impressionnisme , du post-impressionnisme et du symbolisme . Il vivait lui-même dans la pauvreté durant cette période. Parallèlement, son ami proche se suicida, marquant le début de sa période bleue .

Un détail intéressant concernant ce célèbre tableau : les radiographies ont révélé la présence de trois personnages différents dissimulés derrière le vieux guitariste. Aujourd’hui, les visiteurs peuvent admirer ce chef-d’œuvre à l’Art Institute de Chicago.

12. Les Iris de Vincent van Gogh

Année : 1889 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 71 cm x 93 cm | Style : Post-impressionnisme | Lieu : Musée J. Paul Getty, Los Angeles

Une autre célèbre peinture à l'huile du peintre néerlandais Vincent van Gogh , réalisée en mai 1889. Il s'agit de l'une des nombreuses œuvres d'une série qui ont également été créées à l'institution Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence.

Cette magnifique œuvre a été créée un an seulement avant la mort de Van Gogh en 1890. Les iris qu'il a peints se trouvaient dans le jardin de l'hôpital, et il a été suggéré que le style de cette série était influencé par les estampes japonaises Ukiyo-e, comme on peut le constater dans beaucoup d'œuvres de Van Gogh.

Ce tableau est apprécié pour sa douceur et sa légèreté ; il est « plein d’air et de vie », comme l’a décrit Théo, le frère de Van Gogh.

L'œuvre est aujourd'hui visible au J. Paul Getty Museum de Los Angeles, en Californie.

13. Les Ménines de Diego Velazquez

Année : 1656 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 3,18 m x 2,76 m | Style : Baroque | Lieu : Musée du Prado, Madrid

Le peintre espagnol et artiste majeur du Siècle d'or espagnol , Diego Velázquez, a peint son œuvre emblématique Las Meninas .

Ce tableau est surtout connu pour sa complexité, car cette huile sur toile interroge le rapport entre réalité et illusion, ainsi qu'entre le spectateur et les sujets représentés. Las Meninas est l'une des œuvres les plus analysées de la peinture occidentale.

Bien que sa signification soit largement contestée, selon l'historien d'art espagnol FJ Sánchez Cantón, Las Meninas représente la chambre principale de l'Alcazar royal de Madrid sous le règne du roi espagnol Philippe IV.

Les personnages représentés sont des membres de la cour d'Espagne : l'infante Marguerite-Thérèse, ses dames d'honneur, ses chaperons, ses gardes du corps, deux nains et un chien. Au centre, Velázquez lui-même, regardant droit dans les yeux du spectateur, peint sur une grande toile. On aperçoit le roi et la reine à l'arrière-plan.

Aujourd'hui encore, Las Meninas demeure l'un des tableaux les plus importants de l'art occidental et a été décrit comme une représentation de la théologie en peinture, d'abord par le peintre baroque Luca Giordano, puis par beaucoup d'autres après lui.

L'œuvre est actuellement exposée dans toute sa splendeur dans une salle dédiée du musée du Prado à Madrid, en Espagne.

14. «La Naissance de Vénus» (La nascita di Venere) de Sandro Botticelli

Année : vers 1485 | Technique : Tempera | Dimensions originales : 180 x 280 cm | Style : Renaissance italienne | Lieu : Galerie des Offices, Florence, Italie

Le tableau de Sandro Botticelli (1445-1510) représente la naissance de la déesse Vénus , arrivant sur le continent de l'île de Chypre, conçue dans un coquillage poussé par les brises : Zéphyr et peut-être Aura .

La déesse est accueillie par une jeune femme, qui est parfois reconnue comme l'une des Grâces ou comme l'Hora du Printemps, et elle tient un tissu prêt à recouvrir Vénus.

Les Romains assimilaient leur déesse de l'amour, Vénus, à la déesse grecque Aphrodite qui, selon la légende, serait née de l'écume de la mer après que Cronos eut castré son père Ouranos et jeté le phallus à la mer.

Pour les Italiens, Vénus, en tant que mère d'Énée, l'ancêtre des Romains, aux côtés de Mars, le père de Romulus et de Rémus, dont la mère était issue de la lignée d'Énée, revêtait une importance particulière comme preuve de l'origine divine de leur peuple.

15. « La terrasse du café place du Forum, Arles » par Vincent van Gogh

Année : 1888 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 81 x 65,5 cm | Style : Post-impressionnisme | Lieu : Musée Kröller-Mueller, Otterlo, Pays-Bas

La Terrasse du café est une peinture à l'huile de 1888 du célèbre artiste néerlandais Vincent van Gogh . Elle est souvent appelée La Terrasse du café de la place du Forum.

Lors de sa première exposition en 1891, elle s'intitulait « Coffeehouse at Night ».

16. « Bal du moulin de la Galette » de Pierre-Auguste Renoir

Année : 1876 | Technique : Peinture à l’huile | Dimensions : 31 × 175 cm | Mouvement artistique : Impressionnisme | Lieu de conservation : Musée d’Orsay

Le Bal du moulin de la Galette est un tableau de l'artiste français Pierre-Auguste Renoir datant de 1876. Il est conservé au musée d'Orsay à Paris et est l'une des œuvres les plus célèbres de l'impressionnisme .

L'œuvre représente un dimanche soir au premier Moulin de la Galette à Montmartre, Paris.

17. « La Création d'Adam » de Michel-Ange Buonarroti

Année : 1510 | Fresque du plafond de la chapelle Sixtine

La Création d'Adam est sans aucun doute une œuvre qui marque profondément les spectateurs. Cela n'a rien d'étonnant, car elle nous offre une vision bouleversante de Dieu .

Bien que l'original ne soit pas une peinture à l'huile mais une fresque de plafond , le motif est très souvent reproduit sous forme de peinture à l'huile .

Ce tableau représente la création d'Adam par Dieu à partir des restes de la terre. Adam y est représenté à gauche, allongé presque détendu sur le sol. On dit que Michel-Ange l'a peint dans cette position pour symboliser que Dieu ne lui avait pas encore insufflé la vie.

D'après les recherches d'un neuroscientifique, la représentation de Dieu, avec ses assistants et le tissu rouge, correspondrait à une coupe transversale du cerveau humain. Il s'agissait probablement de refléter l'unité du corps et de l'esprit.

L'œuvre de Michel-Ange se caractérise par l'utilisation de corps musclés et la représentation de figures aux allures de sculptures . Cela s'explique probablement par le fait qu'il était avant tout sculpteur.

18. « Napoléon franchissant les Alpes » par Jacques Louis David

Année : 1803 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 2,6 m x 2,21 m | Style : Classicisme, Néoclassicisme | Lieu : Château de Versailles

Entre 1801 et 1805, l' artiste français Jacques-Louis David une série de cinq portraits à l'huile sur toile du grand chef militaire Napoléon Bonaparte .

Le tableau, commandé par le roi d'Espagne, représente une version très romancée de la traversée réelle des Alpes par Napoléon via le col du Grand-Saint-Bernard en mai 1800, peu avant sa victoire contre les Autrichiens lors de la deuxième guerre de coalition (1799-1802).

La représentation d'un souverain à cheval s'inscrit dans une longue tradition remontant à la Rome impériale antique. L'absence d'éléments militaires dans cette image vise à dépeindre Napoléon comme un penseur et un stratège souverain qui a remporté ses victoires par l'intelligence et non par les armes.

L'identité du client, à savoir Napoléon lui-même, est contestée.

Néanmoins, elle est devenue l'une des images de Napoléon les plus fréquemment reproduites.

19. «Les Demoiselles d'Avignon» de Pablo Picasso

Année : 1907 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 243,9 × 233,7 cm | Mouvement artistique : Cubisme | Lieu : Musée d’art moderne de New York

Une célèbre peinture à l'huile de l'artiste espagnol Pablo Picasso , achevée en 1907. Le tableau, qui fait partie de la collection permanente du Musée d'Art Moderne, représente cinq prostituées nues dans un bordel de la Carrer d'Avinyó (Calle de Avión) à Barcelone.

Aucun des personnages n'est une femme au sens conventionnel du terme, et chacun est dépeint d'une manière étrangement tordue et figée.

Ce tableau à l'huile de l'artiste espagnol du siècle est considéré comme un tournant dans l'histoire de la peinture occidentale et a également annoncé l'avènement du cubisme.

20. « Le Voyageur contemplant une mer de brouillard » de Caspar David Friedrich

Année : 1818 | Technique : Peinture à l’huile | Dimensions : 95 cm x 75 cm | Mouvement artistique : Romantisme allemand | Lieu : Hamburger Kunsthalle

Le Voyageur contemplant une mer de brouillard est un tableau de Caspar David Friedrich , peintre romantique allemand , réalisé en 1818. Considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du romantisme et l'une de ses œuvres les plus emblématiques, il est exposé à la Hamburger Kunsthalle de Hambourg.

Le randonneur, vu de dos, est le sujet principal de l'image, debout sur un pic rocheux dominant un paysage montagneux enveloppé de brume. Ses cheveux blond foncé flottent au vent. Malgré la situation précaire, son attitude générale paraît équilibrée, confiante et sereine.

Au centre et à l'arrière-plan du tableau, on aperçoit un paysage montagneux en terrasses, traversé par plusieurs bancs de brouillard.

À l'arrière-plan, à gauche du tableau, on aperçoit une haute montagne conique dissimulée derrière des nappes de brouillard. À droite, se dessine une montagne tabulaire plus petite. Il s'agit probablement du Zirkelstein, une formation rocheuse de Suisse saxonne .

Par la superposition subtile des montagnes et des volutes de brume, Caspar David Friedrich parvient à créer l'impression d'une immensité quasi infinie. Nous contemplons l'immensité sans limites de la nature telle que la perçoit le voyageur, comme si nous nous tenions derrière lui.

21. Les Deux Sœurs, sur la terrasse (1881) de Pierre Auguste Renoir

Année : 1881 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 100,5 x 81 cm | Mouvement artistique : Post-impressionnisme | Lieu : Art Institute of Chicago, États-Unis

Le titre « Les Deux Sœurs » a été donné à cette huile sur toile par Renoir lui-même. Le surnom « Sur la terrasse » lui a été donné plus tard par son premier propriétaire, Paul Durand-Ruel .

Renoir travaillait à ce tableau sur la terrasse de la Maison Fournaise, un restaurant situé sur une île de la Seine à Chatou, en banlieue parisienne.

Le tableau représente une jeune femme et sa sœur cadette assises dehors avec un petit panier de laine. Des buissons et du feuillage se devinent par-dessus la balustrade de la terrasse, avec la Seine en arrière-plan.

Jeanne Darlot (1863-1914), future actrice, alors âgée de seulement 18 ans, a posé pour le rôle de « la sœur aînée ». On ignore qui a posé pour le rôle de « la sœur cadette ». Il est toutefois précisé que les deux modèles n’avaient aucun lien de parenté.

Renoir commença à travailler sur le tableau en avril 1881 et, en juillet de la même année, il fut acheté par le marchand d'art Paul Durand-Ruel pour 1 500 francs.

Le tableau fut exposé pour la première fois au public lors de la 7e exposition impressionniste au printemps 1882. En 1883, on annonça son entrée dans la collection de Charles Ephrussi. En 1892, il retourna dans la collection de la famille Durand-Ruel.

22. Arrangement en gris et noir n° 1 (Portrait de la mère de l'artiste) par James Abbott McNeill Whistler

Année : 1871 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 144,3 × 162,4 cm | Mouvement artistique : Réalisme américain | Lieu : Musée d'Orsay, Paris

Le nom familier « La mère de Whistler » a été donné à cette huile sur toile par souci de simplicité. Le titre original, « Arrangement en gris et noir n° 1 (Portrait de la mère de l’artiste) » de James Abbott McNeil Whistler, était jugé trop long par la plupart des spectateurs.

Le sujet est en réalité Anna McNeil Whistler, la mère de Whistler, qui a posé pour ce chef-d'œuvre alors qu'elle vivait à Londres avec son fils en 1871.

Le peintre américain n'a pas seulement peint sa mère, mais a également créé une œuvre à la limite de l'abstraction. Les nuances de gris et de noir dominent la toile, de même que des rectangles de formes variées : un rideau à gauche, un tableau à l'encadrement noir et au passe-partout clair à droite, et un portrait recadré, lui aussi à l'encadrement noir, tout à droite du tableau.

Bien qu'elle soit une œuvre emblématique de l'art américain (on la surnomme aussi la Joconde ), la mère de Whistler orne désormais le musée d'Orsay à Paris. Ce tableau à l'huile fut acquis pour la première fois par des amateurs d'art français en 1891.

Elle demeure l'une des peintures d'un artiste américain les plus célèbres en dehors des États-Unis.

23. Nymphéas (1906) de Claude Monet

Année : 1906 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 89,9 × 94,1 cm | Mouvement artistique : Impressionnisme | Lieu : Art Institute of Chicago, Illinois, États-Unis

« Les Nymphéas » a été créé par Claude Monet style impressionniste . Cette œuvre célèbre de Claude Monet s'inscrit dans la thématique naturaliste typique des impressionnistes.

Monet a peint le même tableau plusieurs fois, mais chaque jour les nénuphars paraissaient différents ; les détails, la lumière et les coups de pinceau sont très différents, ce qui rend chaque tableau de nénuphar unique.

Claude Monet disait que son jardin était sa passion. Il avait un étang dans son jardin, enjambé par un pont japonais, un lieu idéal pour créer ses œuvres célèbres.

Dans sa première série des Nymphéas (1897-1899), Monet peint l'étang avec ses plantes, ses ponts et ses arbres, nettement délimités par un horizon fixe. Au fil du temps, l'artiste se soucie de moins en moins de l'espace pictural conventionnel. À l'époque des Nymphéas, qui appartiennent à sa troisième série, il a complètement abandonné la ligne d'horizon.

Sur cette toile à l'espace ambigu, l'artiste a regardé vers le bas et s'est concentré exclusivement sur la surface de l'étang avec sa végétation, qui flottait au milieu du reflet du ciel et des arbres.

Le peintre, d'ailleurs, n'a pas utilisé beaucoup de couleurs terreuses comme les bruns et les tons ocre. Il s'est surtout concentré sur les tons froids comme les bleus et les verts pour transmettre une atmosphère apaisante et relaxante, telle qu'il la ressentait lorsqu'il passait du temps dans son jardin.

24. La Classe de danse d'Edgar Degas

Année : 1874 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 85 x 75 cm | Mouvement artistique : Impressionnisme | Lieu : Musée d'Orsay, Paris

Lorsque cette œuvre et ses variations furent créées au milieu des années 1870, elles constituaient, hormis les peintures d'histoire, les compositions figuratives les plus ambitieuses de Degas .

Une vingtaine de femmes, ballerines et leurs mères, patientent en pose tandis qu'une danseuse exécute une attitude pour son examen. Jules Perrot, l'un des danseurs et maîtres de ballet les plus renommés d'Europe, donne cette leçon de danse fictive dans une salle de répétition de l'ancien Opéra de Paris, récemment ravagé par les flammes.

Le tableau fut commandé en 1872 par le chanteur d'opéra et collectionneur d'art Jean-Baptiste Faure. Il s'agissait d'une des très rares commandes que Degas ait jamais acceptées. Il y travailla par intermittence pendant deux ans avant de l'achever.

25. Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte de Georges Seurat

Année : 1884 | Technique : Huile sur toile | Dimensions : 207,6 × 308 cm | Mouvement artistique : Pointillisme, Néo-impressionnisme | Lieu : Art Institute of Chicago, États-Unis

Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte est l'œuvre la plus célèbre du peintre français Georges Seurat. Elle représente des Parisiens se détendant et conversant dans un parc au bord de la Seine.

L'œuvre est devenue célèbre pour son utilisation de la technique pointilliste, un style pictural dont Seurat a largement contribué au développement. Le pointillisme consiste à appliquer de petits points de peinture selon des motifs pour créer une image.

Seurat n'avait que 26 ans lorsqu'il présenta pour la première fois cette œuvre au public lors de la huitième et dernière exposition annuelle des impressionnistes en 1886.

Par son ampleur, sa technique et sa composition, elle apparut comme une provocation délibérée à ses premiers représentants, tels que Renoir et Monet. Elle changea instantanément le cours de la peinture d'avant-garde et inaugura un nouveau mouvement artistique baptisé » .

Seurat mourut à l'âge de 31 ans. Il réalisa d'autres toiles ambitieuses, mais La Grande Jatte demeure son chef-d'œuvre. Bien que le tableau ait été rarement exposé pendant les trois décennies qui suivirent sa mort en 1891, sa visibilité augmenta considérablement en 1924 lorsque Frederic Clay Bartlett l'acquit et prêta Art Institute de Chicago

Depuis, elle y est accrochée et est devenue une icône, l'une des peintures les plus célèbres du monde de l'art.

Découvrez notre classement de la 26e à la 50e place dans le prochain épisode de cette série…