Halloween de l'art - des œuvres historiques qui craignent que nous craignons

Halloween entretient un lien fascinant avec le monde de l'art grâce à son charme étrange et à son aura mystérieuse. De nombreuses peintures historiques évoquent l'esprit d'Halloween par leurs thèmes, leurs couleurs et leur atmosphère.

Dans cet article, nous examinerons d'abord quatre tableaux emblématiques – « American Gothic » , « La Jeune Fille à la perle » , « Le Cri » et « Saturne dévorant son fils » – qui, malgré leurs styles et origines différents, apportent chacun quelque chose d'étrangement beau au monde de l'art .

Après cette introduction aux œuvres d'une beauté étrange des grands maîtres de l'histoire de l'art, nous présenterons d'autres œuvres qui nous donnent encore des frissons aujourd'hui.

Halloween – Une tradition à la fois effrayante et magnifique des États-Unis

Halloween est une fête très populaire, notamment aux États-Unis. Mais ce n'est pas seulement aux États-Unis que l'on célèbre cette fête effrayante chaque année le 31 octobre. Ici aussi, en Allemagne, cette nuit mystérieuse gagne en popularité.

Une tradition essentielle consiste pour les enfants à se déguiser et à aller de maison en maison pour récolter des bonbons. Le cri de ralliement est « Des bonbons ou un sort ! » d'Halloween pour enfants sont désormais disponibles ici dans une variété presque aussi grande qu'aux États-Unis.

À première vue, il peut sembler surprenant que les enfants, en particulier, aiment avoir peur et soient fascinés par les costumes effrayants.

Il est intéressant de noter que, selon les psychologues, Halloween, avec toutes ses idées de costumes , aide les enfants à surmonter leurs peurs et à développer leur confiance en eux. Sorcières, monstres et fantômes auraient donc aussi un intérêt éducatif, pourrait-on en conclure.

4 œuvres emblématiques qui incarnent l'esprit d'Halloween

Halloween et l'art entretiennent un lien particulier à travers les émotions et les images intérieures qu'ils suscitent. Des œuvres historiques célèbres telles que « American Gothic », « La Jeune Fille à la perle », « Le Cri » et « Saturne dévorant son fils » contribuent chacune à l'atmosphère sombre et envoûtante associée à cette fête.

Que ce soit par un réalisme cru, un mystère énigmatique ou des angoisses existentielles, ces œuvres d'art témoignent de la capacité de l'art à évoquer l'essence d'Halloween tout au long de l'année.

« American Gothic » de Grant Wood

Dans « American Gothic » de Grant Wood, le spectateur est captivé par l'atmosphère sombre et les regards fixes du couple de paysans. La palette de couleurs froides et la composition rigide créent une ambiance d'oppression et de mystère.

On a presque l'impression que les personnages dissimulent une histoire inconnue derrière leurs visages, qui ne demande qu'à être révélée. Cette aura à la fois troublante et fascinante qui se dégage du tableau continue de captiver les spectateurs, en faisant un chef-d'œuvre intemporel de l'histoire de l'art.

« La Jeune Fille à la perle » de Johannes Vermeer

le tableau de Johannes Vermeer , « La Jeune Fille à la perle », réalisé vers 1665, puisse sembler au premier abord sans lien avec Halloween, il dégage une aura de mystère et de magie propre à cette fête. La beauté délicate de la jeune fille, l'éclat de sa boucle d'oreille en perle et le jeu d'ombre et de lumière dans la composition créent une atmosphère envoûtante.

Ce chef-d'œuvre évoque un murmure mystérieux du passé, une présence énigmatique qui capture à la perfection le charme intemporel d'Halloween. Le fond sombre et profond semble envelopper la jeune fille d'un voile de mystère, tandis que ses grands yeux noirs attirent le regard du spectateur au cœur de la toile, à l'image de l'attrait étrange de la nuit d'Halloween.

« Le Cri » d'Edvard Munch

Le tableau de Munch de 1893, « Le Cri », incarne l'angoisse existentielle et la peur qui peut hanter nos esprits. La figure désespérée sur le pont, entourée d'un ciel tourbillonnant et surnaturel, symbolise la peur et le chaos qui caractérisent souvent le folklore et les cauchemars d'Halloween.

Les qualités étranges, fantomatiques et cauchemardesques de cette peinture reflètent l'atmosphère inquiétante d'Halloween. Elle représente visuellement l'expérience frissonnante que cette fête peut susciter en faisant appel à nos pensées les plus profondes.

"Saturne dévorant son fils" de Francisco de Goya

Francisco de Goya est considéré comme le dernier des maîtres anciens et le premier des maîtres modernes. De son vivant, il fut un peintre et graveur reconnu du romantisme espagnol. Il étudia auprès de José Luzán y Martínez et d'Anton Raphael Mengs, puis devint peintre de la cour royale espagnole.

Après être tombé gravement malade et être devenu sourd en 1793, ses œuvres prirent une tournure de plus en plus sombre. L'un de ses tableaux représente Saturne dévorant ses enfants pour échapper à une prophétie.

Cette œuvre fait partie des « Peintures noires », que Goya a peintes directement sur les murs de sa maison près de Madrid. Bien qu'il n'ait pas souhaité qu'elles soient vues par d'autres, la représentation de Saturne est particulièrement troublante.

Des œuvres d'art encore plus étranges, empreintes de terreur et d'horreur

Fantômes, squelettes, démons et sorcières : l’histoire de l’art regorge de figures qui inspirent la peur. Ces représentations iconiques de créatures effrayantes sont profondément ancrées dans la mémoire collective et ont inspiré d’innombrables artistes, qui ont créé leurs propres interprétations de l’étrange.

Des œuvres sombres de Francisco de Goya au XVIIIe siècle aux icônes de l'horreur modernes comme Freddy Krueger ou Slender Man, l'étrange et le mystérieux occupent une place de choix dans le monde de l'art et reflètent souvent les peurs et les insécurités profondément ancrées dans la société.

"Le Cauchemar" de Heinrich Füssli

Le tableau de Fuseli, « Le Cauchemar », terrifie les spectateurs depuis sa première exposition à la Royal Academy en 1782. Au XVIIIe siècle, le public était à la fois effrayé et indigné par les connotations sexuelles de l'œuvre, qui représente une femme endormie avec un petit monstre assis au-dessus d'elle.

Cette créature mythologique est un incube qui, tout comme son pendant féminin, la succube, se pose sur la poitrine des personnes endormies. On ignore si le tableau représente le rêve de la femme ou ce qui lui arrive réellement.

Avec sa représentation du sexe, des rêves et de l'inconscient, le tableau de Fuseli acquit par la suite une grande importance dans la recherche psychanalytique, et Freud en fit même accrocher une reproduction au mur de son appartement.

"La Tentation de Saint Antoine" de Joos van Craesbeeck

Le tableau de Joos van Craesbeeck, influencé par Jérôme Bosch et Pieter Brueghel, représente saint Antoine auprès d'une tête gigantesque grouillante d'innombrables créatures démoniaques. Celles-ci jaillissent du crâne de l'homme, telles des pensées maléfiques prenant forme physique.

De plus, on peut y voir des éléments insolites tels qu'un peintre, des lunettes et un nid d'oiseau, dont le sens est laissé à l'interprétation du spectateur.

À travers la représentation détaillée de créatures et de démons étranges, « La Tentation de saint Antoine » illustre avec brio le côté obscur des pensées et des tentations humaines, explique le professeur Müller, historien d'art renommé.

Le lien avec le thème d'Halloween réside dans la représentation de l'horreur et de la menace, incarnant la part d'ombre de la nature humaine. Grâce à son impressionnante capacité à traduire des idées abstraites en images concrètes, l'artiste crée une atmosphère sombre, à la fois fascinante et terrifiante.

« La Nuit » d'Aksel Waldermar Johannessen

Aksel Waldemar Johannessen était un artiste norvégien de la tradition humaniste, dont l'œuvre s'intéressait particulièrement à la classe ouvrière et aux thèmes sombres. On le surnomme souvent « l'artiste oublié de Norvège », car la reconnaissance ne lui est venue qu'après sa mort.

Johannessen, formé à la sculpture et à la peinture, gagna d'abord sa vie comme ébéniste, puis comme peintre. Ses œuvres sont marquées par une dimension autobiographique, car il souffrit d'alcoolisme pendant de nombreuses années. Sur le plan thématique, ses peintures abordent des sujets allant du grotesque à l'idyllique, tels que la sexualité, la violence, la prostitution, l'alcoolisme et la guerre.

Dans l'un de ses tableaux, sa femme est représentée comme une silhouette fantomatique dans un parc. L'utilisation de la couleur (des tons sombres en arrière-plan contrastant avec les bleus et jaunes vifs de la silhouette) confère à la toile une atmosphère inquiétante et sinistre.

« Le fantôme de Kohada Koheiji » de Katsushika Hokusai

Hokusai était un célèbre artiste japonais de l'époque d'Edo. Son œuvre la plus connue est « La Grande Vague de Kanagawa », que presque tout le monde a vue. Hokusai commença à peindre dès son plus jeune âge et apprit le métier de son père, fabricant de miroirs pour le shogun.

Adolescent, il fit son apprentissage en sculpture sur bois, en gravure et en peinture. Au fil de sa carrière, il développa différents styles artistiques et changea de nom en conséquence.

Ce tableau terrifiant illustre une scène d'une légende japonaise où un acteur assassiné hante sa femme et son amant. L'acteur zombie est représenté de façon macabre, avec des lambeaux de cheveux et de peau collés à son crâne. La moustiquaire renforce l'atmosphère angoissante de la scène, tandis que le zombie fixe intensément sa femme.

« Étude d’après le Portrait du pape Innocent X de Velázquez » par Francis Bacon

Francis Bacon était un artiste irlando-britannique connu pour son style pictural brut et ses thèmes religieux. Il commença à peindre tard dans sa vie, après une longue carrière de décorateur d'intérieur, de bon vivant et de joueur.

Ses œuvres se concentraient souvent sur un thème particulier pendant de longues périodes. Après le suicide de son amant, ses peintures devinrent plus sombres, plus introspectives et empreintes de la notion de temps et de mort. Tout au long de sa carrière, Bacon est revenu à plusieurs reprises au portrait d'Innocent X de Velázquez, créant ses propres interprétations de l'original.

Cette interprétation de l'original est souvent considérée comme la plus belle représentation d'un pape par Bacon. Par l'utilisation puissante de teintes et de lignes pourpres, Bacon transforme l'image du pape Innocent X en une représentation terrifiante, presque comme un esprit démoniaque et tourmenté.

« Prémonition » par Henryk Weyssenhoff

Henryk Weyssenhoff était un artiste polonais et biélorusse spécialisé dans la peinture de paysage, l'illustration et la sculpture. Issu de la noblesse livonienne, il passa la majeure partie de son enfance dans l'Oural après l'exil de son père en Sibérie. Son premier professeur d'art fut Lucjan Kraszewski.

Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg en 1885, il reçut une médaille d'argent et le titre officiel d'« artiste ».

Le tableau présenté ici se caractérise par une atmosphère éthérée, créée par la palette violette et la délicatesse des coups de pinceau. Le brouillard et la fumée, ainsi que la silhouette fantomatique et inquiétante au centre et les chiens apeurés qui hurlent, confèrent à cette œuvre une puissance incroyable.

En regardant le tableau, on peut pratiquement ressentir l'atmosphère et la peur qui y sont dépeintes.

"L'esprit de l'infirmière Iohata" par Kunisada

Utagawa Kunisada a créé cette estampe Ukiyo-e en 1824. Au lieu de représenter un fantôme lui-même, il représente l'acteur Onoe Kikugoro III, qui joue le rôle du fantôme de l'infirmière Iohata dans une représentation de Kabuki.

La représentation détaillée des costumes et des expressions confère à l'œuvre une vitalité fascinante et permet au spectateur de s'immerger dans l'univers du théâtre Kabuki.

En présentant la tradition et le savoir-faire sous une forme intemporelle, cette œuvre demeure un exemple important de la culture artistique japonaise du XIXe siècle

« Le fantôme d'une puce » de William Blake

William Blake est surtout connu pour sa poésie, bien qu'il ait également réalisé de nombreuses peintures. Ses œuvres, empreintes de philosophie et de surnaturel, sont exécutées dans le style romantique. L'une d'elles fut inspirée par une vision spirituelle : les puces y étaient représentées comme les âmes des personnes avides et sanguinaires.

La représentation de la puce par Blake comme un personnage humanoïde pourrait suggérer que les humains possèdent de terribles défauts ou qu'il n'existe pas de distinction nette entre humains et animaux. Grâce à l'utilisation de tons terreux sombres et feutrés, Blake parvient à rendre la puce extrêmement inquiétante.

Ce personnage est un véritable cauchemar, surgissant des ténèbres pour attaquer ses victimes.

« Nature morte masquée III » par Emil Nolde

Emil Nolde, artiste expressionniste germano-danois, se consacra pleinement à la peinture. Il fut parmi les pionniers à expérimenter très tôt la peinture à l'huile et l'aquarelle. Aujourd'hui, il est surtout connu pour ses toiles colorées, où les tons jaunes et rouges sont omniprésents et qui se caractérisent par une technique picturale remarquable.

Bien que Nolde ait exercé un métier créatif dans sa jeunesse, il n'osa se consacrer entièrement à l'art . Le tableau en question, une étude de masques conservée au musée de Berlin, captive par ses couleurs vibrantes et ses coups de pinceau puissants, qui confèrent à l'œuvre un caractère macabre et presque surréaliste.

« La tentation de saint Antoine » par Salvator Rosa

Rosa était un artiste baroque italien connu pour son esprit rebelle. Il apprit son art auprès de ses proches, mais après la mort de son père, il dut assumer la responsabilité de subvenir aux besoins de sa famille.

Sur les conseils de Giovanni Lanfranco, Rosa s'installa à Rome pour y travailler. De retour à Naples, il commença à explorer des paysages sombres et à créer des œuvres romantiques et pittoresques. Bien qu'il peignît dans un style classique, Salvator Rosa choisissait souvent des sujets plus imaginatifs que ce qui était courant à son époque.

Le tableau représente une scène de la vie de saint Antoine d'Athanase, où il est attaqué par des démons dans le désert égyptien. La représentation des démons par Rosa est particulièrement terrifiante.

Peinture à l'huile (Sans titre) de Zdzisław Beksiński

Zdzisław Beksiński était un artiste polonais spécialisé dans l'art surréaliste et dystopique. Son style est souvent décrit comme baroque ou gothique, avec des éléments expressionnistes. Bien qu'il ait étudié l'architecture, il s'est rendu compte que ce domaine ne lui convenait pas et s'est tourné vers la sculpture, la photographie et la peinture.

Ses peintures expriment souvent des angoisses, notamment dans ses œuvres plus tardives et plus sinistres. Une toile sans titre, à l'atmosphère sombre, représente deux squelettes enlacés.

Peinte dans des tons de rouge sombre et terreux, cette œuvre puissante traduit la lutte entre la quête de la vie et l'inéluctabilité de la mort. Je trouve ce tableau particulièrement émouvant car il aborde des peurs humaines profondes.

« Le sabbat des sorcières » de Francisco Goya

Le personnage principal de cette scène est le diable, représenté sous la forme d'un gros bouc, qui reçoit deux bébés, soit en sacrifice, soit dans le cadre d'une cérémonie d'initiation à la sorcellerie.

Goya avait une prédilection pour la peinture des sorcières. Il était tout autant fasciné par la superstition et l'imagerie fantastique, mais aussi critique quant à leur irrationalité et à l'ignorance qu'elles recèlent.

Il est intéressant de noter que beaucoup interprètent ce tableau comme une critique du zèle religieux catholique de l'Inquisition espagnole, où la peur et l'irrationalité ont fait ressortir le pire de la nature humaine.

« Les guillotinés » de Jean Louis Théodore Géricault

Ce tableau saisissant est l'œuvre du peintre français Théodore Géricault. Ce dernier reçut l'enseignement de Carl Vernet et de Pierre-Narcisse Guérin en matière de sportivité anglaise et de composition classique. Malgré son grand talent, il se lassa du néoclassicisme et se tourna vers le style romantique.

La cruauté de ce tableau réside dans le fait que les têtes de Géricault ont été découvertes à la morgue de Paris. Il n'hésitait manifestement pas à explorer des thèmes émotionnels et morbides, et a disposé ces têtes de manière tragique, comme si elles dormaient paisiblement.

Je crois qu'il est profondément humain à la fois de craindre et de fasciner la mort.

« Le visage de la guerre » de Salvador Dalí

Salvador Dalí est l'un des artistes surréalistes les plus célèbres au monde. Cet artiste espagnol a exploré divers domaines, dont la peinture, la sculpture, le cinéma et la joaillerie. Son style imaginatif et excentrique convenait parfaitement à son œuvre surréaliste.

Ce tableau terrifiant a été créé durant le séjour de Dalí en Californie et s'inspire des traumatismes de la guerre. L'infini suggéré par la répétition des visages dans les yeux et la bouche traduit le sentiment d'être hanté par le souvenir de ceux qui ont péri dans cette guerre sans fin.

De plus, le portrait est peint sur un fond aride et désolé, suggérant le sentiment d'isolement qui accompagne la dépression.

Ce tableau représente très probablement un syndrome de stress post-traumatique ; poignant et bouleversant, il traduit le sentiment général d’être rongé par les troubles mentaux engendrés par la guerre. Dalí lui-même pensait que son œuvre était une prémonition du conflit à venir.

"La princesse Takiyasha invoque un fantôme squelette pour effrayer Mitsukuni" par Utagawa Kuniyoshi

Utagawa Kuniyoshi représentait souvent des mythes, des légendes et des récits historiques dans ses estampes sur bois, comme celle-ci de 1844, qui montre la princesse Takiyasha invoquant un squelette pour effrayer Ōya no Mitsukuni.

Ici, on peut voir la princesse réciter une incantation écrite sur un parchemin manuscrit tandis que le squelette fantôme géant surgit des murs du palais.

« Danseuse espagnole au Moulin Rouge » de Giovanni Boldini

Ce talentueux artiste italien fut surnommé le « Maître du geste fluide » . Boldini étudia à l'Académie des Beaux-Arts de Florence, où il rencontra les peintres Macchiaioli, qui exercèrent une forte influence sur lui.

Boldini est surtout connu pour ses portraits, mais il a également peint des paysages et d'autres sujets. Son tableau représentant une danseuse espagnole au Moulin Rouge est particulièrement impressionnant, saisissant à la perfection le mouvement de la danse.

La multitude de mains confère au tableau une atmosphère étrange – on dirait qu'un fantôme hante la danseuse.

« L’abbaye dans la forêt de chênes » de Caspar David Friedrich

Les tableaux de Caspar David Friedrich se caractérisent souvent par de forts contrastes, jouant sur l'ombre et la lumière pour créer un relief saisissant des figures. Ce procédé transforme les détails en formes simples et puissantes, pouvant servir de symboles ou d'allégories.

Les lianes dénudées de cette image nous offrent un ciel intense et fracturé. L'atmosphère sombre que Friedrich a su capturer semble encore planer sur ce lieu réel.

« Tête de squelette avec une cigarette allumée » de Vincent van Gogh

Pour terminer cet article sur une note un peu plus légère, jetons un coup d'œil à ce tableau de Vincent van Gogh .

Ce tableau, qui représente un squelette avec une cigarette allumée dans la bouche, a été créé par le jeune étudiant Van Gogh comme une sorte de plaisanterie.

Vincent van Gogh est l'un des artistes les plus célèbres de tous les temps. Ce peintre post-impressionniste néerlandais s'est consacré aux paysages, aux natures mortes et aux portraits ; il a réalisé au total plus de deux mille tableaux, la plupart durant les dernières années de sa vie.

Van Gogh souffrait de divers troubles mentaux, notamment de dépression, d'épisodes psychotiques et de délires, ce qui entraîna à plusieurs reprises son hospitalisation en clinique psychiatrique. C'est durant ses études à l'Académie des Beaux-Arts d'Anvers, début 1886, que Van Gogh réalisa cette œuvre, alors que les dessins anatomiques y étaient monnaie courante.

Au lieu de prendre cet exercice au sérieux, Van Gogh a immortalisé son squelette avec une cigarette allumée dans la bouche. Cet humour légèrement rebelle restera à jamais gravé dans nos mémoires.

Le Musée des Horreurs – Encore plus de fantômes et d'horreurs tirés de l'histoire de l'art

Si vous souhaitez découvrir encore plus d'histoires effrayantes et d'œuvres, de lieux et d'objets étranges, empreints de mystère et de sombres secrets liés à Halloween, nous vous recommandons vivement le Musée des Frayeurs du projet Google Arts & Culture.

À l'intérieur, vous découvrirez des archives enchantées d'une culture, d'un art et d'une histoire inquiétants, présentant des collections d'art du Museo Lázaro Galdiano (Madrid), du Detroit Institute of Arts, du Musée Munch (Oslo), de la collection Chudnow du Cedarburg History Museum, du Huntington Museum of Art et du British Museum (Londres).