Famous Oil Painting Part 2 - Place 26 à 50

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Dans notre comparaison détaillée dans l'article "Reproductions d'art et de peinture de haute qualité pour votre guide à domicile-un court guide" , si vous êtes plus une copie peinte à la main ou une impression d'art giclée ( imprimé d'art

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La peinture à l'huile a une longue tradition

Les œuvres d'art pétrolières remontent à environ 650 après JC se trouvent peintures à l'huile encore existantes dans l'ancienne colonie historique de Bamiyan en Afghanistan

Cette région se trouve sur la route commerciale autrefois importante de la soie et est principalement connue pour les énormes Bamiyan-Buddhas. Derrière les statues, dans un grand intérieur sculpté dans la roche, les premiers exemples de peinture à l'huile sur les murs des pièces peuvent être trouvés.

Les peintures à l'huile de l'époque montraient déjà une grande variation des ingrédients et des pigments, et les peintures murales étaient même recouvertes d'une couche de vernis.

Cela indique que la technologie était déjà assez large et devait être utilisée en Asie avant le 7ème siècle.

L'invention de la peinture à l'huile a été longtemps attribuée au peintre européen Jan van Eyck du XVe siècle . Cependant, des instructions écrites pour la production de peinture à l'huile se trouvent dans les manuscrits de Theophilus qui remontent (jusqu'à environ 1125 après JC)

À cette époque, ce n'était probablement pas une peinture à l'huile sur toile, mais la peinture à l'huile était probablement utilisée pour la décoration des sculptures, des sculptures et des peintures en bois, en particulier pour la zone extérieure.

Les artistes des Pays-Bas ont finalement été les premiers à rendre l'utilisation de l'huile populaire , qui s'est ensuite propagé en Italie comme milieu contemporain dans toute l'Europe du Nord, puis plus en Italie.

Les premières peintures à l'huile ont été peintes sur des planches en bois, mais à la fin du XVe siècle, l'utilisation de la toile est devenue de plus en plus populaire. C'était peu coûteux et facile à transporter d'un endroit à un autre.

Venise a été un pionnier dans la fourniture d'une toile en raison de l'abondance de toiles dans la ville. Vers 1540, la température était un milieu rare sur la peinture de panneau et l'Italie s'est avancée davantage vers les œuvres d'art pétrolières sur toile .

Dans les siècles suivants, la peinture à l'huile a été utilisée presque en continu sur toile comme moyen pour exprimer de nombreux styles et mouvements artistiques différents.

Donc, si vous êtes d'humeur pour une visite virtuelle des peintures à l'huile les plus célèbres et les plus populaires au cours des derniers siècles, vous trouverez notre top 25 dans la première partie de cette série d'articles .

Dans cet article, nous présentons nos lieux de 26 à 50 .

Notre top 26-50

Malgré le grand nombre de peintures que les téléspectateurs ont vues dans les musées et les galeries d'art du monde entier, seul un nombre relativement petit était généralement reconnu comme classique. Dans leur beauté et leur exécution, ces œuvres d'art ont survécu au temps et aux concepts artistiques pour écrire l'histoire de l'art.

Ces peintures sont des personnes de tous âges et cultures en tant que représentants des plus grandes œuvres d'art jamais créées et sont toujours dans l'esprit des amoureux artificiels pendant de nombreux siècles.

Dans notre collection des 100 peintures les plus célèbres au monde, vous trouverez les chefs-d'œuvre qui ont atteint l'effet artistique et la reconnaissance maximum. Cette liste comprend des œuvres de nombreux artistes célèbres qui sont désormais hébergés dans certains des meilleurs musées du monde.

26. "La dame avec l'Hermelin" par Leonardo da Vinci

La dame avec une hermine est une peinture de Leonardo da Vinci vers 1489-1490. Cette image à couper le souffle mesure 40,3 cm de large et 54,8 cm de haut. Malheureusement, le contexte original a probablement été superposé au XVIIe siècle.

Le motif du portrait est identifié comme Cecilia Gallerani et a probablement été peint à un moment où il était l'amant de Lodovico Sforza, duc de Milan et Leonardo était au service du duc.

La dame avec l'hermine était fortement peinte. L'arrière-plan entier était assombri, sa robe a été retouchée sous l'Hermeline et un voile transparent que la femme porte, correspondant à la couleur des cheveux. Le résultat de cette dernière retouche a été de donner l'apparence que ses cheveux atteignent le menton.

Un autre changement consistait à ajouter des ombres sombres entre les doigts de sa main droite. Un examen plus approfondi des deux doigts inférieurs montre qu'ils sont assez inférieurs aux autres après qu'un restaurateur inconnu les ait rejetés. Une rayon x de ce tableau a montré la présence d'une porte dans l'arrière-plan d'origine.

La dame de Leonardo avec l'Hermelin est l'une des œuvres les plus importantes de l'art occidental. Seule une poignée de photos authentiques de lui sont préservées. Leonardo était extrêmement curieux et souvent peint avec des matériaux expérimentaux ou des projets abandonnés dès qu'il avait maîtrisé le défi formel qu'ils représentaient.

La dame avec l'hermine, un objet d'une grande rareté, est une image captivante de l'élégance exquise et révèle le génie artistique de l'esprit créatif incomparable de Leonardo Da Vinci

27. "Le portrait de Giovanni Arnolfini et sa femme (Arnolfini Ehe)" par Jan van Eyck

L'une des peintures les plus célèbres et les plus fascinantes du monde. Un homme richement habillé et une femme sont dans un espace privé. C'est probablement Giovanni di Nicolao di Arnolfini, un marchand italien à Bruges et sa femme.

Bien que la pièce soit absolument plausible - comme si Jan van Eyck a simplement supprimé un mur - une considération précise révèle des incohérences: il n'y a pas assez d'espace pour le lustre et aucune trace d'une cheminée.

De plus, chaque objet a été soigneusement sélectionné afin de proclamer la richesse et le statut social du couple sans risquer de critiquer l'imitation de l'aristocratie.

La main de l'homme semble levée en guise de salut. Sur le mur du fond, un grand miroir convexe reflète deux hommes entrant dans la pièce, dont l'un lève également le bras. La signature de Van Eyck figure juste au-dessus.

L'homme dans le miroir pourrait-il être Van Eyck lui-même, en visite chez son serviteur ?

28. "Le dernier sacrement" de Leonardo da Vinci

Le dernier sacrement de Leonardo da Vinci (Cenacolo Vinciano) est l'une des peintures les plus célèbres du monde. Cette œuvre d'art a été peinte entre 1494 et 1498 sous le gouvernement de Ludovico Il Moro et représente le dernier "dîner" entre Jésus et ses disciples.

Afin de créer cette œuvre unique, Leonardo a effectué des recherches complètes et a créé une infinité de croquis préparatoires. Leonardo quitte la méthode traditionnelle de peinture de fresque et peint la scène "sèche" sur le mur du réfectoire.

Des traces d'or et des feuilles d'argent ont été trouvées, qui témoignent de la volonté de l'artiste de rendre les personnages beaucoup plus réalistes, y compris des détails précieux. Après l'achèvement, sa technologie et son facteur environnemental avaient contribué à la détérioration possible de la fresque, qui avait été soumise à de nombreuses restaurations.

La dernière restauration a été achevée en 1999, en utilisant diverses méthodes scientifiques pour restaurer les couleurs d'origine aussi près que possible et pour éliminer les traces de couleurs qui ont été appliquées pour restaurer la fresque dans des tentatives antérieures.

29. "La capture du Christ" par le Caravage

Le Caravage a peint cette œuvre extraordinaire en 1602 pour le marquis romain Ciriaco Mattei. Avec un nouvel accès visuel à l'histoire biblique, le Caravage a placé les chiffres près du niveau de l'image et a utilisé un fort contraste de dark léger, ce qui donne à la scène une signification et un drame exceptionnels.

Judas a identifié Christ avec un baiser lorsque les gardes du temple entrent pour l'arrêter. Le disciple en fuite de gauche est le St. John the Evangelist. Seule la lune illumine la scène. Bien que l'homme détient une lanterne à l'extrême droite, il s'agit en fait d'une source de lumière inefficace. Dans les trains de cet homme, le Caravaggio dépeint à l'âge de 31 ans comme des observateurs des événements. Un remède qu'il a souvent utilisé dans ses peintures.

Le tableau était un ordre bien documenté et était souvent copié par des artistes contemporains. Au 20e siècle, cependant, le tableau avait disparu après avoir été attribué à tort par la famille en 1802 et Gerrit van Honthorst, un adepte néerlandais Caravaggios.

Les scientifiques ont repris la recherche de l'original dans les années 40, car beaucoup d'entre eux n'acceptaient plus l'authenticité d'une peinture au Musée d'art Odessa. Ceci est connu aujourd'hui comme une copie, qui a été faite en 1626 pour un autre membre de la famille Mattei.

Entre-temps, le tableau est considéré comme un travail clé des caravages, créé à l'époque courte mais très productive de l'artiste à Rome. Il possède toutes les caractéristiques associées à ses grandes œuvres: une histoire dramatique, un éclairage à noir de lumière, des figures expressives, combinées à une dimension spirituelle et à de grands détails de surface.

30. "Sternnacht sur le Rhône" par Vincent Van Gogh

Sternnacht au-dessus du Rhône (septembre 1888) était l'une des trois peintures qui ont été créées le même mois et contenaient le ciel nocturne et se trouve comme des éléments symboliques fondamentaux. Il a également peint la terrasse du café la nuit et un portrait de son ami Eugene Boch, qui était peut-être le plus symbolique des trois.

Sternnacht sur le Rhône a été peint à un moment donné sur les rives de la rivière, qui n'était qu'à une ou deux minutes à pied de la maison jaune sur place Lamartine, que Van Gogh a loué à l'époque. Le ciel nocturne et les effets d'éclairage nocturne ont livré le sujet pour certaines de ses peintures les plus célèbres, notamment la soirée étoilée, la peinture la plus célèbre de Van Gogh avec des stars de nuit.

Van Gogh a fasciné le défi de peindre la nuit. Le point de vue choisi par lui pour "Sternnacht sur le Rhône" lui a permis de capturer les réflexions de l'éclairage de gaz dans Arles sur l'eau bleue scintillante du Rhône. Au premier plan, deux amants marchent sur les rives de la rivière.

Ici, ses étoiles brillent d'un éclat qui irradie du ciel nocturne sombre, bleu et velouté. Disséminées le long des rives du Rhône, les maisons rayonnent également d'une lumière qui se reflète dans l'eau, contribuant à l'atmosphère mystérieuse du tableau.

31. "The Garden of the Lüste" par Hieronymous Bosch

De toutes les œuvres mentionnées jusqu'à présent, c'est peut-être celle dans laquelle la plupart des choses se produisent en même temps. Hieronymous Bosch , un ancien peintre de championnat néerlandais , a créé la peinture à l'huile triptyque "Le jardin de la luxure" dans l'huile.

Il est accroché au Museo del Prado et est une peinture à l'huile sur trois panneaux de chêne qui peuvent être lus de gauche à droite des scènes d'Eden, le jardin des joies terrestres (qui peuvent avertir ses téléspectateurs des tentations humaines) et de l'enfer.

Une représentation de la création présumée du monde peut être vue à l'extérieur lorsque les panneaux sont fermés.

Pendant des années, le jardin du Lüste a été examiné et interprété différemment, sur la base de systèmes symboliques, notamment alchimique, hérétique, astrologique, inconscient et folklorique.

La pièce a inspiré de nombreux artistes ultérieurs à en citer ou à en intégrer des éléments, notamment Pieter Bruegel de The plus âgé, David Teniers des plus jeunes, les premiers surréalistes tels que Joan Miró et Salvador Dalí et plus tard René Magritte et Max Ernst.

32. "The Breakfast of the Rudder" par Pierre Auguste Renoir

En 1880, ce chef-d'œuvre du style impressionniste de Pierre-Auguste Renoir a été créé avec le titre "Lunch of the Boat Party" , également connu sous le nom de "The Breakfast of the Rowers" .

C'est sans aucun doute l'une des principales œuvres les plus connues de l'artiste et montre des impressions privées de son environnement. Toutes les personnes sur la photo ont été immortalisées par des personnes de leur environnement personnel et à son avis.

À droite de la droite, Angèle, l'un des modèles fréquents de Renoir, se tourne vers le journaliste debout Maggiolo. La peintre Gustave Caillebotte est assise sur sa chaise et regarde à travers la table sur Aline Charigot, la future femme de Renoir qui est liée par son terrier, tandis que la trapue Alphonse Fournaise Jr., fils du propriétaire du restaurant, s'appuie sur la balustrade du balcon et surplombe la scène.

Au milieu, Baron Raoul Barbier, un ancien officier de cavalerie, est assis à son dos au spectateur et parle à la femme qui repose sur ses coudes sur la balustrade et qui est probablement Alphonine Fournaise, la fille du propriétaire.

L'actrice Ellen Andrée est assise en face de Barbier et boit dans un verre. Derrière ses discussions à Charles Ephrussi avec un cylindre, banquier et rédacteur en chef de la Gazette des Beaux-Arts, avec Jules LaForgue, poète, critique et secrétaire personnel d'Ephrussi.

À droite, Eugène Pierre Lestriguez, responsable du ministère de l'Intérieur, rit avec Jeanne Samary, une célèbre actrice de Comédie Française, tandis que l'artiste Paul Lhote, un ami proche de Renoir, tend.

restaurant "Maison Fournaise" à Chatou, situé idyllique sur la Seine, était un lieu de rencontre populaire pour le gouvernail et les impressionnistes de l'époque. Mais lorsque l'intérêt pour le vélo a augmenté, le restaurant a dû fermer au début du 20e siècle.

Grâce à la célébrité des artistes contemporains et de cette œuvre unique, le restaurant a été rouvert avec un musée connecté dans les années 1990.

33. "28 juillet. La liberté mène le peuple" par Ferdinand Victor Eugene Delacroix

Dans le Louvre, vous pouvez vous émerveiller par une fascinante peinture à l'huile sur toile à partir de 1830, qui s'est inspirée de la révolution de juillet . En plus d'œuvres d'art telles que la Vénus de Milo, la Floß Der Medusa et la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, elle est considérée comme l'un des chefs-d'œuvre les plus importants du musée.

Cette peinture est devenue un symbole important de la Révolution française.

En juillet 1830, il y a eu un conflit important en France, connu sous le nom de juilletévolution. En trois jours, un conflit entre le peuple Paris et le roi Charles X., qui a finalement conduit à son vol et à son abdication de la capitale, a éclaté.

La raison du soulèvement était de ignorer les libertés de 1789 par le roi. Au lieu de Charles X. Louis-Philippe, j'ai été utilisé, qui a fondé la julimonarchie. La révolution de juillet a été la deuxième révolution majeure en France, qui a apporté des changements politiques durables dans le pays.

Dans le tableau "The Freedom dirige le peuple" d'Eugène Delacroix, une scène avec des barricades est présentée qui se déroule à Paris. En arrière-plan, vous pouvez voir les tours de Notre Dame, qui identifient clairement la place des troubles.

En tant que témoin oculaire des événements, l'artiste a décidé de créer ce chef-d'œuvre, qui est devenu plus tard l'un des symboles les plus importants de la République française. Le travail a servi d'inspiration pour de nombreux timbres et même l'ancien certificat 100 Franc.

En 1831, le tableau a été démontré pour la première fois au public au salon du salon de Paris. Il est devenu connu à l'époque sous le titre "Scènes de Barricades"

À partir de 1863, l'œuvre d'art a été exposée dans le Musée du Luxembourg. Sept ans après la mort d'Eugène Delacroix, l'œuvre qui porte maintenant le nom "Freedom dirige le peuple" a été présentée en 1874.

Si vous voulez voir le chef-d'œuvre en direct, vous le trouverez dans l'aile de Denon, Hall 77, le premier étage du musée.

34. "The Swing" par Jean Honore Fragonard

Le Rococo incarne la légèreté, la sensualité et la décadence ludique dans un temps de bouleversement.

Fragonard , un peintre français et érotique , a maîtrisé ce style magistralement et ses œuvres n'ont pas toujours rencontré l'approbation sous Louis XV, car elles étaient perçues comme trop libres. Un exemple de ceci est une scène dans laquelle un jeune noble berce sur une balançoire dans une forêt sauvage.

L'ancien arbre noueux symbolise l'aristocratie envahie par la France peu de temps avant la révolution. Les vêtements exquis de la dame contrastent avec l'environnement sauvage, qui peut être considéré comme un parc par les statues.

Alors qu'elle jette sa chaussure droite dans les airs et écarte ses jambes, elle jette un coup d'œil sous sa robe somptueuse. Un homme d'origine noble est enthousiaste dans les buissons et garde son chapeau, attiré par le charme de ce jeu.

En arrière-plan, un Lakai un peu plus âgé, probablement son mari ou un amoureux, balance le swing.

Lorsque la Révolution française a éclaté, Fragonard a dû emballer ses photos et fuir jusqu'à sa ville natale Grasse, où il est né en 1732 en tant que fils d'un pauvre concessionnaire de parfums. Il est décédé en 1806. La plupart de ses œuvres peuvent être admirées dans la collection New York Frick.

35. "The Breakfast in the Green" par Édouard Manet

En 1863, l'artiste français Édouard Manet l'impressionnante œuvre d'art "The Breakfast in the Green".

La peinture montre quatre personnes qui s'asseyent paisiblement sur une couverture de pique-nique dans une forêt. Deux hommes semblent s'approfondir dans une conversation excitée tandis qu'une dame est déshabillée à côté d'eux. Une autre femme nue peut être vue en arrière-plan.

En 1863, le travail de Manet était considéré comme très provocateur et scandaleux, car à l'époque, il y avait des réglementations strictes concernant la peinture dans l'empire. Ces réglementations devraient servir à promouvoir des artistes adaptés et à exclure les «penseurs latéraux» en spécifiant des techniques, des sujets et d'autres exigences.

Le salon annuel, une exposition qui a été surveillée par un jury strict, a été le point culminant de l'honneur des artistes adaptés. Cependant, plus de la moitié des travaux soumis ont été rejetés en 1863 ("refuseur").

Pour les artistes dont les œuvres ont été rejetées, cela signifiait un stress extrême car l'accès au marché de l'art est devenu presque impossible. Cependant, Manet a pu se permettre la provocation en raison d'un héritage élevé.

Sa première photo de scandale snobs non seulement le public, mais aussi sa famille.

La critique du système artistique en vigueur était si forte que l'empereur de l'époque Napoléon III. a décidé de créer une exposition parallèle sur laquelle les œuvres rejetées pourraient être émises.

Après que l'image de Manet ait été rejetée sous le nom de "The Bad", il l'a exposée sur le salon des rejetés ("Salon des refus").

Le chef-d'œuvre peut être visité dans le Musée d'Orsay à Paris aujourd'hui.

Édouard Manet est né à Paris le 23 janvier 1832 et est décédé le 30 avril 1883 au même endroit. Ses œuvres d'art sont très populaires sur le marché de l'art et certaines de ses peintures ont été vendues pour des millions d'euros.

En reconnaissance de ses œuvres, plusieurs rues ont été nommées d'après lui en France, notamment la rue Éduard Manet à Paris et dans d'autres villes.

36. "Composition VIII" par Wassily Kandinsky

Le chef-d'œuvre de la peinture abstraite de Wassily Kandinsky , "Composition VIII" , est tout simplement à couper le souffle. Comme des objets flottants dans la pièce, tous les éléments apparaissent à l'écran.

La forme circulaire, qui est calme dans le coin gauche, est chauffée par le rouge environnant et crée un contraste avec les formes géométriques qui donnent à l'œuvre un charisme statique.

Kandinsky a été fasciné par les couleurs dans les premières années et leur a attribué des propriétés transcendantes. Ses recherches ont été l'interrelation entre le son et la couleur afin de créer une œuvre d'art similaire à une chanson composée.

Au moment de l'œuvre d'art, à l' époque du Bauhaus , Kandinsky a déménagé de l'Union soviétique à la République de Weimar en raison de restrictions artistiques dans le système gouvernemental marxiste-léniniste.

Dans les années qu'il a passées en Russie et à son état successeur et s'est principalement consacrée à la réforme des musées et à la promotion de ses théories artistiques, il n'était pas productif en ce qui concerne les œuvres d'art créées. Néanmoins, il est revenu renforcé et prêt pour la peinture.

La composition de la peinture VIII, le huitième dans un épisode de 1911, a été la première œuvre d'art créée par Kandinsky depuis le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Contrairement à l'improvisation, il a été réalisé selon un plan spécifique. Il a été créé dans l'Allemagne de Weimar au début des années 1920 après la transition d'une monarchie à une république démocratique.

37. "The Gleaners, 1857" par Jean-François Millet

Le meilleur travail connu de Millet: "The Gleaners" montre un trio de femmes qui collectent les derniers grains de blé dans un champ.

Millet a trouvé le sujet des femmes qui collectent les derniers grains de blé, un sujet éternel, combiné à des histoires de l'Ancien Testament.

Le public a été repris par le public avec un mépris ouvert. Dans un jour sympathique, il présentait les couches les plus basses de la société, qui ont profité des droits anciens pour éliminer les derniers vestiges du grain de la récolte de blé.

Au cours de sa vie, cette peinture a suscité la classe supérieure française, qui craignait la glorification des classes sociales inférieures, seulement des célébrités, et ce n'est qu'après la mort de l'artiste.

38. "Le triomphe de la Galatea", Fresko de Raffael

Raffael, un peintre exceptionnel de Hochrenaissance, s'est concentré sur les femmes dans certaines de ses œuvres d'art.

"Triumph of the Galatea" en particulier montre ses compétences impressionnantes. Cette fresque a été conçue spécialement pour la Villa Farnesina à Rome, qui appartenait autrefois à Agostino Chigi, l'une des personnes les plus riches de son temps.

L'œuvre est basée sur la mythologie grecque dans laquelle Galatea faisait partie d'un triangle amoureux. Elle est tombée amoureuse des bergers d'ACIS, ce qui rendait le polyphème géant jaloux.

Cela a tué ACIS avec une énorme chronique. Bien que la fresque fasse partie d'une série, elle n'a jamais été complètement terminée.

Raffael a délibérément choisi la scène dans laquelle Galatea est transformée en divinité après sa mort et peut donc s'attarder sous les dieux pour toujours.

Cette transformation a été la récompense de leur terre poussant la douleur et les examens pendant leur vie. D'après les émotions profondes, Raffael a peint le triomphe de Galatea en réponse à ses sentiments pour "punch par la giostra" .

Angelo Poliziano, un autre artiste, a écrit le "Stanzer par La Giostra". Ce poème est considéré comme un chef-d'œuvre de son genre à partir de ce moment. Le tournoi dans lequel Giuliano de Medici a participé était le théâtre de l'histoire.

Galatea monte sur une coquille portée par deux dauphins et s'accompagne de deux amorettes évidentes qui ciblent les flèches d'amour sur leur tête.

Raffael a délibérément décidé de ne pas peindre aucun des principaux acteurs de l'histoire mythologique afin qu'ils ne distrèrent pas l'apothéose de Galateas.

39. "The Lady of Shalott" par John William Waterhouse

La peinture à l'huile "The Lady of Shalott" a été créée en 1888 par John William Waterhouse (1849-1917) et montre une scène du poème du même nom de Lord Alfred Tennyson (1809-1892).

La toile mesure 72 x 91 pouces et a été exposée pour la première fois à l'exposition Royal Academy. Une fois les travaux détenus par Sir Henry Tate (1819-1899), il a été donné à la Grande-Bretagne en 1894 et dans une partie d'une collection publique. La peinture dans la Tate Britain peut actuellement être admirée.

La tonalité calme et douce de l'œuvre enchante encore des téléspectateurs du monde entier.

Renaissance du style artistique prégassable dans la scène artistique est clairement évidente Bien que Waterhouse ait travaillé comme le premier Präraffaelites décennies plus tard, il a suivi bon nombre des mêmes demandes d'action.

Ses peintures sont influencées par l'art italien de Quattrocento et l'art médiéval . Les œuvres ultérieures de Waterhouse sont caractérisées par un fort intérêt pour une représentation précise de la nature et s'harmonisent parfaitement avec une opposition à travers leurs couleurs saturées et la richesse des détails.

La Dame de Shalott incarne un amour non partagé qui est renforcé par de nombreux symboles de la mort, comme les hirondelles et les feuilles mortes. Sur le bateau, le crucifix symbolise la victime que la dame est prête.

Certains experts interprètent l'action auto-déterminée de la dame comme un commentaire sur le faible ou le manque de capacité à agir chez les femmes en Angleterre victorienne.

les femmes étaient principalement limitées au domicile et aspiraient à la liberté et à l'indépendance comme Elaine.

40. "The Dance Class" par Edgar Degas

Lorsque Degas a visité l'Opéra de Paris, son intérêt n'était pas seulement limité aux performances des danseurs sur scène.

Il s'est ensuite efforcé d'apprendre à connaître les danseurs dans les coulisses, d'admirer leur discipline et leur grâce et d'observer leur formation en inspectant les salles de danse.

Grâce à son bon ami, il a eu la chance d'avoir accès à ces moments privés. Dans l'une de ses peintures, il dépeint le professeur Jules Perrot, un petit homme gris qui domine avec son bâton avec son bâton.

Alors que les autres danseurs s'étendent déjà et que l'heure se termine, l'enseignant parle à la ballerine devant lui, qui l'écoute attentivement.

Degas était un observateur extrêmement attentif, comme nous le remarquons au premier regard sur l'image. En plus de la communication évidente au milieu du milieu, nous découvrons de nombreux gestes subtils.

Une jeune femme à gauche, par exemple, se gratte en arrière de manière discrète tandis que son voisin dirigeait sa boucle d'oreille. La première dame soutient son bras sur le côté et les fans sont diffusés.

Une deuxième version du motif montre une scène plus animée. Nous reconnaissons immédiatement Jules Perrot sur le côté droit, qui porte aujourd'hui une chemise rouge.

Avec les ballerines et leurs mères, il observe l'attitude - une pose dans laquelle le danseur se tient sur une jambe et étire l'autre grâce en arrière.

Degas ne voulait pas geler les mouvements, mais plutôt le désir de les exploiter pleinement dans l'œil spirituel. Pour lui, la vivacité qui en résulte était une source de consolation.

Dans une lettre à son ami Henri Rouart à partir de 1886, il a décrit à quel point ce serait triste si les feuilles des arbres ne bougent pas.

41. "Loi de mensonge" par Amedeo Modigliani

En 1917, Modigliani a commencé sa série grandiose de peintures nues . Les femmes sur ses écrans sont montrées dans une perspective étroite et surtout d'en haut, leurs corps stylisés prenant toute la largeur de la composition.

La housse de couette sombre sur laquelle vous mentez met l'accent sur les rayons de votre peau. Cependant, vos pieds et vos mains sont toujours à l'extérieur du cadre. Certains modèles semblent dormir, mais surtout, comme ici, ils regardent directement le spectateur.

Ces œuvres s'appuient sur la tradition de représenter la Vénus nue , qui a continué de la Renaissance au 19e siècle.

La peinture à l'huile "Lie Act" ("Nu Couché") de 1917 et 1918 était autrefois l'une des images les plus scandales. Peut-être que le tableau le plus célèbre d'Amedeo Modigliani a été vendu aux enchères avec Christie’s pour la somme record d'environ 170,4 millions de dollars à un collectionneur privé en provenance de Chine.

Cela fait de l'image la deuxième œuvre d'art la plus chère qui ait jamais été vendue aux enchères.

42. "Pariser Strasse, Rain Day" par Gustave Caillebotte

Inspiré par l'art académique et façonné par sa formation sur la célèbre Ecole des Beaux-Art sous la direction de Leon Bonnat (1833-1922), Gustave Caillebotte de l'aile réaliste du mouvement impressionniste.

Sa peinture réaliste lui a donné un sens inné de l'art contemporain. À l'instar de ses prédécesseurs Jean-François Millet (1814-1875) et Gustave Courbet (1819-1877), il s'est efforcé de représenter le monde tel qu'il est, et non tel qu'il devrait être. Avec des tons doux, il a créé des œuvres uniques qui reflètent sa vision artistique et son talent.

Dans ce chef-d'œuvre, Caillebotte montre une virtuosité monumentale et compositionnelle extraordinaire en ramassant la scène quotidienne typique des impressionnistes.

Il se concentre sur les boulevards audacieux introduits par le baron Haussmann (1809-91) et a changé le paysage urbain de Paris. Le résultat est un mélange de réalité et de fiction qui a habilement chorégraphié et qui a pourtant l'air décontracté.

Les figures lointaines qu'il représente reflètent l'anonymat des boulevards, tandis que la vue choisie souligne l'énorme échelle du développement architectural et éclipse les figures humaines qui les entourent.

Beaucoup de personnes représentées semblent avoir été isolées et dans leurs propres pensées. Ses expressions faciales sont déprimées pendant qu'ils semblent se précipiter plutôt que de marcher. Le look circoncis et l'effet photo réaliste de l'image contribuent à un look moderne.

43. "Deux femmes de Tahiti" par Paul Gauguin

Paul Gauguin (1848-1903) ne s'est concentré vraiment que sur son art après son mariage en 1773. Malheureusement, sa nouvelle passion a conduit plus tard au divorce.

Agrifié au-dessus de la société occidentale, il a voyagé dans le monde et s'est finalement installé en français-polynésie. Ici, il a créé certaines de ses peintures les plus célèbres.

Les toiles que Gauguin a renvoyées en France depuis les mers du Sud reflètent la liberté qu'il a exercée en créant des images de femmes autochtones.

Ici, il était orienté vers des actes d'activité classiques et s'est appuyé sur des gestes et des expressions faciales pour évoquer l'idéal "Tahitian Eva" , qu'il a évoqué dans ses écrits: "très subtil, très bien informé dans leur naïveté" et enviable "capable sans pubic nu" .

Les femmes chuchotent des confidentialités, offrent des fleurs exotiques ou des fruits (interdits) et habitent l'Eden tropical de l'invention de Gauguin dans laquelle sa vision artistique - et son look masculin - prévalent.

Ces deux figures apparaissent également dans ses œuvres monumentales Faa Iheihe (pastorale tahitienne), 1898; (Tate, Londres) et Rupe Rupe (la récolte des fruits), 1899; (Pouchkin Museum of the Beautiful Arts, Moscou).

44. "Les tirs du 3 mai 1808" par Francisco de Goya

Avec une dureté implacable et une mélancolie profonde, Goya illustre les visages de personnes hantées par la mort et le désespoir.

Le célèbre artiste espagnol Goya s'est inspiré des événements violents de la période d'occupation française en Espagne (1808-1813) lorsqu'il a créé cette impressionnante œuvre d'art.

Dans cette scène, les figures masculines symbolisent l'exécution arbitraire des parties de la population de Madrid. Le soldat en uniforme Phalanx se dresse en face d'eux, une différence qui devient claire par l'éclairage intelligent de Goyas.

En particulier, la lanterne qui se tient entre les deux groupes la sépare et donne à l'homme non armé dans une chemise blanche presque une aura sacrée.

Il n'est pas possible de souligner que Goya a tissé l'iconographie chrétienne dans cette œuvre d'art. Cela fait référence à l'action éthique et morale douteuse d'une "armée d'ombre" anonyme qui est attribuée à Napoléon.

L'incident qui est joué s'est produit six ans avant la création des travaux. À cette époque, les troupes espagnoles ont résisté à la soumission de Napoléon, ce qui a conduit à une escalade de la situation et à de nombreuses tirs de citoyens espagnols. La nuit qui est montrée dans la représentation, environ 45 insurgés ont été tués.

Créée en 1814, la peinture a été peinte avec des peintures à l'huile sur toile et est impressionnante de trois mètres et demi de large.

45. "Breezing Up (un joli vent)" par Winslow Homer

Homer a développé cette peinture en utilisant des croquis et des aquarelles, qu'il a fabriqués en 1873 lors d'une visite à Gloucester, Massachusett. Il l'a terminé en 1876, juste au moment où la nation a célébré ses cent ans.

Au cours de trois ans, Homer a affiné la composition et a renforcé leur symbolisme optimiste en donnant le contrôle de la barre (au lieu de l'homme) (au lieu de l'homme) et en attachant une ancre au bug qui symbolisait la sécurité et l'espoir.

Lorsque la peinture a été présentée pour la première fois à la National Academy of Design à New York en 1876, elle a été reconnue comme une expression positive de l'avenir du pays, une idée soulignée par le titre original "A Fair Wind" et a suggéré une manière fluide vers l'avenir.

"Breezing Up" est un exemple précoce d'un motif que Homer devrait fasciner au cours de toute sa carrière - celui des hommes en mer - de ses débuts heureux dans les années 1870 à des scènes plus sombres telles que "The Gulf Stream" des décennies plus tard.

Le travail fini indique que l'influence significative de l'art japonais sur les peintres occidentaux au 19e siècle a également touché Homer, en particulier dans l'équilibre de la composition entre la gauche (active) et la moitié droite (clairsemée). Homer a visité la France en 1866 et 1867, et l'influence des scènes marines des peintres français Gustave Courbet et Claude Monet peut également être clairement vu.

46. "Olympia" par Édouard Manet

Le modèle nu Victorine Meurent repose sur des couvertures luxuriantes et regarde le spectateur directement et difficile. Un an plus tôt, Manet a rencontré la jeune fille et a rapidement fait l'un de ses modèles préférés.

D'autres artistes ont également été inspirés par elle. Mais on sait peu de choses sur la beauté mystérieuse. Elle s'est essayée en tant que peintre, a appris le jeu de guitare et s'est ensuite écrasée dans l'alcoolisme.

Manet, d'autre part, la montre dans toute sa splendeur - comme une muse fleurie qui captive le spectateur avec son regard.

Manet est venu d'une famille riche et était considéré comme charmant, cultivé et talentueux. Sa peinture "The Breakfast in the Green" a déjà provoqué un scandale, mais avec "Olympia", il a poursuivi cette tradition.

Le motif de la femme couchée rappelle des œuvres telles que Tizian ou Goyas Vénus, mais également connue du travail de Giorgione «The Sleeping Vénus» .

Cependant, la femme représentée n'est pas une déesse ici, mais une prostituée. Le nom "Olympia" n'a pas de sens iconographique, mais ressemble phonétiquement à des légendes de Dieu ancien.

Manet a cherché à faire irruption dans les rangs des anciens maîtres et a interprété un ancien sujet d'image d'une manière nouvelle. Malheureusement, sa vision créative n'était pas comprise et appréciée par tout le monde. Ces refus constants l'ont finalement conduit à subir une dépression nerveuse en 1871.

Il ne pouvait pas vendre le travail de son vivant, et même après sa mort, il n'y avait pas d'acheteur. Ce n'est qu'à l'aide de Sargent et Monet qui ont demandé des dons que le travail a finalement été acquis Louvre

47. "The Milk Maid" de Jan Vermeer Van Delft

Presque tout le monde connaît le paysage: une fille est à table avec une cruche à la main.

Derrière elle se trouve la fenêtre connue de Vermeer, qui domine la pièce avec les couleurs typiques bleues et jaunes. Il est également connu que Jan Vermeer Van Delft était peu intéressé à peindre des personnalités éminentes dans sa ville natale parce qu'ils lui offraient peu de charme artistique.

Mais pour nourrir sa famille, il a finalement dû répondre à ses demandes. Il a combattu dur pour son style, les proportions et la composition de ses œuvres. En mois de travail laborieux, il n'a fait que deux peintures par an.

Heureusement, cependant, il se laissa emporter dans un chef-d'œuvre comme la femme de chambre du lait. La composition est magistrale et le spectateur peut découvrir une variété d'objets dans l'image.

Pliez sur les manches et les jupes, les carreaux de Delft bleu et blanc sur la bande de sol, les réflexes légers sur le pain et un jeu de couleurs hors de la tonne - il y a tellement à admirer.

48. "The Fighting Temeraire" par Joseph Mallord William Turner

Le navire de 98 canon Temeraire a joué un rôle important dans le triomphe des Britanniques sur Napoléon dans la bataille de Trafalgar en 1805.

La peinture devrait symboliser le déclin de la puissance navale britannique. Étant donné que certaines des peintures de Turner n'étaient pas correctement comprises par ses contemporains, ses critiques actuels considéraient le Temeraire combattant comme l'une de ses œuvres d'art les plus remarquables.

Le Temeraire Fighting est un chef-d'œuvre qui captive le spectateur. Turner réussit d'une manière impressionnante pour capturer l'humeur et l'atmosphère de la bataille de Trafalgar. La peinture rayonne une certaine mélancolie, tandis que la victoire sur Napoléon est célébrée.

Turner sélectionne délibérément le moment après le combat pour son travail. Le Temeraire est au premier plan de l'image, majestueux et fier malgré ses graves dommages. En arrière-plan, le soleil se lève derrière une formation de nuages - un symbole d'espoir et un nouveau jour.

L'artiste joue habilement avec des effets légers et ombragés et des contrastes de couleurs pour créer de la profondeur et du drame. Les tons orange chauds de l'horizon du ciel contrastent avec le bleu frais de l'eau et intensifient ainsi la tension entre la vie et la mort.

Un autre élément fascinant est les étendues de fumée à l'horizon - les restes de la bataille navale amère - qui animent la peinture. Le spectateur peut littéralement percevoir l'odeur de la vapeur en poudre.

Mais cette œuvre est non seulement exceptionnelle: elle transmet également un effet émotionnel profond sur le spectateur. Vous pouvez littéralement sentir l'esprit héroïque de cette époque - des hommes courageux en haute mer lutte contre toutes les adversités de leur pays.

«The Fighting Temeraire» montre le talent extraordinaire de Turner et sa capacité à donner vie à l'histoire en images.

La peinture est une étape importante de la romance et est toujours considérée comme l'une des œuvres les plus importantes de l'artiste.

49. "The Boulevard Montmartre un matin d'hiver" par Camille Jacob Pissarro

À première vue dans l'œuvre d'art presque carrée, qui a une taille d'environ 65 sur 81 centimètres, le spectateur se déplace dans le monde de Paris .

Camille-Jacob-Pissarro est affectée à la fois à l'impressionnisme et au pointillisme . Bien que initialement controversé, l'impressionnisme n'a rien perdu de son attraction, comme l'illustre la peinture de Pissarro d'une manière impressionnante.

Parce que sa peinture parvient à exprimer toute la fascination de la métropole de Paris de la fin du XIXe siècle. L'hiver est également clairement perceptible, un brouillard délicat et froid semble être dans l'air.

Les personnes, les arbres et les bâtiments individuels sont plutôt décrits que soigneusement peints avec l'intention de créer une humeur spéciale dans l'image au lieu de fournir une représentation photographique.

Les couleurs sont vivantes et pourtant floues, ce qui donne à la peinture un certain flou. C'est presque comme si le temps lui-même avait dépassé la photo et avait laissé sa marque.

Le spectateur peut littéralement sentir le pouls de la ville de la ville - l'agitation dans les rues, les gens de leurs vêtements élégants, des voitures et des zones de chevaux. Mais en même temps, vous prenez conscience que tout cela est transitoire. La technologie progresse et avec elle le paysage urbain de Paris change également.

Pissarro attrape cette transacité à travers son choix de motif: une intersection animée au cœur de Paris. Ici, les vieilles traditions rencontrent des réalisations modernes telles que la lumière électrique ou les locomotives à vapeur.

L'interaction de ces éléments crée une tension dans l'image - d'une part les progrès et d'autre part la mélancolie du passé .

C'est précisément cette ambivalence entre le mouvement et l'arrêt , entre l'ancien et le nouveau, qui donne à la peinture son charme. Le changement de temps est rendu visible ici - non seulement en termes d'architecture ou de technologie, mais aussi en termes de changements sociaux.

Le travail vous invite à réfléchir à la vitesse à laquelle le développement de notre monde est devenu - comment nous nous développons constamment, mais oubliez souvent de faire une pause pour refléter d'où nous venons.

50. "The Two Fridas" par Frida Kahlo

OT: Les deux Fridas | Année: 1939 | Moyen: huile sur toile | Dimensions: 173,5 cm × 173 cm | Styles: peinture naïve , surréalisme | Emplacement: Museo de Arte Moderno, Mexico

Le tableau "The Two Fridas" a été créé en 1939, peu de temps après le divorce de Frida Kahlo et Diego Rivera. La peinture à l'huile montre les deux côtés de leur personnalité.

D'un côté, il y a une version avec un cœur brisé qui est vêtu de vêtements traditionnels, tandis que la version qui se trouve à côté est représentée comme moderne et indépendante.

Les origines de l'inspiration pour la peinture remontent à son enfance lorsque Kahlo a écrit dans son journal que la photo était basée sur ses souvenirs d'une amie imaginaire.

Cependant, elle révélerait plus tard que c'était la solitude et la séparation qu'elle ressentait après la séparation.

Les deux figures se trouvent dans ce portrait de peinture à l'huile et tiennent sur les mains. Les deux cœurs des figures sont clairement reconnaissables, avec la version traditionnelle de Kahlo sur le cœur gauche représenté comme déchirée.

Elle tient l'extrémité d'un côté de l'artère principale sur ses genoux, fermée avec une pince, mais le sang coule abondamment. Son trouble intérieur se reflète dans le ciel orageux.

L'Institut national des beaux-arts de Mexico a acquis la peinture en 1947 pour 4 000 pesos, le prix le plus élevé que l'artiste ait jamais reçu pour son travail.

"The Two Fridas" est une œuvre puissante qui exprime non seulement la douleur personnelle de l'artiste, mais touche également des sujets universels tels que l'amour , la séparation et l'identité.

Il montre la capacité de l'art à nous toucher profondément et à exprimer nos émotions - une propriété que Frida Kahlos travaille si intemporelle.