Signification et fascination de la batterie dans différentes cultures

Trésors rythmiques du monde entier: l'ingéniosité des différentes traditions de tambour

Du djembe africain à la caisse claire brésilienne - vous pouvez découvrir avec nous le son diversifié des percussions et des rythmes frappants du monde entier.

Traditions de tambour africain

L'Afrique est connue pour ses traditions de batterie . Au fil des ans, les différentes cultures africaines ont développé une variété impressionnante de tambours qui varient dans leur forme, leur taille et leur qualité sonore.

Le Djembe est probablement l'un des tambours africains les plus célèbres et vient d' Afrique de l'Ouest . Il se compose d'un corps en bois recouvert de peau d'animaux et qui est traditionnellement joué à la main. Un autre tambour populaire est le bougarabou , également connu sous le nom de "tambour parlant" .

Ce tambour a une forme mince et peut créer des hauts différents en adaptant le système de serrage pour jouer des rythmes complexes.

Bien qu'il existe de nombreux types différents de tambours africains, ils partagent tous un objectif commun: célébrer le rythme et célébrer la communauté avec d'autres personnes.

Origine et variété des rythmes africains

Tout d'abord: la musique africaine traditionnelle est un terme flou pour la musique qui est joué en Afrique subsahara et est considéré comme un peu ou pas du tout influencé par l'extérieur de la région. Le mot «traditionnellement» implique une musique africaine historiquement inchangée qui diffère des influences depuis la période coloniale européenne.

Cependant, la musique africaine a toujours été façonnée par l'échange culturel régional et le développement ultérieur et souvent non affecté à des groupes ethniques individuels. Une telle distinction annule la forte influence de la musique arabe et met excessivement l'accent sur l'importation culturelle occidentale dans une perspective centrée sur l'euro.

La musique coloniale -age des îles du Cap-verde a été façonnée par les influences sud-américaines, des Caraïbes, portugais et ouest-africaines, tandis que la musique plus âgée de Madagascar a d'abord été influencée par l'Asie du Sud-Est. Dans l'ensemble, il s'avère que la musique africaine traditionnelle était et est toujours en changement.

La musique africaine est fondamentalement caractérisée par des répétitions qui permettent au public de vous plonger dans des conditions de type transe et de bien comprendre la musique. La musique joue un rôle central dans tous les événements, y compris les activités quotidiennes, et un festival ne peut pas avoir lieu si le musicien correspondant est manquant.

Les tambours africains ont la capacité incroyable de " chanter" et de " parler" . Les modèles musicaux (ainsi appelés ) qu'ils créent sont souvent issus de la langue.

Pour être compréhensible et sensible, les coups individuels d'un rythme doivent varier clairement dans leur hauteur et leur timbre. Les «tambours parlants», pour lesquels la maîtrise est souvent nécessaire pour des années de formation, peut même transmettre des mots et des phrases entières.

La recherche historique montre clairement que les cultures musicales africaines sont soumises à des changements continus. Pour cette raison, le terme «musique africaine traditionnelle» n'est qu'une idée romantique de l'Occident et est utilisée aujourd'hui pour augmenter la valeur marchande de la musique africaine en Occident - bien que cela n'ait pas de contexte factuel.

Signification du djembe pour les tambours africains traditionnels

Le tambour Djembe a ses racines dans l'Afrique de l'Ouest antique et est connue depuis le 13ème siècle lorsque le royaume du Mali est apparu. L'instrument fascinant se compose d'un calice creux qui est recouvert d'une peau animale et appartient à la famille du membranophone .

En raison de sa forme et de son revêtement à un facteur, il est également appelé un simple tambour de calice . Bien que l'on ne sache pas quand le djembé est apparu pour la première fois, il reste une partie importante de la musique et de la culture africaines à ce jour.

Le mot «djembé» est composé des deux parties «Dje» , ce qui signifie que les gens du Mali signifient que les gens se réunissent et «soient» , ce qui signifie. Cela rend le sens du nom clair. L'instrument Djembe rassemble tout le monde et les unit.

Au Bamana, il est également dit: "Anke Dje, Anke Be" . Cela signifie quelque chose comme "Rassemblons-nous pour réaliser une communication uniforme" .

Dans un sens plus large, le nom Djembé fait également référence aux rassemblements pour les mariages, les funérailles ou les naissances ainsi que de nombreuses autres occasions dans lesquelles les gens se rencontrent pour maintenir la communauté et la compréhension. Ce sont les réunions sociales traditionnelles en Afrique de l'Ouest, où il y a presque toujours de la musique djembé ainsi que de la danse et du chant.

L'origine des rythmes Djembé extrêmement complexes et multicouches est principalement due aux gens de Malinké , qui sont largement basés dans les pays du Mali et de la Guinée.

L'Afrique de l'Ouest est souvent considérée comme l'origine du rythme. Les habitants de cette région ont un lien étroit avec la nature et sont profondément intégrés dans le monde rythmique. Votre capacité à être rythmique vous permet de combiner harmonieusement votre respiration et votre mouvement.

Dans la vidéo suivante, il y a un bref aperçu et il montre quelques sources d'inspiration pour les rythmes africains de djembé:

Tabla indien: l'art de la batterie à la main

Le tabla indien est un exemple fascinant de la diversité et de la complexité des traditions du tambour de la main . Ces tambours sont constitués d'une paire de tailles différentes, chacune jouée avec les doigts et les mains.

Le plus grand tambour s'appelle Dayan et le plus petit Bayan . Chaque tambour a une hauteur et un timbre différents afin que des rythmes complexes puissent être produits. Le tabla est utilisé dans de nombreux genres de musique, tels que la musique indienne classique ou la musique fusion .

Le tabla a besoin de beaucoup de pratique et de compétences pour le maîtriser. Un joueur doit être capable de faire divers accidents vasculaires sur les deux tambours pour créer un rythme. Il existe de nombreuses techniques telles que des rôles, des flammes ou des traits doubles qui peuvent être utilisés.

Traditionnellement, des comprimés en bois ont été fabriqués, mais il existe maintenant aussi des versions avec des cadres en plastique ou en métal. Il est important de vous assurer que vous achetez des instruments de haute qualité, car les matériaux inférieurs peuvent affecter le son.

Des accessoires tels que des sacs ou des stands sont également disponibles et facilitent la lecture du tabla. Il est également important de vous assurer que vous faites attention à la qualité lors de l'achat d'accessoires.

Si vous êtes intéressé à jouer au tabla indien, il existe de nombreuses possibilités de formation: des ateliers chez des joueurs expérimentés ou des enseignants sur place ainsi que des cours en ligne ne sont que quelques-uns d'entre eux.

Dans l'ensemble, le tabla indien est sans aucun doute l'un des tambours à main les plus fascinants du monde. Avec son rythme complexe et la capacité de produire une variété de sons, c'est un véritable point culminant dans le monde des instruments de percussion.

Histoire et structure des tambours de tabla indiens

Le tabla est souvent considéré comme la reine des tambours et des instruments de percussion et est l'instrument rythmique le plus populaire en Inde. Il se compose de deux tambours, le Bayan (tambour de la basse profonde) et le Dayan, qui sont presque toujours joués ensemble.

Le terme "tabla" peut indiquer à la fois le couple des deux tambours et le jour seul, qui est parfois aussi appelé tabla.

Les deux tambours ont un corps fermé en bas. L'extrémité supérieure est généralement recouverte d'une fourrure en cuir de chèvre. Il y a un deuxième plafond de fourrure (Kani) sur le bord de la fourrure de base. Au centre de la fourrure se trouve une zone noire appelée qui donne à l'instrument son son caractéristique et permet une variété de tons et de modulations.

Cela nécessite beaucoup de compétences pour le mélanger correctement, afin de l'appliquer dans une pâte - composée principalement de farine de riz et de copeaux de fer - qui peuvent être multi-licenciés (jusqu'à 8 couches).

Lorsque vous jouez, les deux tambours sont mis sur les anneaux (Bira) pour leur donner de la stabilité.

Il existe de nombreuses vues sur l'origine du tabla. Certains croient que cela vient du Pakhavaj, tandis que d'autres affirment que le tabla a été présenté à la musique indienne classique par Amir Khusrau au 13ème siècle, similaire à Sitar et à d'autres instruments. Cette théorie dit également que le tabla est venu de l'Occident lointain.

Le terme "tabla" peut être attribué "tablette" La première description scientifique d'un instrument qui est très similaire au tabla d'aujourd'hui date de 1808.

Au cours des 50 années précédant cette date, de nombreuses peintures dans les peintures de style magnat montrent ces couples d'instruments dans le nord-ouest de l'Inde: des paires en bois cylindriques dans le Punjab et des paires de métal ou de son hémisphérique dans la région de Delhi-Radjasthan.

Il semble que ces deux variantes aient été combinées à un moment donné au milieu ou au deuxième moitié du XVIIIe siècle: le "tabla" punjabi immuable a été choisi pour la main droite; Le Delhi "Duggi" de manière variable a été utilisé pour la main gauche.

On pense que plusieurs changements sur l'instrument ont été effectués entre 1750 et 1850. Le tabla utilisé aujourd'hui n'est probablement pas âgé de 70 à 100 ans.

Plus d'informations sur le tabla indien:

• Tarang - Informations sur le tabla
• Yogawiki - le tabla

Techniques de jeu et structures rythmiques

Les doigts jouent avec les doigts des deux mains tout en allongé sur des anneaux de tissu. Il offre une large gamme de sons.

Sa musique est principalement utilisée en Inde, au Pakistan et au Bangladesh, à la fois dans la musique populaire et religieuse.

Le Bayan est chargé de jouer partie basse En règle générale, le corps bayan est composé de cuivre plaqué chromé.

Pour jouer le Bayan, l'index et les doigts du milieu alternent dans leur fonction ou les deux doigts sont utilisés en même temps. La paume repose légèrement sur le bord de la fourrure ou change le pas avec une légère pression sur la fourrure.

Taiko - tambours japonais avec force et expression

La tradition du tambour japonais, également connu sous le nom de Taiko , est l'une des traditions de batterie les plus anciennes et les plus fascinantes dans le monde.

Les tambours en bois massifs sont joués avec une grande passion et énergie par les groupes taiko. Le son des Taikos est fort et puissant et s'accompagne souvent d'autres instruments tels que des flûtes ou des shamis.

Une technique spéciale lors de la lecture des Taikos est les différents traits sur différentes parties du tambour, comme la basse ou la caisse claire. Ceux-ci créent un rythme multiforme qui captive le public.

Un autre point fort lors des apparences est souvent les mouvements synchronisés des joueurs qui ajoutent un composant visuel à la musique. Même si le jeu de Taikos n'était qu'à l'origine réservé aux hommes, les femmes se sont également établies avec succès dans cette tradition pendant plusieurs années.

Cependant, la taille et la gravité des tambours sont toujours un défi - à la fois pour les hommes et pour les femmes. Pour tous ceux qui s'intéressent à cette forme d'art fascinante, il existe désormais de nombreux ateliers et cours ainsi que des accessoires tels que des bâtons ou des sacs pour le transport des tambours.

Les enfants en particulier développer leur créativité en jouant sur les tambours en bois entraîner leur sens du rythme . De tous les instruments japonais, Taiko est probablement le plus facile à apprendre et le plus populaire. Il peut être joué à tout âge et a un effet de réduction du stress.

Si vous voulez plonger plus profondément dans le monde des tambours japonais, vous trouverez de nombreuses pages sur Internet avec des informations sur divers groupes taiko ainsi que des publicités pour les concerts et les ateliers.

Connaissance de base de la culture japonaise taiko

Le Taiko, un nom pour le "grand tambour" , est davantage appelé les Japonais comme Wadaiko (par lequel le "WA" est le pré-Fiant pour tout ce qui est japonais). Il existe des fouilles archéologiques qui montrent qu'elle existait à l'ère Jômon (-131 avant JC / 4 avant JC).

Les tambours les plus anciens construits dans le style de Taiko viennent de Chine. De là, ce type de tambour est venu en Corée. À l'époque de Kofun, les résidents de la péninsule coréenne et de l'archipel japonais n'ont pas encore été séparés et le Taiko est également venu à l'archipel japonais en raison de l'échange de cultures de grande envergure.

À l'origine, il était probablement utilisé dans les rituels chamaniques pour évoquer différents kami, en particulier Susanoo, le dieu de la tempête et de la vie.

Déjà en Chine, les tambours étaient utilisés dans des temples au lieu de cloches ou de gongs, et ses instruments au Japon ont également suivi avec l'importation du bouddhisme (du 4e au 6e siècle).

Les samouraïs ont reconnu l'efficacité des tambours de Taiko et les ont laissés jouer avant une attaque d'eux: d'une part, cela devrait fouiller l'adversaire psychologiquement et d'autre part, leurs propres combattants mettent leur propre combattant dans une frénésie - une sorte d'obsession extatique - ce qui signifie que leur propre champ de bataille est entré par Dieu.

Au cours de la période Sengoku (1467-1591), Taiko a été utilisé pour encourager les soldats pendant les batailles et synchroniser leurs battements cardiaques avec le rythme du tambour afin d'augmenter leur force.

Même alors, le Taiko n'était pas seulement un instrument militaire, mais aussi une source du rythme dans la vie quotidienne. Elle a signalé le retour des chasseurs dans le village et l'approche des typhons.

Même aujourd'hui, vous pouvez toujours entendre le taiko pour les festivités, les tournois de sumo ou en accompagnement de performances Kabuki ou Nô.

Düsseldorf - L'épicentre de Taiko en Allemagne

Ces dernières années, Düsseldorf devenu le centre d'une communauté croissante de résidents japonais qui détiennent également leurs traditions au loin.

dans la maison Edo avec son temple et son jardin zen. Lors de la Journée annuelle du Japon , la culture d'extrême orientale est célébrée, des arrangements floraux artistiques de l'ikebana aux en origami , des échantillons de kimono classiques et des démonstrations dans le village de Samurai et l'art du manga moderne.

Les apparitions du batteur japonais, que le public attend encore et encore, est particulièrement populaire.

Suite des percussions latino-américaines: Conga, Bongo, Timballes

La percussion latino-américaine est un sujet fascinant qui comprend une variété d'instruments. Un trio de conga , de bongo et de timbales est particulièrement populaire et a son origine dans la musique cubaine .

Ces trois tambours ont leurs propres sons spéciaux et sont souvent utilisés ensemble pour créer des rythmes complexes. Le conga est le plus grand des trois tambours et est généralement placé sur le sol, tandis que le bongotrommel se trouve sur un stand par paires.

Les timbales sont des tambours plus petits avec différents emplacements, qui sont généralement positionnés sur un support.

Ensemble, ils créent une richesse et peuvent être jouées à la fois individuellement et en groupe. Si vous êtes intéressé par ce type de percussion, vous devriez certainement rechercher des accessoires en ligne.

Il existe de nombreux magasins en ligne qui offrent une catégorie pour les instruments de percussion latino-américaine à des tambours à des accessoires appropriés tels que des raquettes ou des sacs pour le stockage.

Pour les enfants, il y a des tambours spéciaux avec un faible volume et des tailles adaptées.

Une introduction aux percussions latino-américaines

latino- américaine est inséparable du rythme et des instruments , en particulier la percussion latino-américaine, qui donne à cette musique son son caractéristique.

Le terme «percussion latine» décrit une sélection diversifiée d'instruments de musique qui appartiennent à la famille des percussions, membrane, lamellophone et / ou les instruments idiophone . Les musiciens qui jouent ces instruments de percussion sont appelés percusonistas .

La musique de l'Amérique latine varie fortement régionalement et l'espace des Caraïbes diffère à la fois par la mentalité et l'instrumentation du continent de l'Amérique du Sud et de l'Amérique centrale. Néanmoins, ces pays et leur culture partagent une histoire commune.

Cela signifie que la culture - y compris sa musique - est une fusion de trois cultures de base fondamentalement différentes:

• le local-indien,
• Les espagnols portugais
• et l'Africain.

Plusieurs impéries (Espagne, Angleterre, Hollande, France et États-Unis) ont laissé leur marque en Amérique latine.

De même, les nations africaines ont eu leur influence grâce à la traite des esclaves. Différents rythmes d'Afrique ont été transmis à ce jour. Le rassemblement de diverses structures musicales, habitudes de jeu et des façons de penser a créé une abondance de formes et de diversité dans le son.

Instruments de percussion typiques d'Amérique latine

Les instruments de percussion peuvent être classés comme suit. Il existe différents types de tambours, par exemple des bongos (quelques tambours simples), du timbal (composé de deux tambours uniques égaux qui sont positionnés sur un cadre à trois pieds), des congas (tambours simples), des pandeíros (petites tambours à main similaires à la tamburine) et en surdo (tambour avec un corps métallique) et beaucoup d'autres.

Les tambours varient en taille et sont principalement maintenus entre les genoux et battus avec les doigts. Cela comprend également des instruments d'impact improvisés tels que des boîtes à poissons, des boîtes en bois aux claves (bois sonore).

Les hochets tremblants crée un bruit de cliquetis frappant et pénétrant, qui forme souvent le rythme de base de diverses danses. Ils diffèrent à la fois dans leur construction et dans le matériau utilisé, comme le bambou, le métal ou le plastique. Les exemples incluent Maracas , Tubo (Chills) et Chocalho .

Marimba est un instrument de musique important qui a son origine en Afrique et appartient à la famille de l'écurie en bois . La conception la plus fréquemment utilisée se compose d'un cadre sur lequel différentes longueurs de planche sont fixées - similaires à un xylophone -, dont les extrémités inférieures sont faites de corps de résonance en bois.

Ces planches sont apportées aux lames de percussion en utilisant deux scories avec des boules en caoutchouc. Le marimba peut être trouvé dans tous les pays d'Amérique latine et est même l'instrument national guatemalas.

De plus, les colibris ( Cuíca ) et les arches de musique ( Birimbao ) sont également utilisés dans la percussion latino-américaine.

Cultures rythmiques de Cuba, du Brésil ou de la Colombie

L'utilisation d'instruments de percussion est particulièrement soulignée dans les danses avec plusieurs rythmes. Ces danses sont principalement jouées dans un 2/4 ou 4/4 de trait et ne peuvent être interprétées que dans un rôle instrumental ou avec des voix.

Ce sont principalement des danses folkloriques traditionnelles qui consistent en un mélange d'éléments espagnols, africains et créoles et se produisent dans diverses variantes régionales.

Cumbia est un exemple de danse folklorique mécite-africaribale . Cette danse peut être à la fois chantée et énumérée purement instrumentale. Les instruments rythmiques typiques sont des maracas et du tambouril . Les tambboriles sont des tambours étroits avec deux peaux.

Les Maracas sont une sorte d'instruments de musique qui sont répandus et secoués. Ils se composent de deux balles presque équivalentes remplies de pierres, de sable ou de graines et ont une poignée. Ils créent des sons en tremblant des tremblements rythmiques.

Les musiciens qui jouent Maracas s'appellent Maraqueros. Ces instruments sont également utilisés merengue Il existe de nombreuses variantes régionales de danse avec leurs propres noms.

Une variante de danse plus lente est répandue sur la côte atlantique de la Colombie et du Venezuela. En plus des Maracas, de petits tambours appelés cajas utilisés ici qui peuvent être transportés autour du corps à l'aide de sangles ou de cordons, ainsi que divers idiophones tels que les guacharacas.

Les Guacharacas (également connus sous le nom de Guiros ou "Sambagurks" ) sont constitués de tubes en bambou avec des croisement et de créer des sons en frottant un bâton le long de ces rainures. Un autre instrument de grattage pour l'accompagnement rythmique est le Reco-Reco .

Bodhrán - le tambour de cadre irlandais

Le Bodhrán est un tambour de cadre d'Irlande qui a attiré beaucoup d'attention ces dernières années. Avec ses basses caractéristiques et son son de caisse claire, il est devenu une partie intégrante de la tradition musicale irlandaise.

Le tambour se compose d'un cadre en bois ou en métal et une membrane traditionnellement faite de peau de chèvre. En raison de sa construction simple et de son spectre sonore diversifié, le Bodhrán convient à tous les types de styles musicaux, des airs irlandais traditionnels aux sons de fusion modernes.

Il existe également de nombreux accessoires tels que des bâtons, des sacs et des manuels pour faciliter la lecture du Bodhrán.

Rôle du Bodhrán dans la scène musicale irlandaise

Le Bodhrán est une sorte de tambour de cadre qui se produit dans différentes variations dans le monde. Bien que votre origine ne soit pas clairement clarifiée, il y a évidemment un lien avec le tambour . Jusqu'à présent, cependant, aucune preuve n'a été constatée qu'elle est venue en Irlande .

Le mot "bodhrán" vient du mot irlandais "bodhar" , qui signifie sourd, terne ou terne. Il est également associé à des tons creux et au son d'un tambour. Fait intéressant, le mot anglais "se déranger" de "Bodhar" est dérivé depuis le Moyen Âge. De nos jours, le mot Bodhar n'est plus utilisé.

La première preuve de l'utilisation du mot Bhodhrán vient d'un texte médical du XVe siècle, dans lequel un estomac gonflé est décrit avec le son d'un tambour (Bhodhrán). Les anciennes entrées du lexique montrent également que le mot Bodhrán était déjà utilisé avant 1827.

Un tambour de cadre peut être vu sur les illustrations d'un peintre irlandais nommé Maclise à partir de 1850, dans lequel la main gauche du joueur touche la fourrure et apparemment le mouvement droit effectue le mouvement typique.

D'autres études (voir Irland.de - Bodhrán - Le tambour de cadre inhabituel ) ont montré que certains fabricants de Bodhráns étaient basés dans certaines régions de Kerry dans les années 1920. À cette époque, ceux-ci ont été faits non seulement pour les musiciens locaux, mais aussi pour les touristes, car le Bodhrán était déjà un souvenir populaire à l'époque.

Un premier enregistrement de 1927 est connu sur lequel vous pouvez entendre la flûte et le tambour. Cependant, il n'est pas clair s'il s'agit d'un Bodhrán avec des pinces ou une tamburine.

Au cours des cinquante dernières années, leur utilisation a considérablement changé en tant qu'instrument de musique. Ce développement est allé de pair avec le développement de la musique irlandaise traditionnelle. Alors que la musique traditionnelle était principalement jouée pour la danse jusqu'aux années 1950, elle est devenue une forme d'art sur scène à partir des années 1950.

Sean O'RIADA , qui a apporté de la musique irlandaise traditionnelle sur des stades de concert et a fondé un rôle important dans ce développement,

Caractéristiques spéciales du jeu du Bodhrán

Le type de jeu d'aujourd'hui ne s'est développé qu'au cours des dernières décennies et ce développement est toujours avancé aujourd'hui. Une fourrure profondément réglée permet au joueur de provoquer de nombreux tons différents par rapport aux autres tambours de cadre.

Dans le cas d'un homme handicapé droit, la main droite tient la baisse, qui est également cipin , et effectue un mouvement rotatif unique pour créer le rythme.

Différents emplacements sont générés avec la main gauche en touchant la fourrure de différentes manières. La combinaison de la main droite et gauche crée des sons fascinants et des modèles de rythme. Cette complexité s'est développée en continu au cours des quatre dernières décennies.

Dans les années 1960, seul le son ouvert a été cuit à la vapeur en mettant la main sur la fourrure; Ensuite, différents emplacements ont été ajoutés. L'ensemble du jeu est devenu plus nuancé, après tout, les tambours et le rythme d'autres cultures ont été intégrés.

Aujourd'hui, vous pouvez même entendre le Bodhrán comme un instrument de basse en musique irlandaise avec des courses de basse jouées.

Beaucoup les voient comme un mélange de tambours et de basses sans perdre leurs sons et rythmes caractéristiques. Cependant, il existe également un risque de jeu varié exagéré qui distrait de la musique réelle.

Le Bodhrán reste un instrument d'accompagnement ; Il devrait souligner la mélodie au lieu de renverser - car souvent moins c'est plus.

Tambour - fusion moderne de la tradition et de l'innovation

tubes S Chlaga offrent une fusion moderne entre différentes traditions de batterie . Ce type d'instrument de percussion est équipé de plusieurs tambours et instruments de percussion qui permettent différents sons.

Des éléments des rythmes africains, des percussions latino-américains et du taiko japonais sont souvent combinés.

Le résultat est une richesse de son qui est sans égal. Les tambours et les tambours de basse en bois ainsi que les tambours de djembe et le bougarabous sont particulièrement populaires. Des accessoires tels que des bâtons de tambour ou des pédales peuvent également jouer un rôle important ici.

Brève histoire des tambours comme forme moderne de l'instrument de percussion

Les instruments de percussion dont les tambours ont été créés ont un passé ancien et diversifié. Les preuves les plus anciennes de bassin et de tambours se répartissent jusqu'au 7ème siècle avant JC . Dans les vieilles tombes, nous trouvons des sculptures et des peintures de tambours et de piscines - créées par les Romains et les Égyptiens.

Le mot Tamburin vient du mot français Tambour , qui a lui-même une origine multiculturelle. Le mot est dérivé du mot persan tabῑr et du mot arabe ṭubūl - dans les tamburines marocains, nous trouvons le même bois que avec la caisse claire .

Les tambours peuvent être trouvés partout dans le monde et dans toutes les cultures - donc l'histoire de ces instruments doit être vraiment ancienne.

Les appartenants ont été excavés des tombes des Grecs anciens parce qu'ils pensaient pouvoir éloigner les mauvais esprits. Nous trouvons également des peintures de piscines qui ont été utilisées comme instrument pour les festivités.

L'invention de la première pédale de tambour de basse en 1887 par Jr Olney a été cruciale pour le développement des tambours. Par la suite, le premier produit de la série de William F. Ludwig a été fabriqué en 1899, tandis qu'aux États-Unis, les soi-disant "lois sur la nul" ont été promulguées, qui interdisent de jouer leurs tambours de main traditionnels.

Cela signifiait que la musique rythmique africaine était cultivée avec des instruments d'impact européens et orientaux.

Les premiers tambours complets sont finalement sur le marché en 1918 par la Ludwig Drum Corporation .

À ce moment-là, il n'y avait pas de machine à charbon et la pédale pour le tambour de basse s'est également dirigé vers une petite piscine. À cette époque, les ensembles de batterie s'appelaient "Jazz Drums Saale I à III" . Il y avait également des versions simplifiées appelées Picadilly et Shimmy.

En 1927, il y avait déjà une vaste sélection de tambours proposés, y compris une affaire .

L'histoire de la machine Hi-Hat peut être attribuée à diverses personnes. Vic Berton sera le premier à expérimenter une augmentation du «garçon bas» , mais il n'a pas signalé cela à un brevet.

Toutes les sources conviennent que Papa Jo Jones est le premier champion de Hi-Hat. Il a levé l'instrument à un nouveau niveau et a complètement exploité ses options sonores. Il a également montré à l'autre batteur comment ils peuvent utiliser de manière optimale le hi-hat.

Il a été tambour , qui a contribué de manière significative au fait que le hi-hat joue une place dominante dans le jeu de tambour aujourd'hui.

Plus d'informations sur l'histoire et le style des tambours:

• Brass Band Erschwil: batterie
• Rencontre de la tambour: histoire de la batterie et faits intéressants
• Superprof: un aperçu de l'histoire des tambours

Orchestre classique - La fondation à travers le Timpani

Dans l'orchestre classique, le Timpani la fondation et assure une cohésion rythmique.

Les gros tambours de chaudière sont généralement utilisés par paires et, grâce à leurs tons de basse profonds, offrent une base solide pour tout l'orchestre. C'est le rythme cardiaque de l'orchestre .

La Kettle Timpani , un instrument de percussion de la famille Fellklinger, crée des sons en vibrant une membrane.

Ce timber est généralement hémisphérique et est souvent en cuivre. L'extrémité supérieure est recouverte d'une fourrure en plastique, tandis que dans les orchestres classiques de classe haute j'utilise toujours des peaux ou des mollets.

Il y a un total de 5 tailles différentes de Timpani . En règle générale, 4 tailles différentes sont utilisées pour une configuration standard, chacune crée un son différent. Chaque Timpani individuel permet de jouer environ 6 tons différents en tension de la membrane (tympan).

La gamme de son est définie et, selon le type de Timpani, peut être régulée avec des vis, des pédales ou des troubles rotatifs.

Un ton plus élevé est généré par une tension plus forte. De plus, la hauteur peut également être modifiée à l'aide d'un mécanisme ( pédale ) dans ou en dessous du Timpani.

Les maillets pour jouer au Timpani sont en bois ou en matériaux de tuyau. La tête du maillet est en bois, en feutre ou en caoutchouc, par exemple, et a une influence décisive sur le caractère sonore. Si vous jouez le Timpani avec un gala en feutre, ils semblent doux; D'un autre côté, un maillet en bois assure un son dur.

Le jeu se déroule dans la zone près du bord du côté du joueur et se termine peu de temps avant le centre. Plus le milieu est joué, plus les sons du son sont forts. Parfois, vous placez un chiffon sur le centre et d'autres zones pour l'amortissement.

Pauken est principalement utilisé dans la musique orchestrale classique et les chapelles de marche; Cependant, ils sont également utilisés dans la musique pop et le folklore de temps en temps.

Le rôle du Timpani dans l'orchestre classique

Contrairement à la batterie, dont l'importance est encore relativement nouvelle en tant qu'instrument solo dans l'orchestre, le Timpani a joué un rôle important dans la musique orchestrale depuis des siècles.

L'origine du Timpani est dans la zone militaire . Au cours des campagnes, le Timpani est monté à côté du général et a donné des signaux pour l'attaque ou le retrait. Cette profession jouissait d'une grande réputation dans la cavalerie. L'héritage musical de cette signification historique peut encore être trouvé dans toute la littérature Timpani.

De Bach à Beethoven à Strauss , le Pauke symbolise souvent les aspects royaux, militaires et cérémoniels avec la trompette - que ce soit en symphonies, oratorios ou opéras.

Aux symphonies de Mahler nous trouvons le motif de la guerre dans le rythme du Timpani . Le concept de base de ces motifs historiques reste à travers toute l'histoire de la musique - c'est exactement ce qui fascine sur cet instrument.

Joachim Rodriguez Y Romero

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza . Publiciste, rédacteur en chef et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Conclusion réussie dans la conception Web dans le cadre d'un diplôme universitaire (2008). Développement supplémentaire des techniques de créativité à travers des cours de dessin gratuit, de peinture d'expression et de théâtre / d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art à travers de nombreuses années de recherche journalistique et de nombreuses collaborations avec des acteurs / institutions de l'art et de la culture.

www. kunstplaza .de /