Comment devenir un artiste: IN? Conseils provenant des autodidacts réussis et créatifs professionnels

Le cliché de «l'artiste présentant» est trop souvent essayé. Mais il y a de plus en plus d'artistes qui ont construit une carrière réussie et florale dans le monde de l'art - également en tant qu'actes autodid, complètement sans carrière universitaire et carrière d'artistes conventionnels.

Aujourd'hui, il existe de nombreuses autodidages établis dans la scène artistique . Le fait qu'ils soient les autodidactes n'est plus un problème, car leur art, leur connaissance, leur compréhension et leur contribution à l'art sont beaucoup plus importants qu'une œuvre de papier d'une université d'art ou le nom d'un professeur d'art.

Supposons que ce soit notre objectif. Mais comment y arriver? Surtout, une forte motivation, discipline, endurance et dévouement sont nécessaires. Le chemin peut être rocheux, mais avec la passion et l'inlassable qui s'efforcent de pouvoir vivre de votre passion, il est possible de devenir un auto-étiré dans le monde de l'art.

Ne laissez aucun doute et croyez en vous - avec un talent quelque peu donné, vous avez le potentiel de réaliser un grand. Le succès est également une inspiration de 1% dans le monde de l'art et une transpiration à 99%.

Comment devenir un artiste: IN? Apprenez avec nous des artistes chevronnés et des actes autodid réussis!

Cet article vous montre en quelques étapes comment vous améliorer vos chances de succès en tant qu'auto-apprentissage: R Artiste: IN . Nous discutons de la façon dont vous apprenez le contenu d'une université d'art indépendamment, où vous devez commencer, comment vous développez votre pratique artistique, comment vous agissez comme un vous-même et comment vous pouvez réussir dans le monde de l'art. Nous consultons les expériences, les idées et les conseils d'artistes à succès.

«monde de l'art d'élite», il y a souvent une certaine stigmatisation pour être des artistes autodidactiques, ce qui mène à divers défis pour ceux qui n'ont pas la possibilité de fréquenter une école d'art.

Selon la situation socio-économique ou le pays de l'éducation dans le pays, l'éducation artistique Cependant, ils ne désespèrent pas.

De nos jours, des informations importantes pour les autodidacts sont plus facilement accessibles que jamais - à condition que vous sachiez où rechercher. Il n'est pas facile de devenir un artiste professionnel, et encore moins un auto-apporté professionnel. Malgré tous les obstacles et défis sur le chemin de l'artiste, un auto-apporté ne doit pas être empêché de prendre pied dans le monde de l'art.

Quelles sont les exigences de base pour devenir artiste?

Avez-vous une créativité naturelle qui vous donne de nouvelles idées chaque jour? La peinture, le dessin et la conception aimez-vous avoir une idée des couleurs, des formes et de l'esthétique ainsi qu'une vie émotionnelle animée? Certains prétendent qu'ils sont quelque chose d'idiosyncratique?

Si vous avez également peu besoin de stabilité et de prévisibilité, la vie des artistes pourrait être la bonne chose pour vous. En tant qu'artiste, vous pouvez peindre, bricoler, construire, grincer, photographier et filmer et filmer et créer vos œuvres d'art selon vos propres idées.

Si vos œuvres aiment les autres en raison de leur signification, de leur émotivité ou de leur esthétique ou de leur sophistication, vous pouvez les exposer dans des galeries ou les vendre en privé.

Incroyable variété d'activités

Dans le domaine artistique, il existe une variété et des domaines et des caractéristiques de l'abondance et d'activité, ce qui rend une telle carrière particulièrement attrayante pour les personnes créatives.

Vous pouvez d'abord penser aux arts visuels tels que la peinture, la sculpture, le dessin et l'illustration. Ou les arts du spectacle avec le théâtre, l'opéra, la musique et le théâtre. En plus de ces zones classiques, cependant, une abondance incroyable de possibilités s'est développée. Que ce soit le tatoueur, l'interprète de la rue, le concepteur de jeux, le comédien, l'artiste de cirque, l'art-thérapeute, le clown, le magicien, la danseuse burlesque, l'artiste martial, l'artiste, YouTuber, le maquilleur ou le réparateur, qui rendent les opportunités comme créatives, l'argent est presque sans fin.

également Watchado de grandes idées sur 34 de ces activités artistiques sous la forme d' un minerai vidéo .

Également en dehors de la scène artistique et loin du travail en tant qu'artiste indépendant, de nombreuses entreprises et institutions font de vous un travail en tant que personne créative. Les créatifs sont recherchés et placés dans les domaines suivants:

• Établissements d'enseignement (écoles, universités , autres instituts de formation)
• Soins de santé (cliniques, centres de thérapie, etc.)
• Institutions sociales (centres de jeunesse / financement, etc.)
• Builder et sociétés d'événements
• Cabinet d'architecture
• Médias et sociétés de publicité
• Opéra, théâtre, galeries et autres institutions culturelles
• Départements de communication et de marketing des entreprises
• Développeur de jeux
• Éditeurs et éditeurs
• Web et conception graphique
• Intelligence artificielle, mondes virtuels, big data, art numérique

Le profil d'activité des artistes

Australian Job Exchange Seek fournit une infographie intéressante sur le profil d'activité et le rôle d'un artiste . En utilisant 10 mesures, les exigences et les avantages d'une activité en tant que créatif sont présentés de manière vivante. Les évaluations sont basées sur la moyenne de 30 artistes interrogés.

Étant donné que le domaine d'activité en tant qu'artiste ici en Allemagne ne va pas différer considérablement de celui en Australie, ces résultats peuvent probablement être largement transférés dans notre pays. Les domaines de la "satisfaction au travail" avec 4,2 étoiles et "variété" avec 4,3 étoiles se comportent particulièrement bien. En bas, il y a de la «sécurité de l'emploi», des «opportunités de gain» et des «opportunités de carrière».

Compétences importantes en tant qu'artiste: dans

En tant qu'artiste, sa capacité la plus importante est bien sûr initialement la créativité . Vous devez créer des œuvres que personne n'a encore pensé ou implémentées, et vous pouvez inciter les gens à leur travail.

Bien sûr, vous devez également comprendre et maîtriser votre métier - qu'il s'agisse de peinture, de photographie, de sculpture ou de conception de jeux visuels. Vous n'avez pas nécessairement besoin d'être vendeur, mais il est vraiment utile si vous commercialiser vous-même et votre travail .

Une compréhension de base du marketing et aussi un peu de connaissance des médias sociaux sont avantageuses dans le monde d'aujourd'hui pour rapprocher votre travail d'un public et d'acheteurs potentiels. Cela vous aidera également si vous n'êtes pas trop timide: les contacts peuvent aller très loin dans le monde de l'art. Idéalement, n'ayez pas peur de construire un réseau .

Les compétences en langue étrangère sont également très utiles dans leur profession, en particulier l'anglais, car ils peuvent communiquer avec la communauté des artistes internationaux et peuvent prendre plus facilement de participer aux expositions et à d'autres options à l'étranger.

Enfin et surtout, en tant qu'artiste, vous avez besoin d'une bonne dose de courage et de volonté de prendre des risques . Les perspectives de vivre de leur art sont initialement faibles et la stabilité sera vaine au cours des premières années (mais il y a toujours des surprises positives). Si vous ne pouvez pas accepter cela, vous devez repenser à nouveau votre choix de carrière.

Formation dans une académie d'art vs artiste autodidactique

À l' Art Academy, l'accent est principalement mis sur votre développement artistique personnel - qu'il s'agisse d'apprendre une capacité spécifique ou de promouvoir votre propre style. Cependant, il a été constaté que la plupart des centres de formation ne préparent pas suffisamment leurs étudiants à une carrière dans le monde de l'art.

Donc, avant de commencer la première étape, nous devons découvrir ce qui fait un artiste à succès. ""

Le succès en tant qu'artiste peut signifier quelque chose de différent pour tout le monde. Le but le plus élevé est probable: devenir un artiste reconnu dans la scène artistique haut de gamme. Cependant, certains veulent juste gagner leur vie en tant qu'artiste. Nous savons par expérience que le succès artistique conduit souvent au succès commercial.

En ce qui concerne la reconnaissance artistique , il n'y a pas de limites. Il est possible d'être représenté par des galeries de premier plan, de vendre des œuvres pour des quantités élevées ou même d'être présente en tant qu'artiste renommée dans les musées et les publications.

Selon le temps que vous investissez, comment vous bénéficiez d'un talent naturel et de l'influence par des facteurs externes tels que le bonheur et le hasard, cela peut prendre des durées différentes pour que vous commencez comme un vous-même. Une évaluation réaliste de la CAI (numéro d'art contemporain) - une plate-forme d'artiste hybride et une galerie pour l'art contemporain en Belgique - peut être le premier succès en tant qu'artiste autodidactique après deux ans .

C'est moins de temps que la plupart des programmes des écoles d'art n'ont besoin. Cependant, ne vous attendez pas à être établi immédiatement, mais il est possible d'être sérieusement reconnu en tant qu'artiste dans les deux ans et d'avoir un avenir prometteur.

Avec cet article, nous aimerions vous donner un premier point de contact et des directives rudimentaires, qui révèle les choses élémentaires que vous devez connaître mais ne vous être pas dit; Et montrez-leur où vous pouvez trouver les informations nécessaires qui vous aident au succès. En fin de compte, le succès réside entre vos mains.

Si vous êtes 110%, restez patient et passionné, croyez en vous! Ensuite, apportez les meilleures conditions.

Conseils précieux de la création réussie - étape par étape vers le succès en tant qu'artiste

Jusqu'à présent, ils ont pu obtenir une image complète de ce à quoi leur travail quotidien pourrait ressembler en tant qu'artiste et qu'ils devraient faire un succès dans ce domaine.

Maintenant, tournons la voie à l'artiste à succès étape par étape! Que faut-il pour s'établir dans le monde de l'art? Où sont les pièges et quels leviers offrent le plus grand effet de réussite? Que devez-vous considérer? Et quels conseils sont les plus précieux?

Nous allons maintenant répondre à ces questions avec des artistes qui l'ont fait et qui sont heureux de transmettre leurs formules de réussite.

Twist: Trois artistes et un artiste racontent comment ils l'ont fait

Travailler en tant qu'artiste apparaît à beaucoup comme un travail de rêve. Mais est-il nécessaire d'avoir besoin de talents ou de compétences en auto-marchandage?

Dans le programme de culture «Twist» en Arte, nous sommes confrontés à diverses personnalités qui apportent plus de clarté dans cette question. Nous rencontrons d'abord l'étoile en herbe du ciel de la galerie, Leon Löwentracte . Malgré l'absence d'études, il réussit internationalement en tant que peintre. Bien que le Feuilleton l'ignore et certains commentent même de lui, il peut gagner de nombreux fans avec des apparitions spectaculaires et une forte présence sur les réseaux sociaux. Ses peintures atteignent désormais des prix élevés.

Est-il donc possible de commencer à tout moment et partout en tant qu'artiste grâce aux médias sociaux? Le sculpteur français Latifa Echakhch , qui a reçu le prix Marcel Duchamp et a conçu le pavillon suisse à Venise, nous montre une approche différente de l'art comme une opportunité de comprendre le monde.

Le peintre américain, le professeur Rajkamal Kahlon, traite de sujets graves tels que le colonialisme et le racisme dans ses œuvres en réinterprétant les représentations des peuples autochtones du 19e siècle et en leur rendant ainsi leur dignité.

Annika le Large de Leipzig, à son tour, vit à partir d'illustrations pour les livres pour enfants et prouve que vous pouvez réussir en tant qu'artiste même sans diplôme dans un collège d'art.

Ces différentes histoires montrent clairement que le chemin du succès en tant qu'artiste peut être très individuel et que le succès a de nombreuses facettes.

01 Motivation et passion: le début en tant qu'artiste: dans

Chaque image qui crée un artiste porte une étincelle de votre propre âme. C'est un lien entre l'artiste et la toile, qui est animée par le sérieux et le dévouement. Des artistes comme Gerhard Richter ou Vincent Van Gogh ont déménagé et inspiré le monde avec leurs œuvres.

David Hockney et Marc Chagall également laissé des traces avec leur Canvas art unique n En tant qu'artiste, il est important d'explorer toujours de nouveaux sujets et de se développer de manière créative.

Le traitement des images ne devrait jamais stagner, mais toujours nouveau et innovant. Paul Klee et Karl Ernst Osthaus étaient des pionniers dans leur région et ont montré que leur passion pour l'art ne connaît aucune limite.

La meilleure condition préalable en tant qu'artiste est cette passion et cette curiosité insatiable, qui garantit la motivation et l'inspiration comme une force motrice jamais entendue.

02 Découvrez, expérimentez et expérience

Avant de pouvoir nous profiler en tant qu'artiste, nous devons définir clairement ce que nous voulons, recommander Julien Dellagrange - historien de l'art, artiste contemporain et directeur de Cai et Cai Gallery . Auparavant, Delagrange a travaillé pour le Center for Fine Arts (Bozar) à Bruxelles, la Jan-Cerruysse Foundation et la Gent University Library. Sa pratique artistique et sa critique d'art écrite sont étroitement liés et examinent l'art contemporain à la recherche de nouvelles perspectives dans le monde de l'art.

Nous nous posons donc les questions suivantes au début de notre carrière:

• Quel genre d'artiste voulez-vous être?
• Quelle discipline vous donne le plus de joie?
• Quel style ou quelle technologie est particulièrement important pour vous?

Avant de nous engager dans un certain médium, un style, une technologie ou une vision, nous avons besoin de liberté et d'opportunité d'explorer, d'expérimenter et de découvrir l'art. de rechercher , d'expérimenter et de vivre au cours de notre vie et de notre carrière artistique trouver l'inspiration

Cela peut être fait le plus radical et intensément dans les phases initiales en tant qu'artistes. Plus tard dans la vie professionnelle, il devient plus difficile de provoquer des changements radicaux. Néanmoins, notre travail doit changer et se développer en continu afin de rester intéressant et pertinent. Parce que comme dans la vie s'applique également à l'art: la seule constante est le changement.

Plus tard, nous pouvons introduire une nouvelle discipline ou changer notre style optiquement, mais dans cette étape, nous avons une liberté totale sans avoir à penser à des conséquences possibles. Nous pouvons essayer tout ce que nous apprécions: expérimenter, explorer et expérimenter.

Delagrange met particulièrement l'accent sur le troisième "E": l'expérience .

L'art doit être expérimenté, à la fois en tant que spectateur et en tant qu'artiste. "

Ces expériences nous inspireront, et ce qui nous inspirera nous inspirera à expérimenter et à prendre diverses influences, qui créent finalement une nouvelle synthèse de notre identité artistique.

Ces expériences présenteront des artistes autodidactiques avec des défis techniques. Il est temps de penser à soutenir Skillshare Grâce au World Wide Web, les compétences peuvent être commodément acquises en ligne à domicile. YouTube est probablement le meilleur endroit pour trouver des tutoriels appropriés.

Dellagrange vous recommande donc d'effectuer des recherches approfondies et de sélectionner un canal guidé par un artiste que vous aimez, puis de commencer à regarder vos vidéos et d'apprendre et d'expérimenter sur le côté.

Aujourd'hui, il existe d'innombrables tutoriels pour la peinture et le dessin en ligne. Pour les formes d'art moins courantes telles que les sculptures ou les installations, il vaut la peine de rechercher des cours spécifiques, comme sur des plateformes telles que Skill Share .

Il n'y a plus de règles définies sur le processus créatif artistique, qui permet aux artistes autodidactiques de développer leur propre style. Il est important d'expérimenter et d'essayer de nouvelles techniques afin de réaliser finalement une vision et une identité personnelles dans les œuvres d'art.

03 Continuer dans l'art (Histoire)

Cette étape est également d'une grande importance pour leur développement en tant qu'artiste et leur crédibilité en tant qu'auto-témoin . Une question fréquemment posée des actes autodids est de savoir s'ils ont une connaissance suffisante de l'art et de l'histoire de l'art. Néanmoins, il n'y a aucune raison pour qu'ils ne puissent pas devenir des experts en art, même s'ils n'ont pas de maîtrise en art ou en histoire de l'art.

Il est crucial de connaître l'histoire de l'art Il serait naïf de croire que vous pouvez réussir dans le monde de l'art sans connaître l'art. Vos connaissances et votre intelligence sont mises à l'épreuve lorsque vous essayez de prendre pied dans la scène artistique.

Alors, comment et où pouvons-nous approfondir notre éducation? Delagrange recommande initialement de vous familiariser avec l'histoire de l'art et de lire des manuels scientifiques sur la façon de les utiliser dans les universités. Cette étape peut être considérée comme une sorte de formation formelle qui est conseillé de prendre des notes.

Pas pour les examens, mais pour créer un résumé personnel de l'histoire de l'art et prendre des notes utiles pour votre propre pratique artistique.

Commençons par une introduction complète à l'histoire de l'art et considérons les livres suivants qui pourraient être idéaux pour leur formation supplémentaire:

"L'histoire de l'art" par eh gombrich

«History of Art» d'Ernst H. Gombrich a été un chef-d'œuvre inégalé et l'un des livres les plus connus et les plus populaires sur l'art depuis 50 ans. L'auteur impressionne sa capacité à captiver clairement et captiver les relations culturelles et les problèmes artistiques.

Grâce à son sentiment pour la psychologie des arts visuels, il réussit à présenter l'histoire de l'art comme un changement constant des intentions artistiques. Chaque œuvre d'art est considérée dans un contexte historique, qu'elle se démarque de la précédente ou l'imite.

Gombrich montre que l'art est toujours lié aux époques passées aujourd'hui. Sous une nouvelle forme, ce chef-d'œuvre continuera de présenter les jeunes générations dans le monde de l'art et d'inspirer les personnes intéressées par l'art.

"Art: The Visual History" par Andrew Graham-Dixon

Cette œuvre de référence visuelle présente les 2 500 œuvres d'art les plus importantes de 30 000 ans d'histoire de l'art dans toutes les cultures. Avec plus de 3 000 illustrations brillantes, 700 profils d'artistes et des informations sur les époques et les courants, c'est une œuvre impressionnante sur la compréhension de l'art et de la compréhension.

En plus d'une représentation détaillée des œuvres clés, le livre comprend des sujets tels que l'amour, le paysage, le portrait et l'acte. De la peinture des grottes à l'art médiatique moderne, toutes les époques et les cercles culturels sont éclairés. Ce livre illustré de haute qualité offre un aperçu du développement de l'art des premiers jours à nos jours ainsi qu'un aperçu des courants et des artistes importants.

Il s'agit d'une œuvre de référence recommandée pour toutes les œuvres liées à l'art qui ont convaincu et informé.

"Art moderne. De l'impressionnisme au présent" par Hans Werner Holzwarth

Modern in Art a commencé il y a environ 150 ans à Paris avec les impressionnistes qui se sont détournés de l'art de l'Académie classique et ont révolutionné l'art. Ils ont choisi des sujets de tous les jours et ont organisé leurs propres expositions pour défier l'establissant.

Cela a conduit à une variété de styles modernistes tels que le symbolisme, l'expressionnisme, le futurisme, le dada, le surréalisme et plus encore. Le groupe suit le développement de l'art moderne basé sur des œuvres révolutionnaires, qui ont brisé les conventions existantes et ont montré de nouvelles façons.

Les essais d'introduction expliquent les courants les plus importants de la modernité et éclairent les artistes importants et leurs œuvres.

"Image Surveys. 100 chefs-d'œuvre en détail" par Rainer & Rose-Marie Hagen

Ce livre de Rose-Marie et Rainer Hagen nous donne également un aperçu éclairant du monde de l'histoire de l'art. Il révèle les histoires cachées derrière certaines des peintures les plus célèbres en se concentrant sur des détails subtils qui révèlent beaucoup sur les temps passés. Les auteurs attirent notre attention sur des aspects apparemment insignifiants et font donc même apparaître les images les plus connues sous un nouveau jour.

Nous plongeons dans différentes époques et cultures lors de la lecture, rencontrons des héros grecs et des poètes allemands, explorant les cathédrales et les cabarets, voyageant de l'antiquité à l'Europe moderne. Nous analysons chaque image comme un puzzle, la réunissons à nouveau et révélons des secrets sur les gens, la politique, la mode et les opinions des temps passés.

Le livre fournit des informations fascinantes sur le monde des œuvres d'art et nous aide à mieux les comprendre.

Ces grands œuvres d'aperçu présentent le canon de l'histoire de l'art. "

Jetez un œil aux commentaires de chaque direction artistique ou chapitre pour découvrir une littérature spéciale supplémentaire sur une certaine époque ou un artiste spécifique. Cependant, les travaux mentionnés sont déjà très étendus et offrent initialement des informations suffisantes.

Ensuite, nous voulons nous concentrer sur l'art contemporain , de l'art moderne à nos jours. Les œuvres de référence recommandées sont "Art depuis 1900" (édition anglaise), l'art ci-dessus "l'art moderne - de l'impressionnisme au présent" et "une histoire de l'art moderne" par HH Arnason et Elizabeth C. Mansfield (uniquement en anglais).

Ces trois livres sont sans aucun doute les œuvres de référence les plus importantes sur l'histoire de l'art récente, et il est même recommandé de lire les trois si possible. Bien qu'une œuvre puisse être suffisante pour l'histoire de l'art, plus, plus, mieux c'est.

Acquérir des connaissances artistiques spécifiques

Maintenant que nous avons établi un cadre solide pour le canon d'art, il est temps d'aller plus loin et de nous concentrer sur des artifications, des artistes et des disciplines spécifiques .

La sélection des publications devrait dépendre de vos intérêts et de vos pratiques, mais il y a des points importants que je voudrais informer. Soyez prudent dans les informations défectueuses dans les livres auto-publiés. Tout le monde peut écrire et publier un livre aujourd'hui. Même avec les petits éditeurs, des livres d'art douteux sont souvent produits.

Par conséquent, je vous recommande de des livres dans des éditeurs de livres d'art renommés tels que Bags , Phaidon , Thames & Hudson , Skira , Prestel Publishing , Tate Publishing , Lund Humphries ou d'autres institutions d'art respectées qui agissent en tant que rédacteurs - pensez aux musées ou aux universités.

Ces éditeurs représentent des tasses d'art de haute qualité, des informations fiables ainsi que des auteurs et éditeurs connus. Par exemple, Phaidon propose des publications exceptionnelles pour presque tous les supports; Que ce soit la peinture ou la sculpture du présent. L'échelle artificielle de base des sacs est une autre excellente collection de livres sur des mouvements artistiques spécifiques et des artistes.

monographiques des musées dans le cadre des rétrospectives sont toujours une source d'information de première classe. Ces exemples représentent des recherches approfondies et une auto-éducation dans le domaine de l'art établi, mais qu'en est-il de l'art moins établi?

Certains éditeurs offrent aujourd'hui de grandes publications sur ce sujet. Pensez à la série de Phaidon sur les nouvelles perspectives dans l'art avec de la vitamine P (peinture), de la vitamine D (art brut) ou de la photographie de vitamine. Les publications des galeries sur les artistes qui les représentent et avec qui ils peuvent identifier méritent également d'être mentionnées.

Cela nous amène à d'autres sources afin de plonger plus profondément et de rester à jour avec l'art contemporain - pensez à des plateformes artistiques prestigieuses, aux écrits artificiels, aux institutions de conservation et aux musées pour l'art contemporain. Des informations encore plus spécialisées peuvent être trouvées dans la littérature scientifique sur l'art contemporain.

La série "Documents on Contemporary Art" de Whitechapel est un excellent exemple d'un éditeur qui a compilé les écrits scientifiques les plus critiques sur un sujet spécifique de l'art contemporain. Il existe également des écrits académiques avec une référence indirecte à l'art tel que Foucault et Lacan.

Ne soyez pas intimidé par l'abondance de connaissances mondiales et d'informations sur l'art. Vous n'avez pas besoin d'être un expert ou un érudit pour réussir. Il existe différents niveaux de connaissances, avec l'histoire générale de l'art et l'histoire de l'art récente qui servent de base.

Après cela, selon votre intérêt, vous pouvez vous plonger dans une littérature plus spécifique. Il existe de nombreuses façons de découvrir l'art contemporain, par exemple à travers des canaux YouTube . Cependant, il est important de noter que toutes les informations ne sont pas équivalentes.

Certains canaux tels que l'affectation d'art et le grand art expliqués offrent un contenu sonore et factuel, tandis que d'autres sont moins dignes de confiance. Vous pouvez également suivre des institutions, des galeries et des plateformes renommées sur les réseaux sociaux ou vous abonner à votre newsletter pour rester à jour.

Des sociétés telles que ArtForum , Cura. , Le Musée d'art moderne et d'art comme Mary Lynn Buchanan sont de bons points de contact. Il est important de rester curieux, de suivre vos propres intérêts et de gérer continuellement l'art et l'histoire de l'art.

04 Apprenez à connaître le monde de l'art et vos règles non écrites de première main

À première vue, cette étape peut sembler moins importante que les étapes précédentes. Cependant, ce n'est pas le cas. Le troisième "E", que nous avons souligné dans le chapitre précédent - l'expérience - est l'objectif ici.

Parce que vous apprenez le mieux au monde de l'art en le faisant l'expérience vous-même. "

Vous pouvez penser que vous connaissez déjà le monde de l'art. Peut-être que vous avez visité certains musées et suivez quelques galeries et artistes sur les plateformes de médias sociaux. Mais ce n'est pas assez complet. Le monde de l'art et de l'art regorge de détails subtils qui finissent par faire la différence.

Qu'il s'agisse de créer une œuvre d'art, de la compléter et de la présenter dans une galerie, ou d'interagir avec tout en relation avec les expositions d'art - comment interagir entre elles dans une exposition, le titre d'exposition, la description des œuvres et ses métadonnées, le type de conversation sur vous, l'installation, l'inspiration pour le design et la présentation, etc.

• Quelle est l'ordre du jour dans les galeries aujourd'hui?
• Comment les œuvres voient-elles et ressentent-elles?

Afin de connaître les subtilités de l'art qui composent la différence décisive, il est non seulement recommandé de visiter les musées, mais aussi des galeries d'art. Bien que les musées présentent principalement de l'art établi, les galeries montrent des œuvres d'artistes et de nouvelles œuvres à venir d'artistes établis.

Les galeries d'art sont également d'une importance cruciale pour une carrière dans le monde de l'art . Il est donc important de critiquer la sélection des galeries et de les découvrir au préalable pour vous assurer que vous vous retrouvez dans une galerie très respectée.

Les fonctionnalités de qualité des galeries de première classe sont une série d'expositions soigneusement organisée, une présentation professionnelle et élégante, un communiqué de presse pour chaque exposition, de nombreuses années d'expérience dans les opérations de galerie, la participation aux salons de l'art et la présence sur des plateformes renommées telles que Artsy ou un site Web de galerie professionnelle.

Certaines des galeries les plus respectées du monde qui parviennent à mettre en œuvre cela dans la perfection appartiennent à la catégorie des méga galeries. Ils fournissent un aperçu unique des règles et des coutumes tacites des galeries d'art et d'art haut de gamme.

Des exemples importants de méga galeries comprennent:

• Gagosien
• Hauser et Wirth
• Galerie de rythme
• David Zwirner
• Cube blanc
• Galerie de Lisson
• Thaddaeus Ropac
• Perrotine
• Lehman Maupin
• Victoria Miro
• Marian Goodman
• Et bien d'autres ...

Une bonne stratégie consiste à se concentrer sur les galeries en herbe au lieu de se tourner immédiatement vers des galeries renommées. Le guide d'art ArtForum peut être une source utile. Choisissez une ville d'art près de chez vous, explorez-la et commencez par les achats de la galerie.

Cela vous inspirera à découvrir des œuvres d'artistes en herbe qui sont sur le point de faire un nom. Regardez exactement comment ces artistes se démarquent des autres et comment présenter leurs œuvres dans une exposition ou même sur différentes expositions. Cela peut vous aider à trouver une nouvelle inspiration et à développer davantage votre propre travail créatif.

Il est possible de contacter les directeurs de la galerie, mais j'en conseille - du moins pour le moment, de ne pas révéler que vous êtes vous-même un artiste. Vous et votre travail ne êtes probablement pas encore prêt pour l'œil critique d'un directeur de galerie, même si vous pouvez le croire - et ces opportunités se présentent rarement.

Il est conseillé d'exprimer d'abord son intérêt pour la galerie. Il peut y avoir la possibilité que le chef de la galerie commence à parler de ses activités artistiques. Des expositions d'art, des conférences, des festivals d'art et des événements tels que la Biennale de Venise ou Art Basel offrent des opportunités de première classe pour obtenir un aperçu de la scène artistique et des artistes contemporains.

Même si la visite de ces événements est associée à l'effort de voyage et à l'investissement dans le temps, cela peut avoir un impact significatif sur votre développement personnel, votre compréhension et vos opportunités de carrière futures et ne devrait donc pas être sous-estimée.

05 Trouver une inspiration créative: conseils et astuces pour le processus artistique

Lorsque le feu créatif brûle et la toile se trouve devant eux, le désir d' inspiration . Comment pouvez-vous donner vie à vos idées et faire briller votre art? Des artistes tels que Gerhard Richter ou Vincent Van Gogh ont trouvé leur voix unique en traitant divers sujets et styles.

Vous expérimentez courageusement de nouvelles techniques et de nouvelles matériaux pour étendre votre vision artistique. Utilisez la variété du monde de l'art pour être inspiré par d'autres artistes. Qu'il s'agisse de résumé ou de portraits réalistes, ils sont stimulés par différents styles pour trouver leur propre expression.

En modifiant les images de votre manière très personnelle, vous pouvez découvrir de nouvelles façons et développer votre créativité.

Connaissez-vous cette situation?

Ils trouvent enfin le temps d'aller sur leur lieu de travail, puis ils ont ce sentiment terrible: entouré d'une variété de matériaux, ils ne se sentent pas motivés pour créer quelque chose. Trouver l'inspiration semble être plus difficile que de traverser l'Atlantique avec une chaloupe.

Ils peuvent se sentir complètement seuls, mais chacun de nous a déjà eu cette expérience - une fois, plusieurs fois.

Il n'y a pas de personne créative qui peut travailler sans inspiration. Pour certains, il est facile et naturel de trouver l'inspiration alors que cela peut être un défi pour les autres.

Aucune création n'est à l'abri des blocages créatifs; Ils apparaissent constamment dans toutes les pratiques créatives. "

Il est important de pouvoir vous motiver et parfois vous avez juste besoin de quelques idées et suggestions pour revenir dans la bonne direction.

La liste des petits livres suivante offre une approche utile si la muse l'attend à nouveau:

Conseils de livre pour le flux créatif

"Créative. Pour être l'art" de Rick Rubin

Dans le best-seller «Creative. To Be Art», le secret du producteur de musique à succès derrière des tailles telles que Johnny Cash, Adele, Run-DMC, Jay-Z et U2 est dévoilé. Le livre illumine l'œuvre de sa vie d'une manière claire et inspirante et montre le chemin de l'artiste, à qui nous pouvons tous suivre.

Au fil des ans, Rubin a reconnu que les artistes se préoccupent non seulement de leur performance, mais plutôt de leur relation avec le monde. La créativité est importante pour tout le monde et peut être élargie par tout le monde. Tout le monde porte naturellement des forces créatives - c'est à nous de les libérer. «Créative. To Be Art» (2023) est un message passionné pour la joie du travail artistique et de l'expérimentation ludique. Il a encouragé à l'essayer, à faire des erreurs et de nouveaux départs - juste pour être créatif.

Ce livre s'adresse aux mélomanes et aux musiciens à la recherche d'inspiration, créative avec des blocs d'écriture qui veulent surmonter leurs peurs, ainsi que ceux qui cherchent un sens qui veulent percevoir consciemment les miracles du monde.

"Flux et créativité" par Mihaly Csikszentmihalyi

Dans son travail «Flow and Creativity», Mihaly Csikszentmihalyi est consacré au processus, ce qui nous amène à de nouvelles idées et à de nouvelles idées révolutionnaires et a déclenché tout notre potentiel artistique. Dans ce livre, Mihaly Csikszentmihalyi répond aux questions où et comment la créativité se pose et comment tout le monde peut réussir à découvrir et à promouvoir leur source d'inspiration très personnelle.

Sur la base de vastes entretiens avec des personnalités créatives renommées, il montre comment nous pouvons spécifiquement promouvoir notre propre créativité afin non seulement d'améliorer notre travail artistique, mais aussi d'enrichir toute notre vie.

Ce livre s'adresse aux artistes et à tous les esprits créatifs à la recherche d'inspiration. Avec des connaissances solides et des conseils pratiques, la «créativité» offre ainsi des conseils précieux à tous ceux qui veulent développer et développer sa force créative.

"The Way of the Artist" de Julia Cameron

Ce livre plutôt spirituel inspire à découvrir le potentiel caché pour l'artiste en chacun de nous. Cela montre comment nous pouvons susciter le côté créatif en nous pour créer de grandes choses. Nous gardons souvent des doutes, des expériences négatives ou l'opinion des autres de développer notre énergie créative.

Ce livre offre des instructions pour revenir en contact avec notre artiste intérieur et éveiller nos compétences créatives. Avec des exercices et des conseils précieux, nous pouvons renforcer notre présence artistique et nous lancer dans une vie artistique épanouissante.

Le livre convient particulièrement à tous ceux qui doutent de leurs propres compétences créatives et recherchent l'inspiration pour exploiter leur plein potentiel.

N'abandonnez pas !: 10 façons pour plus de créativité les bons et les mauvais jours »par Austin Kleon

«Don't Abanding Up» est un livre inspirant pour les personnes créatives qui poursuivent régulièrement leur créativité. Il offre de nombreux conseils et méthodes utiles pour rester motivés même dans les phases d'inspiration manquante. L'auteur à succès de New York-Times, Austin Kleon, nous montre dix stratégies afin non seulement de rester fidèle à la question, mais aussi.

Les suggestions sont principalement destinées aux artistes créatifs et de passe-temps professionnels, mais peuvent également aider tous de temps en temps à vivre leur côté créatif.

06 Développez l'ensemble de votre travail - Créez une œuvre cohérente

Maintenant, nous atteignons la sixième étape; Nous nous tenons à un tournant décisif de la carrière de l'artiste, où le travail mûrit et une œuvre d'art totale se produit - une unité caractérisée par une vision claire, une reconnaissance visuelle et un développement fascinant continu.

Après une phase d'expérimentation, l'établissement d'une échelle de base solide comme base du développement de votre propre vision et de votre propre identité ainsi que de l'inspiration à travers l'art contemporain, nous arrivons progressivement au point où tout se réunit.

Vous avez trouvé un médium avec lequel vous vous sentez à l'aise, des objectifs clairs et une vision que vous souhaitez réaliser avec votre travail.

Il est maintenant temps d'affiner leur production artistique, de professionnaliser et de créer des œuvres qu'ils verront pour toujours comme faisant partie de leurs œuvres. La cohérence est la clé de l'art. Un exercice crucial pour réaliser une œuvre globale cohérente et un développement constant et significatif consiste à rédiger une déclaration d'artistes .

En cela, vous mettez en lumière votre vision, vos objectifs, votre philosophie, votre méthodologie et votre technologie. Tous les éléments des étapes précédents se traduisent par une synthèse extrêmement personnelle de qui ils sont en tant qu'artiste, ce qui constitue leur art et de quoi il s'agit. Cette déclaration ou cette vision de l'artiste sera votre guide pour votre développement et assurera la continuité, même si vous continuez à expérimenter, à vous développer et à vous améliorer.

La Déclaration d'artistes sert non seulement à exposer leurs œuvres dans des galeries ou à les publier sur leur site Web. Il s'agit plutôt d'un instrument personnel et d'un guide pour le développement auto-auto-cohérent . Maintenant qu'ils ont clairement défini leurs caractéristiques artistiques, il est temps d'agir.

Explorez comment vous pouvez conduire davantage votre vision dans votre pratique artistique afin de vous démarquer et d'augmenter votre valeur de reconnaissance. La vie d'artiste est sans aucun doute l'une des professions les plus fascinantes. Le monde de l'art est fini par des milliers d'artistes - plus que des galeries, des collectionneurs et des conservateurs.

Il est donc crucial de se démarquer de la foule, qu'ils soient autodidactes ou d'avoir un doctorat dans les arts. Être cohérent, personnel et reconnaissable à nouveau. Sélectionnez-vous et restez fidèle à votre vision. L'importance de cette cohérence peut parfois causer des problèmes.

Les galeries et les collectionneurs n'apprécient aucun changement radical dans le processus créatif d'un artiste, car cela pourrait donner l'apparence que l'artiste fait soudainement quelque chose de complètement nouveau après avoir investi du temps ou de l'argent. Cependant, cela ne signifie pas que vous devez vous répéter constamment.

Au contraire, s'ils ne se développent pas davantage, leur travail stagnera et deviendra ennuyeux, et ils risquent d'être tampés comme un art limité. Ici, nous rencontrons l'une des subtilités du monde de l'art qui a déjà été discutée dans notre étape précédente: le jeu d'équilibre entre la résistance et le changement - ou plutôt le développement.

La chose est: tant que vous restez fidèle à votre vision originale - ou suivez constamment des visions et de la concentration - la variété est toujours un avantage.

Dellagrange illustre cela en utilisant les exemples suivants:

Coherance en utilisant l'exemple de luc tuymans

Luc Tuymans est l'un des peintres les plus importants et les plus constants de sa génération. Il change entre les peintures avec des scènes de l'Holocauste, une image de migration de Micky Mouse, des vies fixes et la représentation des nombres. Cependant, sa vision reste toujours cohérente dans toutes ses œuvres.

Il explore la théorie de l'image dans le contexte de la peinture et traite de sujets tels que les simulakras, la surstimulation, l'histoire et les complexités morales. Ce qui combine visuellement ces divers sujets, ce sont ses traits de pinceau tremblants caractéristiques et sa subtile palette de couleurs. Ces éléments garantissent la cohérence et la reconnaissance et permettent à l'artiste belge de se consacrer à chaque sujet ou motif.

Tracey Emin - Autobiographie et controverse comme fil

De nombreux artistes présentent une polyvalence impressionnante et restent toujours cohérents dans leur travail. Un exemple exceptionnel est Tracey Emin , qui change sans effort entre les installations, les sculptures et la peinture figurative. Elle utilise des éléments autobiographiques et la controverse comme base de sa vision artistique.

Dans l'interview suivante, elle partage 6 leçons importantes avec nous qui doivent être maîtrisées sur le chemin du succès en tant qu'artiste:

Encore plus d'exemples ...

Les artistes qui suivent certains motifs de leur vie et font d'eux leur marque sont tout aussi impressionnants, comme les points et les citrouilles de Yayoi Kusama ou les cages, les araignées et les spirales de Louise Bourgeois . Il est important de noter que ces motifs sont délibérément choisis et les résultats directs de leur vision et de leur histoire individuelles.

Certains artistes consacrent une seule chose toute leur vie à perfectionner une idée ou une technologie - pensez à Mark Rothko ou Carmen Herrera . D'autres ont une vision qui contient des changements radicaux en tant que partie intégrante - sans eux, il n'y a pas de cohérence.

Pensez au style délibérément sans style de Maurizio Cattelan et Ryan Gander . Ou regardez Gerhard Richter, dont le travail pittoresque est caractérisé par une recherche sans fin des possibilités de peinture, du photo-réalisme à l'abstraction pure à une figuration conceptuelle minimale et à des peintures de bord dur.

Les nuances de ces visions et le jeu de l'équilibre entre la durabilité et le développement soulignent à nouveau l'importance de nos étapes précédentes. Il est donc conseillé d'étudier l'œuvre d'autres artistes pour comprendre comment créer votre propre art. Les bons points de départ sont une vision claire, une philosophie, une technologie ou une sélection de motifs.

Alors enregistrez votre propre vision par écrit et suivez-la régulièrement en studio. Commencez par la professionnalisation de votre pratique artistique en utilisant des matériaux de haute qualité et en concevant soigneusement chaque œuvre d'art. Chaque travail doit être de qualité constante, des expériences aux travaux terminés prêts à être présentés au monde.

Il est temps de faire partie du monde de l'art vous-même!

07 Créer un profil d'artiste professionnel

Afin de réussir dans le monde de l'art, il est crucial de s'assurer que tout est précis et professionnel et que les exigences d'un artiste sérieux sont suffisantes, en particulier pour les didacts en voiture. Dans cette étape, tous les détails pertinents sont pris en compte pour vous assurer que votre profil d'artiste a un effet attrayant et professionnel.

Cela reconnaît un collectionneur potentiel ou un propriétaire de galerie qui s'intéresse à votre travail selon lequel tout est effectué avec soin. Cela augmente non seulement leur crédibilité en tant qu'artiste sérieux, mais augmente également leurs chances de succès dans le monde de l'art.

De l'avis de l'opinion de Delagrange, de nombreux artistes - qu'il s'agisse d'autodidacts ou d'artistes formés - échouent à ce stade et perdent le fil conducteur, même s'ils ont un grand talent et un grand potentiel.

Donnez-nous maintenant un aperçu de ce à quoi vous devez faire attention. Il est important de rester strictement aux points mentionnés ici. La façon dont ils se présentent comme un artiste en ligne et dans le monde réel devraient être clairs, formels, professionnels et même un peu mystérieux.

Tout ce que vous pourriez faire et ne figure pas sur cette liste pourrait affecter votre crédibilité en tant qu'artiste. Alors, comment préparons-nous notre profil global en tant qu'artiste?

7.1. Documentez votre art

Il est d'une grande importance que des photographies professionnelles de vos œuvres d'art soient présentes. Veuillez faire des photos de haute qualité de vos images et assurez-vous que vous avez des fichiers haute résolution de vos œuvres. Il peut également être logique de créer quelques vues d'installation ou de studio de vos œuvres d'art dans une pièce appropriée.

Évitez de simuler vos œuvres avec des applications dans des galeries ou des chambres (donc des maquettes appelées). Préparez votre salon ou votre studio en conséquence, louez une chambre ou profitez-en pour prendre des photos de haute qualité lors d'une exposition. Cela augmentera sans aucun doute votre crédibilité.

Documentez à fond votre œuvre et faites des enregistrements sur toutes les informations importantes - signification, titre, année, médium et dimensions.

Créez un catalogue complet avec toutes les données pertinentes que vous pouvez présenter des clients et des galeries potentiels.

7.2. Artiste CV - Le CV - CV en artiste

Ensuite, la création d'un curriculum vitae d'un artiste . Cela contient toutes les informations pertinentes et sert de guide pour les galeries, les collectionneurs et les conservateurs pour savoir où ils sont actuellement dans leur carrière.

Le Curriculum Vitae devrait contenir des informations sur votre année de naissance et de pays, votre lieu de résidence actuel, votre formation et votre qualification, votre expérience professionnelle, votre historique d'exposition, les publications sélectionnées, les rapports de presse, les récompenses, les collections et les résidences. En auto-étude, je conseille d'ajouter des actes autodids au curriculum vitae.

Effectuer des mesures de formation éducatives et supplémentaires si elles sont pertinentes; Sinon, laissez ce champ vide. Utilisez cette structure et analysez les cercles d'artistes d'artistes ou de sites Web de galerie établis. Suivez la même structure, la même structure et la même approche professionnelle.

Ne vous inquiétez pas si votre curriculum vitae d'artiste n'a jusqu'à présent que ne contient que peu d'informations. Notre prochaine étape sera d'améliorer et d'élargir le CV année après année. C'est tout à fait normal si vous n'avez eu que quelques expositions ou pas du tout; Tout le monde commence petit.

En fait, l'équipe CAI a écrit un article détaillé sur la façon de créer un curriculum vitae en tant qu'artiste avec peu ou pas d'expérience. complètes ici , y compris des exemples et un modèle pour créer le CV en tant qu'artiste.

7.3. Le site Web de l'artiste / le portefeuille en ligne

Le site Web de l'artiste agit comme une carte de visite numérique et comme un portefeuille , qui devrait être le professionnalisme de l'artiste contre mirrors n.

Un design à haute qualité dans le style minimaliste est essentiel pour être perçu de manière appropriée dans le monde de l'art. Inspirez-vous des sites Web de renom et présentez une page d'accueil claire, une sélection de vos meilleures œuvres (portefeuille), votre CV et peut-être aussi un texte biographique à la troisième personne.

Une étape cruciale sur le chemin de l'artiste à succès est la présentation habile de ses œuvres. Un portefeuille bien pensé, qu'il soit numérique ou sous forme papier, offre aux clients et galeries potentiels un aperçu complet de leur vision artistique et de leur diversité.

Une page de contact arrête l'offre. Cependant, des éléments tels qu'un blog, une boutique en ligne ou des marchandises sont superflus en tant qu'artiste professionnel. Dans l'industrie artificielle, il est courant pour les acheteurs potentiels de demander directement les prix et la disponibilité par e-mail. Par conséquent, il n'est pas nécessaire de publier des prix en ligne ou de créer une boutique en ligne.

7.4. Auto-marché en tant qu'artiste: In: Comment trouver mon groupe cible?

La recherche de votre groupe cible peut être un voyage passionnant qui augmentera votre carrière artistique à un nouveau niveau. Sérieusement et concentré, il est important de comprendre les besoins et les intérêts de votre public. En répondant activement aux commentaires et en présentant vos œuvres de manière ciblée, vous pouvez établir un lien authentique avec vos partisans potentiels.

Utilisez la variété des plateformes numériques et des réseaux sociaux pour rendre votre art accessible à un public plus large. Damien Hirst , Takashi Murakami , Wolfang Tillmans, Nan Goldin ou Cindy Sherman - ils ont tous trouvé leurs groupes cibles et se sont liés avec succès.

Soyez courageux, expérimentez diverses stratégies de marketing pour découvrir votre propre chemin. Leur art mérite d'être apprécié et promu par les bonnes personnes. Trouvez votre créneau et rayonnez-vous-conférence - votre groupe cible attend déjà d'être découvert par vous.

Cependant, il est également important dans le domaine des médias sociaux de trouver la bonne mesure. Une règle générale indique que nous devons nous concentrer sur la plate-forme de médias sociaux la plus puissante pour les artistes - Instagram . Il est impressionnant de voir combien de propriétaires de galeries et de collectionneurs découvriront et contacteront de nouveaux artistes via Instagram.

Avec une présence en ligne, vous pouvez créer une base de fans et augmenter ainsi votre crédibilité. YouTube est également une plate-forme solide, mais dans la scène artistique traditionnelle, il n'est pas encore bienvenu dans "Vloggen" , bien que toutes les organisations d'art importantes soient représentées sur YouTube. Néanmoins, le directeur de la galerie CAI, Julien Dellagrange, vous conseille de vous concentrer pleinement sur Instagram pour le moment et de rester professionnellement dans vos contributions.

08 Développez votre carrière organiquement et pensez à long terme

Instagram a déjà été mentionné comme une excellente plate-forme pour la découverte d'artistes. Cependant, pour réussir vraiment, les artistes devraient prendre quelques étapes de plus. Avant de nous attendre à des mesures spécifiques que vous pouvez prendre, nous parlons de choses qui devraient être évitées .

L'auto-promotion agressive n'est pas la bienvenue dans le monde de l'art. "

Le succès ne peut pas être forcé. Par conséquent, il est conseillé de ne pas appliquer excessivement vous-même - éviter d'appeler les galeries, les magazines, les collectionneurs et les institutions froides. Ne considérez pas votre art comme un produit purement commercial qui devrait être vendu par la publicité, les dépliants ou les réductions. Restez professionnellement et ne vous poussez pas.

L'objectif est plutôt de viser une carrière organique et de penser à long terme en laissant des traces dans le monde de l'art qui mènent finalement aux galeries, les collectionneurs et les magazines vous rendent compte.

Plongez activement dans la scène artistique en visitant des expositions et des galeries, comme cela a été recommandé à l'étape précédente. Faites des relations authentiques en discutant de l'art par intérêt réel et non en soi. Répartissez avec des gens comme des gens et impliquez-vous dans la scène artistique pour promouvoir votre succès.

Même en tant que personne introvertie qui ne se considère pas comme un expert en réseautage, vous pouvez améliorer activement vos chances de carrière dans le monde de l'art en recherchant des opportunités dans ce domaine. Pensez aux offres ouvertes pour les expositions, les résidences d'art , les compétitions artistiques , les bourses , les offres ouvertes basées sur le projet pour l'art dans l'espace public et autres.

Une excellente occasion de découvrir ces opportunités est la Artenda.net , que vous pouvez tenir au courant des opportunités artificielles les plus excitantes. Il est important d'être présent et de vous préparer bien en tant qu'artiste. Faites confiance au processus.

Si votre art est de haute qualité et que tout votre profil d'artiste est conçu par des professionnels sans être intrusif, mais est naturel et biologique, les gens prendront conscience de leur travail. Et si vous sentez votre profil d'artiste comme attrayant et professionnel, vous vous contacterez - que vous soyez autodidactique ou non.

À ce stade, le ballon commence à bouger. Dès que vous participez à une exposition - que ce soit à travers un appel d'offres ouvert, une invitation d'une galerie ou par coopération avec d'autres artistes - de nouvelles portes ouvertes.

Joachim Rodriguez Y Romero

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza . Publiciste, rédacteur en chef et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Conclusion réussie dans la conception Web dans le cadre d'un diplôme universitaire (2008). Développement supplémentaire des techniques de créativité à travers des cours de dessin gratuit, de peinture d'expression et de théâtre / d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art à travers de nombreuses années de recherche journalistique et de nombreuses collaborations avec des acteurs / institutions de l'art et de la culture.

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