Époques Artistiques – Introduction à l'histoire de l'art des périodes stylistiques et de leurs caractéristiques

L'histoire de l'art est marquée par de nombreuses Époques Artistiques importantes, que même les non-initiés rencontrent sans cesse. Chaque période a développé son propre style, ses propres courants artistiques et ses propres formes esthétiques.

Les différentes Époques Artistiques reflètent les changements sociaux, politiques et culturels de leur époque ainsi que les résultats des processus créatifs.

Chez Kunstplaza, nous souhaitons offrir un aperçu utile des périodes artistiques les plus importantes et souligner leurs spécificités. Nous présentons également des œuvres d'art majeures et les artistes majeurs de chaque époque.

Représentation chronologique de l'histoire de l'art dans le faisceau de temps

Nous avons organisé pour vous toutes Époques Artistiques selon une chronologie claire. De 3000 av. J.-C. au Moyen Âge, en passant par l'art moderne, le modernisme classique et l'art contemporain produit par les artistes d'aujourd'hui.

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Art ancien (environ 3000 avant JC - 500 après JC)

Styles d'art ancien en un coup d'œil

Les premières civilisations incluent l'art égyptien, mésopotamien, minoic, mycénien, grec classique et romain qui fait partie de l'art ancien . L'art européen précoce est émergé des méthodes et des styles artistiques de base développés en Grèce.

L'art égyptien se caractérise par des peintures murales détaillées et d'énormes bâtiments tels que les pyramides. Alors que l'art minoien et mycénien impressionne par ses brillants fresques et sa poterie, l'art mésopotamien est connu pour ses reliefs et ses sculptures. -

L' art grec classique , qui s'exprime des sculptures telles que les discobolos et la Vénus de Milo

Ancient - Grèce (environ 800 avant JC à 100 avant JC)

L'art romain mérite également dans ce panorama Époques Artistiques . Il se distingue par son réalisme et son art du portrait , comme en témoigne par exemple le buste de l'empereur Auguste.

Ancient - Empire romain (600 avant JC à 600 après JC)

Christianisme précoce et Byzance (300-1453)

L'art chrétien et byzantin précoce a formé la base de l'art du Moyen Âge européen et des temps modernes. Cette époque a ainsi façonné l'identité culturelle de la civilisation occidentale ainsi que celles du christianisme du Moyen-Orient et d'Afrique. Leurs influences sont également visibles dans l'art ornemental de l'islam occidental.

L'art de cette époque a été promu principalement par la reconnaissance du christianisme et les généreux dons de Constantin. L'art chrétien indépendant s'est progressivement développé et a souvent recouru à la représentation antique. Les centres importants de ce développement étaient les Roms, Ravenne, Thessaloniki et Constantinople.

Art médiéval (environ 500 - 1400)

Époques du Moyen Âge en un coup d'œil

L'art médiéval comprend l' art de la période de migration, le carolingien, l'ottonien, l'art roman et gothique. À cette époque, la religion chrétienne était au centre des processus créatifs artistiques.

Début du Moyen Âge et roman (750-1250)

Données et caractéristiques importantes sur le roman en un coup d'œil:

L' art du temps de migration brille avec une fusion de styles anciens et germaniques, tels qu'il s'exprime mérovations et des langobards

De l'ère des monarques franconiens et saxonnes, des chefs-d'œuvre artistiques de l'ère carolingienne et ottonienne, qui produisait des manuscrits impressionnants et des bâtiments sacrés tels que la cathédrale de Hildesheim ou la chapelle palatinée à Aachen.

L'art de Romanesque captive avec sa personnalité impressionnante, qui se manifeste dans des églises majestueuses avec des voûtes lourdes et des arches rondes.

L' art gothique, en revanche, impressionne par ses structures délicates et son envie de démontrer de manière impressionnante la hauteur des cathédrales de Chartres et Notre-Dame à Paris.

Gothique (1130-1500)

Données et caractéristiques importantes sur le gothique en un coup d'œil:

Début modernes

Époques de la première période moderne en un coup d'œil

Renaissance (environ 1420 - 1600)

Données et caractéristiques importantes sur la Renaissance en un coup d'œil:

La Renaissance était une ère de renaissance artistique, dans laquelle l'art et la culture anciennes ont été redécouverts et réinterprétés. Les artistes de la Renaissance tels que Leonardo da Vinci , Michel-Ange et Raffael ont demandé la perfection et l'humanisme dans leur art et ont mis un accent particulier sur la proportion, la perspective et la précision anatomique.

Au moment de la Renaissance, la peinture se caractérise par ses représentations réalistes et l'introduction de la perspective centrale, qui donne aux téléspectateurs une profondeur spatiale. Dans la sculpture, l'art de la Renaissance a atteint un haut degré de plasticité et de dynamique, comme Michelangelos David ou le groupe Laokoon .

L'architecture de la Renaissance a été caractérisée par la redécouverte des formes et symétrie classiques, comme l' explique bâtiments de Brunelleschi et Palladio

Maniérisme (environ 1520 - 1600)

Avec la liberté d'humains nouvellement obtenue, le désir est né au XVIe siècle que chaque artiste devrait développer sa propre expression individuelle.

Mais ce souhait conduit rapidement à des exagérations qui ne sont pas restées non détectées même pour des maîtres comme Michel-Ange. Certaines de ses œuvres n'étaient plus affectées à la Renaissance, mais au maniérisme.

Dans le maniérisme, les sentiments ont été délibérément exagérés, les gestes ont été exagérés et même les vêtements du peuple représentés inutiles. La courbe s autrefois légère de la Renaissance devient un dépassement presque contre nature du corps.

Ironiquement, ce style est devenu le premier style paneuropéen et a déplacé des artistes de toute l'Europe en Italie, son lieu d'origine.

Baroque et Rococo (environ 1600 - 1780)

Données et caractéristiques importantes sur l'art:

L'art baroque est venu en réponse à la Renaissance et se caractérise par son émotivité, son drame et son abondance. artistes baroques comme le Caravaggio , Bernini et Rubens ont utilisé la lumière et l'ombre pour faire apparaître leurs œuvres en plastique et vivant.

La peinture baroque se caractérise par de forts contrastes entre la lumière et l'ombre, comme dans les caravages "L'appel de Saint-Matthieu" peut être vu. Grâce à des artistes comme Bernini , la sculpture baroque a réalisé une nouvelle dynamique et un nouveau mouvement, comme sa sculpture "Apollo et Daphne" .

Gian Lorenzo Bernini a mis de nouvelles normes dans l'architecture et la sculpture et Annibale Carracci et Caravaggio l'ont fait en peinture. Les contrastes dramatiques du Dark Light et la violation de la restauration de l'impétuosité de la star du peintre Caravaggio ont été révolutionnaires et ont énoncé le ton à des représentations réalistes de la Martyrie et des scènes de genres des caravagistes.

Trois nouveaux genres - genre , paysage et nature morte - sont le résultat de l' âge d'or de la peinture néerlandaise au 17e siècle, qui a été causée par la grande richesse de la bourgeoisie. Flame Peter Paul Rubens est devenue connue dans toute l'Europe pour ses peintures, qui unie une immense splendeur, l'énergie et les effets émotionnels.

Étant donné que l'art baroque a été utilisé comme moyen de contre-réformation, les saints et les ordonnances courtois dominent l'art en Espagne et les colonies non européennes.

Alors que l'art religieux de Siglo d'Oro a culminé dans le mélange de peinture et de sculpture, Séville, Diego Velázquez, un peintre de cour incontesté et principalement des portraits et des histoires mythologiques .

Contrairement à l'Italie, en Espagne et au sud de l'Allemagne, il n'y avait pas de style baroque ; Dans les deux pays, une approche classique a prévalu, qui est parfois appelée un classicisme baroque (France) et le palladianisme

Alors que l'Église roman de San Carlo montre tout le fontane Quattro, l'architecture baroque se caractérise par sa splendeur et l'utilisation de courbes et d'ellipses. En tant que développement ultérieur du baroque, le Rococo caractérisé par une apparence légère, décorative et bizarre.

Les peintures exquises et gracieuses de plusieurs artistes rococo, dont Watteau , Boucher et Fragonard , se reflétaient particulièrement dans les paysages galants de la noblesse française.

L'île d'amour utopique de Kythera a été caractérisée Antoine Watteau La peinture de genre se caractérise par des paysages atmosphériques, des figures délicates, des humeurs poétiques et des couleurs subtiles, tandis que dans le portrait, les portraits hautement représentatifs et intimes étaient également appréciés.

Le champion principal incontesté de la nature morte était Jean Siméon Chardin , dont l'influence sur l'impressionnisme au 19e siècle ne devrait pas être sous-estimée. Le style du Rococo s'est propagé de France via l'Europe centrale et était principalement évalué aux meubles et aux équipements intérieurs.

Classicisme (environ 1770 - 1830)

Données et caractéristiques importantes du classicisme en un coup d'œil:

Au 19e siècle, les artistes se sont efforcés avec un "sac à dos" plein d'art ancien après une atmosphère de "simplicité silencieuse et de taille noble" (JJ Winkelmann), influencée par les découvertes récentes à Pompéi .

Antonio Canova d'Italie et Jacques-Louis David de France ont façonné toute une génération en glorifiant la masculinité héroïque et les femmes vertueuses dans leurs œuvres.

Dans la sculpture , la peinture et surtout l'architecture , les compositions parallèles, les formes simples et l'orientation sur le canon classique (conditions de mesure) remplacent les virages en mouvement et baroques.

Tard moderne tardif

Époches de la fin des temps modernes en un coup d'œil

Romance (environ 1790 - 1830)

Le romantisme est plus qu'un simple styles, c'est un état d'esprit qui préfère le mystérieux, l'obscurité et le sublime pour le lisse et la belle. En 1810, le Lukasbund , qui a tenté d'unir Dürer et Raffael

, Caspar David Friedrich et William Turner ont célébré leurs premiers succès en tant que peintre paysagiste et le Francisco de Goya a créé ses œuvres les plus sombres.

En tant que modèle pour l'artiste mal compris et le génie visionnaire, William Blake , qui, comme les peintres du Lukasbund, était motivé par des sentiments religieux, mais a développé sa mythologie très subjective. Que ce soit des contes de fées médiévaux ou du Dr Faustus, des paysages de montagne à couper le souffle ou des zones brumeuses - c'était toujours le niveau émotionnel le plus intérieur qui a conduit des artistes romantiques dans de nouvelles créations.

Pluralisme de style, époque de Biedermeier et Wilhelminian (1790-1890)

Les phénomènes de l'hétérogénéité stylistique ont toujours eu un impact majeur sur l'art moderne. Nous entendons par cela une gamme de techniques et de styles que les artistes appliquent à la création de leurs œuvres. Cette variété de techniques permet aux artistes de se démarquer de leurs collègues encore et encore et de communiquer leurs pensées et leur originalité de différentes manières.

Grâce à la question du canon d'art traditionnel et à la création de nouvelles expressions créatives le pluralisme de style contribué à ouvrir la voie à l'art moderne.

Une diversité stylistique s'est développée en tant qu'artiste au 19e siècle pour rejeter les académies conventionnelles et leurs règles. Alors que la romance a sensibilisé à la nature et aux gens, le réalisme a mis l'accent sur la vie quotidienne.

L'impressionnisme avec les enseignements conventionnels et s'est concentré sur le jeu de la couleur et de la lumière. Ces bouleversements ont ouvert la voie à la variété du style, qui peut encore être clairement vu dans l'art moderne.

Le Biedermeier est une époque de style qui a eu lieu entre 1815 et 1848 en Allemagne, en Autriche et en Suisse. Le nom est dérivé du poète Gottlieb Biedermaier , qui était considéré comme la quintessence de la bourgeoisie bourgeoise. L'art de cette époque se caractérise par sa réticence: principalement des paysages, des vies et des portraits étaient peints - souvent avec une certaine nostalgie pour le passé.

Cette époque de style a également eu une grande influence sur les meubles et le design d'intérieur ; Des meubles rembourrés avec des motifs floraux ou des murs d'armoires brodés et lourds étaient en bois foncé. Une autre plaque d'immatriculation était l'utilisation d' ornements sur des figures ou des reliques en porcelaine.

En général, Biedermeier l'expression d'une image de soi bourgeoise au cours de l'industrialisation ; Les gens aspiraient à la sécurité dans leur propre maison contre les changements sociaux.

Caractérisée par une nouvelle perspective sociale, l'ère Wilhelminien a remplacé le Biedermeier. La reprise économique causée par l'industrialisation s'est également exprimée dans l'art: de magnifiques bâtiments avec des façades riches et des intérieurs extravagants ont été créés.

La domination ornementale et les décorations de toutes sortes étaient également caractéristiques du Wilhelminien

Cette époque reflète une tendance qui perdure encore aujourd'hui : le désir de démontrer son rang par une grandeur extérieure.

Historialisme / peinture au salon (1850-1914)

Dans l'histoire de l'art, le terme historicisme un phénomène répandu à la fin du XIXe et au début du 20e siècle, dans lequel les architectes et les artistes préfèrent revenir aux styles des siècles passés.

Il existe diverses sous-espèces stylistiques, telles que le néo-droman, néo-gothique, néo-renaissance , néobyzantinisme et néo-baroque .

Alors que l'architecture de réforme s'est développée comme un contre-mouvement et a abouti à la modernité classique, l'art émergent vers 1900 a clairement influencé l'historicisme.

Bien que les idées de l'historicisme se soient poursuivies au cours des décennies suivantes, par exemple dans le néoclassicalisme, le classicisme socialiste ou dans l'architecture de la sécurité nationale, la période la plus formatrice de l'historicisme de 1850 avant la première guerre mondiale.

La peinture au salon , un style de peinture important au 19e siècle, a son origine dans les expositions annuelles du salon Carré des Louvre à Paris, également connue sous le nom de Salon de Paris. Ayossées par Louis Philippe, ces expositions ont été visitées exclusivement par des artistes reconnus des autorités qui ont dû rendre justice au goût public et en particulier celle des dirigeants de Paris.

Ajustés en termes de contenu et stylistiquement, des sujets historiens et littéraires-mythologiques peints, qui ont servi de prétexte à l'affichage de beaucoup de peau nue et ont utilisé le voyeurisme de la classe supérieure. Des scènes dramatiques diverses ont été préférées, le style de peinture était classique et académique.

Les œuvres d'art de la sculpture historique et de la peinture au salon se caractérisent par une orientation académique et anti-moderne. Des artistes tels que Hans Makart, Franz Xaver Winterhalter, Léon Gêrome et Lawrence Alma-Tatemna ont utilisé leur finesse technique pour créer des peintures à grand format avec des scènes historiques basées sur des recherches historiques minutieuses.

Ces œuvres ont été principalement présentées sur le salon de Paris et sont donc également appelées peintures au salon.

Réalisme (1850-1925)

Le réalisme, qui est dû au mot latin "Res" pour la chose, est un terme très complexe qui décrit une certaine attitude et vision du monde ainsi que la méthode de production artistique.

Gustave Courbet pour montrer ses peintures anti-académiques et antidéalistes dans le Réalisme Courbet a créé d'énormes peintures de grandes formats qui capturent le paysage régional et la population fidèlement et de manière réaliste.

Beaucoup ont trouvé que cette nouvelle mode était "laide" et "brutalement politiquement" avec une importance socialiste. Dans la théorie de l'art français, le réalisme sert également de «concept de lutte».

Certains artistes ont abandonné la peinture d'histoire académique (peinture au salon) et se sont entièrement consacrées au monde visible entre 1830 et 1880. Courbet a construit de grands monuments pour le prolétariat et la civilisation moderne "The Stone Chokers" et "The Funeral of Ornans"

Impressionnisme (1850-1900)

L'impressionnisme , dérivé du terme français " impression" , décrit un style de peinture. Ceci se caractérise par une palette de couleurs légère, une application de couleurs lâche et sommaire avec des coups de pinceau visibles, la peinture devant le motif et la plupart des peintures pleinair .

Les impressionnistes et les impressionnistes se concentrent principalement sur la perception sensuelle et tiennent rapidement, intuitivement et (apparemment) improvisent un moment éphémère. L'observation des effets d'éclairage et les humeurs de couleur changeante tout au long de l'année est plus importante que le sens de ce qui a été montré.

Pour cette raison, les impressionnistes travaillent de préférence à l'extérieur et en série. Cette définition peut être particulièrement bien utilisée pour la peinture de paysage de l'impressionnisme, tandis que les peintres figurants, dirigés par Edgar Degas, se sont vus davantage dans la tradition de l'Académie et l'impressionnisme rejeté pour leurs œuvres.

Le principal peintre de l'impressionnisme est Claude Monet , qui, avec ses collègues, a continué le réalisme dans les années 1860 afin de prendre en compte la nouvelle attitude de la vie de la modernité et de la vitesse.

Les autres peintres impressionnistes importants sont Pierre-August Renoir (1841-1919), Gustave Caillebotte (1848-1894), Berthe Morisot (1841-1895), Camille Pissaro (1830-1903), Frédéric Bazille (1841-1870) et Édouard Manet (1832-183).

Dans la sculpture, l'impressionnisme est façonné par Auguste Rodin et dans la photographie, il est mieux connu sous le terme de pictorialisme . Les pictorialistes ont utilisé la photographie couleur pour la première fois et expérimentalement et apprécié des photos floues. Heinrich Kühn basé à Vienne, est l'un des photographes les plus importants de l'impressionnisme vers 1900 (1866 - 1944).

En France, l'impressionnisme s'est terminé à peu près avec l'exposition du monde de Paris en 1900.

Naturalisme (1858 - 1900)

La direction artistique du naturalisme se caractérise par une certaine complexité, il n'est donc pas toujours facile d'en trouver une définition précise. Alors, que signifie exactement quand on parle d'art naturaliste?

Une façon d'approcher le naturalisme est de le comparer avec l'idéalisme . Ce dernier est utilisé en particulier dans la peinture de figures et s'efforce de créer une image parfaite de la réalité.

Contrairement à l'idéalisme, le naturalisme peut être trouvé de l'autre côté du spectre. Au lieu de créer un monde parfait, les artistes naturalistes préfèrent une représentation plus naturelle de toutes les imperfections de ce monde .

La principale différence entre le naturalisme et le réalisme est l'orientation de leurs peintures. Alors que le naturalisme se concentre sur la méthode de la peinture, y compris l'invention de la peinture Pléinair , le réalisme se concentre sur le sujet. Les peintres réalistes dépeignent généralement les gens de tous les jours dans leur situation ordinaire et non les héros idéaux.

Une autre différence qui distingue l'art du réalisme est la conscience sociale prononcée qui s'exprime dans les peintures. Les artistes réalistes étaient souvent attachés à des problèmes politiques et sociaux et les ont enregistrés dans leurs œuvres.

Le réalisme socialiste et la peinture de scène américaine sont des exemples de mouvements sociaux qui ont été stimulés par les développements au sein du mouvement artistique réaliste. Les peintres naturalistes, en revanche, se concentraient principalement sur le développement du style de peinture le plus authentique et le plus naturel.

Un autre élément principal a joué un rôle important dans le naturalisme de l'art: l' intégration des sentiments régionalistes et nationalistes . Les peintres naturalistes ont fait leur esthétique dans certains endroits qui leur étaient familiers et qui avaient une valeur sentimentale. Dans cette tendance à peindre des scènes qui étaient familières à de nombreuses personnes, les historiens de l'art voient un élément essentiel de la démocratisation de l'art .

Les sujets des peintures naturalistes connaissaient un public plus large et avaient une relation émotionnelle profonde.

Cependant, il serait faux de croire que les sujets de l'art naturaliste se composaient exclusivement de paysages et de scènes naturelles. La définition de l'art naturaliste n'est en aucun cas limitée à la peinture de paysage . Bien que les paysages parmi les naturalistes soient le plus souvent peints, les portraits et autres images de genre un sujet commun.

Le manifeste "La Philosophie du Salon de 1857" d' Antoine Castagnary en 1858 a été le premier script théorique à traiter le nouveau courant. Le peintre français Gustave Courbet (1819-1877) a également joué un rôle important dans le débat théorique de l'art sur l'art naturaliste et était même l'un de ses représentants les plus importants.

Max Liebermann (1847-1935), Paul Weber (1823-1916) et Käthe Kollwitz (1867-1945) sont parmi les artistes les plus remarquables appartenant au naturalisme en Allemagne

Post-impressionnisme (1880-1920)

Dans la peinture occidentale, un mouvement en France qui était à la fois une expansion de l'impressionnisme et un rejet des restrictions inhérentes à ce style.

Le terme post-impressionnisme a été façonné par le critique d'art anglais Roger Fry pour les œuvres de peintres de la fin du XIXe siècle, comme Paul Cézanne , Georges Seurat , Paul Gauguin , Vincent Van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec et autres. Parfois, les discours sont encore mentionnés aujourd'hui de l'impressionnisme tardif ou du post-impressionnisme .

Les styles du synthisme , du cloison et du pointlisme font également partie du post-impressionnisme.

Tous ces peintres sauf Van Gogh étaient français, et la plupart d'entre eux ont commencé comme des impressionnistes; Cependant, chacun d'eux a abandonné ce style pour développer son propre art très personnel.

Dans le sens le plus strict, l'impressionnisme était basé sur la représentation objective de la nature basée sur l'effet éphémère de la couleur et de la lumière.

Le post -impressionnistes a rejeté cet objectif limité en faveur d'une expression ambitieuse , mais a admis qu'ils étaient obligés de définir les couleurs pures et brillantes de l'impressionnisme, sa liberté de sujets traditionnels et sa technologie, se forment avec de courtes peintures à brassard.

Les post-impressionnistes ont souvent présenté ensemble, mais contrairement aux impressionnistes qui ont commencé comme un groupe sociable étroitement connecté, ils ont principalement peint seuls. Cézanne peinte isolément dans Aix-en-Provence dans le sud de la France; Sa solitude était comme celle de Paul Gauguin, qui s'est installé sur Tahiti en 1891, et Van Gogh, qui peint dans le pays à Arles.

Gauguin et Van Gogh ont rejeté l'objectivité indifférente de l'impressionnisme en faveur d'une expression plus personnelle et plus spirituelle.

Le travail de ces peintres a constitué la base de plusieurs courants contemporains et du modernisme du début du 20e siècle.

Symbolisme (1890 - 1920)

Entre 1880 et 1910, les œuvres d'art du symbolisme créées. Ce style, que nous aimerions voir comme un mouvement qu'une époque, a également son origine en France.

Contrairement à la perception factuelle, la représentation des pensées et des sentiments un rôle important, mais il diffère de l'expressionnisme et de l'impressionnisme, dans lequel le symbolisme agit comme un lien. En même temps, il s'est retourné contre les idées du positivisme, du matérialisme et de l'historicisme.

De plus, il a été dirigé contre la tradition de peinture naturaliste des académies.

Après tout, il a influencé l'art nouveau avec ses formes claires. La maladie, le péché, la mort et la passion sont parmi les sujets préférés du symbolisme, souvent représentés par une certaine décadence. Pour de nombreux artistes, le lien entre l'érotisme et la mort était particulièrement fascinant, qui était souvent symbolisé par des femmes délicates et maigres avec un charisme sensible ou mélancolique.

En 1886, l'écrivain français Jean Moréas le "Manifeste symbolique" , qui est considéré comme un fondement important pour le style anti-rationaliste et anti-matérialiste. Les symbolistes se sont concentrés pour ne pas représenter directement la réalité, mais pour les exprimer par des symboles sous forme de symboles et de métaphores.

Pour ce faire, ils ont combiné divers contenu d'image pour créer une synthèse. Les artistes n'ont pas transféré leurs motifs directement de la nature au porteur d'images, mais ont été nourris de leurs impressions de mémoire.

L'imagination a été élevée à la source de créativité la plus importante. Avec cette approche, les symbolistes ont souvent représenté des scènes de rêve, qui les distinguent comme le précurseur du surréalisme .

Paul Gauguin et Emile Bernard , peintre français de la fin du XIXe siècle, sont considérés comme des pionniers du symbolisme dans les beaux-arts. Inspirés par la poésie symboliste de Stéphane Mallarmé et Arthur Rimbaud, ils ont trouvé un moyen dans ce style d'exprimer un contenu poétique, romantique et religieux dans des mondes de couleur sombre et sombres avec des tons forts et purs.

Les autres représentants importants du symbolisme dans la scène artistique ont été Gustave Moreau, Oilon Redon, Paul Séruzier ainsi que Pierre Puvis de Chavannes en France, Arnold Böcklin et Ferdinand Hodler en Suisse, Fernand Khnopff en Belgium, Gustav Klimt en Austria, Edvard Muncher en Norway et Max Kllinger en Autriche, à Edvard Muncher en Norway et à Max Kllinger en Autriche.

Modernité classique

Époques de modernisme classique en un coup d'œil

L' ère du modernisme classique dans l'histoire de l'art marque une phase qui s'est manifestée après les temps modernes, par exemple vers 1900. Pendant ce temps, l'art a connu une explosion créative avec des courants tels que l'expressionnisme, le futurisme et le cubisme, qui a contesté les conventions traditionnelles et a fait de nouvelles façons de représentation artistique.

Cette période passionnante s'est étendue jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945 et a toujours façonné le paysage artistique jusqu'aux années 1980. La variété des formes artistiques d'expression et d'idées révolutionnaires qui sont apparues à cette époque ont encore une influence importante sur le monde de l'art.

Expressionnisme (1890 - 1914) et fauvisme (1898 - 1907): art à dimension politique

À l'ère de l'expressionnisme, nous éprouvons un retour de l'importance de l'expression des sentiments subjectifs. L'expressionnisme, à l'origine en Allemagne, reflétait la critique de nombreux artistes au pouvoir.

Les artistes de ce mouvement n'étaient pas intéressés par le naturalisme ou les phénomènes externes. Par conséquent, dans certaines peintures expressionnistes, qui sont souvent archaïques et expressives, une trace d'agression a été reconnue.

L'événement historique crucial qui a déclenché la transition de l'impressionnisme à l'art expressif a été la première guerre mondiale . Alors que les impressionnistes ont célébré les réalisations de la révolution industrielle et glorifié Paris sur leurs écrans, la jeune génération avait gravement douté des progrès techniques rapides.

Les expressionnistes ont ressenti l'augmentation de «l'accélération» du monde et le problème de l'individu. Les innovations techniques complètes ont soulevé des doutes quant à la perception de l'œil humain, afin que les peintres aient eu des difficultés de 1900 pour capturer ce «nouveau monde» sur toile.

Cela a conduit à un changement significatif de techniques impressionnistes pour souligner les sentiments de l'artiste au lieu de la représentation réaliste du motif. Un nouveau groupe d'artistes voulait non seulement capturer le moment comme les impressionnistes, mais a également transféré leurs propres sentiments et perceptions sensorielles directement à l'image.

L'œuvre d'art expressionniste était contre la bourgeoisie et l'art académique. Il voulait transmettre le message de l'art populaire, qui était considéré comme moins instruit. Les options de conception ont changé grâce à de nouvelles techniques de conception. Les vues sont devenues floues, la profondeur n'a été créée que par la couleur et la forme.

Wassily Kandinsky était un artiste important de l'expressionnisme. Il a recherché des couleurs, des formes et une pure abstraction en utilisant des techniques expressionnistes.

Les autres représentants célèbres de l'expressionnisme étaient Franz Marc, Edvard Munch et August Macke . Au début de la Première Guerre mondiale, les peintures expressionnistes ont montré une intensité inquiétante.

L'expressionnisme était un mouvement qui montrait des messages politiques directs à travers la peinture et une certaine violence dans le coup de pinceau. À l'époque de la Première Guerre mondiale, des œuvres d'art d'intensité souvent choquantes ont été créées avec une critique importante de la règle et de la société, ce qui façonne la peinture de manière politique.

Soit dit en passant, décrit comme «expressionniste» en Allemagne en Allemagne était connu sous le nom de fauvisme . Henri Matisse et André Derain , les principaux artistes des «fauves» (les «sauvages»), sont souvent considérés comme les «expressionnistes français» . Bien que les deux styles aient été créés vers 1905 contrairement à la peinture impressionniste, l'expressionnisme est plutôt socialement critique et international.

Alors que le fauvisme est resté principalement en France et a eu une très courte journée, l'expressionnisme s'est également développé en Allemagne, en particulier à travers des groupes tels que "Die Brücke" à Berlin et "The Blue Rider" à Munich. Cependant, les racines des deux styles se trouvent dans les courants post-impressionnistes de la France, qui ont été influencés par des artistes tels que Van Gogh , Gauguin et Toulouse-Lautrec et ont conduit à différentes formes artistiques d'expression.

Art Nouveau / Art Nouveau (1890 - 1910)

"The Kiss" de Gustav Klimt n'est pas l'une des œuvres les plus importantes de ce style, mais est sans aucun doute l'une des peintures les plus célèbres du monde .

L' Art Nouveau , également connu sous le nom d' art nouveau , se caractérise par de grands éléments floraux à l'échelle et des lignes incurvées doucement.

La symétrie a joué un rôle de plus en moins, tandis que le swing et le joueur ainsi qu'un certain charme juvénile entrent - pas seulement dans la peinture.

L'Art Nouveau se caractérise par l'utilisation d'une longue ligne organique incurvée et a été le plus souvent utilisé dans l'architecture , le design d'intérieur , les bijoux et le design en verre , les affiches et les illustrations .

Ce fut une tentative consciente de créer un nouveau style, libre de l'historicisme imitant, qui a dominé une grande partie de l'art et de la conception du 19e siècle.

À cette époque, le terme Art Nouveau a été façonné, en Belgique par le magazine l'art moderne décrire l'œuvre du groupe d'artistes Les Vingt S. Bing , qui a appelé sa galerie L'Art Nouveau . Le style a été appelé en Allemagne en Autriche Sezessionstil , en Italie Styles Floreal (ou Styles Liberty Modernismo (ou Modernista) en Espagne

L'art nouveau sur le continent européen a été largement influencé par les peintres Paul Gauguin et Henri de Toulouse-Lautrec , qui ont apporté des lignes expérimentales et expressives dans leurs œuvres. De plus, le mouvement a trouvé l'inspiration dans les modèles linéaires des impressions japonaises ( UKIYO-E ), qui étaient également populaires dans la mode.

Cette Époque Artistique ludique se caractérise par sa ligne ondulante et asymétrique. Celle-ci prend souvent la forme de tiges de fleurs, de bourgeons, de vignes ou d'objets naturels délicats. Tantôt élégante et gracieuse, tantôt puissante et rythmique, elle évoque un fouet.

Il y avait de nombreux artistes et designers qui travaillaient dans Art Nouveau. L'un des plus connus était l'architecte et designer écossais Charles Rennie Mackintosh , qui a principalement influencé les lignes géométriques et, surtout, a influencé le style de sécession autrichien.

Les architectes belges Henry van de Velde et Victor Horta ont façonné l'architecte français Hector Guimard . Louis Comfort Tiffany était un verre American Glass, tandis que Louis Majorlle était actif en France en tant que concepteur de meubles et de conception de fer.

Alphonse Mucha a contribué au mouvement en tant que graphiste et artiste tchèque, tout comme René Lalique de France en tant que créateurs de verre et de bijoux. L'architecte américain Louis Henry Sullivan a décoré ses bâtiments traditionnellement structurés avec un travail de fer végétal.

Antonio Gaudí d'Espagne peut être considéré comme l'artiste le plus original de ce mouvement: il est allé au-delà de la dépendance des lignes droites et a plutôt converti des bâtiments en designs bulbeux incurvés pleins de couleurs vives - à l'amélioration de l'organisme.

Après 1910, Art Nouveau est apparu à l'ancienne et limitée et a généralement été abandonné comme un style décoratif indépendant.

Cubisme (1906 - 1914)

Au tournant du siècle, le post-impressionnisme et le fauvisme ont influencé la scène artistique européenne, avec Georges Braque contribué de manière significative au fauvisme avec ses paysages. Après Pablo Picasso , les deux artistes ont commencé à travailler ensemble qui ont conduit au développement du cubisme.

Le cubisme représentait une nouvelle approche artistique radicale de la représentation de la réalité. En tant que l'un des mouvements artificiels les plus importants du 20e siècle, il a rompu avec des méthodes de présentation traditionnelles en introduisant une fragmentation abstraite et des compositions sophistiquées à deux dimensions.

Sous l'influence de l'art africain, les deux cubistes ont créé de nouvelles techniques de peinture et ont révolutionné la scène artistique moderne.

Le cubisme peut être divisé en différentes phases.

Le proto -cubisme , une phase de transition entre 1907 et 1911, a été significativement façonné par l'art de Picasso et Braque. Ses œuvres Les Demoiselles d'Avignon et le viaduc dans l'estaque montrent la transition vers le cubisme. Des visages semblables à des masques, une fragmentation du sujet et des formes géométriques deviennent visibles en eux. Cette phase marque l'entrée dans le cubisme mature.

Le cubisme analytique , de 1908 à 1912, est caractérisé par des motifs fragmentés dans les couleurs neutres et les formes cassées. Picasso a également transféré ces principes à sa sculpture. Juan Gris a rejoint Picasso et Braque, est devenu connu principalement par sa contribution au cubisme synthétique.

Le cubisme synthétique , la phase finale du style artistique de 1912 à 1914, a montré une simplification et une expansion de la palette de couleurs dans les œuvres de Picasso, Braque, Gris et d'autres artistes. Il y avait un intérêt particulier pour les vies qui ont été peintes ou collées.

Futurism (1909 - 1945) - Avant-Garde au lieu de la morale chrétienne

En Italie, le futurisme a été créé en parallèle au cubisme en France.

L'Italien Filippo Tommaso Marinetti a écrit un manifeste du futurisme en 1909, dans lequel il s'est éloigné de la morale chrétienne et a refusé toutes les couvertures sociales. Bien que Marinetti lui-même ne soit pas peintre, la peinture est toujours la forme d'art le plus importante du futurisme. Les futuristes se sont rebellés contre des modèles classiques et ont montré un rejet prononcé du corps. La représentation de la loi les a rejetés comme sombres et répugnants. Tout était un point de vue traditionnel.

Le futurisme est devenu un important mouvement d'art avant-gardiste italien qui se concentrait sur les nouvelles technologies et la vie municipale moderne. Les partisans du futurisme voulaient représenter la beauté de la machine, de la vitesse et du changement, tandis qu'ils combinaient des médias traditionnels tels que la peinture et la sculpture avec des influences du post-impressionnisme.

Les futuristes italiens du début des années 1900 ont été particulièrement impressionnés par des technologies innovantes telles que Chron Photography , ce qui a permis de capturer le mouvement dans les images. Ils ont révolutionné l'art en introduisant le mouvement dans la peinture et les sculptures.

Ils ont utilisé des médias et des technologies populaires pour diffuser leurs idées et ont même célébré le début de la Première Guerre mondiale comme une expression de leur enthousiasme pour la modernité. Bien que certains membres aient plus tard soutenu le fascisme, le groupe a été perçu comme une avant-garde importante jusqu'aux années 1920.

Dirigée par l'écrivain Filippo Tommaso Marinetti, le mouvement a répandu ses idées à travers des manifestes dans les médias modernes et a célébré l'âge de la machine comme victoire sur la nature. Des artistes comme Umberto Boccioni et Giacomo Balla font campagne pour que l'art contemporain capture l'espace et le mouvement. Le futurisme s'est répandu rapidement dans toute l'Italie et a également reçu l'attention internationale du soutien de Marinetti à l'étranger.

Le «deuxième» futurisme (1924-1945) a été façonné par divers artistes et architectes, notamment Enrico Prampolini, Giacomo Balla et Fortunato Depero. Avec l' Aeropittura , également appelée "Arte Sacra Futurista", ils ont ramassé des sujets futuristes tels que la dynamique et la vitesse.

Bien que Mussolini préférait le classicisme, l'architecte a quand même réussi à construire des bâtiments modernes qui utilisaient les nouveaux matériaux de construction. Les artistes ont été connus par le journal "Noi" , publié à partir de 1924.

Dadaïsm (1912-1920) - du sens (non) des choses

Le dadaïsme a commencé ses débuts pendant la Première Guerre mondiale . En tant que pays neutre, Zurich est devenu un refuge pour les artistes et les intellectuels, qui étaient opposés à la guerre. Le dadaïsme a été créé comme un contre-réaction sur le nationalisme, que beaucoup considéraient comme la cause de la guerre.

Les dadaïstes ont remis en question l'absurdité des règles, des normes, des traditions et des valeurs existantes et les ont bouleversées. Ce mouvement artistique a combiné diverses formes d'expression telles que la littérature, la poésie, la danse, la photographie, la peinture, la sculpture, le collage et l'art de la performance . Un aspect central était la déconstruction de ce qui "l'art" . Des artistes comme Henri-Robert-Marcel Duchamp se sont non seulement appuyés sur le dadaïsme et le surréalisme, mais ont également façonné les bases de l'art conceptuel qui a ouvert la voie aux courants d'art modernes ultérieurs.

Le mouvement se propage rapidement à travers l'Europe et les États-Unis, par lequel ses propres groupes ont été créés dans chaque ville. Le dadaïsme a influencé divers mouvements d'avant-garde de la fin du 19e et du début du 20e siècle, notamment le futurisme, l'expressionnisme, le cubisme et le constructivisme. Il a ensuite inspiré des courants culturels tels que le surréalisme, l'expressionnisme abstrait et même le punk rock.

Un dénominateur commun de ces courants et dadaïsm est l'examen critique de la culture. Les artistes du dadaïsm étaient tout aussi non conventionnels dans leur travail et dans l'utilisation de matériaux. Avec leurs créations, les artistes Dada se moquaient des attitudes nationalistes et matérialistes.

L'explication et la définition caractéristique du dadaïsme sont difficiles, car elle n'a pas de structure logique ou de caractéristiques généralement valides.

Qu'est-ce que le dadaïsme exactement? Quatre idées clés peuvent aider à saisir la pensée du dadaïsme. Ces idées incluent l'utilisation des réadymises, la fascination pour le hasard, la question de remettre en question les sensations bourgeoises et la résistance à presque tout.

Les artistes de Dada ont créé des réadymes , des objets de tous les jours qui ne les ont changé que peu et les ont présentés comme des œuvres d'art. Les Readymades illustrent l'une des principales idées du dadaïsme et soulignent l'intention de l'artiste en tant qu'œuvre d'art lui-même et non comme l'objet qu'il crée. Les œuvres dadaïstes soulèvent des questions sur la définition réelle de l'art, la créativité artistique et aux fins de l'art dans la société .

Une pensée essentielle dans le dadaïsme est l'utilisation consciente du hasard. De nombreux artistes Dada, dont Hans ARP , ont été guidés par hasard lors de la création de leurs œuvres d'art. La conception sans plan fixe ni intention claire était opposée à la production artistique conventionnelle. Ce processus artistique a offert aux artistes Dada une façon supplémentaire de remettre en question le statu quo existant et de problématiser le rôle de l'artiste dans la créativité.

Les autres représentants célèbres du dadaïsm étaient Marcel Duchamp , Man Ray et Max Ernst .

Constructivisme (1913 - 1930) - Fusion du cubisme et du futurisme

En 1913, l'apparition des œuvres abstraites de Wladimir Tatlin le début du mouvement du constructivisme russe, qui a considérablement influencé le développement de l'art abstrait moderne .

Cette Époque Artistique est également considérée comme un mouvement historique qui a exploré de manière intensive l'agencement harmonieux des formes géométriques. Les artistes impliqués dans le constructivisme ont rejeté les couleurs vives et ont élargi les orientations stylistiques de mouvements antérieurs comme le suprématisme .

Les théories conceptuelles de cette époque ont été façonnées par Jean Piaget , dont les recherches en psychologie pédagogique et au développement cognitif ont traité de la façon dont les gens construisent le sens, ainsi que la relation entre les expériences humaines et leurs idées.

Cette théorie contenait également l'idée que l'homme génère ses propres connaissances. La typographie audacieuse et les montages photo conçus ainsi que des palettes de couleur réduits sont devenus le cœur du constructivisme. Cette époque s'est avérée extrêmement formatrice dans les domaines de la conception et de l'architecture, qui dans les années 1920 se sont développés à partir d'associations politiques en un style de conception dynamique.

Le célèbre artiste russe Kasimir Malewitsch façonné le terme «constructiviste» et fait référence au travail d' Alexander Rodtschenko , un designer russe largement reconnu.

La Renaissance de Harlem (1920 - 1930) - Le renouveau de la culture africaine -américaine

La Renaissance de Harlem , qui a abouti dans les années 1920, représente un chapitre exceptionnel de revitalisation culturelle pour la communauté africaine-américaine aux États-Unis.

Cette époque a été caractérisée par une appréciation et une création remarquables de formes d'expression intellectuelles et culturelles, qui ont été développées par des artistes africains-américains dans des domaines tels que la musique, la littérature, l'art visuel, la poésie, la politique, la danse et la mode.

Cette fois est également appelée le "nouveau mouvement nègre" et comprenait une variété de styles d'art contemporains uniques qui visaient à présenter les expériences des Noirs d'un point de vue non occidental. En particulier, il illumine l'injustice historique qui est arrivée aux érudits et aux artistes afro-américains et favorise ainsi un examen plus profond du patrimoine culturel de la population africaine-américaine.

Initialement ancré dans le district de New York de Harlem, ce mouvement a été façonné par de nombreuses icônes culturelles, ce qui a contribué à renforcer la culture africaine-américaine et l'appréciation des artistes noirs au début du 20e siècle.

La Renaissance de Harlem a appelé à un fort engagement envers l'activisme politique et a influencé des mouvements significativement importants tels que le mouvement des droits civiques dans les années 1950.

Cette apogée culturelle invite tout le monde à redécouvrir l'art africain -American

Les 7 artistes importants de la Renaissance de Harlem, que nous verrons dans cette vidéo, sont: Langston Hughes, Aaron Douglas, Lois Mailou Jones, Augusta Savage, Gwendolyn B. Bennett, Meta Vaux Warrick Fuller et James Van Der Zee.

Nouvelle objectivité (1918 - 1965) - Cool et technique

Les différentes Époques Artistiques de la Première Guerre mondiale à nos jours, représentent un point culminant de l'art contemporain et illustrent le développement évolutif des styles artistiques qui ont contribué de manière significative à la redéfinition des concepts concernant la représentation, l'esthétique visuelle et la culture dans la période d'après-guerre.

La nouvelle objectivité décrit le mouvement artistique qui est apparu après la première guerre mondiale et qui était de retour sur le monde visible. Ce style a grandi en République Weimar et comprenait des artistes bien connus tels que George Grosz et Otto Dix , qui ont travaillé sur des sujets socialement critiques.

Le mouvement s'est propagé au-delà de l'Allemagne à l'Autriche, à la Suisse et aux Pays-Bas. Inspirée par la métafisica italienne de Pittura, elle a combiné la désillusion avec un concept d'image clair qui représentait objectivement des objets quotidiens.

Le mouvement artistique a été caractérisé par une expression objective et une image urgente des réalités sociales et économiques. Les objets ont été présentés avec une netteté indubitable, parfois des éléments de type dessin animé ont été utilisés. Ce style a permis aux artistes de réfléchir aux aspects complexes de la vie contemporaine d'une manière fondamentalement honnête et en même temps de souligner les griefs sociaux.

Une exposition décisive en 1925 sous Gustav Friedrich Hartlaub a réuni divers artistes et divisé la nouvelle objectivité en une aile conservatrice socialement critique et classique, qui a réagi au temps perçu comme une crise.

Avec l'essor des nationaux socialistes en 1933 et la synchronisation ultérieure des médias et l'établissement d'un art allemand si appelé, la fin de la nouvelle objectivité s'est marquée. 

Dans les années 1950 et au début des années 1960, le mouvement de la Nouvelle Objectivité s'est lancé dans une exploration approfondie des questions sociales et politiques. Les troubles et les conflits provoqués par deux guerres mondiales dévastatrices ont poussé de nombreuses personnes à rechercher une base stable pour s'orienter – un besoin clairement reflété dans l'art de cette période.

Les œuvres de la nouvelle objectivité sont souvent façonnées par une esthétique cool, insensible et technique. Des motifs tels que la radio ou les ampoules apparaissent souvent qui reflètent la vie technique quotidienne des humains.

Comme pour de nombreux courants d'art modernes, il y avait différents courants et directions dans la nouvelle objectivité, qui soulignent le caractère multiforme de cette époque.

Surréalisme (environ 1920 - 1945): réalités subconscientes

Après la Première Guerre mondiale, le surréalisme a éclaté comme une énorme vague sur la scène artistique et a poudré toutes les vues pré-éteintes des Parisiens sur la nature de la réalité, de l'art et de la psyché humaine.

Il a été officiellement lancé André Breton En 1924, Breton a publié le Manifeste surréaliste, qui comprenait une variété d'idées qui ont façonné le surréalisme comme un mouvement et étaient inséparablement liées aux théories psychanalytiques de l'inconscient.

Sa définition du surréalisme était:

Nous ne devons pas perdre de vue que l'idée du surréalisme vise simplement la récupération totale de notre pouvoir psychologique, avec un moyen que ce n'est rien de plus que l'origine vertigineuse en nous-mêmes, l'éclairage systématique des lieux cachés et l'assombrissement progressif d'autres endroits ... "

(Source: Malen-Lrennen.org)

Sa tentative révolutionnaire de franchir les normes existantes de cette époque a été répandue dans les années 1920 et 1930 en Europe et aux États-Unis.

Nommé d'après Guillaume Apollinaire , un poète et critique d'art important, la première exposition surréaliste a eu lieu à Paris en 1925 et a montré des œuvres d'artistes tels que Pablo Picasso et Man Ray . Ce style artistique abordait souvent des aspects inconfortables de l'existence humaine et des tabous sociaux et présentait un défi pour les croyances bourgeoises.

De cette façon, le surréalisme est devenu un mouvement artistique structuré avec une dimension politique, philosophique et sociale profonde, qui a mis les méthodes à la fois à choquer et à fasciner les disciples.

Aussi absurde que puisse paraître l'illogisme du mouvement Dada, les surréalistes considéraient le monde des rêves comme la source de toute vérité. L'un des artistes les plus célèbres de ce mouvement surréaliste est Salvador Dalí , et vous connaissez sans doute ses œuvres comme « Melting Clocks » (1954).

Le surréalisme, fortement façonné par les pensées psychanalytiques, a demandé à de nombreux artistes d'utiliser leurs rêves comme source d'inspiration. Ce mouvement était un tollé contre la rationalité, qui était considéré comme destructeur pour la société.

Les artistes surréalistes traitent de leur inconscient à travers diverses techniques et le mettent au centre de leurs œuvres.

Malgré le rejet initial, le surréalisme a changé de manière durable le visage de l'art moderne et continue de travailler à ce jour.

Art déco (environ 1920 - 1935): proportionné, élégant et audacieux

Bien que cette époque coiffée dans les années 1920, 1930 et 1940 soit devenue le pic de popularité, le développement du style art déco déjà en cours pendant une décennie avant cette performance officielle.

Elle est donc apparue pour la première fois peu de temps avant le déclenchement de la Première Guerre mondiale en France. Cependant, le grand public n'a pris conscience que du concept du concept d'une exposition mondiale exposition de l'International of the Arts décoratifs et industries moderne

En tant que style d'art extrêmement décoratif, les artistes du mouvement art déco ont été caractérisés à un stade précoce par des expériences dans les domaines de la conception, de la peinture, des meubles, de l'architecture et de la construction dans leur spectre stylistique.

Art Deco se présente comme un style artistique caractérisé par des couleurs animées et des formes géométriques audacieuses et conduit à des œuvres d'art extrêmement luxueuses et détaillées. En plus de l'art visuel, il comprend également des éléments architecturaux et de conception.

Dès le début, Art Deco Stark a été façonné par les formes géométriques audacieuses du cubisme et les couleurs vives du fauvisme. Le style a produit une forte sensation pour l'ordre et représenté des conceptions proportionnées et équilibrées sous des formes luxuriantes et animées.

Le design dans le style art déco a trouvé son chemin dans de nombreuses formes de design du début du 20e siècle, le mouvement expérimentant des éléments de beaux arts, architecture, mode, design de meubles, transport et même des objets quotidiens. Les vingt ans pliants (vingtaine) sont inconcevables sans art déco.

caractéristiques de l'art déco étaient clairement reconnaissables comme le mouvement artistique. L'art de la Déco était souvent décrit comme une collection de styles différents et considérés comme une fusion éclectique de différentes influences, matériaux et formes.

Par conséquent, il peut être difficile de différencier le style art déco des autres courants d'art similaires tels que Art Nouveau , Art Moderne , le mouvement du Bauhaus des arts-et-artisanat .

Néanmoins, l'ère d'Art Deco était d'une énorme importance, car ses propriétés décoratives ont inspiré une variété d'autres styles d'art.

Bauhaus (1920 - 1925): Intégration du design industriel et de l'art

Bauhaus-Kunst est étroitement associé à l'une des écoles d'art les plus influentes du 20e siècle. Le Bauhaus a joué un rôle crucial dans la formation de nombreux artistes et designers importants. Malgré sa fermeture en 1933 par le régime nazi, l'école a eu une profonde influence sur l'éducation et le lien entre la société, l'art et la technologie aux États-Unis et en Europe.

Le style Bauhaus, fondé en 1919 par Walter Gropius à Weimar, en Allemagne, a émergé des courants créatifs du 19e et du début du 20e siècle, notamment Art Nouveau et Arts and Crafts. Ces mouvements s'efforcent de franchir les limites entre l'art appliqué et visuel et de combiner la conception inventive avec des applications pratiques.

Dans les années 1920, l'école Bauhaus s'est concentrée sur l' intégration du design industriel et de l'art , qui a conduit à ses réalisations les plus importantes. Gropius a appelé à un retour aux idéaux médiévaux dans l'art et l'artisanat et a favorisé l'appréciation de l'artisanat dans toutes les formes artistiques d'expression telles que le design industriel, l'architecture et la conception graphique.

La montée du constructivisme russe dans les années 1910 a contribué au développement esthétique. Le Bauhaus est devenu une institution pionnière pour l'art contemporain en Europe et aux États-Unis.

L' orientation de l'école s'est concentrée sur son approche pédagogique créative et efficace. Gropius le compare à un vélo qui a des anneaux, par lequel l'anneau extérieur devrait symboliser le cours préparatoire à six mois que Johannes Itten a lancé. Ce cours s'est concentré sur les éléments fondamentaux de la conception, en particulier sur les diverses caractéristiques de différentes formes, couleurs et matériaux.

Les professeurs apportés par Gropius à Weimar, y compris l'artiste avant-garde Johannes Itten, Lyonel Feininger et le sculpteur Gerhard Marcks , étaient largement responsables du programme d'études du Bauhaus. Il a façonné l'école avec ses approches expressionnistes et le Moyen Âge romantique comme un objectif. Les conflits avec l'attitude analytique de Gropius ont conduit au départ d'Itens en 1923.

Son successeur, László Moholy-Nagy , a intégré la technologie et le rôle social de l'art dans le programme révisé. Dans sa courte existence, le Bauhaus a enregistré une variété d'influences stylistiques; En plus de Moholy-Nagy, des artistes tels que Paul Klee et Wassily Kandinsky ainsi que des talents multidisciplinaires tels que Oskar Schlemmer et Georg Muche méritent également d'être mentionnés.

Art moderne, postmoderne et contemporain

Époques d'art contemporain en un coup d'œil

Le développement incroyable de l'art au cours des siècles

L'histoire de l'art est un sujet captivant qui comprend de nombreux siècles et différents styles. Les différentes périodes montrent comment l'art a changé au fil du temps et aide à comprendre dans quel environnement politique, social et culturel qu'il est apparu.

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