Époques artistiques - Introduction à l'histoire de l'art des époques stylistiques et de leurs caractéristiques

L'histoire de l'art est caractérisée par de nombreuses Époques Artistiques importantes, que même les néophytes rencontrent souvent. Chacune de ces périodes a développé son propre style, ses mouvements artistiques et ses formes esthétiques.

Les différentes Époques Artistiques reflètent les changements sociaux, politiques et culturels de leur époque, ainsi que les résultats des processus créatifs.

Chez Kunstplaza, notre objectif est de proposer un panorama complet des périodes les plus importantes de l'histoire de l'art et d'en souligner les spécificités. Nous présentons également des œuvres majeures et les artistes phares de chaque époque.

Présentation chronologique de l'histoire de l'art sous forme de chronologie

Nous avons organisé pour vous toutes Époques Artistiques selon une chronologie claire : de 3000 av. J.-C. au Moyen Âge, en passant par l’art moderne, le modernisme classique et l’art contemporain.

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Art antique (env. 3000 av. J.-C. – 500 apr. J.-C.)

Aperçu des périodes artistiques de l'art antique

Les civilisations anciennes englobent l'art égyptien, mésopotamien, minoen, mycénien, grec classique et romain, qui font partie de l'art antique . L'art européen primitif est issu des méthodes et des styles artistiques fondamentaux développés en Grèce.

L'art égyptien se caractérise par des peintures murales détaillées et des structures colossales telles que les pyramides. Tandis que l'art minoen et mycénien impressionne par ses fresques et ses céramiques éclatantes, l'art mésopotamien est réputé pour ses reliefs et ses sculptures.

L'art grec classique , exprimé dans des sculptures telles que le Discobole et la Vénus de Milo , est connu pour ses proportions harmonieuses et son corps humain idéalisé.

Antiquité - Grèce (environ 800 av. J.-C. à 100 av. J.-C.)

L'art romain mérite également dans ce panorama Époques Artistiques . Il se caractérise par son réalisme et son art du portrait , comme en témoigne le buste de l'empereur Auguste.

Antiquité – Empire romain (600 av. J.-C. à 600 apr. J.-C.)

Le christianisme primitif et Byzance (300-1453)

paléochrétien et byzantin a posé les fondements de l'art du Moyen Âge européen et de l'époque moderne. Cette période a ainsi façonné l'identité culturelle de la civilisation occidentale, ainsi que celle du christianisme du Proche-Orient et d'Afrique. Son influence se perçoit également dans l'art ornemental de l'Islam occidental.

L'art de cette période fut principalement favorisé par l'adoption du christianisme et les généreux dons de Constantin. Un art chrétien distinct se développa progressivement, s'inspirant souvent des styles figuratifs classiques. Rome, Ravenne, Thessalonique et Constantinople furent des centres importants de ce développement.

L'art médiéval (env. 500 – 1400)

Aperçu des périodes médiévales

L'art médiéval englobe l' art des Grandes Invasions, l'art carolingien, l'art ottonien, l'art roman et l'art gothique. Durant cette période, la religion chrétienne occupait une place centrale dans la création artistique.

Haut Moyen Âge et période romane (750-1250)

Données et caractéristiques clés de l'architecture romane en un coup d'œil :

L' art de la période des Grandes Migrations témoignent les magnifiques bijoux des Mérovingiens et des Lombards

De l'époque des monarques francs et saxons émergèrent les chefs-d'œuvre artistiques des époques carolingienne et ottonienne, qui produisirent des manuscrits impressionnants et des édifices sacrés tels que la cathédrale d'Hildesheim ou la chapelle palatine d'Aix-la-Chapelle.

L'art de l' époque romane fascine par sa personnalité imposante, qui se manifeste dans des églises majestueuses aux voûtes pesant des tonnes et aux arcs en plein cintre.

gothique , en revanche, impressionne par la délicatesse de ses structures et sa quête de hauteur, comme le démontrent de façon impressionnante les cathédrales de Chartres et Notre-Dame de Paris.

Gothique (1130-1500)

Données et caractéristiques clés de l'architecture gothique en un coup d'œil :

Début de l'époque moderne

Aperçu des périodes du début de l'époque moderne

Renaissance (env. 1420 – 1600)

Aperçu des dates et caractéristiques clés de la Renaissance :

La Renaissance fut une ère de renaissance artistique, durant laquelle l'art et la culture antiques furent redécouverts et réinterprétés. Des artistes de la Renaissance tels que Léonard de Vinci , Michel-Ange et Raphaël aspiraient à la perfection et à l'humanisme dans leur art, accordant une importance particulière aux proportions, à la perspective et à la précision anatomique.

Durant la Renaissance, la peinture se caractérisait par ses représentations réalistes et l'introduction de la perspective centrale, qui conférait au spectateur une impression de profondeur spatiale. En sculpture, l'art de la Renaissance atteignit un haut degré de plasticité et de dynamisme, comme en témoignent des œuvres telles que le David de Michel-Ange et le Groupe du Laocoon .

L'architecture de la Renaissance se caractérisait par la redécouverte des formes classiques et de la symétrie, comme témoignent édifices de Brunelleschi et de Palladio

Maniérisme (vers 1520 – 1600)

Avec la liberté nouvellement acquise par l'homme, naquit au XVIe siècle le désir que chaque artiste développe son propre mode d'expression individuel.

Cependant, ce désir l'amena rapidement à des excès qui ne passèrent pas inaperçus, même auprès de maîtres comme Michel-Ange. De ce fait, certaines de ses œuvres ne furent plus attribuées à la Renaissance, mais plutôt au maniérisme.

Dans le maniérisme, les émotions étaient délibérément exagérées, les gestes exagérés, et même les vêtements des personnages représentés présentaient un volume artificiel. La douce courbe en S, autrefois caractéristique de la Renaissance, se muait en une exagération presque irréelle des courbes du corps.

Ironie du sort, ce style devint le premier style paneuropéen, attirant des artistes de toute l'Europe en Italie, son berceau.

Baroque et rococo (env. 1600 – 1780)

Données et caractéristiques importantes concernant l'art :

L'art baroque Des artistes baroques tels que Caravage , Bernini et Rubens utilisaient la lumière et l'ombre pour donner à leurs œuvres un aspect tridimensionnel et vibrant.

La peinture baroque se caractérise par de forts contrastes entre la lumière et l'ombre, comme on peut le voir « La Vocation de saint Matthieu » du Caravage. Bernini, la sculpture baroque a atteint un nouveau dynamisme et un nouveau mouvement, comme en témoigne sa sculpture « Apollon et Daphné .

Gian Lorenzo Bernini a établi de nouvelles normes en architecture et en sculpture, et Annibale Carracci et Caravage ont fait de même en peinture. Les contrastes saisissants d'ombre et de lumière, ainsi que le mépris des convenances dont faisait preuve l'impétueux Caravage, peintre vedette, ont révolutionné l'art pictural et ont donné le ton aux représentations réalistes de martyres et de scènes de genre réalisées par les caravagesques.

Trois nouveaux genres artistiques – la peinture de genre , le paysage et la nature morte – émergèrent de l' âge d'or de la peinture néerlandaise au XVIIe siècle, grâce à l'immense richesse de la bourgeoisie. Le Flamand Pierre Paul Rubens acquit une renommée européenne pour ses toiles, qui alliaient une splendeur, une énergie et une force émotionnelle exceptionnelles.

L'art baroque ayant été utilisé comme instrument de la Contre-Réforme, les commandes sacrées et courtoises ont dominé la production artistique en Espagne et dans les colonies non européennes.

Diego Velázquez, de Séville, devint le peintre de cour incontesté et créa principalement des portraits et des histoires mythologiques .

Contrairement à l'Italie, à l'Espagne et au sud de l'Allemagne, le style baroque ; dans les deux pays, une approche classique a prévalu, parfois appelée classicisme baroque (France) et palladianisme

Comme en témoigne l'église romane de San Carlo alle Quattro Fontane, l'architecture baroque se caractérise par sa splendeur et l'emploi de courbes et d'ellipses. Le rococo distingue par son aspect lumineux, ornementé et fantaisiste.

Les peintures exquises et gracieuses de plusieurs artistes rococo, dont Watteau , Boucher et Fragonard , se reflétaient particulièrement dans les décors galants de la noblesse française.

L'île utopique de l'amour, Cythère, a été représentée par Antoine Watteau dans un style caractéristique de la peinture rococo française. La peinture de genre se distingue par des paysages atmosphériques, des figures délicates, des atmosphères poétiques et élégiaques, et des couleurs subtiles, tandis que dans le portrait, les portraits très représentatifs et les portraits intimes étaient tout aussi appréciés.

Le maître incontesté de la nature morte fut Jean Siméon Chardin , dont l'influence sur l'impressionnisme au XIXe siècle est indéniable. Le style rococo, originaire de France, se répandit en Europe centrale et était particulièrement prisé pour le mobilier et la décoration intérieure.

Le classicisme (vers 1770 – 1830)

Données et caractéristiques clés du classicisme en un coup d'œil :

Au XIXe siècle, les artistes, avec un « sac à dos » rempli d’art antique, s’efforçaient de créer une atmosphère de « simplicité tranquille et de noble grandeur » (JJ Winkelmann), influencée par les récentes découvertes de Pompéi .

L'Italien Antonio Canova le Français Jacques-Louis David

En sculpture , en peinture et surtout en architecture , les compositions parallèles, les formes rectilignes et l'orientation vers le canon classique (les proportions) ont remplacé les mouvements dynamiques et baroques.

Époque moderne tardive

Aperçu des périodes de la fin de l'époque moderne

Romantisme (vers 1790 – 1830)

Le romantisme est plus qu'une simple période stylistique ; c'est un état d'esprit qui privilégie le mystérieux, l'obscur et le sublime au lisse et au beau. En 1810, la Ligue de Luc (Lukasbund , dans le but Dürer et Raphaël .

Caspar David Friedrich et William Turner célébraient leurs premiers succès en tant que peintres paysagistes, et Francisco de Goya, , créait ses œuvres les plus sombres.

William Blake , incarne à la fois l'artiste incompris et le génie visionnaire . Qu'il s'agisse de contes médiévaux ou du Docteur Faust, de paysages montagneux à couper le souffle ou de régions enveloppées de brume, c'est toujours l'intériorité, le niveau émotionnel, qui a inspiré les artistes romantiques dans leurs créations.

Pluralisme stylistique, Biedermeier et Gründerzeit (1790-1890)

Le phénomène d'hétérogénéité stylistique a toujours exercé une influence majeure sur l'art moderne. On entend par là la diversité des techniques et des styles employés par les artistes pour créer leurs œuvres. C'est précisément cette diversité qui leur permet de se démarquer constamment de leurs pairs et de communiquer leurs idées et leur originalité de manières variées.

En remettant en question le canon artistique traditionnel et en créant de nouveaux moyens d'expression créatifs, le pluralisme stylistique contribué à ouvrir la voie à l'art moderne.

Au XIXe siècle, le rejet des académies traditionnelles et de leurs règles par les artistes a engendré une diversité stylistique dans le monde de l'art. Tandis que le romantisme aiguisait la conscience de la nature et de l'humanité, le réalisme mettait l'accent sur le monde quotidien.

L'impressionnisme a finalement rompu avec les enseignements conventionnels et s'est concentré sur la représentation de la couleur et de la lumière. Ces bouleversements ont ouvert la voie à la diversité stylistique qui est encore clairement visible dans l'art moderne .

Le style Biedermeier est une période stylistique qui s'étend de 1815 à 1848 en Allemagne, en Autriche et en Suisse. Il tire son nom du poète Gottlieb Biedermeier , figure emblématique de la bourgeoisie guindée. L'art de cette époque se caractérise par sa sobriété : paysages, natures mortes et portraits en constituent les sujets principaux, souvent empreints d'une certaine nostalgie des temps révolus.

Cette période stylistique a également eu une influence majeure sur le mobilier et la décoration intérieure ; on a vu apparaître des meubles rembourrés à motifs floraux ou brodés, ainsi que de lourds meubles muraux en bois sombre. Une autre caractéristique était l’utilisation d’ ornements sur les figurines ou les reliques en porcelaine.

Historicisme / Peinture de salon (1850-1914)

En histoire de l'art, le terme historicisme un phénomène répandu à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, selon lequel les architectes et les artistes préféraient s'inspirer des styles des siècles passés.

Il existe différents sous-types stylistiques, tels que le néo-roman, le néo-gothique, le néo-Renaissance , le néo-byzantinisme et le néo-baroque .

Alors que l'architecture réformée s'est développée comme un contre-mouvement et a conduit plus tard au modernisme classique, le style Art nouveau émergent vers 1900 a considérablement influencé l'historicisme.

Bien que les idées de l'historicisme aient perduré au cours des décennies suivantes, par exemple dans le néoclassicisme, le classicisme socialiste ou l'architecture de sécurité nationale, la période la plus formatrice de l'historicisme s'étend d'environ 1850 jusqu'à la veille de la Première Guerre mondiale.

La peinture de salon , un style pictural important du XIXe siècle, trouve son origine dans les expositions annuelles du Salon Carré du Louvre à Paris, également connu sous le nom de Salon de Paris. Instituées par Louis-Philippe, ces expositions étaient exclusivement réservées aux artistes reconnus de la classe dirigeante, qui devaient séduire le public et, en particulier, l'élite parisienne.

Bien qu'adaptées thématiquement et stylistiquement, les peintures représentaient principalement des thèmes historiques et littéraires-mythologiques , servant de prétexte à une forte présence de nudité et satisfaisant le voyeurisme de la haute société. Les scènes dramatiques à personnages nombreux étaient privilégiées, et le style pictural était classique et académique.

Les œuvres de sculpture et de peinture de salon historicistes se caractérisent par une orientation académique et anti-moderniste. Des artistes tels que Hans Makart, Franz Xaver Winterhalter, Léon Gérôme et Lawrence Alma-Tadema ont mis leur maîtrise technique au service de la création de toiles de grand format représentant des scènes historiques, fruit d'une recherche historique méticuleuse.

Ces œuvres ont été principalement présentées au Salon de Paris et sont donc également appelées peintures de Salon.

Réalisme (1850-1925)

Le réalisme, qui dérive du mot latin « res » signifiant chose, est un terme très complexe qui décrit une attitude, une vision du monde et une méthode de production artistique spécifiques.

Gustave Courbet adopta le terme en 1855 pour présenter ses peintures anti-académiques et anti-idéalistes dans Le Réalisme , œuvre que le jury de l'Exposition universelle rejeta. Courbet créa des toiles monumentales qui rendaient fidèlement et avec réalisme les paysages régionaux et leurs habitants.

Beaucoup considéraient cette nouvelle mode comme « laide » et « brutalement politique », avec des connotations socialistes. Dans la théorie de l'art française, le réalisme servait alors aussi de cri de ralliement.

Certains artistes abandonnèrent résolument la peinture d'histoire académique (peinture de salon) et se consacrèrent entièrement au monde visible entre 1830 et 1880. Avec des œuvres telles que « Les Casseurs de pierres » et « L'Enterrement à Ornans » (1850), Courbet érigea de grands monuments au prolétariat et à la civilisation moderne.

L'impressionnisme (1850-1900)

L'impressionnisme , dérivé du mot français « impression », désigne un style pictural. Il se caractérise par une palette de couleurs claires, une application de la peinture libre et esquissée avec des coups de pinceau visibles, la peinture d'après nature et généralement en plein air .

Les impressionnistes privilégiaient la perception sensorielle, saisissant des instants fugaces avec rapidité, intuition et une apparente spontanéité. L'observation des effets de lumière et des variations chromatiques au fil des saisons primait sur la signification du sujet.

C’est pourquoi les impressionnistes privilégiaient le travail en plein air et par séries. Cette définition s’applique particulièrement bien à la peinture de paysage impressionniste Edgar Degas , se réclamaient davantage de la tradition académique et rejetaient le terme « impressionnisme » pour leurs œuvres.

Le peintre principal de l'impressionnisme est Claude Monet qui, avec ses collègues, a développé davantage le réalisme dans les années 1860 afin de refléter le nouveau sentiment de modernité et de vitesse.

Parmi les autres peintres impressionnistes importants figurent Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Gustave Caillebotte (1848-1894), Berthe Morisot (1841-1895), Camille Pissarro (1830-1903), Frédéric Bazille (1841-1870) et Édouard Manet (1832-1833).

En sculpture, l'impressionnisme a été façonné par Auguste Rodin , tandis qu'en photographie, il est plus connu sous le nom de pictorialisme Heinrich Kühn (1866-1944), qui vivait à Vienne

En France, l'impressionnisme a pris fin à peu près avec l'Exposition universelle de Paris en 1900.

Naturalisme (1858 – 1900)

Le mouvement artistique du naturalisme se caractérise par une certaine complexité, ce qui rend parfois difficile d'en trouver une définition précise. Alors, qu'entend-on exactement par art naturaliste ?

Une façon d'aborder le naturalisme est de le comparer à l' idéalisme . Ce dernier s'applique particulièrement à la peinture de figures et vise à créer une représentation parfaite de la réalité.

À l'opposé de l'idéalisme, le naturalisme se situe à l'autre extrémité du spectre. Au lieu de créer un monde parfait, les artistes naturalistes privilégient une représentation fidèle de toutes les imperfections de ce monde .

La différence essentielle entre le naturalisme et le réalisme réside dans l'objet de leurs peintures. Tandis que le naturalisme privilégie la technique picturale, notamment l'invention de la peinture en plein air , le réalisme s'intéresse au sujet. Les peintres réalistes représentent généralement des gens ordinaires dans leur quotidien, et non des héros idéalisés.

Une autre différence qui caractérise l'art du réalisme réside dans la conscience sociale marquée qui s'exprime dans les peintures. Les artistes réalistes étaient souvent engagés dans les problématiques politiques et sociales et les intégraient à leurs œuvres.

Le réalisme socialiste et la peinture de scènes américaines sont des exemples de mouvements sociaux inspirés par les évolutions du mouvement artistique réaliste. Les peintres naturalistes, quant à eux, s'attachaient principalement à développer un style pictural aussi authentique et naturel que possible.

Dans le naturalisme artistique, un autre élément clé a joué un rôle significatif : l’ intégration de sentiments régionalistes et nationalistes . Les peintres naturalistes ont lié leur esthétique à des lieux spécifiques qui leur étaient familiers et revêtaient une valeur sentimentale. Les historiens de l’art considèrent cette tendance à peindre des scènes connues du plus grand nombre comme une composante essentielle de la démocratisation de l’art .

Les thèmes des peintures naturalistes étaient familiers à un public plus large et suscitaient une profonde émotion.

Il serait toutefois erroné de croire que l'art naturaliste se limitait exclusivement aux paysages et aux scènes de nature. La définition de l'art naturaliste ne se restreint en aucun cas à la peinture de paysage scènes de genre étaient également des thèmes courants.

Le manifeste d' Antoine Castagnary « La philosophie du salon de 1857 » (1858), fut le premier ouvrage théorique à aborder le nouveau mouvement. Le peintre français Gustave Courbet (1819-1877) joua également un rôle important dans le débat théorique sur l'art naturaliste et en fut lui-même l'un des représentants les plus éminents.

Parmi les artistes les plus remarquables ayant appartenu au naturalisme en Allemagne, on peut citer Max Liebermann (1847-1935), Paul Weber (1823-1916) et Käthe Kollwitz (1867-1945).

Post-impressionnisme (1880 – 1920)

En peinture occidentale, un mouvement français qui représentait à la fois un prolongement de l'impressionnisme et un rejet des limites inhérentes à ce style.

Le terme « post-impressionnisme » a été forgé par le critique d'art anglais Roger Fry pour désigner les œuvres de peintres de la fin du XIXe siècle tels que Paul Cézanne , Georges Seurat , Paul Gauguin , Vincent van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec « impressionnisme tardif » ou « post-impressionnisme » sont encore parfois employés aujourd'hui.

Le synthétisme , le cloisonnisme et le pointillisme appartiennent également au post-impressionnisme.

Tous ces peintres, à l'exception de Van Gogh, étaient français, et la plupart d'entre eux ont commencé comme impressionnistes ; cependant, chacun d'eux a abandonné ce style pour développer un art très personnel.

L'impressionnisme, au sens strict, reposait sur la représentation objective de la nature par les effets fugaces de la couleur et de la lumière.

Les post-impressionnistes ont rejeté cet objectif limité au profit d'une expression plus ambitieuse , mais ont admis qu'ils étaient redevables à l'impressionnisme pour ses couleurs pures et éclatantes, son absence de thèmes traditionnels et sa technique de définition des formes par de courts coups de pinceau aux couleurs fragmentées.

Les post-impressionnistes exposaient souvent ensemble, mais contrairement aux impressionnistes, qui formaient à leurs débuts un groupe soudé et sociable, ils peignaient principalement seuls. Cézanne peignait en isolement à Aix-en-Provence, dans le sud de la France ; sa solitude était semblable à celle de Paul Gauguin, qui s’installa à Tahiti en 1891, et à celle de Van Gogh, qui peignait dans la campagne près d’Arles.

Gauguin et Van Gogh ont tous deux rejeté l'objectivité indifférente de l'impressionnisme au profit d'une expression plus personnelle et spirituelle.

L'œuvre de ces peintres a constitué la base de plusieurs mouvements contemporains et du modernisme du début du XXe siècle.

Symbolisme (1890 – 1920)

symboliste ont été créées entre 1880 et 1910. Ce style, que nous préférons considérer comme un mouvement plutôt que comme une époque, est également né en France.

Contrairement à la perception objective, la représentation des pensées et des sentiments un rôle crucial ; elle diffère cependant de l’expressionnisme et de l’impressionnisme, où le symbolisme sert de lien. Parallèlement, elle s’oppose aux idées du positivisme, du matérialisme et de l’historicisme.

De plus, elle s'opposait à la tradition picturale naturaliste des académies.

Finalement, la clarté de ses formes a influencé l'Art nouveau. La maladie, le péché, la mort et la passion érotisme et mort, souvent symbolisé par des femmes délicates au teint pâle et à l'aura sensible ou mélancolique, a particulièrement fasciné de nombreux artistes

En 1886, l'écrivain français Jean Moréas le « Manifeste symboliste », considéré comme un texte fondateur du mouvement artistique anti-rationaliste et anti-matérialiste. Les symbolistes privilégiaient une représentation non pas directe de la réalité, mais son expression à travers une esthétique symbolique, sous forme de symboles et de métaphores.

Pour ce faire, ils ont combiné divers éléments visuels afin de créer une synthèse. Les artistes n'ont pas transposé leurs motifs directement de la nature sur la toile, mais se sont plutôt inspirés de leurs souvenirs.

L'imagination était érigée en source primordiale de créativité. C'est dans cette optique que les symbolistes représentaient souvent des scènes oniriques, ce qui les distingue comme précurseurs du surréalisme .

Paul Gauguin et Émile Bernard , peintres français de la fin du XIXe siècle, sont considérés comme les pionniers du symbolisme dans les arts visuels. Inspirés par la poésie symboliste de Stéphane Mallarmé et d'Arthur Rimbaud, ils trouvèrent dans ce style un moyen d'exprimer des thèmes poétiques, romantiques et religieux à travers des palettes de couleurs sombres et profondes, aux tons purs et puissants.

Parmi les autres représentants importants du symbolisme sur la scène artistique, on peut citer Gustave Moreau, Odilon Redon, Paul Séruzier et Pierre Puvis de Chavannes en France, Arnold Böcklin et Ferdinand Hodler en Suisse, Fernand Khnopff en Belgique, Gustav Klimt en Autriche, Edvard Munch en Norvège et Max Klinger en Allemagne.

Modernisme classique

Aperçu des périodes du modernisme classique

L' ère du modernisme classique dans l'histoire de l'art marque une phase qui a émergé après l'ère moderne, aux alentours de 1900. Durant cette période, l'art a connu une explosion créative avec des mouvements tels que l'expressionnisme, le futurisme et le cubisme, qui ont remis en question les conventions traditionnelles et ouvert de nouvelles voies d'expression artistique.

Cette période exaltante dura jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945 et continua de façonner la scène artistique jusque dans les années 1980. La diversité des expressions artistiques et des idées révolutionnaires qui émergèrent durant cette époque exercent encore aujourd'hui une influence significative sur le monde de l'art.

Expressionnisme (1890-1914) et fauvisme (1898-1907) : un art à dimension politique

À l' expressionniste , on a assisté à un regain d'importance accordée à l'expression des sentiments subjectifs. L'expressionnisme, né en Allemagne, reflétait la critique du pouvoir ressentie par de nombreux artistes.

Les artistes de ce mouvement ne s'intéressaient ni au naturalisme ni aux apparences. C'est pourquoi on pouvait déceler une certaine agressivité dans certaines peintures expressionnistes, souvent archaïques et expressives.

L'événement historique décisif qui a déclenché la transition de l'impressionnisme à l'expressionnisme fut la Première Guerre mondiale . Tandis que les impressionnistes célébraient les acquis de la révolution industrielle et glorifiaient Paris sur leurs toiles, la jeune génération doutait fortement du progrès technologique rapide.

Les expressionnistes ressentaient intensément l'accélération croissante du monde et les problèmes auxquels l'individu était confronté. Les bouleversements technologiques remettaient en question les capacités perceptives de l'œil humain, si bien qu'à partir de 1900, les peintres eurent des difficultés à saisir ce « nouveau monde » sur la toile.

Cela a entraîné un changement significatif, s'éloignant des techniques impressionnistes pour privilégier l'expression des sentiments de l'artiste plutôt que la représentation réaliste du sujet. Un nouveau groupe d'artistes souhaitait non seulement saisir l'instant comme les impressionnistes, mais aussi traduire directement ses propres sentiments et perceptions sensorielles dans la peinture.

L'art expressionniste était une réaction contre la bourgeoisie et l'art académique. Il cherchait à transmettre le message de l'art populaire, considéré comme moins raffiné. De nouvelles techniques ont transformé les possibilités de composition. Les perspectives sont devenues floues et la profondeur était créée uniquement par la couleur et la forme.

Wassily Kandinsky était un artiste majeur de l'expressionnisme. Dans ses peintures abstraites, il explorait la couleur, la forme et l'abstraction en utilisant les techniques expressionnistes.

Parmi les autres représentants célèbres de l'expressionnisme, on peut citer Franz Marc, Edvard Munch et August Macke . Au début de la Première Guerre mondiale, les peintures expressionnistes affichaient une intensité troublante.

L'expressionnisme était un mouvement qui véhiculait des messages politiques directs par la peinture et une certaine violence dans le coup de pinceau. Durant la Première Guerre mondiale, des œuvres d'une intensité souvent choquante furent créées, offrant une critique sans détour du pouvoir et de la société, ce qui influença profondément la peinture sur le plan politique.

Ce que l'on appelle en Allemagne « art expressionniste » était désigné sous le nom de fauvisme . Henri Matisse et André Derain , figures de proue du mouvement fauve, sont souvent considérés comme les « expressionnistes français ». Bien que les deux styles aient émergé vers 1905, en opposition à la peinture impressionniste, l'expressionnisme se distingue par une dimension sociale plus critique et une plus grande ouverture internationale.

Si le fauvisme est resté principalement français et n'a connu qu'une brève période de gloire, l'expressionnisme a continué de se développer en Allemagne, notamment grâce à des groupes comme « Die Brücke » à Berlin et « Der Blaue Reiter » à Munich. Cependant, ces deux styles puisent leurs racines dans les mouvements post-impressionnistes français, influencés par des artistes tels que Van Gogh , Gauguin et Toulouse-Lautrec, ce qui a donné naissance à des expressions artistiques distinctes.

Art Nouveau / Art Nouveau (1890 – 1910)

Bien que « Le Baiser » de Gustav Klimt tableaux les plus célèbres au monde .

L'Art nouveau , également connu hors d'Allemagne sous le nom de Jugendstil , se caractérise par des éléments floraux de grande taille et des lignes doucement courbes.

La symétrie jouait un rôle de plus en plus mineur, tandis que le dynamisme, la fantaisie et un certain charme juvénile gagnaient du terrain – et pas seulement en peinture.

L'Art nouveau se caractérise par l'utilisation de lignes longues, courbes et organiques et était le plus souvent utilisé en architecture , en décoration intérieure , en joaillerie et en verrerie , ainsi dans les affiches et les illustrations .

Il s'agissait d'une tentative consciente de créer un style nouveau, affranchi de l'historicisme imitatif qui dominait une grande partie de l'art et du design du XIXe siècle.

Vers cette époque, le terme Art nouveau fut forgé en Belgique par la revue L'Art Moderne décrire le travail du groupe d'artistes Les Vingt S. Bing , qui baptisa sa galerie L'Art Nouveau Jugendstil en Allemagne , Sezessionsstil Stile Floreale (ou Stile Liberty en Italie Modernismo en Espagne .

L'Art nouveau en Europe a été fortement influencé par les peintres Paul Gauguin et Henri de Toulouse-Lautrec , qui ont intégré des lignes expérimentales et expressives à leurs œuvres. Par ailleurs, le mouvement a puisé son inspiration dans les motifs linéaires des estampes japonaises ( ukiyo-e ), également très prisées dans la mode.

L'une des caractéristiques de cette Époque Artistique ludique est sa ligne ondulante et asymétrique. Celle-ci prend souvent des formes telles que des tiges de fleurs, des bourgeons, des vignes ou de délicats éléments naturels. Tantôt élégante et gracieuse, tantôt animée d'une puissante force rythmique, cette ligne se révèle incisive et fluide.

De nombreux artistes et designers ont œuvré dans le style Art nouveau. Parmi les plus célèbres figurait l'architecte et designer écossais Charles Rennie Mackintosh , spécialisé principalement dans les lignes géométriques et qui a particulièrement influencé le style de la Sécession autrichienne.

Les architectes belges Henry van de Velde et Victor Horta, avec leurs structures fluides et délicates, ont fortement influencé l'architecte français Hector Guimard . Louis Comfort Tiffany était un verrier américain, tandis que Louis Majorelle était actif en France comme créateur de mobilier et de quincaillerie.

Alphonse Mucha, graphiste et artiste tchécoslovaque, a contribué à ce mouvement, tout comme René Lalique , créateur français de bijoux et verriers. L'architecte américain Louis Henry Sullivan a orné ses bâtiments de style traditionnel de ferronneries Art nouveau à motifs végétaux.

Antonio Gaudí, artiste espagnol, est peut-être considéré comme le plus original de ce mouvement : il a dépassé la dépendance aux lignes droites et a transformé les bâtiments en constructions courbes et bulbeuses aux couleurs vives, d'apparence organique.

Après 1910, l'Art nouveau parut démodé et limité, et fut généralement abandonné en tant que style décoratif indépendant.

Le cubisme (1906 – 1914)

Au tournant du siècle, le post-impressionnisme et le fauvisme ont influencé la scène artistique européenne, Georges Braque apportant une contribution significative au fauvisme grâce à ses paysages. Après Pablo Picasso , les deux artistes ont entamé une collaboration qui a mené au développement du cubisme.

Le cubisme représentait une approche artistique radicalement nouvelle de la représentation du réel. Comptant parmi les mouvements artistiques les plus importants du XXe siècle, il rompait avec les méthodes de représentation traditionnelles en introduisant la fragmentation abstraite et des compositions bidimensionnelles sophistiquées.

Influencés par l'art africain, les deux cubistes ont créé ensemble de nouvelles techniques picturales et révolutionné la scène artistique moderne.

Le cubisme peut être divisé en différentes phases.

Le proto -cubisme , phase de transition entre 1907 et 1911, fut fortement influencé par l'art de Picasso et Braque. Leurs œuvres Les Demoiselles d'Avignon et Viaduc à L'Estaque témoignent de cette transition vers le cubisme. On y observe des visages aux allures de masques, une fragmentation du sujet et des formes géométriques. Cette phase marque l'avènement du cubisme mature.

Le cubisme analytique , de 1908 à 1912, se caractérise par des motifs fragmentés aux couleurs neutres et des formes brisées. Picasso appliqua également ces principes à sa sculpture. Juan Gris rejoignit Picasso et Braque et devint particulièrement célèbre pour sa contribution au cubisme synthétique.

Le cubisme synthétique , dernière phase de ce style artistique de 1912 à 1914, se caractérise par une simplification et un élargissement de la palette chromatique dans les œuvres de Picasso, Braque, Gris et d'autres artistes. Un intérêt particulier est porté aux natures mortes, peintes ou réalisées par collage.

Futurisme (1909-1945) – Avant-garde contre la morale chrétienne

Parallèlement au cubisme en France, le futurisme a émergé en Italie.

l'Italien Filippo Tommaso Marinetti rédigea un manifeste futuriste dans lequel il prenait ses distances avec la morale chrétienne et rejetait toutes les conventions sociales. Bien que Marinetti ne fût pas lui-même peintre, la peinture devint néanmoins la forme d'art prépondérante du futurisme. Les futuristes se rebellaient contre les modèles classiques et affichaient un rejet catégorique du corps. Ils rejetaient la représentation du nu, la jugeant sombre et repoussante. Tout ce qui était traditionnel était perçu avec suspicion.

Le futurisme devint un important mouvement artistique d'avant-garde italien, centré sur les nouvelles technologies et la vie urbaine moderne. Les futuristes cherchaient à représenter la beauté des machines, la vitesse et le changement, tout en combinant les techniques traditionnelles telles que la peinture et la sculpture avec des influences post-impressionnistes.

Les futuristes italiens du début du XXe siècle furent particulièrement impressionnés par des technologies novatrices telles que la chronophotographie , qui permettait de capturer le mouvement en images. Ils révolutionnèrent l'art en intégrant le mouvement à la peinture et à la sculpture.

Ils utilisèrent les médias et les technologies populaires pour diffuser leurs idées et célébrèrent même le déclenchement de la Première Guerre mondiale, y voyant une expression de leur enthousiasme pour la modernité. Bien que certains membres aient par la suite soutenu le fascisme, le groupe fut perçu comme un important mouvement d'avant-garde jusque dans les années 1920.

Mené par l'écrivain Filippo Tommaso Marinetti, le mouvement diffusa ses idées à travers des manifestes publiés dans les médias modernes, célébrant l'ère de la machine comme un triomphe sur la nature. Des artistes tels qu'Umberto Boccioni et Giacomo Balla défendirent un art contemporain qui s'intéressait à l'espace et au mouvement. Le futurisme se répandit rapidement en Italie et acquit une renommée internationale grâce au soutien apporté par Marinetti à l'étranger.

Le « second » futurisme (1924-1945) a été façonné par divers artistes et architectes, dont Enrico Prampolini, Giacomo Balla et Fortunato Depero. Avec l'aéropittoresque , également appelée « Arte Sacra Futurista », ils ont abordé des thèmes futuristes tels que le dynamisme et la vitesse.

Bien que Mussolini privilégiât le classicisme, les architectes parvinrent néanmoins à ériger des bâtiments modernes utilisant les nouveaux matériaux de construction. Ils acquirent une certaine notoriété « Noi »,

Le dadaïsme (1912-1920) – Du (non-)sens des choses

Le dadaïsme est né en Suisse pendant la Première Guerre mondiale. Zurich, pays neutre, devint un refuge pour les artistes et les intellectuels opposés à la guerre. Le dadaïsme est apparu en réaction au nationalisme, considéré par beaucoup comme la cause du conflit .

Les dadaïstes remettaient en question l'absurdité des règles, normes, traditions et valeurs établies, les bouleversant ainsi. Ce mouvement artistique réunissait diverses formes d'expression telles que la littérature, la poésie, la danse, la photographie, la peinture, la sculpture, le collage et la performance . Un aspect central était la déconstruction de ce qui « art ». Des artistes comme Henri Robert Marcel Duchamp ont non seulement embrassé le dadaïsme et le surréalisme, mais ont également posé les fondements de l'art conceptuel , ouvrant la voie aux mouvements d'art moderne ultérieurs.

Le mouvement s'est rapidement répandu en Europe et aux États-Unis, donnant naissance à des groupes distincts dans chaque ville. Le dadaïsme a influencé divers mouvements d'avant-garde de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, notamment le futurisme, l'expressionnisme, le cubisme et le constructivisme. Plus tard, il a inspiré des mouvements culturels tels que le surréalisme, l'expressionnisme abstrait et même le punk rock.

Un point commun à ces mouvements, ainsi qu'au dadaïsme, est l'examen critique de la culture. Les artistes dadaïstes étaient tout aussi anticonformistes dans leur travail et dans leur utilisation des matériaux. À travers leurs créations, ils se moquaient des attitudes nationalistes et matérialistes.

Expliquer et définir le dadaïsme est difficile car il est dépourvu de structure logique et de caractéristiques universellement valables.

Qu’est-ce que le dadaïsme exactement ? Quatre idées clés permettent de saisir la pensée dadaïste : l’utilisation d’objets trouvés, la fascination pour le hasard, la remise en question des sensibilités bourgeoises et la résistance à presque tout.

Les artistes dadaïstes créaient des ready-mades , des objets du quotidien qu'ils modifiaient à peine et présentaient comme des œuvres d'art. Les ready-mades illustrent l'une des idées centrales du dadaïsme, soulignant que l'intention de l'artiste constitue l'œuvre d'art elle-même, et non l'objet créé. Les œuvres dadaïstes interrogent la définition même de l'art, la créativité artistique et le rôle de l'art dans la société .

Un concept clé du dadaïsme est le recours conscient au hasard. De nombreux artistes dadaïstes, dont Hans Arp , laissaient le hasard guider la création de leurs œuvres. Cette démarche, sans plan préétabli ni intention claire, s'opposait à la production artistique conventionnelle. Ce processus artistique offrait aux artistes dadaïstes une manière supplémentaire de remettre en question l'ordre établi et de problématiser le rôle de l'artiste dans la création.

Parmi les autres représentants célèbres du dadaïsme, on peut citer Marcel Duchamp , Man Ray et Max Ernst .

Le constructivisme (1913-1930) – Fusion du cubisme et du futurisme

En 1913, l'apparition des œuvres abstraites de Vladimir Tatlin le début du mouvement constructiviste russe, qui influença considérablement le développement de l'art abstrait moderne .

Cette Époque Artistique est également considérée comme un mouvement historique qui a exploré en profondeur l'agencement harmonieux des formes géométriques. Les artistes constructivistes ont rejeté les couleurs vives et ont développé les styles de mouvements antérieurs tels que le suprématisme .

Les théories conceptuelles de cette période ont été façonnées par Jean Piaget , dont les recherches en psychologie de l'éducation et en développement cognitif portaient sur la manière dont les individus construisent le sens et exploraient les relations entre les expériences humaines et leurs idées.

Cette théorie incluait également l'idée que les humains produisent leur propre savoir. Une typographie audacieuse et des photomontages artistiques , ainsi que des palettes de couleurs réduites, devinrent essentiels au constructivisme. Cette époque exerça une influence considérable sur les domaines du design et de l'architecture, qui, dans les années 1920, passèrent d'associations politiques à un style de design dynamique.

Le célèbre artiste russe Kasimir Malevitch forgé le terme « constructiviste », en référence à l'œuvre d' Alexandre Rodtchenko , un designer russe largement reconnu.

La Renaissance de Harlem (1920-1930) – Le renouveau de la culture afro-américaine

La Renaissance de Harlem , qui a atteint son apogée dans les années 1920, représente un chapitre important du renouveau culturel de la communauté afro-américaine aux États-Unis.

Cette époque a été caractérisée par une remarquable appréciation et création de formes d'expression intellectuelles et culturelles développées par des artistes afro-américains dans des domaines tels que la musique, la littérature, les arts visuels, la poésie, la politique, la danse et la mode.

Cette période, également connue sous le nom de « Mouvement du Nouvel Homme Noir » , a englobé une variété de styles artistiques contemporains uniques visant à représenter l'expérience noire d'un point de vue non occidental. Elle met notamment en lumière les injustices historiques subies par les intellectuels et les artistes afro-américains, favorisant ainsi une meilleure compréhension du patrimoine culturel de la population afro-américaine.

Né dans le quartier de Harlem à New York, ce mouvement a été façonné par de nombreuses figures culturelles emblématiques qui ont contribué de manière significative au renforcement de la culture afro-américaine et à la reconnaissance des artistes noirs au début du XXe siècle.

La Renaissance de Harlem a prôné un engagement fort en faveur de l'activisme politique et a influencé de manière décisive des mouvements clés tels que le mouvement des droits civiques dans les années 1950.

Cet âge d'or culturel invite chacun à redécouvrir l'art afro-américain

Les 7 artistes importants de la Renaissance de Harlem que nous verrons dans cette vidéo sont : Langston Hughes, Aaron Douglas, Lois Mailou Jones, Augusta Savage, Gwendolyn B. Bennett, Meta Vaux, Warrick Fuller et James Van Der Zee.

Nouvelle Objectivité (1918-1965) – Froide et technique

Les différentes Époques Artistiques de la Première Guerre mondiale à nos jours, représentent un sommet de l'art contemporain et illustrent l'évolution des styles artistiques qui ont contribué de manière significative à la redéfinition des concepts de représentation, d'esthétique visuelle et de culture dans la période d'après-guerre.

La Nouvelle Objectivité désigne le mouvement artistique apparu après la Première Guerre mondiale et centré sur le monde visible. Ce style s'est développé sous la République de Weimar et a compté parmi ses membres des artistes renommés tels que George Grosz et Otto Dix , qui abordaient des thèmes socialement critiques.

Le mouvement s'est étendu au-delà de l'Allemagne à l'Autriche, à la Suisse et aux Pays-Bas. Inspiré par la Pittura Metafisica italienne, il alliait la désillusion à un concept visuel clair qui représentait objectivement les objets du quotidien.

Ce mouvement artistique se caractérisait par un mode d'expression objectif et une représentation saisissante des réalités sociales et économiques. Les objets étaient dépeints avec une netteté sans équivoque, recourant parfois à la caricature. Ce style permettait aux artistes de réfléchir aux aspects complexes de la vie contemporaine avec une honnêteté fondamentale, tout en dénonçant les injustices sociales.

Une exposition charnière organisée en 1925 par Gustav Friedrich Hartlaub a réuni divers artistes et a divisé le mouvement de la Nouvelle Objectivité en une aile socialement critique et une aile classiquement conservatrice, qui réagissaient à une époque perçue comme en proie à la crise.

L’arrivée au pouvoir des nationaux-socialistes en 1933 et la Gleichschaltung (coordination) des médias qui s’ensuivit, ainsi que l’instauration d’un soi-disant art allemand, marquèrent la fin de la Nouvelle Objectivité. 

Dans les années 1950 et au début des années 1960, le mouvement de la Nouvelle Objectivité s'est engagé dans une réflexion profonde sur les questions sociales et politiques. Les bouleversements et les conflits des deux guerres mondiales dévastatrices ont conduit de nombreuses personnes à rechercher un socle stable qui leur serve de repère – un besoin clairement reflété dans les œuvres d'art de cette période.

Les œuvres de la Nouvelle Objectivité se caractérisent souvent par une esthétique froide, dénuée d'émotion et technique. Des motifs tels que des radios ou des ampoules, reflétant les aspects technologiques de la vie quotidienne, y apparaissent fréquemment.

Comme pour de nombreux mouvements artistiques modernes, il existait également différents courants et directions au sein de la Nouvelle Objectivité, ce qui souligne le caractère multiforme de cette époque.

Le surréalisme (vers 1920-1945) : Réalités subconscientes

Après la Première Guerre mondiale, le surréalisme a déferlé sur la scène artistique comme une vague immense, pulvérisant toutes les idées préconçues des Parisiens sur la nature de la réalité, de l'art et de la psyché humaine.

fondée par André Breton

Sa définition du surréalisme était :

Il ne faut pas perdre de vue que l’idée du surréalisme vise tout simplement à la récupération totale de notre puissance psychique, par un moyen qui n’est autre que la descente vertigineuse en nous-mêmes, l’illumination systématique des lieux cachés et l’obscurcissement progressif des autres…

(Source : Malen-Lernen.org)

Sa tentative révolutionnaire de briser les normes en vigueur à l'époque a trouvé une large expression en Europe et aux États-Unis dans les années 1920 et 1930.

Baptisée en hommage à Guillaume Apollinaire , poète et critique d'art de renom, la première exposition surréaliste eut lieu à Paris en 1925 et présenta des œuvres d'artistes tels que Pablo Picasso et Man Ray . Ce mouvement artistique abordait souvent les aspects les plus dérangeants de l'existence humaine, ainsi que les tabous sociaux, et remettait en question les valeurs bourgeoises.

Dans ce contexte, le surréalisme s'est développé en un mouvement artistique structuré, doté d'une profonde dimension politique, philosophique et sociale, qui a établi les méthodes pour choquer et fasciner ses adeptes.

Aussi absurde que puisse paraître l'illogisme du mouvement Dada, les surréalistes considéraient le monde des rêves comme la source de toute vérité. Salvador Dalí , et vous connaissez certainement des œuvres comme « Les Horloges fondantes » (1954).

Le surréalisme, fortement influencé par les idées psychanalytiques, a conduit de nombreux artistes à puiser leur inspiration dans leurs rêves. Ce mouvement constituait une critique de la rationalité, perçue comme destructrice pour la société.

Les artistes surréalistes utilisaient diverses techniques pour explorer leur inconscient et le plaçaient au centre de leurs œuvres.

Malgré un rejet initial, le surréalisme a profondément transformé le visage de l'art moderne et continue d'avoir un impact aujourd'hui.

Art déco (vers 1920-1935) : proportionné, élégant et audacieux

Bien que ce style ait connu son apogée dans les années 1920, 1930 et 1940, son développement d' une décennie avant son introduction officielle.

Ce mouvement est apparu pour la première fois en France peu avant le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Cependant, le grand public n'en a pris connaissance qu'en 1925, lors de l' Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes , qui s'inspirait vaguement du concept d'exposition universelle.

Style artistique extrêmement décoratif, l'Art déco s'est distingué très tôt par ses artistes grâce à des expérimentations dans les domaines du design, de la peinture, du mobilier, de l'architecture et de la construction, au sein de son spectre stylistique.

L'Art déco se présente comme un style artistique caractérisé par des couleurs vibrantes et des formes géométriques audacieuses, donnant naissance à des œuvres d'art extrêmement luxueuses et détaillées. Outre les beaux-arts, il englobe également des éléments architecturaux et de design.

Dès ses débuts, l'Art déco fut fortement influencé par les formes géométriques audacieuses du cubisme et les couleurs vibrantes du fauvisme. Ce style favorisait un sens aigu de l'ordre et mettait en valeur des compositions harmonieuses et équilibrées, aux formes luxuriantes et dynamiques.

Le style Art déco a imprégné de nombreuses formes de design au début du XXe siècle, le mouvement expérimentant avec des éléments issus des beaux-arts, de l'architecture, de la mode, du mobilier, des transports et même des objets du quotidien. Les Années folles sont inconcevables sans l'Art déco.

l'Art déco présentait clairement identifiables. On le décrivait souvent comme un ensemble de styles différents et on le considérait comme une fusion éclectique d'influences, de matériaux et de formes variés.

Il peut donc être difficile de distinguer le style Art déco d'autres mouvements artistiques similaires tels que l'Art nouveau , l'Art moderne , le Bauhaus ou le mouvement Arts and Crafts

Néanmoins, l'époque Art déco a été d'une importance capitale, car ses qualités décoratives ont inspiré une multitude d'autres styles artistiques.

Bauhaus (1920-1925) : Intégration du design industriel et de l'art

L'art du Bauhaus est étroitement lié à l'une des écoles d'art les plus influentes du XXe siècle. Le Bauhaus a joué un rôle crucial dans la formation de nombreux artistes et designers de renom. Malgré sa fermeture en 1933 par le régime nazi, l'école a profondément marqué l'éducation et les liens entre société, art et technologie aux États-Unis et en Europe.

Le style Bauhaus, fondé en 1919 par Walter Gropius à Weimar, en Allemagne, est issu des mouvements créatifs du XIXe et du début du XXe siècles, notamment l'Art nouveau et le mouvement Arts and Crafts. Ces mouvements visaient à abolir les frontières entre arts appliqués et beaux-arts et à allier design novateur et applications pratiques.

Dans les années 1920, l'école du Bauhaus orienta son action vers l' intégration du design industriel et de l'art , aboutissant à ses réalisations les plus importantes. Gropius prôna un retour aux idéaux médiévaux en matière d'art et d'artisanat et encouragea la valorisation du savoir-faire artisanal dans toutes les formes d'expression artistique, telles que le design industriel, l'architecture et le graphisme.

L'essor du constructivisme russe dans les années 1910 a contribué au développement esthétique. Cela a permis au Bauhaus de devenir une institution pionnière de l'art contemporain en Europe et aux États-Unis.

L' école privilégiait une approche pédagogique créative et efficace. Gropius la comparait à une roue à anneaux, l'anneau extérieur symbolisant le cours préparatoire de six mois mis en place par Johannes Itten . Ce cours mettait l'accent sur les éléments fondamentaux du design, notamment les caractéristiques variées des formes, des couleurs et des matériaux.

Les professeurs amenés à Weimar par Gropius, parmi lesquels les artistes d'avant-garde Johannes Itten et Lyonel Feininger , ainsi que le sculpteur Gerhard Marcks , ont largement contribué à l'élaboration du programme du Bauhaus. Itten a marqué l'école de son empreinte expressionniste et de son intérêt pour le Moyen Âge romantique. Des divergences avec l'approche analytique de Gropius ont conduit au départ d'Itten en 1923.

Son successeur, László Moholy-Nagy , a intégré la technologie et le rôle social de l'art au programme remanié. Durant sa courte existence, le Bauhaus a absorbé une grande variété d'influences stylistiques ; outre Moholy-Nagy, peut citer Paul Klee et Wassily Kandinsky , ainsi que des talents multidisciplinaires comme Oskar Schlemmer et Georg Muche

Art moderne, postmoderne et contemporain

Aperçu des périodes de l'art contemporain

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Joachim Rodriguez y Romero

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplôme de webdesign obtenu avec succès dans le cadre d'études universitaires (2008). Développement continu des techniques de créativité grâce à des cours de dessin en plein air, de peinture expressive et de théâtre/jeu d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art grâce à de nombreuses années de recherches journalistiques et à de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions du monde de l'art et de la culture.

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