Roy Lichtenstein - Live with Art

Dans l'article "Roy Lichtenstein's Path to Fame", cela a été représenté, et comment l'ensemble s'est terminé, à savoir une augmentation presque incroyable de la valeur de ses œuvres de valeur. Lichtenstein a dû attendre longtemps que ses œuvres d'art l'ont pour l'avoir:

La vie et l'art ou la vie pour l'art? Lichtenstein l'a essayé

Roy Lichtenstein avait presque 40 ans lorsqu'il a pu découvrir sa percée artistique, et il y avait aussi des raisons à ce fait: Lichtenstein n'avait jamais aligné parmi les artistes de pur-sang dont la vie des études artistiques et de l'art et passait du temps avec des artistes et des industries créatives et se compose de rien d'autre.

Lichtenstein était un artiste et normal, il a commencé à s'entraîner comme une profession (enseignante) et a été appelé à l'armée, il ne pouvait pas utiliser le fait que l'armée l'avait conduit à Paris comme prévu pour sa formation artistique (et sa connaissance avec Picasso) parce qu'il devait rentrer chez lui en raison d'une maladie grave.

Il a mis fin à sa formation des professeurs à l'Ohio State University après la guerre, puis a commencé à étudier pour le Master of Fine Arts , mais en 1949, son "développement libre en tant qu'artiste" a mis un autre obstacle à sa manière en se mariant et en obtenant deux fils avec sa femme Isabel Wilson au cours des prochaines années.

Lichtenstein était donc responsable du régime alimentaire d'une famille, et dans les années 1950, il a travaillé dans tous les emplois possibles qui servaient moins de son développement artistique et plus de vie.

Dans la première partie de sa vie, il n'avait vraiment pas de temps sans fin pour faire face aux expériences artistiques et à son propre style - il a participé à la vie réelle et dodu, ce qui ne permet pas non plus à une création de développer des idées artistiques extrêmement fines.

Réveillez-vous, Lichtenstein! Ou: ce qu'un nouvel emploi peut faire

Cette vie en Ohio avec des voyages occasionnels et dus à New York, à 750 km, pourrait être parti pour toujours si Lichtenstein n'avait pas accepté de travail d'enseignement à l'Université Rutgers du New Jersey en 1960. Parce qu'ici il est entré dans un environnement créatif concentré et a rencontré tous les artistes qui sont maintenant l'un des "pères de la pop art" .

Certains des artistes contemporains les plus importants s'étaient réunis à l'Université de l'Ohio: Jim Dine et Claes Oldenburg, Lucas Samaras et George Segal, George Brecht et Geoffrey Hendricks, Dick Higgins et sa femme Allison Knowles, George MacIunas et Robert Whitman, tout le monde à New Jersey on the Rutgers University Campu "Inventeur de l'entraînement" , Robert Watts , sculpteur et expressionniste et ami Fluxus.

Lichtenstein a également inspiré tant de créativité et l'a encouragé à poursuivre le fou de ses idées. Jusqu'à présent, l'expression artistique de Lichtenstein était davantage d' expressionnisme , le "grand public artistique" de l'époque où Lichtenstein ne pouvait pas vraiment classer entre les deux écoles dirigeantes: la "peinture d'action" ou les "expressionnistes introvertis" , qui appelait "pour la méditation" avec de grandes ordres de couleurs à grande échelle.

Les œuvres qui sont sorties lors de ces tentatives de positionnement n'avaient certainement pas été en mesure d'attirer beaucoup d'attention dans les expositions de New York, surtout quand il avait de plus en plus de doutes sur son style à la fin des années 1950.

Lichtenstein avait déjà commencé à expérimenter personnages de bandes dessinées et de Disney Au contraire, ces images ont été peintes par lui-même, il a admis plus tard qu'il les avait classés comme des «désespoirs». C'est dommage, car ces Bugs Bunnys, Donald Ducks et Mickey Mouses ne lui auraient probablement pas valu beaucoup d'argent tant d'années plus tard.

Parce que lorsque Lichtenstein était maintenant infecté par les idées des choses créatives autour de lui, le résultat de cette phase d'expérience était qu'il "oubliait" délibérément sa capacité artistique précédemment acquise et a été le premier à créer une telle "image comique" sans impact expressionniste.

Ceci est né avec le style typique de Lichtenstein, "Look Mickey" a suivi d'autres images de ce nouveau style au cours du même été 1961, dans lequel il a combiné des lignes claires et fortes délimitées avec des images avec des zones de couleur unie, des éléments imités de la technologie d'impression industrielle (Ben-Day-Dots) et la bulle de discours connue de la bande dessinée.

À l'automne 1961, le professeur Kaprow lui a donné un rendez-vous avec Ivan Karp, directeur de la galerie tendance de New York Leo Castelli , que Lichtenstein a présenté certaines de ses photos dans le nouveau style. Karp a évalué les images comme prometteuses et a donc montré que son patron Leo Castelli, à la "fille avec Ball" Castelli aurait décidé de représenter Lichtenstein, "Look Mickey" , la seule image d'un personnage comique, il n'a pas été montré par Karp.

Lichtenstein "sur la bouche de tout le monde" - presque impensable sans Castelli

C'était peut-être l'injonction que la carrière de Lichtenstein a rendu possible, car Andy Warhol avait commencé à traiter des personnages de bandes dessinées dans son art en même temps qu'il aurait montré ces images comiques dans la galerie Castelli et a donc été rejetée. D'un autre côté - le rejet de Castelli et l'hébergement des bandes dessinées par Lichtenstein auraient amené Warhol à se détourner des bandes dessinées et des biens de consommation, et aujourd'hui il est le n ° 1 dans le "classement éternel de l'art", et Roy Lichtenstein uniquement en place # 23.

Mais tout cela arrive beaucoup plus tard, maintenant en 1961, Lichtenstein a réussi à rester dans l'une des galeries les plus recherchées de New York, et elle a été fortement remontée: les premières photos ont été vendues rapidement, sa première exposition solo a été épuisée avant son ouverture, Lichtenstein a maintenant pu vivre à partir de ses photos.

Il a ensuite complètement réorganisé sa vie: l'hiver de l'arrière-pays, qui a été rompu par une décennie, les années de lutte d'existence ou autrement usé avec Isabel Wilson, Lichtenstein a déménagé au centre d'art New York, il a appris à connaître d'autres grands de la peinture comme Robert Rauschenberg et Jasper Johns et seulement concentré sur la peinture. Castelli avait de bons liens avec l'Europe, grâce à son ancienne épouse Ileana samedi, Lichtenstein a également été annoncée en Europe.

Production active dans le style lichtenstein

C'était tout - dans les années 1960, Lichtenstein est devenu de plus en plus célèbre, en 1963, sa plus célèbre image "Whaam!" , qui est déjà accroché à la Tate Modern à Londres en 1966. Au cours de la période suivante, il a créé une variété d'œuvres d'art, s'est consacrée à une grande variété de sujets, de sculptures et d'installations d'objets d'art et souvent peints en série.

Peut-être dans une démarcation consciente à Andy Warhol, Lichtenstein n'a jamais utilisé de photographies comme modèles, mais continue de se rapporter à des séries de bandes dessinées ou à des produits imprimés commerciaux tels que le répertoire des affaires à partir duquel "Girl with Ball" a été créé, et il a toujours produit visiblement dans un style spécial de Lichtenstein.

Au début, il avait essayé de nombreux sujets, avec des modèles partiellement compréhensibles et, avec l'inclusion d'objets très simples, il a été influencé par le nouveau flot de publicité commerciale pour de nouveaux outils. Cela a créé des images telles que "Sock" ("Sock") , "Roto Broil" ("Frite Sure") et "Washing Mashine" ("Washing Machine") , toutes de 1961, qui ont toutes été condamnées par les critiques d'art, mais étaient enthousiastes à propos de la nouvelle et subtile représentation des clients de Castelli.

Lichtenstein a ciblé le lien entre l'art et le commerce , un premier point culminant a été le premier point culminant de l'image "Art" de 1962, qui n'a pas été plus que ce mot sur près de deux mètres carrés. Cela a été suivi par des abstractions du style comique, qui a rappelé les images de Picasso, les sculptures en céramique et en métal et les peintures de paysage et les séries de coups de brosse, la composition de zones colorées avec une frontière noire et des zones pointillées sont restées.

Les grandes expositions commencent par cette production: en 1964, Lichtenstein a été le premier Américain à être exposé à la London Tate Gallery , en 1967, la première rétrospective de ses œuvres a eu lieu au Pasadena Art Museum en Californie et sa première exposition solo en Europe, qui déménage à Amsterdam, Londres, Bern et Hanover. En 1968, Lichtenstein a participé au documenta (IV) à Kassel , en 1969, la première rétrospective a suivi au musée Guggenheim de New York.

Le temps des honneurs, des expositions et des collections

En 1969, Lichtenstein a également été commandé par Gunter Sachs pour peindre "Leda et le cygne" pour la suite pop art de son hôtel du palais à St. Moritz En 1970, il est devenu membre de l' American Academy of Arts and Sciences et achète un entraîneur à Southampton à Long Island, où il construit un studio et passe un temps d'isolement relatif.

Au cours de la décennie suivante, il n'y avait pas beaucoup de nouveau dans son style, il a découvert les illusions visuelles et a fait une grande variété de vies immobilières, a également traité de l'histoire de l'art et des images peintes basées sur le modèle d'artistes célèbres, tels que le "cavalier rouge" après le modèle Carlo Cararrà et 1980 la "scène forestière" pour claude Monet.

Dès le début des années 1960, Lichtenstein avait reproduit des chefs-d'œuvre de Cézanne, Picasso et Mondrian. Au total, il a fait plus de 100 interprétations de peintures bien connues de collègues célèbres, l'exposition "Roy Lichtenstein. Art as a motif". En 2010 au musée Ludwig à Cologne, cette page de l'artiste a traité.

Le voyage offert ici par le travail de Lichtenstein touche le cubisme et l'expressionnisme, le futurisme et la modernité, du style des années 1930 à la manière minimale et à la peinture abstraite . Lichtenstein ne copie pas, mais trouve des interprétations personnelles aussi intéressantes pour sa nouvelle édition des classiques que sa réduction exclusive du type pop comique est vraisemblablement regret.

Pendant ce temps, Lichtenstein a également traité ses propres œuvres, dans lesquelles Artist's Studio Series a été créée en 1973 et 1974 "Artist's Studio, Look Mickey" et d'autres nouvelles éditions. En outre, il y a eu des travaux commandés, une sorte de voiture pour les constructeurs automobiles BMW en 1977, une lampe de sculpture pour l'église de St. Mary's en Géorgie en 1978 et la "Mermaid" , une mission publique en 1979, elle est maintenant devant la plage de Fillmore Miami au Jackie Gleason Theatre. En 1977, Lichtenstein a également reçu son premier médecin honoraire, California Institute of the Arts, en 1980, il a été nommé médecin honoraire par Southampton College.

Dans les années 1980, Lichtenstein en avait évidemment assez des bandes dessinées et se retourne davantage vers ses racines, donc des paysages tels que "Sunrise" de 1984 et "Paysage with Red Roof" de 1985 et toute une série de "croquis de paysage" . D'autres commandes publiques interviennent: en 1984, la sculpture "Brushstrokes" , située sur l'aéroport international de Port Columbus, a été créée la "murale avec des coups de pinceau bleu" au Centre équitable de New York, 1992 à l'occasion des jeux olympiques de la sculpture " à New York à New York.

Et d'autres honneurs: en 1987, il est devenu médecin honoraire à l'Ohio State University, en 1993, il a reçu le doctorat honorifique du Royal College of Art, en 1995, le prix Kyoto et la «Médaille nationale des arts» américaine ont été récompensées, en 1996, il est devenu docteur honoraire de l'Université de Washington de Washington DC, dans l'ensemble, il a reçu plusieurs primes.

Ironiquement, le dernier travail de Lichtenstein était un logo de l'entreprise, pour DreamWorks Records et dans un style typique, bien que Lichtenstein s'était maintenant éloigné de ses images comiques. Si un spectateur découvre une contradiction ici, cela ne dérangerait certainement pas l'artiste décédé en 1997, Lichtenstein n'a jamais pris trop au sérieux: "Je ne pense pas que tout ce qui est entendu par elle est importée à l'art" ("Tout ce que mon travail met mon travail - je ne pense pas qu'il soit important pour l'art") est une citation connue de lui (pour trouver dans le livre "Roy Lichtenstein" By by John Coplans, est apparu dans 1992 dans le livre " York, p.

La critique aurait été vraiment violente, par exemple Par exemple, le "Magazine Life" a écrasé un article avec la question de savoir si Lichtenstein le pire artiste des États-Unis " l'art de soutien à Pulitzer-Prize Mirrors Man , après que " Lichtenstein ne fasse pas plus ou moins pour les bandes dessinées que pour la soupe. " (" Lichtenstein a fait autant ou peu pour les bandes dessinées qu'Andy Warhol pour la soupe ").

Lichtenstein aurait parfois admis que la critique l'a parfois violé, mais est décrite comme un ami amical et en relation avec son évaluation des interlocuteurs détendus prononcés.

Œuvres d'art de Roy Lichtenstein sur Pinterest

Réverbération disgracieuse

Si vous supposez les prix qui sont payés pour un «lichtenstein» aujourd'hui, il avait vraiment toutes les raisons de sérénité - les millions de sommes payées au cours de sa vie sont depuis environ.

C'est d'autant plus regrettable lorsque, en 2013, pendant des décennies et demie après la mort de l'artiste, des «muses» présumées qui apparaissent qui, sans aucun respect pour les près de trois décennies de deuxième mariage à Lichtenstein à la veille, aimeraient faire une grande rétrospective de ses œuvres de la connaissance de l'artiste.

Ou lorsque le propriétaire de la galerie qui a représenté Lichtenstein à la fin de sa vie et a depuis commercialisé sa succession, en particulier avec des différends juridiques sur l'art de Lichtenstein ...

parler de ce propriétaire de la galerie , mais c'est un autre sujet sur lequel il y aura quelque chose à lire bientôt.