Pablo Picasso: Master of Cubism - Biographie, travail et vie

Pablo Picasso (1881–1973) était un artiste espagnol connu pour sa peinture, ses gravures et ses sculptures.

Cet artiste andalou est considéré comme l'un des artistes les plus importants du XXe siècle et a créé au total environ 50 000 œuvres d'art (dont plus de 15 000 peintures).

Picasso est né à Malaga , fils du peintre José Ruiz Blasco et de son épouse Maria Picasso y Lopez. À partir de 1901, il utilisa le nom de famille de sa mère, d'origine italienne, comme nom d'artiste. Il appréciait particulièrement ce nom pour la sonorité harmonieuse des deux « s » qu'il y associait.

Quand on considère la diversité des expressions artistiques dans l'œuvre de Picasso, il devient vite évident que le peintre espagnol était un artiste extraordinaire.

Bien que son œuvre soit immense, Picasso n'a jamais négligé la méticulosité de chacune de ses créations : pour le tableau « Les Demoiselles d'Avignon » (mars-juillet 1907, conservé au MoMA), il réalisa pas moins de 809 études préparatoires. Ce tableau, cependant, est une œuvre à part, considérée chef-d'œuvre du modernisme classique

Cet article offre un aperçu de la vie tumultueuse de Picasso, de son œuvre artistique et de sa biographie. Plongeons ensemble dans l'univers de l'un des artistes les plus importants de tous les temps.

Profil et courte biographie

Profil – Informations clés

Les faits les plus importants concernant l'artiste aujourd'hui célèbre dans le monde entier :

Courte biographie

Pablo Ruiz est né le 25 octobre 1881 à Malaga, fils d'un professeur d'art. Il adopta plus tard le nom de famille de sa mère, Picasso, et grandit à Barcelone, où il révéla très tôt son talent artistique.

À l'âge de 14 ans, il est admis à l'Académie de La Llotja à Barcelone, où son père travaillera plus tard comme professeur de dessin. Pablo Picasso a également étudié brièvement à l'Académie royale de San Fernando à Madrid.

Au début du XXe siècle, il fit des allers-retours entre la France et l'Espagne avant de s'installer définitivement à Paris en 1904. Dans la Ville Lumière, il expérimenta différents styles et développa ses propres œuvres distinctives.

Le marchand d'art Ambroise Vollard organisa une exposition d'œuvres de l'artiste espagnol dans sa galerie parisienne. Ces œuvres sont aujourd'hui connues sous le nom de Période bleue . Durant cette période, Picasso réalisa principalement des toiles mélancoliques, dont les profonds tons bleus donnèrent leur nom à cette phase artistique. La Période rose , quant à elle, qui s'étendit de 1905 à 1907, se caractérise par une atmosphère beaucoup plus joyeuse et aborde des thèmes liés au monde du cirque.

En 1907, Picasso a peint l'œuvre révolutionnaire « Les Demoiselles d'Avignon » , qui a introduit un nouveau style : le cubisme .

Les mois suivants furent marqués par une collaboration intense avec son proche collaborateur Georges Braque, qui partageait l'admiration de Picasso pour l'art de Paul Cézanne. Ensemble, ils développèrent le cubisme analytique, dans lequel les couleurs et les formes sont décomposées en fragments géométriques.

Une autre innovation majeure de Picasso fut l'introduction du collage , technique par laquelle il intégrait à ses peintures des matériaux tels que des morceaux de tissu, de journaux ou de publicités. Dès lors, Picasso changea fréquemment de style et expérimenta avec la peinture, la sculpture et des éléments surréalistes.

Pablo Picasso fit bientôt la connaissance de la gracieuse Olga Khokhlova alors qu'il travaillait sur les décors et les costumes des Ballets russes. À partir de 1917, elle fut son modèle, puis son épouse. L'année précédente, il avait déjà créé les costumes et les décors d'un autre ballet.

Pablo Picasso a traversé une période stylistiquement diversifiée, puisant son inspiration dans le cubisme, la tradition classique et les motifs classiques. Bien qu'il ait participé à une importante exposition surréaliste en 1925, il n'est pas considéré comme appartenant au mouvement, car il tirait principalement son inspiration de son environnement réel. Ses peintures ne reflètent donc pas les mondes oniriques et les domaines diffus de l'inconscient caractéristiques du surréalisme.

À partir de 1934, Picasso explore à plusieurs reprises le thème de la tauromachie et crée en 1937 l'important tableau Guernica , qui critique la guerre. Cette œuvre est aujourd'hui considérée comme un chef-d'œuvre de l'art du XXe siècle , inspirée par la destruction d'une ville espagnole par les bombardiers allemands durant la guerre civile espagnole .

Partisan du gouvernement républicain, Picasso lutta contre le général Francisco Franco et ne retourna jamais en Espagne après sa victoire.

À partir de 1943, le peintre espagnol a entretenu une relation avec l'artiste française Françoise Gilot .

Dans les années qui suivirent, Picasso privilégia la lithographie comme technique graphique et expérimenta également le vitrail et la céramique. Sa seconde épouse, Jacqueline Roque, devint son modèle le plus fréquemment représenté.

Contrairement à de nombreux artistes, Pablo resta à Paris pendant l'occupation allemande. De 1946 jusqu'à sa mort en 1973, il vécut principalement dans le sud de la France, où il continua à créer une œuvre variée, comprenant des peintures , des sculptures , des gravures et des céramiques.

Pablo Ruiz y Picasso succomba à une crise cardiaque à Mougins, près de Cannes, en 1973 (d'autres sources évoquent une embolie pulmonaire). Son œuvre perdure au Musée Picasso Musée Picasso de Paris ouvrit ses portes à titre posthume en 1985

Tout au long de sa vie, ce peintre passionné a entretenu diverses relations avec des femmes qui furent souvent à la fois ses muses et ses amantes. Il était père de quatre enfants.

Pablo Picasso – Vie et œuvre en détail

1881-1896 : Enfance et jeunesse

L'artiste du siècle était issu d'une famille où son père, José Ruiz Blasco, était professeur d'art et sa mère s'appelait Maria Picasso López.

Dès l'âge de 10 ans, il fit preuve d'un talent exceptionnel pour le dessin et devint l'élève de son père après le déménagement de la famille à La Corogne en 1891. À partir de ce moment, il commença à expérimenter avec ce qu'il avait appris et à développer de nouvelles formes d'expression.

Grâce à son esprit d'exploration, son talent surpassa rapidement celui de son père. À La Corogne, son père le soutint en exposant ses premières œuvres alors que Pablo n'avait que 13 ans – preuve de son talent et de son succès.

À l'automne 1895, la famille s'installa à Barcelone et Pablo s'inscrivit à l'académie des beaux-arts ( La Llotja ), où son père enseignait le dessin. La famille fondait de grands espoirs sur la réussite de leur fils en tant que peintre académique.

1897-1898 : Premiers honneurs et formation artistique complémentaire à Madrid

En 1897, la future renommée de Pablo en Espagne semblait assurée ; son tableau « Science et Charité » reçut une mention honorable à l'Exposition des Beaux-Arts de Madrid

La jeune capitale espagnole semblait être la prochaine étape pour l'artiste prometteur Pablo Ruiz, qui aspirait à la reconnaissance et souhaitait répondre aux attentes de sa famille.

À l'automne 1897, il partit pour Madrid et s'inscrivit à la prestigieuse Académie royale de San Fernando . Cependant, il y trouva l'enseignement improductif et consacra de plus en plus de temps à observer la vie qui l'entourait : dans les cafés, dans la rue, dans les maisons closes, et surtout au musée du Prado , où il découvrit la peinture espagnole

Il écrivit avec enthousiasme :

Le musée d'art est magnifique. Velázquez est exceptionnel ; El Greco a créé de magnifiques têtes, mais Murillo ne me convainc pas avec toutes ses œuvres

Les œuvres de ces maîtres célèbres, ainsi que d'autres, ont inspiré Picasso à diverses reprises au cours de sa longue carrière. Par exemple, en 1898, au Prado, il copia des œuvres de Goya (un portrait du torero Pepe Illo et un dessin pour l'un des Caprices représentant une Célestine vérifiant les bas d'une jeune Maja).

Ces personnages réapparaissent plus tard dans l'œuvre tardive de Pablo Picasso – Pepe Illo apparaît dans une série de gravures (1957) et Celestina devient une sorte d'autoportrait voyeuriste, notamment dans la série de gravures connue sous le nom de Suite 347 (1968).

Le peintre tomba malade au printemps 1898 et passa la majeure partie du reste de l'année à se rétablir dans le village catalan d'Horta de Ebro, accompagné de son ami Manuel Pallarès de Barcelone.

1899-1901 : Influencé par le milieu artistique de Barcelone

Lorsque Picasso revint à Barcelone , sa vie avait radicalement changé : il était devenu plus fort, avait appris à vivre seul à la campagne et parlait désormais catalan. Mais surtout, il avait décidé de quitter l’école d’art et de rejeter les projets que sa famille avait pour son avenir.

Il préférait même le nom de famille de sa mère et signait généralement ses œuvres PR Picasso. À la fin de 1901, il avait complètement abandonné le nom de Ruiz.

À Barcelone, il fréquentait un cercle d'artistes et d'écrivains catalans qui concentraient leur attention sur Paris.

Il s'agissait de ses amis du Café Els Quatre Gats , nommé d'après le Chat Noir parisien . Picasso y organisa sa première exposition à Barcelone en février 1900, suivie d'autres expositions présentant plus de 50 portraits (réalisés selon diverses techniques).

En outre, il y avait un tableau sombre et atmosphérique de « Modernista » intitulé « Derniers instants » (recouvert plus tard), qui représente un prêtre visitant le lit d’une femme mourante.

Cette œuvre fut acceptée pour la contribution espagnole à l'Exposition universelle de Paris. Désireux de voir son œuvre en personne et de découvrir Paris de visu, Pablo Picasso, accompagné de son collègue d'atelier, le Catalan Carlos Casagemas (1880-1901), entreprit de conquérir – au moins une partie de Montmartre, sinon tout Paris.

1900-1901 : La découverte de Paris et la perte d'un ami fidèle

L'une des découvertes artistiques les plus importantes que Picasso fit lors de son séjour à Paris (octobre-décembre) fut l' utilisation de couleurs vibrantes . Il ne s'agissait pas des couleurs ternes de la palette espagnole ni du noir des foulards des Espagnoles, mais de teintes éclatantes – comme celles que l'on trouve Vincent van Gogh

Utilisant divers médiums tels que le fusain, le pastel, l'aquarelle et l'huile, Picasso a immortalisé la vie parisienne ( Les Amoureux de la rue , 1900). Dans l'œuvre « Moulin de la Galette » (1900), il rend hommage à des artistes français comme Henri de Toulouse-Lautrec , ainsi qu'à l' artiste suisse Théophile Alexandre Steinlen et à son compatriote catalan Ramon Casas

Après seulement deux mois, il accompagna Casagemas, désespéré suite à une rupture amoureuse, jusqu'en Espagne. À Malaga, Picasso tenta en vain de remonter le moral de son ami et décida finalement de poursuivre son voyage jusqu'à Madrid. Il y trouva un poste de rédacteur artistique pour la revue « Arte Joven », .

Casagemas retourna à Paris, tenta d'abattre la femme qu'il aimait, puis retourna l'arme contre lui et mourut. Les conséquences pour Pablo furent lourdes : il ne s'agissait pas seulement de la perte de son ami fidèle et du sentiment de culpabilité qu'il pouvait éprouver pour l'avoir abandonné.

Plus crucial encore fut le fait qu'il puisait son inspiration dans cette expérience émotionnelle et dans les matériaux collectés, ce qui allait produire la puissante expressivité des œuvres de sa période dite bleue.

Quelques mois plus tard, en 1901, Picasso peignit deux portraits du défunt Casagemas, ainsi que deux scènes de deuil et une incantation. En 1903, Casagemas lui-même fut représenté en artiste dans le mystérieux tableau « La Vie » .

1901-1904 : La période bleue de Pablo Picasso

s'ensuit Période bleue , durant laquelle Pablo Picasso rencontre d'autres artistes avec lesquels il discute de leur travail. Il vit alors déjà à Montmartre, à Paris, et s'entoure de poètes, de peintres et d'écrivains, parmi lesquels Max Jacob et Juan Gris (figure importante du cubisme aux côtés de Georges Braque), ainsi que Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein et Henri Matisse.

Entre 1901 et mi-1904, Picasso fit des allers-retours entre Barcelone et Paris. Durant cette période, le bleu dominait ses toiles. Il transportait lui-même le matériel nécessaire à son travail d'un endroit à l'autre.

Un exemple en est ses visites à la prison pour femmes Saint-Lazare à Paris de 1901 à 1902, qui lui ont fourni des modèles gratuits et des sujets captivants ( La Soupe, 1902).

Ses représentations des habitants des rues de Barcelone reflétaient ces visites : des mendiants aveugles ou solitaires et des naufragés dans les années 1902-1903 ( Femme accroupie , 1902 ; Repas d'un aveugle, 1903 ; Vieux Juif et un garçon, 1903).

la maternité également Picasso à cette époque, car les femmes étaient autorisées à garder leurs enfants allaités auprès d'elles en prison. Dans sa recherche de matière pour exprimer les thèmes traditionnels de l'histoire de l'art de manière contemporaine, il s'est inspiré de cette situation (le fait que les femmes soient autorisées à garder leurs enfants allaités auprès d'elles en prison).

1904-1906 : Installation à Paris et période rose

Au printemps 1904, Pablo Picasso prend finalement la décision de s'installer définitivement à Paris, et son œuvre reflète un changement de mentalité et, en particulier, une réaction à différents courants intellectuels et artistiques.

Le cirque ambulant et les acrobaties devinrent un thème qu'il partagea avec un nouvel ami important, Guillaume Apollinaire . Pour le poète comme pour le peintre, ces artistes itinérants déracinés ( « Jeune fille en équilibre sur une balle », 1905 ; « L'acteur », 1905) devinrent une sorte d'allusion à la place de l'artiste dans la société moderne.

Picasso a explicitement fait cette identification dans « La Famille des Saltimbanques » (1905), où il endosse le rôle d’Arlequin et Apollinaire celui de l’homme fort (selon leur ami commun, l’écrivain André Salmon).

La situation personnelle de Picasso changea également lorsque Fernande Olivier devint sa compagne à la fin de 1904. Sa présence inspira de nombreuses œuvres dans les années précédant le cubisme, notamment lors de son voyage à Gosol en 1906 (Femme aux miches de pain).

Étonnamment, la couleur n'a jamais vraiment été facile à maîtriser pour ce peintre de talent, et il est donc revenu à une palette généralement plus espagnole (c'est-à-dire monochrome).

Les tonalités de la Période bleue furent remplacées, durant la Période rose (de fin 1904 à 1906), par celles de la céramique, de la chair et de la terre elle-même ( Le Harem, 1906). Picasso semble avoir travaillé la couleur pour aborder la forme sculpturale, notamment en 1906 ( Deux Nus ; La Toilette ).

Son portrait de Gertrude Stein (1906) et un autoportrait avec palette (1906) montrent cette évolution ainsi que l'influence de sa découverte de la sculpture ibérique archaïque .

1906-1909 : Beaucoup de battage autour des Demoiselles d'Avignon

En 1906, Pablo Picasso entreprit la réalisation d'une œuvre controversée intitulée « Les Demoiselles d'Avignon », caractérisée par sa représentation violente du corps féminin et le traitement des visages, évoquant des masques. Bien qu'ancrée dans la tradition artistique, elle fut perçue comme une attaque directe, car les femmes représentées étaient des prostituées et remettaient en question les conventions.

Picasso retira le tableau de la vue du public pendant plusieurs années, malgré la présence de collectionneurs. En 1908, il remplaça les rayures d'inspiration africaine et les têtes aux allures de masques par une nouvelle technique, des éléments des œuvres de Cézanne intégrées avec son nouvel ami Georges Braque.

Les peintures de Picasso de 1909, en particulier, révélaient l'espace plat et les coups de pinceau caractéristiques qu'il avait découverts dans l'œuvre de Cézanne. La nature morte devint également un thème important pour Picasso, inspiré par Cézanne. Parmi les têtes cubistes de Fernande figurent la sculpture « Tête de femme » (1909) et diverses peintures apparentées telles que « Femme aux poires » (1909).

1909-1912 : L'invention du cubisme

Picasso et Braque ont travaillé en étroite collaboration au cours des années suivantes (1909-1912) – ce fut la seule fois où Picasso a collaboré avec un autre artiste de cette manière.

Ensemble, ils ont développé ce que l'on appelle le cubisme analytique . Les premières peintures cubistes étaient souvent mal comprises par les critiques et les spectateurs, car elles étaient considérées comme de l'art géométrique

Les peintres eux-mêmes étaient cependant convaincus que leurs œuvres représentaient une nouvelle forme de réalité , qui différait du style traditionnel de la Renaissance – notamment par le renoncement à la perspective et aux illusions .

Par exemple, sur leurs toiles, ils représentaient simultanément différentes vues d'un objet afin de transmettre plus d'informations qu'il n'aurait été possible de le faire avec une seule représentation limitée et illusoire.

Pour Kahnweiler – galeriste, historien d'art et érudit franco-allemand contemporain de Picasso – le cubisme était une méthode permettant d'ouvrir les formes fermées. Au lieu d'imiter illusionnistement les objets, on les « reproduisait » .

Apollinaire comparait ce processus analytique de fragmentation des objets, de l'espace, de la lumière et de l'ombre, et de la couleur à une dissection chirurgicale.

Picasso appliqua ce type d'analyse à partir de 1909, notamment dans les paysages qu'il peignit lors d'un voyage en Espagne durant l'été de cette année-là ( L'Usine à Horta de Ebro ). Une série de portraits hermétiques suivit en 1910 ( Ambroise Vollard ; Daniel-Henry Kahnweiler ) ; dans ses toiles de 1911-1912, les personnages sont souvent assis devant des instruments de musique ( L'Accordéoniste, 1911).

Ici, l'artiste a fusionné figures, objets et espace avec une énergie débordante. La palette se limitait une fois de plus à des tons monochromes d'ocre, de brun et de gris.

Picasso, comme beaucoup de ses amis désormais légendaires, vivait à cette époque à la résidence d'artistes du Bateau-Lavoir ; il se passait beaucoup de choses : le banquet donné par Picasso en Henri Rousseau fit longtemps parler de lui, et Picasso et Apollinaire furent accusés d'avoir volé Joconde

Ni Braque ni Picasso n'ont cherché à embrasser pleinement l'abstraction dans leurs œuvres cubistes. Cependant, ils ont tacitement accepté des incohérences telles que la présence de différents points de vue, axes et sources de lumière au sein d'une même image. De plus, la combinaison d'éléments abstraits et figuratifs sur un même plan a conduit les deux artistes à réexaminer la signification d'éléments bidimensionnels comme les légendes de journaux.

Un exemple en est le titre de la chanson « Ma Jolie », qui pourrait faire référence à des événements extérieurs au tableau ou à des éléments de composition au sein même de celui-ci. L’inclusion de texte donnait l’impression que les tableaux cubistes pouvaient être interprétés à partir de leur surface plutôt que par une immersion (comme c’est traditionnellement le cas).

De plus, la manipulation de la forme de l'image par les cubistes – par exemple, en utilisant un ovale – a redéfini le bord de l'œuvre et a souligné que, dans une peinture cubiste, la toile représente l'espace réel.

les œuvres de Picasso acquirent progressivement une reconnaissance internationale ; elles attirèrent l'attention en Allemagne en 1910 et aux États-Unis en 1911. Après une période d'inactivité artistique pendant la Première Guerre mondiale, il fit une incursion – tant artistique qu'autre – dans le ballet, qui aboutit à son mariage, moment où il abandonna son mode de vie bohème.

1912-1915 : Le cubisme synthétique – La naissance du collage

À partir de 1912, Picasso et Braque ont collé du vrai papier ( papier collé ) et d'autres matériaux ( collage ) sur leurs toiles.

Ce faisant, ils ont approfondi le concept cubiste d'œuvre d'art en tant qu'objet indépendant et construit. Durant la phase synthétique, de 1912 à 1914, les couleurs ont été réintroduites, tandis que des matériaux industriels tels que le sable ou le papier peint imprimé étaient fréquemment utilisés.

Les natures mortes et, parfois, les portraits, étaient les principaux motifs des deux artistes. Dans les œuvres de Picasso, diverses références se mêlent dans ses compositions synthétiques : des courbes qui évoquent à la fois les guitares et les oreilles.

Cela introduit une dimension ludique dans ses œuvres, caractéristique de nombre d'entre elles (par exemple, « Étudiant à la pipe », 1913). Ces références suggèrent une métamorphose.

« Verre à absinthe » en est un exemple . Elle se compose en partie d’une sculpture (moulage en bronze), en partie d’un collage (une véritable passoire à sucre en argent est soudée sur le dessus) et en partie de peinture (des coups de pinceau néo-impressionnistes recouvrent les zones blanches).

Mais cette œuvre n'est ni sculpture, ni collage, ni peinture ; elle comporte des strates qui évoquent la bidimensionnalité, bien que l'objet soit en réalité tridimensionnel. L'œuvre oscille ainsi entre réalité et illusion.

En 1915, la vie de Picasso prit un tournant décisif, tout comme son art. À la fin de l'année, sa bien-aimée Eva décéda, et le tableau « Arlequin » (1915), auquel il avait travaillé durant sa maladie, témoigne de son chagrin. Il représente un artiste mi-Arlequin, mi-Pierrot, devant un chevalet et une toile inachevée sur fond noir.

1915-1917 : Première Guerre mondiale, avant-garde et défilé

Le cercle des cubistes fut déchiré par la Première Guerre mondiale. Tandis qu'Apollinaire, Braque et d'autres partaient au front, la plupart des compatriotes espagnols de Picasso rentraient dans leur patrie neutre. Picasso resta en France et, en 1916, se lia d'amitié avec le compositeur Erik Satie , ce qui l'introduisit dans un nouveau cercle d'avant-garde qui demeura actif même pendant la guerre.

Le jeune poète Jean Cocteau se proclama chef de file de ce groupe de personnes talentueuses qui fréquentaient le Café de la Rotonde . Son idée d'une représentation théâtrale en temps de guerre, en collaboration avec les Ballets russes de Serge Diaghilev, donna naissance à « Parade », une œuvre sur un spectacle de cirque mettant en scène des images du nouveau siècle, comme des gratte-ciel et des avions.

Pour la musique, Cocteau fit appel à Satie, et pour les décors et les costumes, à Picasso. Les travaux commencèrent en 1917 et, bien que Picasso n'aimât guère voyager, il accepta de se rendre à Rome avec Cocteau pour rejoindre Diaghilev et le chorégraphe Léonide Massine.

C’est à cette occasion que Picasso rencontra sa future épouse, Olga Khokhlova, parmi les danseurs. « Parade » fut créée en mai 1917 au Théâtre du Châtelet à Paris et fut perçue comme une tentative de saper la solidarité culturelle française.

Satie semblait être la principale cible des insultes, notamment en raison de l'inclusion d'hélices d'avion et de machines à écrire dans sa partition. Picasso a désarmé le public par le contraste entre le rideau de scène, d'un réalisme saisissant, et les impressionnantes constructions cubistes synthétiques portées par les personnages du ballet, en particulier le directeur de la fête foraine.

1917-1924 : Le nouveau méditerranéen

Les peintures et les dessins de Picasso datant de la fin de son adolescence apparaissent souvent étonnamment réalistes par rapport à ses œuvres cubistes antérieures, parfois créées en parallèle (comme « Passeig de Colom », 1917).

Suite à ses voyages en Italie nouvel esprit méditerranéen émerge dans son œuvre , notamment à travers l'utilisation de formes et de techniques de dessin classiques.

Cette influence fut renforcée par son intérêt conscient pour J.-A.-D. Ingres (par exemple, dans les portraits dessinés par Picasso de Max Jacob et d'Ambroise Vollard ) ainsi que pour le regretté Pierre-Auguste Renoir . Même son œuvre cubiste en fut influencée.

Il devint un peintre reconnu, représenté dans le monde entier par deux marchands d'art à partir de 1918. Cette année-là, Picasso rompit définitivement avec les cubistes et expérimenta différents styles jusqu'en 1924.

Par une représentation plus précise des surfaces, des formes et des couleurs, l'artiste confère à ses peintures cubistes une expression classique. Cela est clairement visible dans la nature morte « Saint-Raphaël » (1919) ou dans les deux versions des « Trois Musiciens » (1921).

Paulo, fils unique de Picasso et d'Olga, naquit en 1921. Fort de sa nouvelle notoriété mondaine, Picasso poursuivit sa collaboration avec les Ballets russes. Il créa alors les costumes du Tricorne (1919), de Pulcinella d'Igor Stravinsky Cuadro Flamenco de Falla (1921) et du ballet Mercure de Satie, présenté dans Soirées de Paris Kompanie (1924).

André Breton décrivait les dessins de Picasso pour ce ballet comme des « jouets tragiques pour adultes » créés dans l'esprit du surréalisme

1924-1935 : Influences surréalistes

surréalisme , mouvement littéraire et artistique majeur de l'entre-deux-guerres . L'establishment surréaliste, notamment son principal propagandiste André Breton, le considérait comme l'un des leurs, et l'art de Picasso s'enrichit d'une nouvelle dimension grâce à ses contacts avec ses amis surréalistes, en particulier les écrivains.

Nombre d'éléments approuvés par le cercle officiel étaient déjà présents dans l'œuvre de Picasso depuis Les Demoiselles d'honneur. La création de monstres, par exemple, se percevait assurément dans les juxtapositions troublantes et les contours fragmentés de la figure humaine dans les œuvres cubistes ; Breton citait notamment L'Étrange Femme en chemise (1913).

De plus, l'idée sous-jacente du cubisme synthétique, qui consiste à lire une chose pour en lire une autre, semblait s'aligner sur l'imagerie onirique des surréalistes.

Ce que Picasso a retiré du mouvement surréaliste, ce sont de nouveaux thèmes – notamment érotiques – ainsi qu'une intensification des éléments troublants déjà présents dans son œuvre.

Les nombreuses variations sur le thème des baigneuses, avec leurs formes ouvertement sexualisées et déformées (série de Dinard, 1929), témoignent clairement de l'influence du surréalisme. Dans d'autres œuvres, l'effet de distorsion sur les émotions du spectateur peut également être interprété comme satisfaisant, ce qui correspond aux objectifs psychologiques du surréalisme. Les dessins et peintures de Picasso représentant la Crucifixion (1930-1935) en sont un bon exemple.

Dans les années 1930, Picasso, à l'instar de nombreux écrivains surréalistes, jouait souvent avec l'idée de métamorphose . Par exemple, l'image du Minotaure, le monstre de la mythologie grecque – mi-homme mi-taureau – traditionnellement perçu comme l'incarnation de la lutte entre l'homme et la bête, devient dans l'œuvre de Picasso non seulement une allusion à cette idée, mais aussi une sorte d'autoportrait.

À cette époque, son mariage commença également à se dégrader ; Picasso avait parfois deux amantes simultanément, qui, selon lui, « devraient régler leur rivalité entre elles ». durant cette période, lien entre sexualité et créativité artistique – un thème qui le préoccuperait jusqu’à la fin de sa vie.

Finalement, Picasso trouva sa propre forme de surréalisme , qu'il exprima principalement à travers la poésie . En 1935, il commença à écrire des poèmes et, en l'espace d'un an, de février 1935 au printemps 1936, il abandonna pratiquement la peinture.

Ses recueils de poésie ont été publiés dans les Cahiers d'Art (1935) et dans La Gaceta de Arte (1936 à Tenerife). Quelques années plus tard, il a écrit la pièce surréaliste « Le Désir attrapé par la queue » (1941).

Mais d’abord survint la guerre civile espagnole (1936-1939), qui ébranla Picasso et donna naissance au célèbre tableau Guernica .

La Seconde Guerre mondiale éclata peu après ; Picasso resta à Paris pendant cette période. En 1945, l’isolement prit fin et il se tourna vers le sud de la France, où il créa ses dernières œuvres dans différents lieux.

Cela inclut également la colombe de la paix , que nous connaissons tous, et qu'il a conçue en 1949 pour une affiche du Congrès mondial de la paix à Paris.

Œuvres de Pablo Picasso dans notre galerie en ligne :

Une rétrospective complète de l'œuvre du maître cubiste :

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Liste des sources et bibliographie

livres

• Karmel, Pepe : Picasso et l'invention du cubisme . New Haven : Yale University Press, 2003.
• Léal, Brigitte, Christine Piot et Marie-Laure Bernadac :  L'ultime Picasso . New York : Abrams, 2003.
• Olivier, Fernande : Aimer Picasso : Le journal intime de Fernande Olivier . Édité par Marilyn McCully. New York : Abrams, 2001.
• Richardson, John :  Une vie de Picasso. 2 vol . New York : Random House, 1991-1996.

Internet

• Britannica : Pablo Picasso , https://www.britannica.com/biography/Pablo-Picasso/Cubism
• James Voorhies : Pablo Picasso (1881–1973) , Département des peintures européennes, Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/toah/hd/pica/hd_pica.htm
• NEUMEISTER – Maison de vente aux enchères d'art munichoise : Pablo Picasso , https://www.neumeister.com/kunstwerksuche/kuenstler/3729/0/