Marina Abramovic: Art pour les sociétés destructrices

L’article « Marina Abramović ou “L’artiste et son histoire” » relate en détail le contexte historique et personnel qui influence la perception de l’artiste Marina Abramović et de son œuvre (peut-être plus que pour d’autres artistes).

L'attention se porte désormais sur l'évolution d'Abramović en tant qu'artiste et sur le développement de son œuvre.

Comment Marina Abramovic est-elle venue à l'art et à son œuvre ?

L'article que je viens de mentionner à propos de l'artiste Abramović montrait que Marina Abramović est issue d'une famille où l'art et la créativité ont joué et jouent encore un rôle majeur.

Marina Abramović a déclaré dans une interview : « J’ai toujours su que je vivrais comme une artiste. C’était une nécessité […] la seule façon pour moi de fonctionner dans ce monde » (Lynn MacRitchie, 1996, « Marina Abramović : Exchanging Energies », Performance Research, Volume 1, p. 29).

Abramović a étudié la peinture à l'Académie des Beaux-Arts de Belgrade immédiatement après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, de 1965 à 1970. Ses camarades de l'académie la décrivaient comme une jeune femme d'une beauté saisissante, sûre de son influence sur les autres, dotée d'un talent exceptionnel pour la communication et toujours d'un optimisme enthousiaste.

À cette époque, Abramović peignait des œuvres figuratives sophistiquées et de bon goût sur des toiles plus grandes que celles de tout autre étudiant, créant ainsi de puissantes toiles de plus de deux mètres carrés. À partir de 1968, il commença à publier des textes, des dessins et ses premières œuvres conceptuelles.

Ce qui s'est inexorablement transformé en art de la performance comme expression artistique d'Abramović, bien que seulement à travers des rejets et des coïncidences :

En 1970, Abramović voulait réaliser sa première performance dans une célèbre galerie de Belgrade – en remplaçant progressivement ses propres vêtements devant un public par les vêtements de sa jeunesse choisis par sa mère (jupe mi-mollet, bas épais, chaussures rappelant des chaussures orthopédiques), puis en plaçant un pistolet chargé d'une balle sur sa tête et en appuyant sur la détente.

Soit cette proposition de la galerie Doma Omaldine était trop dangereuse, soit la protestation de la jeunesse contre les tentatives protectrices de mères inquiètes pour réduire l'attrait physique était trop radicale pour eux ; dans tous les cas, la proposition d'Abramović a abouti à une exposition de ses premières œuvres abstraites , une série de peintures de nuages.

La première performance d'Abramović n'eut donc lieu qu'en 1971, lorsqu'elle et d'autres étudiants exposèrent leurs œuvres au SKC (Studentski kulturni centar Beograd = Centre culturel étudiant de Belgrade) en octobre. Abramović s'était allongée sur une table dans une galerie voisine (elle était censée être simplement fatiguée), et l'artiste Era Milivojević l'enveloppa avec n'importe quel ruban adhésif qu'il avait sous la main, jusqu'à ce qu'elle ressemble à une momie – une performance artistique était en train de se produire, même si le sens de l'œuvre devait être réinterprété.

L'artiste avait visiblement apprécié l'expérience ; à partir de 1973, elle commença à créer ses propres performances et à les planifier.

Ils n'ont pas simplement utilisé du ruban adhésif ; Marina Abramović a clairement indiqué dès ses premières performances que plaire à l'art institutionnel n'était pas son truc.

Peu de temps après, en 1975, elle le fit savoir à un public plus large en participant à une performance d' Hermann Nitsch . Le cofondateur de l'actionnisme viennois n'était plus viennois à cette époque ; il avait tellement exaspéré les « Rhénans de l'Est » au début des années 1960 avec des actions picturales scandaleuses et des performances de théâtre mystérieux mêlant orgies et mystères que les autorités l'avaient empêché de créer et de se produire pendant des semaines par l'emprisonnement, ce à quoi Nitsch avait finalement réagi en s'installant en Allemagne.

Pour Nitsch comme pour Abramović, la collaboration avec un autre artiste fut un échec : Nitsch n'employa par la suite que des non-professionnels, tandis qu'Abramović confia manquer de motivation pour travailler selon le concept d'autrui ; la performance fut si insignifiante qu'aucun compte rendu détaillé n'existe. Pourtant, Hermann Nitsch et Marina Abramović parvinrent à figurer dans la liste des « 10 performances artistiques les plus choquantes de tous les temps » établie par le quotidien londonien « The Guardian » en 2013.

Tout le monde le sait ! – Les œuvres les plus importantes de Marina Abramovic

Le fait que l'art institutionnel ne soit pas son truc est également démontré par les œuvres les plus importantes d'Abramović, que la plupart des gens (instruits en Europe centrale) connaissent – ​​et même ce bref aperçu montre clairement à quel point l'art de Marina Abramović est dynamique :

« Balkan Baroque » est une installation vidéo performative qu’Abramović a présentée en 1997 au pavillon yougoslave de la 47e Biennale de Venise. Abramović y commentait sa patrie et le conflit balkanique en frottant quotidiennement, pendant des heures, des montagnes d’ossements de bétail frais à l’aide d’une brosse, parallèlement à un triptyque de projections vidéo, tout en chantant des chants funéraires de sa région natale.

« Seven Easy Pieces » au musée Solomon R. Guggenheim de New York. La performance a duré sept jours et reprenait six performances historiques d'autres artistes qui avaient fait sensation dans les années 1960 et 1970 ; la septième performance était sa propre œuvre nouvelle.

Abramović a fait référence à :

• « Lit de semences » de Vito Acconci, 1972
• « Comment expliquer des images à un lièvre mort » de Joseph Beuys, 1965
• de VALIE EXPORT, 1969
• de Bruce Nauman , 1974
• « Conditionnement » de Gina Pane (1973)
• Sa propre performance « Lips of Thomas » de 1975
• La nouvelle performance originale s'intitulait « Entrer de l'autre côté »

« L'artiste est présente ». Du 14 mars au 31 mai 2010, durant toute la durée de l'exposition, elle était assise à une table dans l'atrium du musée, une chaise étant placée en face d'elle pour les visiteurs.

Abramović est resté silencieux ; on peut constater à quel point les visiteurs étaient bavards en quelques minutes de la vidéo suivante…

…avec ce moment poignant où son compagnon de longue date, Ulay, s’est assis sur le siège du visiteur. Au total, Abramović est restée assise là pendant la durée stupéfiante de 721 heures ; à la fin de la performance, elle avait été vue par 750 000 visiteurs et « possédée » par plus de 1 500 personnes.

Ce ne sont certainement pas là tous les exemples « que tout le monde connaît » ; l’art de Marina Abramović est d’une richesse et d’une diversité extraordinaires :

L'art de Marina Abramovic : De la performance solo spectaculaire à la performance éternelle

La première performance de Marina Abramović en 1971, avec son attitude de momie, était encore assez sage, mais elle n'avait pas besoin de travailler avec le militant scandaleux Hermann Nitsch pour vraiment se lâcher :

En 1973, Abramović s'amuse, dans « Rythme 10 », à se poignarder les espaces entre les doigts écartés avec vingt couteaux (un clin d'œil aux artistes féminines du passé, voir Art-o-Gramm : Picasso – L'artiste, la vie et l'amour – Scènes 2 et 5 sur Dora Maar, qui s'adonnait elle aussi à cette pratique malsaine). Abramović, de toute façon, se mutile fréquemment et gravement, et pourtant « Rythme 10 » est encore (ou peut-être grâce à cela) considérée comme sa première œuvre « adulte ».

Dans Rythme 5 (1974), Abramović imbibe de 100 litres d'essence un cadre en bois en forme d'étoile à cinq branches (censé évoquer l'« Étoile rouge » communiste), y met le feu, puis, après quelques acrobaties, saute à l'intérieur du cadre et s'allonge sur le sol de la galerie. Elle perd aussitôt connaissance dans cet espace désormais dépourvu d'oxygène.

Abramović a été secourue par un spectateur qui venait de remarquer que l'immobilité inhabituelle de Marina Abramović contrastait avec le dynamisme du spectacle ; l'ambulance est arrivée juste à temps et l'a emmenée à l'hôpital. On peut voir ici le spectacle en flammes, avec Abramović à demi morte au centre.

Abramović s'en sortit visiblement avec le moral ; la même année, il créa « Rythme 0 », une performance de six heures durant laquelle il se tenait silencieux au milieu du public. Ce dernier disposait de 72 objets, l'invitant à en faire ce qu'il voulait. Parmi ces objets figuraient des roses et des plumes, du parfum et du miel, du pain, du raisin et du vin, des ciseaux et un scalpel, des lames de rasoir et des clous, une barre de métal et un pistolet chargé.

Abramović voulait tester les limites du public. Tout a commencé en douceur : caresses, fleurs, baisers, nourriture… Très vite, on lui barbouillait le visage de rouge à lèvres, on lui versait de l’eau sur la tête, on lui enfonçait des épines de rose dans le nombril… À la moitié du spectacle, le public lui avait déjà arraché ses vêtements au rasoir ; à la quatrième heure, on explorait sa peau avec les mêmes lames, et un admirateur lui a même tranché la gorge pour boire son sang.

S’ensuivit une série d’agressions sexuelles que l’artiste, déterminée à explorer et à exposer les comportements humains collectifs, subit également ; lorsque le public remarqua sa soumission résolue, un groupe se forma pour la protéger.

Lorsque le pistolet chargé fut pointé sur la tempe d'Abramović et que son doigt fut placé sur la détente, une bagarre éclata dans le public… Affreux, effrayant, désillusionnant – lorsqu'Abramović se réveilla le lendemain matin, elle avait une mèche grise dans les cheveux.

Si seulement elle avait eu accès à l'époque aux connaissances disponibles sur Internet aujourd'hui ! Quelques informations suffisent pour comprendre que des groupes de personnes suivent des leaders charismatiques (qui ont manifestement de mauvaises intentions, même pour eux-mêmes) et acceptent inexplicablement des affirmations manifestement fausses comme vraies dès qu'ils sont déstabilisés, confrontés à la nouveauté ou au changement (on pourrait aussi dire que les groupes de personnes manifestent des tendances à l'autodestruction collective dès que la vie ne se déroule pas comme d'habitude ; Pegida vous salue).

Si Abramović s’était contentée de lire les rapports sur « La Vague », l’expérience de Milgram et l’expérience de conformité de Solomon Asch, elle n’aurait pas été moins effrayée ni moins désillusionnée, mais elle aurait peut-être pu s’épargner l’expérience physique…

• "La vague"
• Expérience de Milgram
• Expérience de conformité

Il est possible qu'Abramović se trouvait dans un état émotionnel fragile à cette époque, son premier mariage venant de se terminer. De 1971 à 1976, elle fut mariée à l'artiste serbe Neša Paripović , un ancien camarade de l'Académie de Belgrade, avec lequel elle avait également collaboré au centre culturel étudiant au début des années 1970.

Tous deux travaillaient au sein d'un groupe informel avec d'autres artistes, se consacrant ni plus ni moins qu'à la déconstruction du concept moderniste d'art. Même ce travail ne fut pas exempt de conflits ; lorsque le groupe dut faire face à une rencontre et à une discussion avec Joseph Beuys lors d'un festival à Édimbourg, en Écosse, en 1973, il se dissout peu après.

Le mariage ne s'est peut-être pas terminé de façon tout à fait paisible ; lorsque Neša Paripović a été sollicité pour une interview par James Westcott, biographe d'Abramović, au début des années 2000, il aurait tout simplement raccroché le téléphone.

En 1975, Marina Abramović a réalisé « Les lèvres de Thomas » dans une galerie en Autriche : entièrement nue, elle a mangé un kilo de miel, bu un litre de vin rouge, gravé un pentagramme sur son ventre avec des lames de rasoir et est restée allongée, ensanglantée et vacillante, sur une croix posée sur de la glace ; on dit qu'elle a enduré cela pendant une demi-heure.

Voici une image extraite du spectacle : [ Ouvrir l'image] (rejoué au musée Guggenheim de New York en 2005). Quatre autres performances, datant de 1975 et 1976, sont disponibles sur www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

En 1975, Abramović a créé « L’art doit être beau, l’artiste doit être beau » , une de ses œuvres majeures, dans laquelle elle aborde de manière approfondie et concrète la question de la beauté de l’artiste et de l’art, deux notions qui n’ont pu être éradiquées au sein de la bourgeoisie conservatrice depuis le « Système de philosophie théorique, partie 3, Théorie du goût » (1810) de Wilhelm Traugott Krug. Un extrait est présenté ci-dessous :

En 1975, Abramović s'installe également à Amsterdam, où elle rencontre l'artiste performeur allemand Frank Uwe Laysiepen (Ulay), dont elle tombe amoureuse. Ils vivent et travaillent ensemble de 1979 à 1988, menant une vie artistique nomade, constamment en déplacement, voyageant même jusqu'aux Aborigènes et au Tibet. Nombre de ses œuvres les plus célèbres et les plus marquantes datent de cette période.

« Charged Space » , 1978, fait désormais partie de la collection du Musée Ludwig de Cologne. Une image fixe de cette danse débridée, dédiée à Jane Crawford et Gordon Matta-Clark et dernière œuvre de leur série des « 14 Performances », est visible sur newmedia-art.org. La performance a eu lieu en mai 1978 dans le cadre des « European Performance Series » au Brooklyn Museum de New York.

En 1980, « Rest Energy »  : une performance où Ulay tenait une flèche et Abramović l’arc ; tous deux, penchés en arrière, la flèche pointait vers le cœur d’Abramović. Leurs vies étaient entre ses mains, comme si souvent lors de leurs performances communes.

En 1982, Abramović et Ulay ont installé un cactus dans une galerie d'art lors de leur performance « Comme Luther », l'ont entouré de fil barbelé et ont demandé aux galeristes de lui parler gentiment chaque jour. Ils voulaient voir s'il perdrait ses épines dans cette atmosphère protégée et bienveillante (ce qui ne fut pas le cas).

Et cela continua ainsi (laissant place à vos propres découvertes de performances spectaculaires) jusqu'à ce qu'Abramović et Ulay se séparent en 1988/1989. Bien sûr, pas comme ça, et pas de mauvaise humeur, mais avec une performance — une performance de trois mois sur la Grande Muraille de Chine.

Ulay est parti de l'ouest, Abramović de l'est, puis ils ont chacun parcouru 2 500 kilomètres pour se rejoindre. Cependant, ce n'était pas tout à fait le plan initial ; à ses débuts, la performance s'intitulait « Les Amants » et visait à raviver leur relation déjà tendue.

Quand Ulay a mis enceinte la traductrice chinoise en chemin, et qu'Abramović l'a avoué à la fin de la marche de réconciliation de 2500 kilomètres, il n'y avait plus grand-chose à faire pour les aider... la rencontre au milieu du mur fut la dernière entre Ulay et Abramović pendant longtemps.

À partir de 1989, Abramović a collaboré avec le réalisateur, performeur et vidéaste Charles Atlas (connu pour sa longue collaboration avec Merce Cunningham, qui a donné naissance à dix films de danse) sur la pièce « The Biography », qui retrace son parcours artistique jusqu’à présent sous la forme d’un monologue. Créée en 1992, « The Biography » met en lumière, à chaque représentation, différentes facettes de sa pratique artistique et de son évolution personnelle.

En 1994, Abramović a mis en scène la pièce de théâtre « Délirant », dans laquelle elle exprimait son impuissance et sa colère face aux événements survenus pendant les guerres de Yougoslavie – un précurseur de la performance de 1997 « Baroque balkanique », qui se concentrait sur le deuil des atrocités, les nombreuses victimes et l’état de désintégration désormais irréversible.

En 2001, pour son œuvre « Nids humains », Abramović a creusé sept grottes artificielles dans les parois d'une carrière et a équipé chacune d'une échelle de corde. Conçues pour la contemplation, mais « agrémentées » du danger de chute depuis les petites cavités, elles créaient un environnement à la fois protecteur et troublant.

En 2002, l'artiste a passé douze jours et douze nuits dans trois pièces ouvertes sur l'extérieur et visibles du public à la galerie Sean Kelly de New York pour son œuvre « La Maison avec vue sur l'océan ». Elle ne consommait que de l'eau minérale, ne mangeait pas, ne parlait pas, n'écrivait pas et ne lisait pas, ne dormait pas plus de sept heures par jour et se douchait trois fois par jour — une retraite de méditation monastique publique au cœur de New York.

Ce souvenir d’Abramović sur l’œuvre de son frère Velimir Abramović, professeur de philosophie et expert en Tesla, date de 2003 : « Tesla Ball » .

« Sept Pièces Faciles » décrites ci-dessus , amorçant ainsi un débat fondamental sur la permanence et la durabilité de l'art de la performance.

La même année, Abramović réalise le film d'art « Épopée érotique des Balkans » , qui traite des rites sexuels et de fertilité dans les Balkans : Abramović explique divers rites dans des scènes individuelles, tandis que les femmes tiennent leurs seins au soleil et leurs vulves sous la pluie, et que les hommes se masturbent ou pénètrent le sol (une description légèrement confuse, mais il ne semble pas être indiqué pourquoi les femmes ne tenaient pas également leurs vulves au soleil ni à quel point le sol que les hommes étaient censés pénétrer était dur).

En 2010, Abramović a de nouveau été contraint de rester immobile pendant « quelques heures » lors de la performance susmentionnée « L’artiste est présent », cette fois-ci assis. Des extraits de la performance, sans la présence d’Ex Ulay, sont visibles dans la 11e partie de la série documentaire « L’avenir de l’art » (Erik Niedling, Ingo Niermann, Allemagne, 2010), disponible sur YouTube.

(Cette série, composée de 21 épisodes consacrés à de nombreux artistes contemporains importants, mérite d'être vue dans son intégralité).

« La Vie et la Mort de Marina Abramović » en 2011 au Festival international de Manchester, au Lowry, à Manchester, au Royaume-Uni. Ce « carrefour du théâtre, de l’opéra et des arts visuels » a été créé par le génie théâtral et artiste universel Robert Wilson en collaboration avec Marina Abramović et a ensuite fait l’objet d’une tournée dans des festivals de théâtre et des lieux d’art.

deSingel à Anvers, Theater Carre à Amsterdam, Theater Basel, Teatro Real à Madrid, Festival Luminato à Toronto et Park Avenue Armoury à New York ; à la fin de la « série de scènes magistrales », le public s’est levé et a applaudi (The Independent, Royaume-Uni).

Voici deux extraits :

En 2013, Abramović a conçu les décors de la nouvelle production du « Boléro » de Maurice Ravel à l'Opéra Garnier de Paris. La mise en scène était signée Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet, et les costumes des danseurs étaient dessinés par le couturier italien Riccardo Tisci, de la maison de couture parisienne Givenchy.

Du 11 juin au 25 août 2014, Abramović a présenté son œuvre au long cours « 512 Hours » à la Serpentine Gallery de Londres. Elle s’est totalement affranchie des objets et a imposé au public d’en faire autant : chacun pouvait entrer pendant les heures d’ouverture et passer du temps avec elle, mais devait laisser sa veste, ses bagages et ses appareils électroniques au vestiaire.

Abramović publiait chaque jour un résumé de sa journée sous forme de journal vidéo personnel. Une interview de Marina Abramović à propos de cette performance et d'autres est à lire dans la Süddeutsche Zeitung : « Il faut être prêt à tomber de terre . »

Avec sa performance « Seven Easy Pieces » , Abramović a lancé un débat susceptible de transformer radicalement l'art de la performance : la possibilité de rejouer une performance, la manière dont le savoir culturel de l'art de la performance doit et peut être préservé, la protection des droits des interprètes en tant que producteurs ; autant de questions nouvelles qui pourraient bouleverser la conception traditionnelle de l'art de la performance.

Alors qu'on supposait auparavant que la performance était liée au corps de l'interprète et non reproductible, les interprètes, les destinataires et les évaluateurs de la performance doivent désormais composer avec la reproductibilité et la possibilité de la rejouer, ainsi qu'avec l'échange de connaissances artistiques dont la signification culturelle et historique s'est perdue au fil du temps.

Abramović plaide donc également pour la stabilisation de la forme artistique de la performance ; c'est la seule façon pour les artistes de la performance de faire respecter les droits de leur œuvre contre l'exploitation commerciale et la déformation dans un monde de numérisation et d'interchangeabilité croissantes des connaissances culturelles.

Les œuvres d'Abramović qui viennent d'être présentées ne représentent en aucun cas l'intégralité de son œuvre ; il reste encore beaucoup à découvrir dans le travail de cet artiste sensible et extraordinaire pour les personnes intéressées par l'art de notre temps.

Le travail de Marina Abramović dans l'espace public : expositions, art dans les espaces publics et dans les collections publiques

L'œuvre de Marina Abramović a été présentée au public dans 79 expositions individuelles et 632 expositions collectives ; cela représente environ 700 expositions publiques, dont 122 aux États-Unis, 79 en Allemagne, 63 en Italie, une cinquantaine en Espagne, une quarantaine en France et les 350 restantes réparties dans le monde entier.

Voici une sélection d'événements marquants, de biennales et de documentas :

• 1975 IXe Biennale de Paris
• Documenta 7, Kassel, 1982
• 4e Biennale de Sydney, 1982 : Vision in Disbelief, Sydney, Nouvelle-Galles du Sud
• 1985 18° Biennale de Sao Paulo, São Paulo, Brésil
• Documenta 8, Kassel, 1987
• 1990 I Biennale de l'image et du mouvement '90, Madrid
• Documenta 9, Kassel, 1992
• 4e Biennale internationale d'Istanbul, 1995
• 1995 SITE Santa Fe, Première Biennale internationale – Désir et appartenance : du lointain au proche, Santa Fe, Nouveau-Mexique
• 47e Biennale de Venise, 1997
• 2000 1ère Triennale d'art Echigo-Tsumari 2000, Niigata-ken, Japon
• 2001 Yokohama 2001 – Triennale internationale d'art contemporain, Yokohama, Tokyo
• 50e Biennale de Venise, 2003
• 2003 II Biennale de Valence – La Ciudad Ideal, Valence
• 2004 3e Biennale internationale d'art médiatique de Séoul – Homo Ludens numérique (Jeu et divertissement), Musée d'art de Séoul (SeMA), Séoul
• 2005 5e Biennale de Cetinje, Cetinje, Monténégro
• 2005 5ème Biennale du Mercosul, Porto Alegre, Brésil
• 52e Biennale de Venise, 2007
• 3e Biennale de Prague 2007, Salle Karlin, Prague
• 2007 Biennale du cinéma d'art 2007, Musée d'art de Bonn
• Triennale de Yokohama 2008 – Time Crevasse, sites du centre-ville et du front de mer, Yokohama
• 2008 28° Biennale de São Paulo, São Paulo
• 2008 Biennale de Médiation 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 XVIIIe Biennale Internationale de Sculpture, Académie des Beaux-Arts de Carrara
• 2009 5a Biennale VentoSul – o mundo todo aqui, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brésil
• 3e Biennale d'art contemporain de Moscou, 2009
• 7e Biennale de Florence, 2009
• Biennale de l'image animée 2009, Deventer
• 54e Biennale de Venise, 2011
• 3e Biennale de l'image en mouvement, Inspired Video Art, Deventer, 2011
• 2012 11ème Biennale de La Havane, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Havane
• 7e Biennale internationale d'art médiatique de Séoul, Musée d'art de Séoul (SeMA), Séoul, 2012
• 4e Biennale d'art contemporain de Thessalonique 2013 – Les intersections anciennes créent du neuf 2, Musée d'État d'art contemporain, Thessalonique
• 2013 2ème Biennale Méditerranéenne de Sakhnin, Musée du Patrimoine Arabe de Sakhnin, Israël
• 2014 V Biennale D'Art Contemporain De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1ère Biennale Trio, Rio de Janeiro, Brésil

Marina Abramovic en tant que personnalité publique : prix et distinctions, activités pédagogiques, répercussions

Voici une sélection des prix reçus par Marina Abramovic :

• Prix ​​ars viva 1982 pour l'art vidéo, Cercle culturel des entreprises allemandes (BDI e. V.), en collaboration avec Uwe Laysiepen
• Lion d'or 1997 à la 18e Biennale de Venise, pour la performance « Balkan Baroque »
• Prix ​​artistique de Basse-Saxe 2003
• Prix ​​Bessie 2003, pour « La maison avec vue sur l'océan »
• Doctorat honorifique de l'École de l'Institut d'art de Chicago (2004)
• Décoration autrichienne 2008 pour la science et l'art
• Doctorat honoris causa en arts, Université de Plymouth, Angleterre, 2009
• Prix ​​du leadership culturel 2011, Fédération américaine des arts, New York
• Prix ​​d'honneur pour l'ensemble d'une carrière, 13 juillet 2012, Podgorica, Monténégro
• Nomination en 2012 au jury de la compétition de la 69e Mostra de Venise
• Ours de Berlin 2012, prix décerné par le quotidien BZ Berlin
• Membre honoraire de la Royal Academy of Arts de Londres (2012)
• Membre de la National Academy of Design de New York (2013)
• Prix ​​mondial 2018
• Prix ​​Princesse des Asturies 2021 pour l'art

Immédiatement après avoir terminé ses études, Marina Abramović a commencé à transmettre ses connaissances et son expérience : dans les années 1970, elle a commencé à enseigner à l'Académie des Beaux-Arts de Novi Sad.

De 1990 à 1991, Marina Abramović a occupé un poste de professeure invitée à l'Académie des Beaux-Arts de Paris et à l'Université des Arts de Berlin.

De 1992 à 1996, elle a été professeure à l'Université des Beaux-Arts de Hambourg, et de 1997 à 2004, professeure de performance à l'Université des Arts de Brunswick.

En 2005, elle a fondé l'Independent Performance Group (IPG) à New York, un forum dédié à l'art de la performance contemporaine, afin de collaborer avec de jeunes artistes talentueux. L'Independent Performance Group a été dissous en 2007, et Abramović a fondé la Marina Abramović Foundation for the Preservation of Performance Art .

Les préparatifs pour l’installation du « Marina Abramović Institute » (MAI) sont en cours depuis 2012. L’institut est destiné à soutenir le développement d’un art de la performance innovant et, en tant qu’« archive vivante », à préserver des performances historiques par le biais de reconstitutions.

Dans le cadre de ce projet à long terme, un bâtiment situé à Hudson, dans l'État de New York, sera transformé et rénové à partir de 2013 pour accueillir l'Institut Marina Abramović. Ce bâtiment, qui abrite également un bureau d'architecture métropolitaine conçu par l'architecte Rem Koolhaas, offre une surface de 3 000 mètres carrés.

Abramović entend utiliser ces espaces comme un « laboratoire d’exploration de l’art temporel et intemporel » – art de la performance, mais aussi cinéma, musique, opéra, danse, théâtre, vidéo – et collaborer avec des praticiens des domaines de la science, de la technologie et de l’éducation, OMA – Marina Abramovic Institute .

Dans la phase actuelle de conception, les architectes Rem Koolhaas et Shohei Shigematsu collaborent au projet. Rem Koolhaas est un architecte néerlandais de renommée internationale qui a fondé en 1975 à Rotterdam, avec Elia et Zoe Zenghelis et Madelon Vriesendorp, le cabinet d'architecture le plus prestigieux au monde : OMA (Office for Metropolitan Architecture).

L'agence OMA et son think tank affilié AMO, qui se concentre sur des projets allant au-delà de l'architecture et de l'urbanisme, sont des acteurs et des architectes de renommée internationale. OMA est à l'origine d'un impressionnant portefeuille de projets architecturaux contemporains d'avant-garde, parmi lesquels, en Allemagne, la Maison Koolhaas à Checkpoint Charlie, le campus Axel Springer, l'ambassade des Pays-Bas à Berlin et l'extension du site du patrimoine mondial de Zollverein à Essen ; et à l'étranger, le Kunsthal Rotterdam, le complexe résidentiel Nexus à Fukuoka (Japon), les boutiques Prada Epicenter à Beverly Hills et à New York, le Guggenheim Hermitage à Las Vegas, la Casa da Música à Porto et le Musée national d'art de l'Université de Séoul ; cette liste comprend 295 autres bâtiments.

En 2000, Rem Koolhaas a reçu le prix Pritzker d'architecture, une distinction internationale prestigieuse, un an après Norman Foster et un an avant Herzog & de Meuron. En 2014, il a été nommé directeur de la 14e Exposition internationale d'architecture de la Biennale de Venise (« Fondements »). Professeur à Harvard, Koolhaas se consacre à la recherche fondamentale en architecture.

Shohei Shigematsu travaille chez OMA depuis 1998 et est associé depuis 2008. Depuis 2006, il dirige le bureau new-yorkais d'OMA. Outre de nombreux bâtiments urbains, il a conçu des lieux culturels tels que le Musée national des beaux-arts de Québec et le Faena Arts Center à Miami Beach, et apprécie de collaborer directement avec des artistes (par exemple, Cai Guo Qiang, Marina Abramović et Kanye West). À la Harvard Graduate School of Design, il dirige un institut de recherche intitulé « Alimentary Design », qui explore les liens entre alimentation, architecture et urbanisme.

La devise du MAI est combative : « L’art ne peut se faire que dans des sociétés destructrices qu’il faut reconstruire » – il semble y en avoir beaucoup en ce moment, donc le MAI a beaucoup à faire ; tout comme le « baroque balkanique » gagne malheureusement en pertinence dans la partie légèrement plus méridionale du monde.

Une autre initiative novatrice de Marina Abramović est la diffusion de la méthode Abramović, une série d'exercices holistiques pour le corps et l'esprit qu'elle a développée au cours des 40 dernières années pour expérimenter et dépasser les limites du corps et de l'esprit.

En parfaite adéquation avec la médecine moderne, qui surmonte à chaque étape les limites de la médecine traditionnelle, Abramović a développé des exercices méditatifs et physiques capables de protéger les artistes de la scène des dommages physiques liés au stress typique de leur art.

Elle enseigne cette méthode principalement à de jeunes artistes de la performance ; parallèlement aux idées véhiculées par le MAI, c'est une autre façon de préparer l'art de la performance et les générations futures d'artistes de la performance à l'avenir.

75 ans en 2021 et, tout au long de sa longue vie, elle est devenue la reine controversée mais très respectée de l' art performance . Elle a joué un rôle déterminant dans la popularisation du genre. Pour ce faire, elle restait parfois assise en silence sur une chaise pendant plus de 700 heures, se jetait contre les murs et se tailladait jusqu'au sang avec des lames de rasoir.

Accès actuel à Marina Abramovic

Une discussion d'une heure avec l'artiste Sam Keller, directeur du musée d'art suisse et de la Fondation Beyeler, peut être visionnée ici : https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (en anglais).

intitulé « Balkan Baroque », a également été réalisé en 1999. Le scénario a été écrit par le réalisateur Pierre Coulibeuf en collaboration avec l'artiste. Marina Abramović y interprète son propre rôle. Ubu Film : Pierre Coulibeuf .

Vous pouvez découvrir les œuvres de Marina Abramović dans les galeries suivantes :

• Brésil : Luciana Brito Galeria São Paulo
• Grèce : Galerie Kappatos, Athènes
• Italie : Galerie Lisson Milan, Galleria Lia Rumma Napoli
• Pays-Bas : PARC Éditions Carême
• Norvège : Galleri Brandstrup Oslo
• Autriche : Galerie Krinzinger, Vienne
• Espagne : Bernal Espacio Galería Madrid, La Fabrica Galeria Madrid
• Suisse : Art Bärtschi & Cie Genève
• États-Unis : Kathryn Miriam Greenwich CT, Kunzt.gallery Miami FL, Sean Kelly Gallery New York City NY
• Royaume-Uni : Galerie Lisson Londres

Marina Abramovic dans les collections publiques :

• Australie : Galerie d’art de Nouvelle-Galles du Sud, Sydney (NSW) ; Musée d’art contemporain de Sydney (MCA), Sydney (NSW)
• Belgique : Musée d'art contemporain d'Anvers (MuHKA) Anvers, Stedelijk Museum for Actual Art (SMAK) Gand
• Allemagne : Collection Wemhöner Berlin, Kunsthalle Bielefeld, Musée Ludwig Cologne, Collection Julia Stoschek Düsseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle zu Kiel
• Finlande : Musée d'art contemporain Kiasma d'Helsinki
• France : Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Grèce : Musée national d'art contemporain (EMST), Athènes
• Inde : Musée d'art Kiran Nadar (KNMA) New Delhi
• Italie : Studio Stefania Miscetti et Fondation Nomas Rome
• Canada : Musée des beaux-arts du Canada Musée des beaux-arts du Canada Ottawa ON
• Croatie : Musée d'art contemporain (MSU) Zagreb
• Luxembourg : Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM) Luxembourg
• Macédoine : Musée du dessin de l'Est de Skopje
• Pays-Bas : Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Pologne : Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Serbie : Musée d'art contemporain de Belgrade (MoCAB)
• Slovénie : Moderna galerija Ljubljana
• Espagne : Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, ARCO Collection et Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Majorque, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Suède : La Fondation Wanas Knislinge
• Suisse : Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Wallis Sion, Kunstmuseum des Kantons Thurgau Warth
• États-Unis : Musée de la photographie contemporaine (MoCP), Chicago (Illinois) ; Fondation familiale Eileen S. Kaminsky (ESKFF), Jersey City (New Jersey) ; Collection d’art progressif, Mayfield Village (Ohio) ; Fondation artistique Cisneros Fontanals (CIFO), Miami (Floride) ; Musée Solomon R. Guggenheim et Musée d’art moderne (MoMA), New York (New York) ; Atelier et musée Fabric, Philadelphie (Pennsylvanie) ; Musée d’art moderne de San Francisco (SFMOMA), San Francisco (Californie)

Sur pippinbarr.com/games/dmai, vous trouverez le « Digital Marina Abramović Institute », où vous pourrez faire diverses choses… et soutenir le véritable Marina Abramović Institute : « Si vous appréciez votre expérience numérique de l’Institut, aidez-nous à faire du MAI une réalité en nous apportant votre soutien ici. »

En 2010, la biographie « Quand Marina Abramović meurt » publiée ; une interview du biographe et auteur James Westcott peut être lue sur ARTFCITY : Quand Marina Abramović meurt, une interview du biographe et auteur James Westcott .

En 2012, le film documentaire « The Artist Is Present » de Matthew Akers et Jeff Dupre est sorti, montrant les préparatifs de la rétrospective et de la performance, ainsi que les événements au MoMA.

L’un de ses projets les plus récents, « Les 7 Morts de Maria Callas », a été célébré à Munich et à Paris il y a quelques mois. Dans cette œuvre mêlant musique, chanson et film, l’artiste, aux côtés de l’acteur américain Willem Dafoe, met en scène sa propre mort.

Abramovic a passé la majeure partie de son temps pendant la pandémie de Covid-19 à la campagne, près de New York, à jardiner, nager, observer les animaux et faire du yoga.

« J’ai l’impression d’avoir atteint la meilleure période de ma vie. Je ne bois pas, je ne fume pas, je ne me drogue pas et je fais cinquante minutes de yoga tous les matins , a déclaré l’artiste aux multiples récompenses , qui a notamment reçu cette année le prix Princesse des Asturies d’Espagne.