Art dégénéré ou chefs-d'œuvre révolutionnaire? L'influence révolutionnaire d'Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) , l'un des artistes autrichiens les plus importants du XXe siècle , a eu un impact révolutionnaire sur le monde de l'art avec ses œuvres.

De son vivant, il fut perçu comme un artiste provocateur et donc controversé ; il était méprisé par les nazis, qui interdirent son « art dégénéré ». Ce n'est qu'après sa mort que l'expressionniste fut reconnu comme un talent exceptionnel.

Egon Schiele, né il y a 133 ans, le 12 juin 1890, a suscité la controverse tout au long de sa vie. Aujourd'hui encore, son art compte des défenseurs fervents et d'autres qui le condamnent comme pornographique.

Jusqu'à sa mort en 1918, Schiele n'était connu comme artiste qu'à Vienne et parmi quelques germanophones. Cependant, il est aujourd'hui considéré comme une figure majeure de l'expressionnisme, et ses tableaux atteignent des prix élevés sur le marché de l'art .

Néanmoins, son œuvre n'a pas encore été entièrement déchiffrée à ce jour, comme Klaus-Albrecht Schroeder , spécialiste de l'œuvre de Schiele et directeur de l'Albertina de Vienne.

Sa puissance expressive et son style unique ont remis en question les conventions traditionnelles de son époque. L'influence novatrice de Schiele se découvre musée du Belvédère ou du musée Leopold Gustav Klimt et d'autres artistes viennois .

Egon Schiele, aux côtés de Gustav Klimt et d'Oskar Kokoschka, considéré comme l'un des plus importants représentants de l'expressionnisme autrichien. Il rompit avec les influences de l'Art nouveau et du symbolisme qui caractérisaient la Sécession viennoise et développa un style aux accents réalistes, considéré comme scandaleux à son époque.

Son œuvre révèle non seulement sa propre vie fascinante, mais aussi les changements sociaux et artistiques de son époque.

Que l'on considère son art comme « dégénéré » ou comme un chef-d'œuvre révolutionnaire relève du goût personnel, car l'héritage artistique d'Egon Schiele est à la fois controversé et fascinant. À Tulln, sa ville natale, une exposition consacrée à sa vie et à son œuvre offre un éclairage sur son évolution artistique et met en lumière sa relation privilégiée avec Wally Neuzil , sa muse et amante.

L'influence et l'importance d'Egon Schiele sont indéniables, et ses œuvres continueront de façonner le monde de l'art.

La controverse autour de l'art dégénéré et des chefs-d'œuvre révolutionnaires

Egon Schiele, artiste autrichien de renom du XXe siècle, a suscité à la fois l'admiration et la controverse par ses œuvres.

Ses représentations avant-gardistes du corps humain et son style à la mode ont exercé une influence durable sur le monde de l'art. Ses œuvres, souvent érotiques , ont historiquement été considérées comme obscènes et immorales.

La vie d'Egon Schiele fut marquée par la controverse. Son expression artistique intense et son comportement anticonformiste le mirent souvent en conflit avec la société de son époque. On lui reprocha notamment les thèmes sexuels présents dans ses œuvres et sa représentation sans détour du corps humain.

Schiele pouvait également compter sur un groupe de fidèles soutiens, parmi lesquels sa muse Wally Neuzil, qui inspira nombre de ses chefs-d'œuvre. Le monde de l'art fut transformé par l'approche expressive et novatrice de Schiele en matière de portrait et de représentation du corps humain.

Son utilisation de couleurs vives et de lignes audacieuses a apporté un souffle nouveau aux représentations traditionnelles. L'influence de Schiele sur la scène artistique viennoise fut considérable et a jeté les bases de l'expressionnisme et d'autres mouvements d'art moderne.

Le modernisme viennois, dont Schiele est l'un des plus célèbres représentants, se caractérisait par la tension entre « esthétique et obscurité », thème central de l'année thématique 2018 à Vienne. Les œuvres de Schiele tendent vers l'obscurité, explorant de manière expérimentale les abysses et les abîmes du moi, alors en crise vers 1900, à travers des expressions faciales parfois extrêmes et des gestes énigmatiques.

En 1910, l'empereur François-Joseph exprima son horreur face à un nu féminin d'Egon Schiele :

« C'est vraiment terrible. »

Si l’artiste en avait eu l’occasion, il aurait peut-être répondu à l’Empereur : « Même l’œuvre d’art la plus sensuelle recèle une signification sacrée ! » – c’est du moins ce que Schiele notait dans une lettre en 1911 ( Sonntagsblatt ).

Au printemps 1918, le critique Arnim Friedemann écrivait dans le « Wiener Abendpost » à propos de l’ enfant terrible du modernisme classique :

Schiele prenait un plaisir immense à peindre et à dessiner le vice ultime et la dépravation la plus absolue : la femme réduite à un animal grégaire primitif,
dépouillée de toute inhibition morale et de toute honte. Son art – et c’en est bien un ! – ne sourit pas, il nous nargue d’un rictus horrifiant et déformé.

Dans le cadre de la politique culturelle nazie, de nombreuses œuvres de cet auteur ont été confisquées.

L’ unité de recherche « Art dégénéré » de l’ Institut d’histoire de l’art de l’Université libre de Berlin a dressé un inventaire recensant 23 œuvres d’Egon Schiele qui ont été confisquées sous le Troisième Reich.

Parmi les objets confisqués, 17 provenaient du musée Folkwang et 5 d'autres musées allemands ; la provenance exacte d'une œuvre demeurait inconnue. Le centre de recherche indique le 25 août 1937 comme date précise de la confiscation ( base de données « Art dégénéré » ).

La vie d'Egon Schiele – Une courte biographie

Enfance, empreintes précoces et formation artistique

Egon Schiele est né le 12 juin 1890 à Tulln, une ville proche de Vienne. Sa vie et son œuvre sont étroitement liées à la capitale autrichienne.

Schiele a grandi dans un monde d'une hypocrisie . Son père était chef de gare ; à ses yeux, il devait ressembler à un empereur : tous obéissaient à ses ordres. Il avait quarante employés et une structure hiérarchique très stricte. Il aboyait des ordres, et bien sûr, il en aboyait aussi au sein de la famille. Mais Schiele devait également pressentir que ce régime, cette étiquette, cette vie à la gare ne reflétaient pas toute la vérité.

Le fait que le père se rende régulièrement à Vienne ; qu'il fasse régulièrement des choses qui ne rentrent pas dans ces catégories ; que son père fréquente régulièrement des prostituées, on peut le supposer, n'aurait pas dû échapper à l'attention du jeune Egon.

En 1905, alors qu'Egon n'avait que quatorze ans, un événement tragique bouleversa sa vie : son père mourut de la syphilis. Face à cette perte douloureuse, le jeune Egon Schiele trouva réconfort et épanouissement dans l'art.

Dès l'âge de deux ans, il dessinait des trains et des paysages, tandis que son professeur d'art, Ludwig Karl Strauch, l'encourageait au mieux à l'école. Grâce à son soutien, le talentueux Egon osa même postuler à la prestigieuse Académie des Beaux-Arts de Vienne – avec un succès retentissant : à seize ans, il y fut admis et put ainsi développer davantage ses talents artistiques.

Il y étudia la peinture et le dessin, mais fut frustré par le conservatisme de l'école.

Klimt comme mentor

En 1907, il rencontra Gustav Klimt, qui l'encouragea et influença son travail. Klimt et Schiele nouèrent rapidement une relation de mentor à protégé qui allait avoir un impact majeur sur les débuts du jeune artiste.

Klimt exerça son influence sur Schiele non seulement dans l'atelier, mais aussi en présentant Schiele à des mécènes, des modèles et l'œuvre d'autres artistes – tels que Vincent van Gogh , Edvard Munch et Jan Toorop – dont Schiele était très proche malgré sa grande admiration.

Par l'intermédiaire de Klimt, Schiele fut également initié Wiener Werkstätte styles d'art moderne de l'époque.

En 1908, alors que Schiele avait dix-huit ans, il participa à sa première exposition, une exposition collective à Klosterneuburg, une petite ville au nord de Vienne.

Protestation et le groupe du Nouvel Art

L'année suivante, Schiele et quelques camarades quittèrent l'académie en signe de protestation, dénonçant les méthodes d'enseignement conservatrices de l'école et son incapacité à adopter des pratiques artistiques plus avant-gardistes, pourtant répandues dans toute l'Europe.

Dans le cadre de cette rébellion, Schiele fonda le Neukunstgruppe , qui regroupait d'autres jeunes artistes insatisfaits ayant quitté l'académie.

Le nouveau groupe ne perdit pas de temps et organisa plusieurs expositions publiques à travers Vienne, tandis que Schiele explorait de nouvelles formes d'expression picturale, incorporant des distorsions et des contours irréguliers, ainsi qu'une palette de couleurs plus sombres que celle privilégiée par le style Art nouveau, plus décoratif et élaboré.

En substance, Schiele s'est progressivement éloigné du style popularisé par Klimt, bien que les deux hommes soient restés proches jusqu'à la mort de Klimt début 1918. Si le contenu de l'œuvre de Schiele est un indice, il semble que le mentor et son protégé partageaient un appétit insatiable pour les femmes.

À l'occasion de la première exposition du Neukunstgruppe en 1909 au Salon Piska de Vienne, Schiele rencontra le critique d'art et écrivain Arthur Roessler , qui se lia d'amitié avec lui et écrivit sur son travail avec une grande admiration.

En 1910, une amitié durable se noua avec le collectionneur Heinrich Benesch . À cette époque, Schiele avait développé un style expressionniste personnel pour les portraits et les paysages et recevait de nombreuses commandes de portraits de la part de l' intelligentsia viennoise .

Scandales à Vienne et autoportraits allégoriques

Alors que l'œuvre de Schiele scandalisait la société viennoise, il vendait simultanément nombre de ses tableaux explicites à des collectionneurs privés, tandis que les journaux critiquaient son travail.

Ce développement de représentations explicites des organes génitaux féminins et masculins dans l'art est un phénomène qui n'aurait pu se produire qu'à Vienne vers 1900. La ville est secouée par des scandales depuis un certain temps, et les débats publics sur les limites de l'art sont omniprésents.

Les femmes des classes sociales supérieures couvraient pudiquement leurs jambes et le décolleté de leurs robes. Des artistes comme Gustav Klimt et Oskar Kokoschka , avec leurs représentations explicites de femmes nues, le double standard de cette métropole danubienne.

Des musiciens comme Gustav Mahler et Arnold Schoenberg franchissent avec audace la frontière de la modernité ; d'Arthur Schnitzler ébranlent les fondements de la société, tandis que Sigmund Freud s'exprime publiquement pour la première fois sur la sexualité féminine.

Bien que Schiele n'ait pas connu personnellement le psychanalyste, toute Vienne est au courant des découvertes spectaculaires de Freud.

Egon Schiele connaissait bien ce double standard depuis son enfance. À l'opposé de l'idéal de beauté de la Sécession viennoise, il représentait la laideur et la difformité. Les membres de ses jeunes femmes et de ses jeunes hommes étaient anormalement longs et émaciés, tandis que leurs parties génitales étaient présentées de manière aguichante et colorée.

En quête d’isolement, Schiele quitta Vienne en 1911 pour vivre dans plusieurs petits villages ; il se concentra de plus en plus sur les autoportraits et les allégories de la vie, de la mort et du sexe, et produisit des aquarelles érotiques .

Le passage de l'enfance à l'âge adulte, chez les filles comme chez les garçons, fascinait particulièrement l'artiste, alors âgé de 20 ans. Ses œuvres abordaient souvent le thème de la découverte de soi à la puberté. Cette orientation artistique provoqua un scandale en 1912 à Neulengbach, petite ville de la forêt viennoise.

Les premières études de Schiele furent particulièrement controversées car il utilisait des enfants comme modèles nus et représentait des jeunes filles pubères dans des situations implicitement érotiques.

L'année suivante fut cruciale pour Schiele, tant sur le plan personnel qu'artistique. Outre sa participation à de nombreuses expositions collectives – à Budapest, Cologne et Vienne –, Schiele fut invité par la galerie Hans Goltz de Munich à exposer son travail aux côtés de membres du groupe expressionniste « Der Blaue Reiter » (Le Cavalier bleu) , parmi lesquels Wassily Kandinsky et Franz Marc .

Les œuvres de Schiele à cette époque comprenaient son plus célèbre Autoportrait avec Physalis (1912), une étude captivante de l'artiste, son visage et ses autres traits pleins de lignes, de cicatrices et de déformations subtiles.

L' exposition Goltz a valu à Schiele la plus grande notoriété qu'il ait connue à ce jour et a révélé au public la richesse de son utilisation du symbolisme personnel et des allégories sombres.

Arrestation de mannequins mineures

Toujours en 1912, alors que Schiele vivait dans la ville autrichienne de Neulengbach, il fut arrêté dans son atelier et emprisonné pendant vingt-quatre jours, accusé d'avoir enlevé et violé une fillette de douze ans.

Cette accusation fut finalement abandonnée, et il fut reconnu coupable d'exposition d'enfants à des images érotiques . La police avait confisqué 125 de ses « dégénérées » , et, dans un geste symbolique, le juge brûla l'un de ses dessins dans la salle d'audience (l'œuvre, représentant une jeune fille nue de la taille aux pieds, avait auparavant été exposée au mur de son atelier).

Cet incident a eu un impact considérable sur Schiele, puisqu'il a par la suite cessé d'utiliser des enfants comme modèles, bien que la morbidité et l'explicite dimension sexuelle de son œuvre – en particulier de ses dessins – aient apparemment augmenté après sa sortie de prison.

Service militaire, mariage, tragédies et fin de vie

En 1913, la galerie Hans Goltz de Munich organisa la première exposition personnelle de Schiele. Une autre exposition personnelle de son œuvre eut lieu à Paris en 1914.

Sa vie privée prit également un tournant lorsqu'en 1915, il écrivit à un ami : « J'ai l'intention de me marier, et d'une manière qui me soit profitable », et demanda en mariage Edith Harms, une jeune femme de bonne condition sociale.

Bien qu'il espérât poursuivre sa relation avec Wally Neuzil, celle-ci le quitta lorsqu'elle apprit ses fiançailles. Cette perte est clairement exprimée « La Mort et la Jeune Fille »

Quatre jours après son mariage, Schiele fut finalement appelé sous les drapeaux. Cependant, il ne participa à aucun combat durant toute la guerre et fut autorisé à continuer à pratiquer et à exposer son art où qu'il soit stationné.

Inspiré par ses voyages de guerre, Schiele créa à cette époque une série de paysages et de vues urbaines , dépourvus des contours exagérés habituels de l'artiste.

En 1917, Schiele retourna à Vienne et se mit au travail avec acharnement. La même année, il fonda avec Klimt la Kunsthalle, un nouvel espace d'exposition destiné à encourager les artistes autrichiens à rester dans leur pays. L'année suivante fut marquée pour l'artiste par des succès retentissants et des tragédies de toutes sortes.

En février, son mentor et ami Klimt fut victime d'un AVC et d'une pneumonie. Un mois plus tard seulement, la Sécession viennoise organisait sa 49e exposition annuelle (1918) et consacrait le hall principal à l'œuvre de Schiele, ce qui lui valut un immense succès commercial.

Il mourut quelques mois plus tard, à l'âge de 28 ans, le 31 octobre 1918, à Vienne, des suites de la grippe espagnole, la même maladie qui avait emporté sa femme trois jours auparavant. Durant les trois jours qui séparèrent leurs décès, Schiele réalisa plusieurs croquis de son épouse défunte.

Dans ses derniers instants, le jeune artiste autrichien Egon Schiele vécut un phénomène extraordinaire : sur son lit de mort, fin octobre 1918, alors que ses forces déclinaient, il murmura ces mots :

Après ma mort, on me louera sans aucun doute et on admirera mon art

Le style unique d'Egon Schiele

L'art de Schiele a le don de dépeindre les gens de leur époque d'une manière unique et émouvante. Ce style résonne encore profondément dans notre univers visuel et émotionnel du XXIe siècle.

À ce jour, rien de comparable ne permet de mettre en scène un corps avec autant d'habileté – que ce soit comme un champ de bataille, un terrain de jeu ou une scène de crime.

Il s'agit d'une mise en scène de soi savamment orchestrée, dans laquelle chaque expression émotionnelle, du désespoir intense à la mélancolie apathique, prend vie grâce à la couleur, aux formes brisées ou aux lignes – comme un signe de décomposition ou une tache qui suinte sur une surface.

Il était obsédé par les cuisses et les fesses, par les organes génitaux féminins et masculins, par les étreintes hétérosexuelles, homosexuelles et lesbiennes. Il dessinait les genres et les coloriait comme des fruits trop mûrs. Et il se représentait lui-même en saint, nu, le pénis obscènement en érection. Les corps, d'une maigreur extrême, se détachent sur des fonds vides qui deviennent des abîmes.

Vers 1914, ses personnages peints semblent errer comme en transe, sans repères ni but. Cela tient à la « géométrie » à partir de laquelle Schiele les a créés. Par exemple, il a construit une femme allongée à partir de deux triangles. Même ses parties génitales ont des formes triangulaires.

Les représentations de l'obsessionnel, de l'abyssal et du morbide par Schiele, rendues par le dessin pur, apparaissent aujourd'hui plus magiques que jamais, tout en restant profondément humaines. Cette contorsion presque voluptueuse du corps révèle de vagues influences du symbolisme et de l'Art nouveau viennois ; de nos jours, on y voit davantage la quête identitaire d'un peintre que l'œuvre d'un enfant prodige.

La représentation du corps nu dans les œuvres de Schiele

La représentation du corps dans l'œuvre de Schiele joue un rôle central et contribue à sa réputation controversée d'artiste.

Dans ses œuvres, il rompt avec les idéaux de beauté traditionnels et représente le corps dans sa forme authentique, souvent sans artifice. Ses dessins de nus, où il révèle l'anatomie humaine en détail et sans retenue, sont particulièrement célèbres.

Il évite les proportions idéalisées et représente le corps en perspective déformée afin de refléter les états d'âme et les émotions des personnes représentées. Schiele met l'accent sur l'individualité de chaque corps, témoignant ainsi de sa fascination pour le caractère unique de l'existence humaine.

Une œuvre célèbre de Schiele illustrant cette approche est le « Portrait de Wally Neuzil » de 1912. Dans ce tableau, il représente Wally Neuzil, son amante et muse, dans une pose assurée, le haut du corps dénudé.

La représentation du corps dans cette œuvre est d'une honnêteté et d'une franchise saisissantes, ce qui était considéré comme provocateur et scandaleux à l'époque. La représentation artistique du corps par Schiele a néanmoins révolutionné le mouvement de l'art moderne et a influencé de nombreux artistes de sa génération.

La représentation du corps dans l'œuvre de Schiele est un thème central qui souligne son influence révolutionnaire sur le monde de l'art. Ses œuvres continuent de susciter des débats sur les limites de la représentation du corps et sur la signification de la beauté dans l'art .

Gestes énigmatiques et mises en scène religieuses

L’exposition « La liberté de soi » au musée Georg Schäfer de Schweinfurt en 2018 a clairement montré que Schiele était une personne spirituelle – même si ce n’était pas au sens religieux traditionnel.

L'exposition de Schweinfurt était divisée en trois sections : la représentation de soi et du corps, le monde émotionnel et la subjectivité.

L'exposition présentait des œuvres majeures, comme l '« Autoportrait à la tête inclinée » datant de 1912 (voir image ci-dessus) . Dans ce tableau, l'artiste forme un V avec l'index et le majeur de sa main droite. S'agit-il d'une possible allusion au geste de bénédiction du Christ, fréquemment utilisé dans l'art byzantin ?

L'historien d'art Stefan Kutzenberger ( comme indiqué dans le journal protestant du dimanche ) souligne dans le catalogue d'accompagnement que ce geste du peintre pourrait représenter une référence au Christ Pantocrator dans l'église Chora d'Istanbul.

Selon Kutzenberger, le geste de Schiele pourrait donc être un symbole de charisme artistique – modernisant ainsi de façon impressionnante l'image romantique de l'artiste en tant que prêtre aux alentours de 1900, du moins c'est ce qu'écrit l'expert en la matière.

Il propose également une autre explication : Schiele aurait pu expérimenter avec son ami Dominik Osen, peintre et mime, pour déterminer quelles poses expressionnistes avaient le plus grand effet ; toutefois, cette explication n’exclut pas celle mentionnée ci-dessus.

Schiele, catholique marié en 1915 selon le rite protestant, utilisait fréquemment des mises en scène religieuses dans ses autoportraits. Kutzenberger a souligné que les représentations de Schiele en saint, prophète, prédicateur, héraut ou anarchiste ne révèlent rien de sa personnalité ni de son histoire personnelle.

Elles résultent plutôt d'attributions sociales et de modèles de rôles – ​​il se trouve donc en bonne compagnie avec les discours postmodernes apparus plus tard.

Les doubles autoportraits de Schiele témoignent de son profond engagement envers l'occultisme et le spiritisme , qui étaient à la mode vers 1900. Dans une lettre à sa sœur, il décrit un incident spirite remarquable :

Aujourd'hui, j'ai vécu une expérience spirituelle fascinante. J'étais éveillée, mais captivée par l'esprit qui s'était manifesté en rêve avant mon réveil. Tant qu'il me parlait, je suis restée figée, sans voix

Les œuvres de Schiele présentent souvent des traces d' iconographie chrétienne . On peut citer en exemple la peinture à l'huile « Mère aux deux enfants II » de 1915, qui s'inspire du type de la Pietà du Moyen Âge.

Une image de Noël quelque peu différente est « Mère morte I » (1910), qui représente une mère décédée, la main posée protectrice sur son enfant. Schiele lui-même considérait cette huile sur toile comme l'une de ses meilleures œuvres.

Œuvres importantes d'Egon Schiele

Malgré sa courte vie et la destruction de certaines de ses œuvres durant l'ère nazie, Schiele nous a laissé un impressionnant héritage.

Nous souhaitons à ce stade présenter et expliquer brièvement six des œuvres les plus importantes de son œuvre considérable, par ordre chronologique.

Portrait de Gerti Schiele, 1909

Il s'agit de l'un des nombreux portraits que Schiele a réalisés de sa jeune sœur Gerti , le modèle préféré de l'artiste au début de sa carrière et le membre de sa famille dont il était le plus proche.

Ce portrait de jeunesse, peint par Gerti à l'adolescence, témoigne à la fois du lien stylistique fort entre l'œuvre de Schiele et celle de Klimt, et de la rupture avec le style de son mentor.

Par sa pose et ses bijoux, composés d'une série de plaques plates ornées de touches d'or et d'argent, la figure de Gerti rappelle les œuvres de Klimt telles que le portrait d'Adele Bloch-Bauer (1907).

Mais contrairement à l'œuvre de Klimt qui l'a précédée, ce tableau est moins ornementé, plus statique et plus doux, comme si Schiele avait modelé son sujet en argile. De plus, Schiele a remplacé la palette riche et chatoyante, dominée par l'or, de Klimt par des couleurs plus sourdes, ce qui donne une toile à l'aspect desséché, évoquant la décomposition plutôt que la croissance.

Techniques : Huile, argent, bronze doré et crayon sur toile

Lieu actuel : Musée d'Art Moderne de New York

Nu masculin assis (Autoportrait), 1910

Les autoportraits de Schiele sont exceptionnels non seulement par la fréquence à laquelle l'artiste se représente, mais aussi par la manière dont il le fait : des représentations érotisées où il apparaît souvent nu dans des poses très révélatrices – des autoportraits masculins pratiquement sans équivalent à cet égard dans le monde de l'art occidental.

Dans ce dessin, l'artiste a créé une vision intense et presque effrayante de lui-même : émacié, avec des yeux rouge vif, des jambes difformes et sans pieds, son corps entièrement exposé, mais son visage partiellement caché, suggérant peut-être un sentiment de honte – une pose tordue qui, comme le soupçonnent de nombreux auteurs, est due à l'influence significative de la danse moderne.

Caractéristique du style expressionniste que Schiele pratiquait de plus en plus à cette époque, il exprime sa peur à travers des lignes et des contours, ainsi qu'à travers une peau qui paraît usée et exposée aux éléments.

Techniques : Craie noire, aquarelle et gouache sur papier

Lieu actuel : Musée Léopold, Vienne

Autoportrait au physalis, 1912

Il s'agit peut-être de l'autoportrait le plus célèbre de Schiele. Dans cette œuvre, réalisée à une époque où Schiele participait à de nombreuses expositions, il regarde directement le spectateur, et son expression traduit une grande confiance en son talent artistique.

Bien que Schiele utilise moins de distorsions que dans d'autres autoportraits, le tableau refuse d'idéaliser son sujet et présente des cicatrices et autres lignes caractéristiques du style de dessin tout en contours de l'artiste.

Le tableau fut exposé à Munich en 1912 aux côtés d'œuvres de plusieurs autres artistes expressionnistes et possède un portrait parallèle représentant son amant de l'époque, Wally Neuzil (ce portrait de Wally fut volé par les nazis au domicile d'un Juif autrichien, mais sauvé de justesse). Il est revenu à Vienne en 2010 après douze années de bataille juridique.

Aujourd’hui, elle sert de « fleuron » au musée Leopold de Vienne, qui abrite la plus grande collection Schiele au monde.

Technique : Huile sur toile

Lieu actuel : Musée Léopold, Vienne

Les Ermites, 1912

Ce rare double portrait , l'une des œuvres les plus allégoriques de Schiele, représente Schiele et Klimt côte à côte, presque comme une seule entité. Malgré leur étroite relation et leurs nombreuses similitudes, Schiele a consacré une grande partie de sa carrière à tenter de s'affranchir de l'influence de Klimt.

Dans « Les Ermites », les deux hommes portent leurs longs caftans noirs caractéristiques, un vêtement pour lequel Klimt était connu et que Schiele, peut-être en hommage, a utilisé dans son œuvre. Schiele n'est pas partisan de la modestie et place Klimt à l'arrière-plan, aveugle et en grande partie caché, comme absorbé par le jeune artiste.

La forme qui en résulte évoque une silhouette sombre et unique, suggérant que Schiele, successeur sûr de lui, reprend le flambeau du maître ancien. Le motif de l'ermite rappelle également la conception existentielle que Schiele se faisait de l'artiste comme figure en marge de la société.

Technique : Huile sur toile

Lieu actuel : Musée Léopold, Vienne

La Jeune Fille et la Mort, 1915

Dans ce tableau, l'une des œuvres les plus complexes et obsédantes de Schiele, la figure féminine, décharnée et en haillons, s'accroche à la figure masculine de la mort, entourée d'un paysage quasi surréaliste, lui aussi en haillons.

Comme partout dans son œuvre, Schiele mêle le personnel à l'allégorique dans cette composition – en l'occurrence en reprenant un thème issu du concept médiéval de la Danse macabre, qui atteignit son apogée dans l'art allemand du XVe siècle.

« La Mort et la Jeune Fille » a été créée à peu près au moment où Schiele se séparait de son amant de longue date, Wally Neuzil, et quelques mois avant son mariage avec sa nouvelle compagne, Edith Harms. Le tableau commémore la fin de sa liaison avec Neuzil et semble représenter cette séparation comme la mort du véritable amour.

Il est intéressant de noter que la manière dont les personnages de Schiele sont presque entièrement absorbés par leurs vêtements et le décor abstrait évoque l'art du portrait chez Klimt, qui plaçait lui aussi ses sujets dans des environnements indéchiffrables.

Technique : Huile sur toile

Emplacement actuel : Galerie autrichienne, Belvédère, Autriche

Ville au milieu de la verdure (La vieille ville III), 1917

Bien que son art se soit concentré sur la figure humaine, Schiele – qui a eu l'occasion de voyager à travers l'Europe au cours de sa carrière – se sentait également attiré par la campagne et les villes.

En effet, les tableaux de l'artiste représentant les paysages et sa ville natale, Vienne, constituent une part importante de son œuvre. Ce tableau a été en partie inspiré par Krumau , où il a brièvement vécu en 1911.

Les paysages de Schiele, bien que souvent dépourvus de personnages, présentent des parallèles fascinants avec son œuvre figurative. Son recours fréquent à la vue plongeante dans ses paysages rappelle l'un des éléments les plus novateurs de ses portraits : sa tendance à représenter ses sujets en plongée.

Ce tableau présente d'autres éléments caractéristiques du style de Schiele, notamment l'emploi de contours marqués et précis. Ce qui le distingue de ses portraits, c'est le choix des couleurs et de la palette, pour lesquels Schiele n'était pas connu auparavant.

Technique : Huile sur toile

Localisation actuelle : Neue Galerie, New York

Combien coûte une œuvre d'art d'Egon Schiele ?

Un dessin de Schiele, qui vaut aujourd'hui en moyenne 100 000 €, a été vendu à l'époque pour seulement 50 schillings – même pas 4 €. Sa valeur estimée était incroyablement basse de son vivant.

Rudolf Leopold a parcouru le monde de l'art à la recherche des œuvres de l'artiste, les a acquises et les a réunies pour une spectaculaire tournée mondiale.

Depuis les années 1970, l'art de Schiele connaît un regain de popularité sur le marché de l'art, et ses peintures et dessins atteignent désormais des prix allant de 400 000 à 27 millions d'euros enchères

Littérature et livres illustrés sur le génie artistique autrichien

Un ouvrage de référence sur Schiele, au caractère emblématique – un trésor pour les collectionneurs et les fans

L'œuvre de Schiele compte parmi les plus importantes du début du modernisme après 1900 et se révèle à la fois classique et d'une pertinence intemporelle dans son existentialisme sensuel et corporel.

Aujourd'hui, près d'un siècle plus tard, la célèbre maison d'édition Taschen un somptueux ouvrage : papier de haute qualité, élégante couverture en lin avec lettrage doré en relief – contenant les 221 peintures des années 1909-1918 ainsi que 146 dessins.

Ce livre d'art exhaustif impressionne à tous égards avec ses neuf chapitres qui mêlent images et textes. On y découvre le talent exceptionnel et l'esprit rebelle de Schiele, ainsi que son esthétique intense de la transformation – un mélange passionné d'une curiosité insatiable et d'une énergie sexuelle provocatrice.

En outre, le livre nous éclaire sur les peintures de guerre de Schiele de 1914 à 1918 : des corps humains, des portraits et des scènes naturelles brisées comme des cartes ouvertes – blessées, défigurées, torturées et réassemblées.

L' historien d'art et professionnel de musée expérimenté Tobias G. Natter , qui a grandi dans la même région que Schiele, a réalisé en tant qu'éditeur un ouvrage de référence remarquable sur Schiele . Cet ouvrage est d'une valeur inestimable pour les collectionneurs et les admirateurs de l'artiste.

Ce volumineux livre illustré est en édition reliée sur Amazon .

Autres recommandations de livres :

• Egon Schiele : La Collection Leopold, Vienne ; par Rudolf Leopold et Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt et Egon Schiele (1965), Catalogue de l'exposition Guggenheim / par Thomas Messer
• Egon Schiele, de Klaus Albrecht Schroder
• Egon Schiele, par Erwin Mitsch

Sources, références et informations complémentaires :

• L'HISTOIRE DE L'ART , Egon Schiele , https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau , Le corps, un champ de bataille , https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• MANUSCRIT SWR2 , L'artiste Egon Schiele, « l'enfant terrible » du modernisme classique – Par Martina Conrad
• Le journal dominical de l'Association de la presse évangélique de Bavière (EPV) annonce que le musée de Schweinfurt présente l'exposition d'Egon Schiele intitulée « La liberté de soi », https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/schweinfurter-museum-zeigt-egon-schielees-ausstellung-freiheit-des-ichs