Art dégénéré ou chefs-d'œuvre révolutionnaire? L'influence révolutionnaire d'Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) , l'un des artistes autrichiens les plus importants du 20e siècle , a eu un effet révolutionnaire sur le monde de l'art avec ses œuvres.

Au cours de sa vie, il a été controversé en tant qu'artiste provocateur, mais méprisé par les nazis et interdit son "art dégénéré" . Ce n'est qu'après sa mort, l'expressionniste reconnu comme un talent extraordinaire.

Egon Schiele, né il y a 133 ans le 12 juin 1890, a provoqué des opinions de controverse tout au long de sa vie. Même aujourd'hui, il y a des partisans véhément de son art et de ceux qui les dévaluent comme pornographiquement.

Jusqu'à sa mort en 1918, Schiele n'était connue qu'à Vienne et avec des gens allemands en tant qu'artiste. En attendant, cependant, il est considéré comme un élément de l'expressionnisme et ses peintures atteignent des prix élevés sur le marché de l'art .

Néanmoins, son travail n'a pas encore été complètement décrypté, comme Klaus-Albrecht Schroeder - un expert dans les œuvres de Schiele et directeur de l'Albertina viennoise.

Son expressivité et le style unique ont remis en question les conventions traditionnelles de son temps. Les influences révolutionnaires de Schiele peuvent être découvertes dans des expositions comme au musée du Belvédère ou au Léopold Museum sont présentées aux côtés de Gustav Klimt et d'autres artistes viennois

Gustav Klimt et Oskar Kokoschka , Egon Schiele est considéré comme l'un des représentants les plus importants de l'expressionnisme autrichien. Il s'est résolu des influences de l'art nouveau et des éléments symboliques qui ont façonné sécession de Vienne

Son œuvre montre non seulement sa propre vie fascinante, mais aussi les changements sociaux et artistiques de son temps.

Que vous considériez votre art comme «dégénéré» ou comme des chefs-d'œuvre révolutionnaires est laissé à chaque spectateur, car l'héritage artistique de Schiele est à la fois controversé et fascinant. À Tulln, la ville natale d'Egon Schiele, il y a aussi une exposition sur sa vie et ses œuvres, ce qui donne un aperçu de son développement en tant qu'artiste et illumine son lien étroit avec Wally Neuzil , sa muse et son amant.

L'influence et le sens d'Egon Schiele sont indéniables et ses œuvres continueront de façonner le monde de l'art.

La controverse sur l'art dégénéré et les chefs-d'œuvre révolutionnaires

Egon Schiele, un important artiste autrichien du 20e siècle, a provoqué à la fois l'admiration et la controverse avec ses œuvres.

Sa représentation avant-gardiste du corps humain et son expression à la mode ont eu un impact durable sur le monde de l'art. Ses œuvres, qui sont souvent érotiques , étaient considérées dans le passé comme obscènes et immorales.

La vie d'Egon Schiele a été caractérisée par la controverse. Son expression artistique intensive et son comportement déviateur l'ont souvent amené en conflit avec l'entreprise à l'époque. Il a été critiqué pour les motifs sexuels de ses œuvres et sa présentation franche du corps humain.

Cependant, Schiele a également pu compter sur un groupe de supporters engagé, dont sa Muse Wally Neuzil, qui a servi d'inspiration à bon nombre de ses chefs-d'œuvre. Le monde de l'art a été transformé par l'approche expressive et innovante de Schiele des portraits et du corps humain.

Son utilisation de couleurs fortes et de lignes audacieuses a apporté une nouvelle perspective sur les représentations traditionnelles. L'influence de Schiele sur la scène artistique viennoise était décisive et a jeté les bases de l'expressionnisme et d'autres mouvements artistiques modernes.

La modernité viennoise, dont le plus connu, l'exposant, Schiele est, a été caractérisée par la tension entre "l'esthétique et l'obscurité" , le leitmotif de l'année thème 2018 à Vienne. Les œuvres de Schiele ont tendance à être sombres, car avec leur expression faciale parfois extrême et leurs gestes mystérieux, ils explorent expérimentalement les abysses et les peu profonds de l'ego, qui étaient entrés en crise vers 1900.

En 1910, l'empereur Franz Joseph a exprimé son horreur à propos d'un acte de femmes par Egon Schiele:

"C'est vraiment terrible."

Si l'artiste avait eu l'occasion, il aurait pu répondre à l'empereur: "Même l'œuvre d'art la plus sensuelle a un sens sacré!" - Schiele a noté au moins dans une lettre en 1911 ( Sonntagsblatt ).

Le critique Arnim Friedemann a écrit au printemps 1918 dans le "Wiener Abendpost" sur l' enfant terrible du modernisme classique:

Schiele peint et aime dessiner le dernier camion et l'extrême jeté, la femme en tant qu'animal de troupeau instinctif, dont toutes les inhibitions de la
coutume et de la honte sont tombées. Son art - et elle est l'art! - Ne souriez pas, elle sourit dans un sens dans une distorsion diligente. "

Au cours de la politique de culture nazie, de nombreux de ses œuvres ont ensuite été confisquées.

Le Centre de recherche "Degenerate Art" à l' Institut d'historique d'art de l'Université libre de Berlin a créé un inventaire qui répertorie un total de 23 œuvres d'Egon Schiele, qui ont été confisquées pendant le Troisième Reich.

Parmi les objets confisqués, 17 venaient du musée folkwang et cinq d'autres musées allemands - le lieu d'origine exact n'était pas connu pour une seule œuvre. Le centre de recherche indique la date exacte de la saisie le 25 août 1937 ( base de données "Degenerate Art" ).

Life of Egon Schiele - Une courte biographie

Enfance, gaufrage précoce et formation artistique

Egon Schiele est né le 12 juin 1890 à Tulln, une ville près de Vienne. Sa vie et ses œuvres sont étroitement liées à la capitale de l'Autriche.

Schiele grandit dans un monde de doubles standards . Le père est commandant à la gare, il doit avoir trouvé les enfants comme un impérateur: tout danse sur sa pipe. Il a 40 employés, une structure hiérarchique très forte. Il commande autour et bien sûr commandant également la famille. Schiele doit également avoir remarqué que ce régime, cette étiquette, cette vie à la gare n'était pas toute la vérité.

Que le père continue d'aller à Vienne; Le jeune Egon ne devrait pas manquer le fait qu'il continue de faire des choses en dehors de ces étiquettes que son père visite régulièrement des prostituées ce que nous pouvons sortir.

En 1905, alors qu'Egon n'avait que quatorze ans, un tour tragique s'est produit dans sa vie: son père meurt à la syphilis. Au milieu de cette perte douloureuse, le jeune Egon Schiele recherche une consolation et une épanouissement de l'art.

Déjà à l'âge de deux ans, il dessine des chemins de fer et des paysages, tandis que son professeur d'art Ludwig Karl Strauch le promeut à l'école. Avec son soutien, le talentueux Egon ose même postuler à la célèbre Vienne Academy of Fine Arts - avec un grand succès: à l'âge de seize ans, il y est enregistré et peut développer davantage ses talents artistiques.

Ici, il a étudié la peinture et le dessin, mais était frustré par le conservatisme de l'école.

Climatique en tant que mentor

En 1907, il a rencontré Gustav Klimt, qui l'a encouragé et a influencé son travail. Klimt et Schiele ont rapidement formé une relation de mentor-mentor qui devrait avoir un impact majeur sur le développement précoce du jeune artiste.

Klimt a eu son influence sur Schiele non seulement dans le studio, mais aussi par le fait qu'il était au courant du mécène avec les clients, les mannequins et le travail d'autres artistes - comme Vincent Van Gogh , Edvard Munch et Jan Toorop - à qui Schiele était très proche malgré sa grande vénération.

Schiele a également été connu par Klimt avec l' atelier de Vienne , les sites des arts et de la garde de la sécession de Vienne, un mouvement qui avait des liens étroits avec d'autres styles d'art modernes de l'époque.

En 1908, alors que Schiele avait dix-huit ans, il a participé à sa première exposition, une exposition de groupe à KlosterneBurg, une petite ville au nord de Vienne.

Protestation et le nouveau groupe d'art

L'année suivante, Schiele et certains collègues ont quitté l'académie pour protester et ont fait référence aux méthodes d'enseignement conservatrices de l'école et à leur incapacité à affronter les pratiques artistiques futures qui étaient répandues dans toute l'Europe.

Dans le cadre de cette rébellion, Schiele a fondé le nouveau groupe d'art , qui composé d'autres jeunes artistes insatisfaits qui ont quitté l'Académie.

Le nouveau groupe n'a pas perdu de temps et a organisé plusieurs expositions publiques à travers Vienne, tandis que Schiele a recherché de nouvelles formes d'expression pittoresque et de distorsions et de formes déchiquetées ainsi qu'une palette de couleurs plus foncée que celle de l'art plus décoratif et artistique a préféré l'art.

Essentiellement, Schiele s'est progressivement éloigné de celui de Klimt, bien que les deux hommes soient restés étroitement liés jusqu'à la mort de Klimt au début de 1918. Si le contenu du travail de Schiele en est une indication, il semble que le mentor et le mentoré partageaient un appétit insatiable pour les femmes.

À l'occasion de la première exposition du nouveau groupe d'art en 1909 dans le salon Piska à Vienne, Schiele a rencontré le critique d'art et écrivain Arthur Roessler , qui s'est lié d'amitié avec lui et était plein d'admiration sur son travail.

En 1910, une amitié à long terme a commencé avec le collectionneur Heinrich Benesch . À ce stade, Schiele avait développé un portrait expressionniste personnel et un style de paysage et avait reçu un certain nombre d'ordres de portraits de Vienne Intelligenzija .

Scandales à Vienne et autoportraits allégoriques

Alors que le travail de Schiele a scandalisé la Vienne Society, il a également vendu bon nombre de ses photos explicites à des collectionneurs privés lorsque les journaux ont critiqué son travail.

Ce développement de représentations explicites des organes génitaux féminins et masculins dans l'art est un phénomène qui ne pourrait avoir lieu à Vienne que vers 1900. La ville a été ébranlée par des scandales et des discussions publiques sur les frontières de l'art sont omniprésentes.

Les femmes des cercles sociaux supérieurs couvrent décemment leurs jambes et l'encolure de leurs vêtements. Des artistes tels que Gustav Klimt et Oskar Kokoschka provoquent les doubles standards de ce Danubeetropolis avec leurs représentations révélatrices des femmes nues .

Des musiciens comme Gustav Mahler et Arnold Schönberg dépassent courageusement la frontière de la modernité; d'Arthur Schnitzler secouent le fondement de la société, tandis que Sigmund Freud parle publiquement de la sexualité des femmes pour la première fois.

Bien que Schiele ne connaissait pas personnellement le psychanalyste, tout Vienne connaît les connaissances spectaculaires de Freud.

Egon Schiele connaît ce double standard depuis l'enfance. En contraste avec l'idéal de la beauté de la sécession viennoise, il montre le laid et déformé. Les membres de ses jeunes femmes et hommes sont anormalement longs et émaciés, tandis que les organes génitaux sont invitants et colorés.

À la recherche d'isolement, Schiele a quitté Vienne en 1911 pour vivre dans plusieurs petits villages; Il s'est de plus en plus concentré sur les auto-portraits et les allégories sur la vie, la mort et le sexe et a fait des aquarelles érotiques .

Le seul artiste de 20 ans est particulièrement fasciné par la transition de l'enfance à l'époque adulte, à la fois chez les filles et les garçons. Dans ses œuvres, il se concentre souvent sur le sujet de l'auto-décoloration pendant la puberté. Cette orientation artistique mène à un scandale à Neulengbach en 1912, une petite ville de la forêt de Vienne.

Les premières études de Schiele ont été particulièrement controversées car il a montré des enfants utilisés et des filles pubescentes dans des situations implicitement érotiques.

Pour Schiele, l'année suivante était d'une importance cruciale pour Schiele. En plus de participer à de nombreuses expositions de groupe - à Budapest, Cologne et Vienne - Schiele de la galerie Hans Goltz à Munich a été invitée à montrer son travail avec des membres du groupe expressionniste "The Blue Rider" , qui Wassily Kandinsky et Franz Marc .

À cette époque, son autoportrait le plus célèbre avec Physalis (1912), une étude captivante de l'artiste, son visage et d'autres caractéristiques faciales pleines de lignes, de cicatrices et de déformations subtiles appartenaient aux œuvres de Schiele.

L' exposition Goltz a obtenu sa plus grande attention jusqu'à présent et a révélé sa riche utilisation du symbolisme personnel et des allégories sombres au public.

Arrestation pour modèles mineurs

Toujours en 1912, lorsque Schiele a vécu dans la ville autrichienne de Neulengbach, il a été arrêté dans son studio et a été enfermé pendant vingt-quatre jours parce qu'il a été accusé d'avoir kidnappant et de violer une fille de douze ans.

Cet acte d'accusation a finalement été abandonné et il a été condamné parce qu'il avait exposé à des enfants d'images érotiques . La police avait confisqué 125 de ses "dégénérées" et, dans un geste symbolique, le juge a brûlé l'un de ses dessins dans la salle d'audience (l'œuvre qu'une jeune fille montre nue de la hanche avait déjà été exposée sur le mur de son studio).

L'incident a eu un impact significatif sur Schiele car il a ensuite cessé d'utiliser des enfants comme modèles, bien que la morbidité et l'unicité sexuelle de son travail - en particulier ses dessins - aient apparemment augmenté de prison après sa libération.

Service de l'armée, mariage, tragédies et fin de vie

En 1913, la galerie Hans Goltz, Munich, la première exposition solo de Schiele organisée. Une exposition solo de son travail a eu lieu à Paris en 1914.

Sa vie privée a également tourné lorsqu'il a écrit à un ami en 1915: "J'ai dû me marier et avantageux" et Edith Harms, une jeune femme avec une bonne réponse sociale, a fait une proposition de mariage.

Bien qu'il espérait continuer sa relation avec Wally Neuzil, elle l'a quitté lorsqu'elle a découvert ses fiançailles. Une perte qui s'exprime clairement "Der Death and the Girl"

Quatre jours après son mariage, Schiele a finalement été transférée au service militaire. Cependant, il n'a jamais vécu un vrai combat tout au long de la guerre et a plutôt été autorisé à continuer et à exposer son art, où qu'il était stationné.

Inspiré par ses voyages de guerre, Schiele a créé une série de paysages et de paysages urbains , que les contours excessifs habituels de l'artiste manquaient.

En 1917, Schiele était de retour à Vienne et a travaillé dur. La même année, il a fondé et Klimt ensemble la ville de la ville, une nouvelle salle d'exposition qui était censée encourager les artistes autrichiens, à rester dans leur patrie. L'année suivante, l'artiste a connu à la fois des succès et des tragédies à bien des égards.

En février, son mentor et ami Klimt a subi un accident vasculaire cérébral et une pneumonie. Un mois plus tard, la sécession de Vienne a organisé sa 49e exposition annuelle (1918) et a dédié le principal espace d'exposition à l'usine de Schieles, ce qui a donné à la question un grand succès commercial.

Il est décédé quelques mois plus tard à l'âge de 28 ans le 31 octobre 1918 à Vienne sur la grippe espagnole, sur laquelle sa femme était mortelle trois jours plus tôt. Dans les trois jours entre sa mort respective, Schiele a fait plusieurs croquis de sa défunte épouse.

Dans ses derniers instants, le jeune artiste autrichien Egon Schiele a connu une apparition extraordinaire: sur son lit de mort fin octobre 1918, il chuchota les mots avec une force croissante:

Après ma mort, les gens me loueront sans aucun doute et admireront mon art. "

Le style unique d'Egon Schiele

L' art de Schiele a la capacité de présenter les gens dans leur temps d'une manière unique et émouvante. Ce style pénètre toujours profondément dans notre monde d'images et d'émotions du 21e siècle.

Jusqu'à présent, il n'y a rien de comparable qui puisse mettre le corps si habilement - que ce soit comme un champ de bataille, une aire de jeux ou une scène de crime.

Il s'agit d'une autorité artistique dans laquelle chaque expression émotionnelle du désespoir intensive à la mélancolie apathique avec couleur, forme cassée ou lignes est animée - comme un signe de désintégration ou un flop sur une zone.

Comme obsédé par les cuisses et les fesses, des organes génitaux féminins et masculins, des hétérosexuels, des homosexuels et des câlins lesbiens. Il a dessiné les sexes et les a colorés comme des fruits trop mûrs. Et il s'est présenté comme un saint, nu avec un outil d'amour obscène. Les corps sont douloureusement minces par des arrière-plans vides qui deviennent l'abîme.

Vers 1914, ses personnalités peintes semblent déferler en transe, sans orientation ni objectif. Cela est dû à la "géométrie", à partir de laquelle Schiele a créé ses personnages. Par exemple, il a construit une femme allongée à partir de deux triangles. Même leurs parties génitales ont des formes triangulaires.

Les productions de Schiele sur les obsédés, l'absumé et morbide à travers un art de dessin pur aujourd'hui semblent encore plus magiques que jamais - mais profondément humains en même temps. Cette contorsion presque voluptueuse du corps montre de vagues influences du symbolisme et de l'art viennois Nouveau ; De nos jours, cela est considéré comme une recherche d'identité de peintre - pas autant que le travail d'un mythe doué précoce ».

La représentation du corps nu dans les œuvres de Schiele

La représentation du corps dans les œuvres de Schiele joue un rôle central dans son travail et contribue à sa réputation controversée d'artiste.

Dans ses œuvres, il se brise avec les idéaux traditionnels de la beauté et montre le corps sous sa forme authentique et souvent sans ornements. Les dessins de dessin de Schiele sont particulièrement connus dans lesquels il révèle l'anatomie humaine en détail et sans relâche.

Il évite les proportions idéalisées et dépeint le corps dans une perspective déformée afin de refléter les états intérieurs et les émotions des sujets représentés. Schiele met l'accent sur l'individualité de chaque corps, témoignant ainsi de sa fascination pour le caractère unique de l'existence humaine.

Une œuvre bien connue qui illustre cette approche est le "Portrait de Wally Neuzil" de 1912. Dans ce tableau, il montre Wally Neuzil, son amant et sa muse, dans une pose auto-confiante avec le haut du corps nu.

La représentation du corps dans ce travail est honnête et implacable, qui était perçue comme provocante et scandaleuse à l'époque. Cependant, la représentation artistique du corps de Schiele a été pionnière pour le mouvement artistique moderne et a influencé de nombreux artistes de sa génération.

La représentation du corps dans les œuvres de Schiele est un sujet central qui souligne son influence révolutionnaire dans le monde de l'art. Ses œuvres provoquent toujours des discussions sur les limites de la représentation du corps et l' importance de la beauté dans l'art .

Gestes énigmatiques et schémas de mise en scène religieux

L'exposition «Liberté du I» au musée Georg Schäfer à Schweinfurt a clairement indiqué en 2018 que Schiele était une personne spirituelle - sinon au sens religieux traditionnel.

L'exposition à Schweinfurt a été divisée en trois domaines: la présentation de soi, le monde émotionnel et la subjectivité.

Des œuvres d'art importantes telles que «l'auto-portrait de Schiele avec une tête abaissée» de 1912 (voir illustration ci-dessus) présentées. Dans cette peinture, l'artiste forme un V avec l'index et le majeur de sa main droite. Une éventuelle allusion à la bénédiction fréquemment utilisée du Christ dans l'art byzantin?

L'historien de l'art Stefan Kutzenberger ( qui a rapporté le sonntagsblatt évangélique ) indique dans le catalogue qui l'accompagne que ce geste du peintre peut être une référence au pantocratrice du Christ dans l'Église d'Istanbul Chora.

Selon Kutzenberger, le geste de Schiele pourrait donc être un symbole du charisme artistique - cela met à jour de manière impressionnante l'image romantique de l'artiste en tant que prêtre dans les années vers 1900, du moins le connaisseur écrit.

De plus, il mène une autre explication: peut-être expérimenté Schiele avec son ami Dominik Osen, un peintre et une pantomime qui a réalisé expressionniste pose le plus grand effet - cependant, cette variante explicative n'exclut pas ce qui précède.

La Schiele catholique, qui s'est mariée en 1915 après le rite protestant, a préféré utiliser des modèles de mise en scène religieux dans ses auto-portraits. Kutzenberger a souligné le fait que les représentations de Schiele en tant que saint, prophète, prédicateur, appelant ou anarchiste ne disent rien de sa propre personne ou de l'histoire de la vie réelle.

Ils sont plutôt le résultat d'attributions sociales et ont délibérément joué des modèles de rôle - il est donc en bonne compagnie avec des discours postmodernes ultérieurs.

Le double autoportrait de Schiele témoigne de son profond accord avec l'occultisme et le spiritisme qui étaient modernes vers 1900. Dans une lettre à sa sœur, il décrit un incident spiritisme remarquable:

Aujourd'hui, j'ai vraiment eu une expérience spirituelle fascinante. J'étais éveillé, mais attaché par l'esprit qui s'est annoncé dans un rêve avant de me réveiller. Tant qu'il m'a parlé, j'étais gelé et sans voix. "

Les œuvres d'art de Schiele ont souvent des traces d' iconographie chrétienne . Un exemple de ceci est la peinture à l'huile " Mère avec deux enfants II" de 1915, qui ramasse le type Pieta du Moyen Âge.

Une photo de Noël légèrement différente est "Mort Mother I" (1910), qui montre une mère décédée qui a posé la main de manière protectrice sur son enfant. Schiele lui-même considérait cette peinture à l'huile comme l'une de ses meilleures œuvres.

Œuvres d'art importantes par Egon Schiele

Schiele nous a laissé une impressionnante abondance d'œuvres pour sa courte vie et l'anéantissement de certaines de ses œuvres au cours du national-socialisme.

À ce stade, nous aimerions vous montrer 6 des œuvres les plus importantes de son travail étendu et expliquer brièvement - par ordre chronologique.

Portrait de Gerti Schiele, 1909

C'est l'un des nombreux portraits de Schiel de sa sœur cadette Gerti , le modèle préféré de l'artiste de l'artiste de son début de carrière et le membre de sa famille, avec qui il était le plus étroitement connecté.

Ce premier portrait, que Gerti a peint à l'adolescence, montre à la fois le fort lien stylistique entre le travail de Schiele et celui de Klimt ainsi que le départ du style de son mentor.

Dans sa pose et ses bijoux, qui se compose d'une série de plaques plus plates avec des accents d'or et d'argent, la figure de Gerti rappelle les œuvres de Klimt telles que le portrait de l'Adele Bloch-Bauer (1907).

Mais contrairement aux prédécesseurs climatiques, l'image est moins décorative que statique et douce comme si la compression versait son ton représenté. De plus, la palette richement chatoyante de Schiele Klimt, dominée par la palette dotée d'or avec des couleurs plus tâchées, ce qui a abouti à une image qui a un effet sec et qui rappelle plus la décroissance que la croissance.

Médias : huile, argent, couleur en bronze doré et crayon sur toile

Emplacement actuel : Musée d'art moderne, New York

Acte masculin assis (auto-Portrait), 1910

Les autoportraits de Schiele sont inhabituels non seulement à cause de la fréquence avec laquelle l'artiste s'est représenté, mais aussi à cause de la façon dont il a fait cela: des représentations érotiques dans lesquelles il apparaît souvent nue dans des poses très révélatrices - auto-portraits masculins, qui à cet égard cherchent pratiquement des noms dans le monde de l'art occidental.

Dans ce dessin, l'artiste a créé une vision intensive et presque effrayante de lui-même: émacié, avec des yeux rouge vif, des jambes déformées et sans pieds, a complètement exposé son corps, mais a partiellement caché son visage, ce qui peut suggérer un sentiment de honte, une pose tordue qui, comme de nombreux auteurs, est due à l'influence significative de la danse moderne.

Caractéristique du style expressionniste, qui pratique de plus en plus à l'époque, il exprime sa peur à travers les lignes et les contours ainsi que par une peau qui semble épuisée et exposée à des éléments rugueux.

Médias : craie noire, aquarelle et gouache sur papier

Emplacement actuel : Léopold Museum, Vienne

Auto-Portrait avec Physalis, 1912

Il s'agit peut-être de l'auto-portrait le plus célèbre de Schiele. Dans cette œuvre, qui a été créée à la fois, dans laquelle Schiele a participé à de nombreuses expositions, Schiele regarde directement le spectateur et son expression faciale montre sa confiance en son talent artistique.

Bien que Schiele utilise moins de distorsions que dans d'autres auto-portraits, la peinture refuse d'idéal d'idéaliser son motif et a des cicatrices et d'autres lignes caractéristiques de la manière comportée de l'artiste.

La peinture a été exposée en 1912 avec des œuvres d'un certain nombre d'autres artistes expressionnistes à Munich et a un portrait d'accompagnement qui représente son amant, Wally Neuzil à l'époque (le portrait Wally a été volé par les nazis de la maison d'un Autriche juif juste pour le sauver). 2010 est retourné à Vienne après un différend juridique de douze ans.

Aujourd'hui, il sert de «produit phare» pour le musée Leopold de Vienne, qui abrite la plus grande collection de chaussures au monde.

Médias : huile sur toile

Emplacement actuel : Léopold Museum, Vienne

The Hermits (The Hermits), 1912

Ce double portrait , qui est l'une des œuvres les plus allégoriques de l'œuvre de Schiele, montre Schiele et presque comme une unité côte à côte. Aussi proche que les deux hommes se tenaient et malgré toutes les similitudes, Schiele a passé une grande partie de sa carrière à se libérer de l'influence de Klimt.

Dans Hermits, les deux hommes portent leurs longs cafts noirs caractéristiques, un vêtement pour le climat et ont utilisé le strabisme, peut-être comme hommage, pour son propre travail. Schiele n'est pas un ami de la modestie et positionne le climat en arrière-plan, aveuglément et surtout caché comme s'il était consommé par le jeune artiste.

La forme résultante rappelle une seule figure sombre et indique que le successeur confiant Schiele reprend le manteau de l'ancien maître. Le motif ermite rappelle également la vision existentielle de Schiele de l'artiste comme une figure au bord de la société.

Médias : huile sur toile

Emplacement actuel : Léopold Museum, Vienne

Mort et la fille, 1915

Dans cette peinture, l'une des œuvres les plus complexes et les plus urgentes Schieles, la figure féminine s'accroche à la figure de la mort masculine, tandis qu'elle est entourée d'un paysage quasi-soural tout aussi éloigné.

Comme partout dans son travail, Schiele relie également le personnel avec les allégoriques - dans ce cas en se transformant en un sujet qui vient du concept médiéval de la danse de la mort, qui a abouti à l'art allemand du XVe siècle.

"Death and the Girl" est arrivé à l'époque où Schiele s'est séparé de son amant de longue date Wally Neuzil et quelques mois avant de marier son nouvel amant Edith Harms. Le tableau rappelle la fin de sa liaison avec Neuzil et semble présenter cette séparation comme la mort du véritable amour.

Fait intéressant, la façon dont les figures de Schiele sont presque consommées par ses vêtements et l'entourage abstrait, indique la peinture de portrait de Klimt, qui a également placé ses motifs dans des environnements non enregistrables.

Médias : huile sur toile

Emplacement actuel : Galerie autrichienne, Belvedere, Autriche

Ville parmi la verdure (la vieille ville III), 1917

Bien que son art se soit concentré sur la figure humaine, Schiele - qui a eu l'occasion de voyager à travers l'Europe au cours de sa carrière - s'est également senti dans le pays et les villes.

En fait, les peintures de l'artiste, qui montrent le paysage et sa patrie Vienne, constituent une partie importante de son travail. Cette peinture a été partiellement inspirée par la ville natale de sa mère, Krumau , où il a vécu une courte période en 1911.

Les paysages de Schiele - bien que souvent déserts - ont des parallèles fascinants avec son travail figurant. Son utilisation fréquente de la vue des yeux de l'oiseau dans ses images de paysage rappelle l'un des éléments les plus radicaux de sa peinture de portrait: sa tendance à dépeindre son représentée d'en haut.

Cette peinture contient d'autres éléments caractéristiques de la langue de Schiele, en particulier l'utilisation de contour en gras et de contours nets. Ce qui distingue cette œuvre de son travail de portrait, c'est la palette d'utilisation et de couleurs de l'artiste, pour laquelle Schiele n'était pas connue.

Médias : huile sur toile

Emplacement actuel : Nouvelle galerie, New York

Que coûte une œuvre d'art d'Egon Schiele?

Un plis qui a maintenant une valeur moyenne de 100 000 euros n'a été vendu que pour 50 Schilling - pas même 4 euros. La valeur estimée était incroyablement faible au cours de sa vie.

Rudolf Leopold a recherché le monde de l'art basé sur les œuvres de l'artiste, l'a acquise et les a réunies pour une tournée mondiale spectaculaire.

Depuis les années 1970, l'art de Schiele a connu une renaissance sur le marché et ses peintures et dessins, entre 400 000 et 27 millions d'euros, sont maintenant échangés aux enchères . Néanmoins, Schiele reste dans l'ombre de Gustav Klimt.

Littérature et livres illustrés sur le génie de l'artiste autrichien

Schiele Standard travaille avec un personnage de représentation-un prix pour les collectionneurs et les fans

Le travail de Schiele est l'une des œuvres importantes de la modernité précoce après 1900 et est à la fois classique et intemporelle actuellement dans son existentialisme sensuel du corps.

Maintenant, presque un siècle plus tard, les sacs une bande opulente: du papier de haute qualité, une couverture de lin noble avec une confidentialité dorée 221 peintures de 1909 à 1918 et 146 dessins sont inclus.

Le vaste livre d'art impressionne à tous égards avec neuf chapitres qui combinent des images et des textes. Nous assistons au talent exceptionnel et à la nature rebelle de Schiele, tandis que nous vivons son esthétique intensive de transformation - un mélange passionné de curiosité instable et d'énergie sexuelle provocante.

De plus, le livre nous donne un aperçu des images de guerre de Schiele de 1914 à 1918: les corps humains, les portraits et les scènes naturelles cassées telles que les cartes ouvertes - blessées, défigurées, torturées et réorganisées.

L' historien de l'art et spécialiste des musées expérimentés Tobias G. Natter , qui a ensuite grandi dans la même région que Schiele, a créé une œuvre standard impressionnante sur les plis . Ce travail est inestimable pour les collectionneurs et les fans de l'artiste.

Le livre illustré massif est disponible sur Amazon en tant qu'édition liée .

D'autres recommandations de livres:

• Egon Schiele: The Leopold Collection, Vienne; Par Rudolf Leopold, Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt et Egon Schiele (1965), Guggenheim Exhibition Catalog / par Thomas Messer
• Egon Schiele, par Klaus Albrecht Schroder
• Egon Schiele, par Erwin Mitsch

Sources, références et informations supplémentaires:

• The Art Story , Egon Schiele , https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau , The Body, A Battlefield , https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• Manuscrit SWR2 , l'artiste Egon Schiele "Enfant Terrible" du modernisme classique - par Martina Conrad
• Sonntagsblatt de l'Evangelical Press Association for Bavaria EV (EPV), Schweinfurter Museum montre l'exposition d'Egon Schiele "Freiheit des Ichs", https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/scheinfurter-chuseum-tellen-egon-schieles-freiheite-ichs