Former des courants d'art abstrait et ses artistes les plus importants

Dans notre article "ART RÉSUMÉ - Tout sur le mouvement artistique non opposé", nous avons examiné l'art abstrait comme un concept, une direction artistique influente et le gérer. Nous avons appris que «l'art sans objet» ou «l'art non objet» est un dessin collectif pour les mouvements artificiels du 20e siècle qui est apparu après 1900.

Le dénominateur commun le plus important dans les œuvres abstraits est le départ de la nature et des objets réels comme modèle de motif et la rupture avec les principes traditionnels académiquement trempés du réalisme classique.

Résumé dans une courte phrase: les principes des artistes abstraits sont basés sur le rejet de toute représentation. Votre conscience et votre lecteur créatif doivent être provoqués uniquement de l'esthétique pour vous-même.

Les racines de l'abstraction dans le cas de la conception picturale remontent même à la Grèce antique, où Platon a déjà exprimé l'envie de concevoir non objectif en utilisant des formes et motifs géométriques.

Bien sûr, ce type d'arts créatifs n'est pas resté immuable dans sa forme originale, mais a traversé une évolution et un développement naturels. Cela peut être illuminé comme les ramifications d'un vieil arbre avec un tronc fier et une plante racinaire en profondeur.

De nombreux sous-formes, modifications, mouvements parallèles et contre-tendances ont été créés au fil des décennies et des siècles, qui sont tous liés les uns aux autres et se sont souvent fertilisés.

Par conséquent, nous aimerions faire un petit voyage dans le temps avec vous à travers les phases les plus importantes et les plus formatrices de l'art abstrait, concret et moderne . Dans la mesure du possible, nous nous efforçons de mettre en évidence des nœuds, des liens et des relations causaux importants afin que vous puissiez développer une image cohérente.

Si vous manquiez l'un ou l'autre morceau du puzzle sur notre dernier article sur ce sujet, vous pouvez le trouver ici.

Commençons au tout début ...

Peinture abstraite à l'âge de pierre

Il y a un consensus parmi les historiens de l'art selon laquelle l'art abstrait a été utilisé il y a environ 70 000 ans sous la forme de gravures préhistoriques.

Ceci est démontré, par exemple, deux rochers gravés de schémas géométriques abstraits, qui ont été trouvés dans la grotte de Blombos en Afrique du Sud. Ensuite, il y a eu des dizaines de milliers d'années plus tard, les points rougeâtres abstraits et les pochoirs à main, qui dans les peintures de la grotte El Castillo depuis les années 39 000 à 34 000 avant JC. Ont été découverts.

Les symboles abstraits étaient également la forme dominante de l'art grotte paléolithique et ont été trouvés environ deux fois plus souvent pendant les fouilles que les peintures figuratives.

Réalisme classique jusqu'à la fin du 19e siècle

Presque jusqu'aux contreforts du 19e siècle, les principes et l'approche des artistes en peinture et en sculpture étaient fortement façonnés par les normes et les enseignements académiques.

Un écart par rapport au modèle de guidage traditionnel du réalisme classique a été mal vu et a été sanctionné par la non-observation. Les grandes académies artistiques de l'Europe se sont engagées dans la souveraineté de l'interprétation et ont chanté qu'il était de l'administration de l'art de fournir une scène reconnaissable ou un objet reconnaissable.

Des représentants importants de la romance avec une influence sur l'art abstrait:

• Joseph Mallord William Turner (1775-1851): peintre anglais, aquarelle et dessinateur. Probablement le plus important de l'Angleterre à l' ère de la romance. Son expressionnisme s'est développé pour l'abstraction.

Tendance vers l'abstraction de l'impressionnisme

Au dernier quart du 19e siècle, le vent s'est progressivement tourné et le corset conservateur a montré des fissures. art impressionniste a montré que le style académique strict de la peinture naturaliste n'est plus le seul moyen authentique de créer de l'art important.

La palette technologique des impressionnistes n'était généralement pas très naturaliste, bien que l'art de l'impressionnisme soit généralement fermement et clairement dérivé du monde réel. Les courants impressionnistes intérieurs du poillisme néo-impressionniste et du post-importalisme attirent de manière impressionnante l'attention sur le pouvoir de la couleur.

Si vous regardez l'utilisation de jaune vif dans les œuvres de Vincent Van Gogh , il semble presque que l'artiste captive la lumière lui-même.

Si vous regardez de Claude Monet de ses lys d'eau, on peut clairement voir que même dans l'ère impressionniste, il y avait une tendance croissante vers le résumé.

Plus tard, dans les premières décennies du 20e siècle, d'autres techniques - telles que l'utilisation stylistique de la couleur, devraient alimenter la tâche d'une représentation à trois dimensions et l'utilisation de formes géométriques simples - la poursuite de l'abstraction et leurs artistes donnent de nouveaux outils.

Représentants importants de (post-) impressionnisme avec influence sur l'art abstrait:

• James McNeill Whistler (1834-1903) - était un peintre et un graphiste imprimé des États-Unis. Il était particulièrement connu pour sa peinture de couleurs à moitié abstraite.
• Claude Monet - Important peintre français, s'est déplacé entre le naturalisme et l'abstraction dans ses images après 1890
• Vincent Van Gogh - Dutch Painter et dessinateur; Il est considéré comme l'un des fondateurs de la peinture moderne.
• PAUL GAUGUIN - Peintre français influent. Son travail post-impressionniste a fortement influencé le nabis et le symbolisme; Il était co-fondateur du synthisme et est devenu un pionnier de l'expressionnisme .
• Henri de Toulouse-Lautrec -french Painter et graphiste du post-impressionnisme
• Paul Cézanne (1839-1906) -French Painter, dont le travail est affecté à différents styles. Il s'est toujours efforcé d'un renouvellement des méthodes de conception traditionnelles basées sur des principes impressionnistes. Ses vies et les paysages calmes sont considérés comme des points de départ importants pour l'abstraction.
• Paul Serusier (1864-1927) -French Painter du post-impressionnisme. Fondateur du groupe symbolique d'artistes Nabis et fortement influencé par Gauguin.

Mouvement d'art Nouveau / Art Nouveau

L'émergence de l'art abstrait a également été influencée par le mouvement Art Nouveau (vers 1890-1914). Le flux vers n se séparant à l'art nouveau est le style de réforme (après le mouvement de réforme) et le deuxième style (après la section viennoise).

L'expression d'Art Nouveau a été attribuée par un magazine culturel illustré fondé par Georg Hirth à la fin de 1895 à Munich, qui s'appelait "Jugend". Ce mouvement artistique doit être compris comme une réaction de comptoir en particulier les jeunes artistes et artisans sur l'historicisme en arrière. L'industrialisation du début du 20e siècle, qui est comprise comme sans âme, devrait également être critiquée.

Cependant, c'est l'expression française Art Nouveau qui a prévalu à l'international. Cela est retourné à la galerie La Maison de l'art Nouveau, que le marchand d'art Hambourg, Siegfried Bing, a ouvert à Paris à la fin du 19e siècle.

Les caractéristiques typiques de l'art nouveau sont de longues lignes incurvées qui prennent les formes organiques des plantes comme modèle, mais aussi des ornements géométriques linéaires plats avec une tendance à l'asymétrie.

Le représentant le plus important du mouvement Art Nouveau est le garçon d'or viennois Gustav Klimt .

Sur l'expressionnisme allemand à la pierre angulaire de la peinture

L'utilisation de la couleur et de la forme était d'une grande importance pour le développement de l'art abstrait. L'impressionnisme a ouvert la voie à une utilisation plus forte de la couleur comme dispositif stylistique, mais seul l'expressionnisme allemand en faisait une pierre angulaire qui ne pouvait plus être supprimée.

Le livre de Wassily Kandinsky "About the Spiritual in Art" (1911) est devenu l'œuvre de base de la peinture abstraite. Kandinsky a "souffert" de la synesthésie, ce qui explique sa sensibilité inhabituelle aux couleurs. Il a non seulement vu les couleurs, mais les a également entendus (perception avec deux sens). Il a vécu pour ainsi dire une combinaison d' art visuel et de musique .

Pas étonnant que l'effet émotionnel de la forme, de la ligne et, surtout, de la couleur de la peinture soit si trop fasciné et devait façonner toute son œuvre.

Comme beaucoup d'autres artistes abstraits, Kandinsky croyait que la musique incarnait l'art abstrait au sens le plus pur, avec leur capacité à être expressive sans dépeindre le monde réel. Kandinsky décrirait ses œuvres comme des «compositions».

Dans le même temps, cependant, il a averti à plusieurs reprises que le désir d'abstraction ne devrait pas être effectué pour une simple décoration - sans mettre en danger la gravité de l'art.

La peinture abstraite est la plus difficile de tous les arts. Il faut que vous puissiez bien dessiner que vous avez un sentiment de composition et de couleurs prononcé et que vous êtes un vrai poète. Ce dernier est essentiel. "

Kandinsky a été cité.

L'expressionnisme allemand est caractérisé par sa palette de couleurs saturées et la coloration de la couleur aux émotions humaines. En général, expérimenter les couleurs et provoquer des émotions était un intérêt principal des artistes abstraits.

La plupart des expressionnistes allemands, tels que Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke et Max Beckmann n'étaient pas des peintres abstraits au sens plus stricte.

Sa palette animée - avec les écrits théoriques de Kandinsky - a alarmé et encouragé d'autres artistes avec une tendance plutôt abstraite à les poursuivre avec pleine force.

On pense que des artistes comme Piet Mondrian, Wassily Kandinsky ou Kasimir Malewitsch ont considérablement lancé l'art abstrait. Cependant, certaines des premières œuvres connues proviennent de l'artiste révolutionnaire Hilma Af Klint . Au début, elle a créé un travail figuratif traditionnel, mais ses peintures radicales ont été créées à partir de son intérêt pour le spiritisme.

Le spiritisme était un mouvement extrêmement populaire dans les cercles artistiques et littéraires à l'époque, ce qui était convaincu que la communication avec les fantômes du défunt était possible. Avec un groupe de quatre autres femmes, qui sont devenues plus tard connues sous le nom de "The Five" , Klint a réalisé des ségas et a médité. De cette façon, elle était convaincue qu'un esprit appelé Amaliel lui avait donné l'ordre de créer des peintures pour décorer un temple.

L'artiste a rapporté qu'Amaliel avait dirigé sa main et a travaillé avec une immense dévotion, de sorte qu'elle a créé un total de 193 peintures pour ce projet jusqu'en 1915. Comme elle était consciente de la radicalité de ses œuvres, Klint l'a enveloppée de secret et a déterminé qu'elle ne devrait être rendue publique que 20 ans après sa mort.

Malgré ce règlement, son travail n'a reçu l'attention qu'en 1986 et est finalement reconnu de manière appropriée: l'exposition Klint en 2019 au Musée Guggenheim de New York a été l'exposition la plus fréquemment visitée de l'histoire de la maison.

Fauvisme

Le parallèle du style avant-gardien parisien du fauvisme (1905-08) a souligné l'effet de la couleur seulement comme un exemple marginalement avec des travaux comme "Red Studio" (1911, Moma, NY) par Henri Matisse .

Ici aussi, le rejet de la perspective à trois dimensions peut être trouvé comme une caractéristique décisive. Le fauvisme montre des objets avec une couleur intensive et arbitraire.

Henri Matisse était probablement le Fauvist le plus célèbre et les œuvres comme son "The Green Stripe" (1905) sont toujours répertoriées comme un excellent exemple du style caractéristique de ce mouvement artistique. L'œuvre est un portrait de sa femme à la peau verte et jaune sur fond multicolore. Les célèbres peintres d'orphisme sont Robert Delaunay , dont les "fenêtres simultanées sur la ville" (1912) et "The First Disk" (1912-1913) se composent de plusieurs patchs ou segments de différentes couleurs. Georgia O'Keeffe est connue pour ses images de fleurs abstraites colorées et étroitement coupées.

En plus de Matisse, Marlow Moss un artiste qui était clairement conforme à l'abstraction pendant cette période. Le critique Charles Darwent commente le Guardian et les décrit comme le "partisan fidèle" de Mondrian. Bien que certains la considèrent comme un imitateur du père du néoplastique, on pourrait également dire que l'influence était mutuellement. Son travail de l'époque après la découverte de Mondrian a montré son influence, mais c'était Moss qui pour la première fois a intégré des lignes doubles dans ses œuvres de rasterie en 1931.

Un an plus tard, Mondrian a suivi cette approche et a créé "la composition avec double ligne et jaune" . Dans l'histoire de l'art abstrait en grande partie, Moss connaît à juste titre une sorte de réveil ces dernières années.

Cubisme et dissolution de la profondeur et de la perspective de l'image

La naissance du cubisme (1908-14) peut être considérée comme une réaction directe à la beauté décorative et à l'esthétique de l'impressionnisme. Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) ont développé ce nouveau style dans cette conscience en plusieurs étapes.

L'œuvre semi-abstraite de Picasso "Les Demoiselles d'Avignon" de 1907 (maintenant dans le MoMA, NY) faisait toujours partie de la première phase du prototype du cubisme.

Cela a été suivi par le cubisme analytique (voir "Act avec" Akt avec l'escalier quittant n ° 2 " à partir de 1912 par Marcel Duchamp (1887-1968)).

La phase finale du cubisme synthétique était alors significativement plus orientée vers le collage. Son concept de base était basé sur la continuation de se développer à partir de l'art bien mais trivial de l'impressionnisme en une forme d'art plus intellectuelle. Les représentants du cubisme étaient principalement soucieux de rechercher de nouvelles méthodes pour représenter la réalité.

Les caractéristiques des œuvres cubistes étaient la dissolution de la méthode académique de représentation de la réalité en utilisant une perspective linéaire (profondeur) afin d'atteindre l'effet habituel à trois dimensions d'une peinture.

Les cubistes ont tout tenu sur un niveau plat à deux dimensions sur lequel ils ont interprété différentes "vues" du même objet.

Bien que la plupart des œuvres cubistes proviennent toujours d'objets ou de scènes avec une vraie couverture et ne peuvent donc pas être considérées comme complètement abstraites, le rejet de la perspective traditionnelle a complètement sapé le réalisme naturel dans l'art et a ainsi ouvert la porte à une pure abstraction.

Représentants importants du cubisme avec influence sur l'art abstrait:

• Francis Picabia (1879-1953)-FRENCH PEINTER avec influence dans le cubisme, le dadaïsme et le surréalisme.
• Carlo Carra (1881-1966) - connu pour sa peinture précoce cubiste et futuriste.
• Albert Gleizes (1881-1953) -Cubist Painter, co-auteur de Du Cubisme, le premier document lié sur le cubisme.
• Jean Metzinger (1883-1957) a été inspiré par le cubisme analytique; Publié "Du Cubisme" avec Albert Gleizes.
• Roger de la Fresnaye (1885-1925) - utilise la simplicité géométrique du cubisme pour faire des déclarations concrètes et motivées politiquement
• Juan Gris (1887-1927) - peintre de span et théoricien principal du cubisme
• Le sculpteur abstrait inspiré de Constantin Brancusi
• Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) - Instruments cubistes utilisés pour afficher le mouvement
• Jacques Lipchitz (1891-1973) - sculpteur français américain significatif du 20e siècle.

Orphisme

Ce style de peinture abstrait du début du 20e siècle a également été cubisme orhique et a cherché à combiner la composition cubiste avec la couleur et la musique.

Le terme a été dérivé du chanteur mythique et joueur de foie Orphée et caractérisé durablement par Guillaume Apollinaire en 1912 après des œuvres à forte intensité de Robert Delaunay .

L'orphisme est caractérisé par des taches de couleur vive que par des objets figuratifs. Les structures circulaires en particulier dans les couleurs vives sont les caractéristiques de mise en évidence de cette direction artistique.

Représentants importants du préliminaire:

• Robert Delaunay - peintre français de l'avant-garde, qui a également écrit des écrits théoriques de l'art
• Franz Kupka - peintre tchèque. La couleur a toujours joué un rôle important pour Kupka.

Le précédent

Pridialism 1913-14 ) était un mouvement artistique britannique de la période d'avant-guerre, qui a également été fortement influencé par la langue cubiste. Le terme est dérivé du mot latin "vortex", qui signifie quelque chose comme "tempête" ou "vertèbres".

Il a été fondé par Percy Wyndham Lewis (1882-1957) et explicitement compris comme une contribution spécifique en anglais à la modernité. De façon similaire au cubisme, il a compris comme un concept de comptoir pour des représentations réalistes dans l'art. le préliminaire a nié leur mission morale et a insisté sur l'autonomie de l'œuvre d'art.

Représentants importants du préliminaire:

• Richard Aldington - Écrivain anglais et rédacteur en chef du magazine Avant-Garde "The Egoist".
• Malcolm arbuthnot - est considéré comme l'inventeur de "vorttographie"
• Lawrence Atkinson - artiste, musicien et poète anglais
• Jessica Dismor - peintre anglais et l'une des deux seules femmes actives dans le mouvement préalable
• Henri Gaudiier-Brzeska -French Sculptor
• Cuthbert Hamilton - Artiste britannique
• Wyndham Lewis - écrivain et peintre britannique, co-fondateur de pré-indicisme et rédacteur en chef du magazine Blast.
• Ezra Pound -American Poet est considéré comme l'un des représentants exceptionnels du modernisme littéraire.
• William Roberts - peintre britannique du cubisme et co-fondateur du préliminaire
• Helen Saunders - peintre anglais
• Edward Wadsworth - British Painter, qui était basé sur le futurisme et le cubisme pour développer l'art géométrique jusqu'à l'abstraction

Futurisme

du futurisme italien (1909-13) a été significativement justifié par Marinetti (1876-1944) et dans l'œuvre artistique de Gino Severini (1883-1966) et Giacomo Balla (1871-1958).

Ce courant a également été influencé par le cubisme et à son tour ravi de nombreux peintres en mettant l'accent sur le mouvement et la technologie. Dans la sculpture, le futurisme a eu le plus fort impact sur le développement de l'art cinétique et a influencé les sculpteurs abstraits tels que Naum Gabo (1890-1977) et Alexander Calder (1898-1976).

Tubisme

Une autre direction artistique connexe était constituée presque en même temps. En lien avec l'art de Fernand Léger (1881-1955), cela ne pouvait plus être parlé par le cubisme, mais par le tubisme (art des tubes) .

Ici, des parties cylindriques et sphériques ont été utilisées à la place des éléments plats qui se chevauchent du cubisme. Cela a créé de nombreuses images avec des motifs de type machine qui lagers foi futuriste dans la technologie contre mirrors dix.

Avec le suprématisme russe aux nouvelles formes géométriques

Le mouvement russe pour l'art abstrait est connu sous le nom de suprématisme . En 1915, elle a été nommée et justifiée par sa figure de direction Kasimir Malewitsch (1878-1935) comme une expression de la supériorité des sentiments et des sensations dans l'art.

Sans aucun doute influencé par Kandinsky, Malewitsch a créé un certain nombre de peintures d'avant-garde abstraites exceptionnelles avec des blocs rectangulaires à une seule couleur sur un fond blanc. Il a également souligné la planéité dans les œuvres artistiques. Il était probablement en avance sur son temps.

Il considérait le suprématisme comme le successeur des images d'icônes traditionnelles de l'Église orthodoxe russe dans le style byzantin de l'antiquité. En 1927, sa théorie suprématis a été officiellement déclarée dans le livre intitulée "The Non-Objective World" Schwarz sur White.

Constructivisme et rayonnisme

Vladimir Tatlin (1885-1953) est considéré comme la force motrice la plus importante derrière la création du style de constructivisme . Lyubov Popova (1889-1924) avec Alexander Rodchenko (1891-1956) était également des co-fondateurs. Cette école a essentiellement traité de l'espace, de nouveaux matériaux, des formes à trois dimensions et la liaison des sciences et de l'art. Dans le même temps, Lyubov Popova était également un membre important du mouvement suprématisme.

Un autre mouvement artistique russe intéressant qui a créé un nouveau type d'images était le rayonisme (ou le luchisme). Cela s'est étendu au cours des années 1912-14 et a été lancé Mikhail Larionov (1881-1964) et Natalya Goncharova

Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) et Naum Gabo (1890-1977) figuraient parmi les sculptures abstraites fortement influencées par les idées suprématis / constructivistes

Les influences de De Stijl

De Stijl était à l'origine un groupe néerlandais de peintres, d'architectes et de concepteurs. Le nom a rapidement atteint une distribution grâce à la création d'une association d'artistes et d'un magazine de conception et d'esthétique néerlandais.

Cela a rapidement développé un mouvement artistique avant-gardiste qui s'est principalement consacré à l'abstraction géométrique. Theo Van Doesburg est le père fondateur de De Stijl , qui a également repris la direction.

Cependant, le protagoniste clair du mouvement était Piet Mondrian (1872-1944), connu pour sa série de grilles rectangulaires simples, qui ne contenaient que des couleurs noir, blanc et de base. Avec ses grilles plates, il a essayé de créer physiquement le concept d'infini.

Les concepts de De Stijls fonctionnaient non seulement dans l'art visuel et l'architecture, mais aussi dans la conception des meubles et d'autres objets du quotidien.

Néo-plastique et élémentarisme

Il a appelé ce style néo-pllasticisme (Nieuwe Beelding). En tant que l'un des pionniers les plus influents de l'art concret en 1920-1944, il a développé son style géométrique précis comme un contrepoint conscient au chaos émotionnel et à l'incertitude générale au cours de la première moitié du 20e siècle.

Avec le groupe abstrait Cercle et Carre (1929-31) et le groupe de création d'abstraction, il est passé à New York en 1938.

Pour le plus grand plaisir de ses contemporains, Van Donebourg était peu dogmatique et a introduit une forme plus détendue de néo-plastique , élémentaire .

En 1930, il a également façonné le terme " art en béton " . Malheureusement, il est décédé en 1931, mais ses idées ont été poursuivies non seulement par des étudiants de l'école de conception du Bauhaus, mais aussi par le groupe de création d'abstraction sous la direction de l'artiste belge Georges Vantongerloo , le peintre français Jean Helion et Auguste Herbin .

D'autres membres du groupe étaient des abstractionnistes européens tels que Jean ARP (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962) et Barbara Hepworth (1903-1975) et Ben Nicholson (1894-1982).

L'architecte, sculpteur et designer de la Chambre de la construction suisse Max Bill (1908-94) a été un autre adepte qui a contribué de manière significative à la promotion du genre en Suisse, en Italie, en Argentine et au Brésil.

Surréalisme et abstraction organique

L'abstraction organique est une nouvelle subordination de l'art abstrait. Le surréalisme, qui a été créé parallèle au concrètisme géométrique, est également un proche parent de l'abstraction avec ses images quasi-naturelles.

Les grands modèles de rôle de ces styles d'abstraction biomorphe / organique étaient Jean Arp et Joan Miró , dont aucun n'était basé sur la technologie de l'automatisme.

Son compatriote surréaliste Salvador Dali (1904-89) a également créé des peintures extraordinaires telles que "la persistance de la mémoire" (1931, Moma, NY) et "Construction douce avec haricot bouilli" (1936, Musée d'art de Philadelphie).

Jean Arp était également un sculpteur extrêmement occupé qui se spécialise dans l'abstraction organique. Le sculpteur anglais Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975) l'ont fait à cet égard.

Plus tard, un certain nombre d'artistes abstraits d'Europe ont cherché refuge en Amérique, où ils sont tombés sur une nouvelle génération de peintres abstraits locaux et les ont influencés.

Ces émigrants influents comprenaient des peintres tels que Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), Andre Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-48), Yves Tangy (1900-55) et d'autres.

Malgré la controverse autour du New York Armes Show en 1913, la métropole américaine a développé un fort intérêt pour l'abstraction. Le célèbre musée d'art moderne (MoMA) a été fondé en 1929 et le musée de la peinture des obstacles (renommé plus tard le musée Samuel R. Guggenheim).

Moins de géométrie, plus de couleur - expressionnisme abstrait

Bien que les artistes européens de la période post-guerre aient préservé leur intérêt pour l'art abstrait par le biais du «Salon des réalités nouvelles» à Paris, le centre de l'art moderne s'était déplacé à New York à partir de 1945.

À partir de ce moment, l'Avant-Garde était représentée par la New York School of Abstract Expressionnisme . Ce mouvement a émergé de la crise économique mondiale et de la Seconde Guerre mondiale.

La peinture expressionniste abstraite reste vague et il n'y a jamais eu de programme cohérent et postulé. Par conséquent, le terme est souvent trompeur et déroutant pour les artistes qui n'étaient ni vraiment abstraits ni expressionnistes .

Il décrit généralement une forme de peinture abstraite (non figurative, pas naturaliste), dans laquelle la couleur a la priorité sur la forme. Et ce dernier n'est plus géométrique.

Les premiers travaux dans ce style remplissaient généralement de grandes toiles de format, dont la taille submerge les téléspectateurs et devraient les déplacer dans un autre monde. Traiter les expressionnistes abstraits des effets visuels, en particulier l'effet des couleurs, était l'image Mirrors de son objectif principal - l'inclusion et la recherche des émotions humaines fondamentales.

Ses icônes comprenaient sans aucun doute les tailles d'artistes Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem de Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) et Adolph Gottlieb (1903-74).

Pollock a révolutionné la peinture avec ses œuvres complètement abstraites au début des années 40 en versant des écrans sur le sol et en coulant et en essuyant la couleur. Cette technologie a conduit à des compositions denses sans concentration centrale et a remis en question les concepts d'art traditionnels. Ses œuvres mirrors non seulement sa touche personnelle à travers le pied et les empreintes de mains, mais aussi la nature dynamique de son processus créatif, qui l'a mis en scène en tant qu'interprète.

L'approche de Pollock a souligné l'immédiateté du geste artistique, qui a fait de lui une figure clé de l'expressionnisme abstrait. Inspirée par le mouvement surréaliste et la jeune psychanalyse, ses photos ont donné un aperçu profond de ses émotions et reflété la vie moderne.

Mark Rothko a également cherché à exprimer des émotions humaines profondes grâce à des couleurs innovantes et à la conception de forme. Dans ses premiers œuvres, il a combiné des formes reconnaissables avec des sources d'inspiration mythologiques et biologiques avant de les remplacer par des couches intensives de couleur. Ces fines couches de couleur créent un mouvement pulsé et créent une atmosphère qui enveloppe le spectateur.

Les œuvres de Rothko positionnent le spectateur à une interface entre le monde physique et le monde transcendant, bien qu'il ait délibérément choisi des chiffres comme titres pour éviter les associations personnelles. Son objectif était de permettre des expériences intemporelles et mentales et de promouvoir un dialogue intime entre l'œuvre d'art et le spectateur. L'accent mis par Rothko sur la couleur en tant qu'expression a apporté une contribution durable au développement de l'art abstrait.

La génération suivante comprenait alors des peintres comme Robert Motherwell . Le nom du mouvement a été consolidé par Robert Coates, qui a travaillé comme critique d'art à New York.

Les branches de l'expressionnisme abstrait incluent la "peinture d'action" la "peinture sur le terrain des couleurs de Rothko ainsi que " l'impressionnisme abstrait de Philip Guston (1913-1980).

Peinture d'action, peinture de champs de couleurs et Co.

Plus tard, l'expressionnisme abstrait sous le toit de l'abstraction de la peinture postale a produit une série de styles individuels comme une sorte de tendance anti-mieux. Ceux-ci comprenaient: peinture à bord dur , peinture en acier inoxydable de couleur , mouvement de couleur de Washington , abstraction lyrique américaine et toile en forme .

L'expressionnisme abstrait a également provoqué des réactions d'avant-garde de plusieurs autres artistes, dont Cy Twombly (1928-2011), dont l'esquisse calligraphique est en partie du graffiti . Un autre exemple est le sculpteur abstrait californien Mark di Suvero , connu pour ses sculptures en fer / acier à grand format.

L'art informel, le tachisme et le groupe Cobra

Alors que dans la période post-guerre de l'autre côté du grand étang de l'expressionnisme abstrait, le ton énoncé, un nouveau mouvement artistique appelé Art Informel ou l'art informel a été créé sur l'ancien continent à la fin des années 40.

Considéré comme une version européenne de l'expressionnisme abstrait, c'était en fait un mouvement parapluie avec un certain nombre de sous-variants.

Cela comprenait le tachisme , un style de peinture abstrait, qui se caractérise par des taches et des taches de couleur. Précoquée en tant que réponse française aux mouvements artistiques américains, l'artiste américain avant-gardiste Mark Tobey (1890-1976) a donné de conscience et de reconnaissance en particulier. Son style de peinture calligraphique prévoyait même celui de Pollock.

Les membres importants du tachisme étaient Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (né en 1919) et l'artiste portugaise Maria Helena Vieira da Silva (1908-92) et l'expressionniste abstrait américain Sam Frannis (1923-94).

Le groupe d'avant-garde Cobra, a également pratiqué les gestes ou le style de "peinture d'action" de l'expressionnisme abstrait américain. Cobra a été fondée par des peintres, des sculpteurs et des graphistes du groupe danois "Host", du groupe néerlandais "Reflex" et du "groupe surréaliste révolutionnaire belge".

Parmi leurs artistes se mêlent à la pointe d'Asger Jorn (1914-1973), l'écrivain belge Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky , Karel Appel (1921-2006) et Pol Bury (1922-2005), qui ont renoncé à la peinture en faveur des recherches de sculptures cinétiques.

L'art optique par l'art optique de tromperie optique est né

L'un des styles les plus prononcés et peut-être visuellement mémorables de la peinture géométrique abstraite de la modernité a été le mouvement op artistique .

Leur plaque d'immatriculation était l'emploi de l'œil avec des formes et motifs géométriques complexes, souvent colorés uniques, pour le stimuler, pour percevoir des couleurs et des formes qui ne sont pas là. On peut parler d'images intelligemment arrangées ici qui ont spécifiquement produit des illusions d'optique.

Les principaux membres de ce mouvement étaient le peintre et graphiste hongrois Victor Vasarely (1908-97) et le peintre anglais Bridget Riley . Au début des années 1970, le mouvement a de nouveau disparu après une courte phase de fleurs.

Le dernier chapitre pour le moment - la postmodernité

La postmodernité, y compris l'art contemporain ou l'art contemporain , est situé à temps depuis le début des années 1960.
De ce tournant, l'art contemporain a tendance à se fragmenter en de nombreuses écoles plus petites, plus régionales ou même plus locales.

Selon l'argumentation des historiens de l'art, cela peut être dû au fait que l'attitude répandue des mouvements d'art contemporain était de contrer les grands styles du début du 20e siècle.

Une exception à cette tendance est l' école minimalisme , qui a pu établir un style fondamentalement nouveau d'abstraction géométrique.

Il est particulièrement illustré par des artistes postmodernes tels que les sculpteurs Donald Judd (1928-94), Sol Lewitt (1928-2007), Robert Morris et Walter de Maria . Un autre sculpteur minimaliste important est Richard Serra .

Les peintres abstraits bien connus associés minimalisme Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella et le peintre irlandais-américain Sean Scully, dont les formes de couleurs rectangulaires semblent imiter les formes monumentales des structures préhistoriques.

Autres représentants importants du minimalisme:

• Morris Louis (1912-62) -American minimaliste, a recherché le technik de trempage avec Helen Frankenthaler
• Agnes Martin (1912-2004) -Minimalist peintre, connue pour sa grille de crayon sur un fond unique
• Kenneth Noland - peintre minimaliste avec un lien étroit avec une peinture à bord dur
• Cy Twombly (1928-2011) -Minimalist Painter, connu pour son travail calligraphique
• Helen Frankenthaler -Minimalist Painter, a développé le technik de trempage
• ROBERT RYMAN - American Minimalist Painter, connu pour ses compositions blanches à un seul collaboration
• Jo Baer -American Painter et graphiste. Elle est considérée comme une représentante majeure du minimalisme.
• Ellsworth Kelly -American Painter and Sculptor. Kelly a surmonté le concept de l'image à droite avec ses compositions. Il était un représentant principal de la peinture sur le terrain des couleurs et du bord dur.
• ROBERT MANGOLD -AMERICAN PEINTER
• Brice Marden , qui peut être affecté au minimalisme, entre autres choses

En plus de la sculpture et de la peinture, l'École de minimalisme a également trouvé son chemin dans l'architecture et le design - avec un succès .

Néo-expressionnisme comme dernier niveau d'itération

Les derniers développements de l'art moderne sont enfin le néo-expressionnisme. C'était en partie une réaction contre la rigueur du minimalisme et, surtout, un mouvement figuratif du début des années 1980.

Cependant, certains peintres abstraits exceptionnels étaient également représentés parmi les adeptes, notamment l'Anglais Howard Hodgkin et les artistes allemands Georg Baselitz et Anselm Kiefer .

Parmi les artistes abstraits de renommée internationale de cette époque, le sculpteur britannique et vainqueur de gymnaste Anish Kapoor , connu pour son travail de grand format en pierre brute, casting métallique et acier inoxydable, peut également être trouvé.

Artistes abstraits contemporains

De nombreux peintres et sculpteurs contemporains peuvent être trouvés, par exemple, au milieu de l'art et de la métropole culturelle de Dresde. En 2005, la galerie des producteurs «Résumé Moments» à Dresde a créé un hotspot pour l'art abstrait en Allemagne en 2005.

des peintures de l'huile et de l'acrylique, le site Web du fabricant d'art comprend également des sculptures .

Les artistes de la galerie comprennent actuellement:

• André Mimor
• Andy Larrett
• Alejandro Rojo
• Annette Freymuth
• Andreas Garbe
• Bozena Ossowski
• C. David Schwartz
• Christiane Middendorf
• Dirk Hille
• Frank Lorenz
• Frank-Ole Haake
• Gia accroché
• Hans-Jürgen Gorenflo
• Holger Mühlbauer-Gardemin
• Ilona Schmidt
• Jean-Jacques Piezanowski
• Jo pourboire
• Julio Fernandez
• Klaus Boekhoff
• KORESH NAMAZI
• Lina Roth
• Maciej Cieśla
• Manuela Rathje
• Maja Kühne
• Martina Rick
• Maya
• Raphael König
• Stefan Petrunov
• Torsten Peter
• Uwe fehrmann

Et qu'est-ce qui vient après?

L'avenir a déjà commencé, comme le dit le dicton. En ce sens, le monde de l'art moderne continuera de développer et de produire de nouveaux mouvements, styles et mouvements d'art nouveaux. Nous vous attendons avec impatience avec un esprit ouvert.

Art abstrait de notre galerie en ligne

Dans notre galerie d'art virtuelle, bien sûr, vous avez également l'occasion d'acquérir des œuvres d'art abstraites uniques et colorées - directement de l'artiste ou du partenaire de la galerie.

Chacune de ces peintures a été créée avec passion et compétences exceptionnelles d'un artiste talentueux. Explorez la diversité des formes les plus artistiques de votre forme la plus abstraite et soyez inspiré par des images qui racontent votre histoire personnelle.

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