Impressionnisme dans les arts visuels: caractéristiques, artistes, images célèbres

l'impressionnisme a été créé en France , qui s'est ensuite propagé dans de grandes parties de l'Europe dans les années 1990.

Claude Monet , Edouard Manet et Edgar Degas avaient auparavant façonné. L'impressionnisme a eu une forte influence sur les directions de style artistique et de nombreux artistes lui sont restés fidèles même à l'époque de l'expressionnisme .

Découvrez la beauté de l'impressionnisme , un mouvement artistique révolutionnaire, qui peut être vu par la représentation des impressions éphémères et jouant avec la lumière et les couleurs.

Des artistes tels que Claude Monet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Berthe Morisot et Pierre-Auguste Renoir ont créé  des peintures fascinantes style de l'art visuel qui a collecté la beauté de la vie et de la nature quotidiennes.

Impressionnisme: une courte introduction

L'impressionnisme était un mouvement artistique révolutionnaire du 19e siècle qui a annoncé une nouvelle ère en peinture. Les impressionnistes voulaient non seulement cartographier la réalité externe, mais surtout les impressions et les humeurs qu'ils ressentaient en regardant un motif. La lumière et les couleurs ont joué un rôle central.

L'impressionnisme en tant que concept de style a son origine dans le mot français "impression" , ce qui signifie "impression". La dénomination du mouvement artistique a eu lieu spécifiquement à travers la peinture "Impression - Soleil Levant" de Claude Monet, qui a été présentée en 1874 lors de la première exposition du nouveau courant à Paris.

À cette époque, un critique d'art a utilisé de manière moqueuse le titre comme un nom pour l'ensemble du style, mais les artistes ont pris le terme pour leur mouvement. L'impressionnisme est classé entre 1860 et 1920.

La chose particulière à propos de cette direction artistique était que les artistes ont commencé à observer consciemment leur perception . Parallèlement à l'émergence de la photographie, la cartographie méticuleuse des motifs ne semblait plus significative.

Ils ont réalisé que les contours des objets sont créés par la conscience individuelle. En fait, l'œil perçoit principalement les couleurs et les formes - les contours ne sont que des interprétations. Les impressionnistes ont cherché à revenir à la "pure perception" et à présenter la réalité sous leur forme authentique.

Les peintres de l'impressionnisme étaient fascinés par l'effet de la lumière. Afin de reproduire la lumière naturelle de leurs images, ils ont développé un nouveau style de peinture à partir de petites lignes et points . Cela a réalisé une légèreté et une dynamique particulières dans leurs peintures.

Les impressionnistes ont principalement travaillé à l'extérieur ou en studio pour utiliser l'éclairage changeant. Certains artistes ont peint le même motif à différents moments de la journée ou des saisons pour capturer les différences. Pour ce faire, ils ont développé de nouvelles techniques de traitement des couleurs pour obtenir des contours plus doux

Ils ont réalisé que la perception change rapidement à tout moment et il est impossible de saisir pleinement un moment. C'est pourquoi ils ont utilisé un style de peinture rapide pour capturer leurs impressions avant leur perte. Les impressionnistes attachaient l'importance à l'observation pure sans interprétation ni construction.

Avec ces priorités et ces caractéristiques, l'impressionnisme est devenu le point de départ de la peinture de la modernité .

Les motifs typiques de leur art étaient des paysages et des scènes de tabloïds avec des femmes habillées élégamment ainsi que des représentations de danseurs et de femmes dans les toilettes. Ils ont souvent également enregistré des motifs de la vie quotidienne, comme de la vie de Paris.

L'une des plus connues de cette époque a été la "troisième exposition d'art indépendante" à Paris en 1877. Là, les œuvres des impressionnistes ont été présentées au public pour la première fois. C'était une étape qui a révolutionné le monde de l'art et a ouvert la voie au succès de l'impressionnisme.

Auguste Rodin est considéré comme un représentant formatif de l'impressionnisme dans le plastique et la sculpture. les sculptures, ce style artistique est particulièrement caractérisé par une surface agitée . Dans le domaine de la photographie, l'impressionnisme est plus connu sous le nom du pictorialisme .

Les pictorialistes ont expérimenté la photographie couleur pour la première fois et ont apprécié des photos floues. L'un des photographes les plus importants de l'impressionnisme vers 1900 a été Heinrich Kühn (1866-1944), qui était basée à Vienne.

Si vous voulez en savoir plus sur l'impressionnisme, lisez simplement! Dans les sections suivantes, nous plongeons plus profondément et examinerons de plus près les caractéristiques, les artistes et les œuvres d'impressionnisme les plus connues.

Précurseur et pionnier

Les peintres romantiques Eugène Delacroix , John Constable , William Turner et Richard Parkes Bonington ainsi que les artistes de l' École de Barbizon et des peintres de l'Honfleur étaient des précurseurs importants de l'impressionnisme. Charles-François Daubigny a été décrit comme le chef d'une "école d'impression" , bien que ses programmes de composition soient toujours académiques-classiques. Néanmoins, il a montré des paysages sur le salon, ce qui a fait de lui le précurseur de l'impressionnisme.

Déjà au XVIIIe siècle, il y avait une plus grande ouverture à la peinture de paysage par rapport à la France. Cet enthousiasme a probablement été influencé par le jardin d'aménagement paysager anglais, qui ressemblait à un environnement naturel et à l'industrialisation précoce.

Des artistes tels que Constable, Turner et Richard Parkes Bonington ont cherché dans leurs œuvres pour une combinaison de précision scientifique (voir les études de cloud de gendarme) avec atmosphère et atmosphère. En particulier, les motifs de dissolution progressivement sur les nuages de couleurs dans les peintures de William Turner représentent cette idée. Le peintre se concentrait sur la capture de l'effet du paysage et habile et précis.

John Constable a principalement travaillé à Suffolk et dans les environs de Londres. Il a été inspiré par le réalisme détaillé, les nuances de couleur fine, la luminosité et les motifs ramatiques de la peinture du paysage néerlandais du XVIIe siècle. Depuis les années 1820, ses œuvres sont également connues à Paris, où il a reçu la médaille d'or sur le salon "Hay Car"

Les peintres de l'école Barbizon, comme Camille Corot et Jean-François Daubigny, ont montré la forêt de Barbizon dans leurs paysages, la vie rurale et les animaux. Jean-François Daubigny était particulièrement connu pour ses paysages d'humeur sommaires.

Gustave Courbet a traité des paysages forestiers et rocheux sur les montagnes du Jura, utilise la peinture à l'huile comme matière et influençait les futurs impressionnistes. Ceux-ci ont à leur tour inspiré des peintres baroques tels que Frans Neck et Diego Velázquez.

L'école Honfleur de la Côte de Grâce était principalement composée des artistes Eugène Boudin et Johan Barthold Jongkind. Boudin a vécu une vie modeste à l'honneur et a influencé Monet en tant que premier enseignant. Ses peintures sont caractérisées par des motifs de plage et de mer et l'admiration des corots pour leurs "beautés météorologiques".

Détails sur la dénomination de l'impressionnisme

L'impressionnisme a reçu son nom - comme indiqué au début - en raison d'une critique dévastatrice de Louis Leroy lors de la première exposition de groupes de peintres, qui a été connu plus tard "impressionnistes" en 1874.

Les artistes avaient organisé eux-mêmes l'exposition dans le studio parisien de Nadar parce qu'ils n'avaient pas reçu d'approbation pour le salon. L'initiative des 30 artistes exposées les a appelés "Société anonyme de l'artiste Peintres, sculpture, graveur" , ce qui signifie autant que les artistes indépendants de la société.

Le critique d'art Louis Leroy a façonné le terme impressionnisme en élargissant le titre de l'œuvre de Claude Monet "Impression: Soleil Levant" (1872) en un terme de groupe et de style.

La domination du terme impressionnisme a été favorisée notamment par le fait que les artistes eux-mêmes n'ont pas trouvé leur propre nom pour leur mouvement. Le terme «impression» décrit la perception subjective du monde avant le début du traitement rationnel des impressions sensorielles. Cette définition était déjà établie dans le discours esthétique.

Au 19e siècle, le terme "impression" - ainsi que "Pochade" - a été utilisé pour des croquis éphémères qui reproduisent une première impression immédiate du motif. En revanche, "Étude" une reproduction plus lente et plus précise du motif.

Monet a transformé l'esquisse en une œuvre d'art en la présentant dans des expositions. Le critique d'art Leroy considérait l' œuvre sommaire comme une vision naïve qui n'avait pas été introduite dans une forme ordonnée et rationnelle par l'artiste.

À ce jour, la rumeur est que des peintures impressionnistes sont apparues spontanément.

Dès 1877, le critique Frédéric Chevalier a conclu à juste titre que l'impression de Spontanität, créée par les impressionnistes, est apparue en raison de son savoir-faire stimulé. La perspective supposée aléatoire de ses œuvres est une expression de délibérément provoquée.

Former des influences pour le développement de l'impressionnisme

La plupart des pères fondateurs de l'impressionnisme étaient encore dans la vingtaine, à l'exception de Pissarro, qui était déjà dans la trentaine, et était particulièrement dans la phase d'une constatation élégante . Monet a développé un intérêt particulier pour les peintres innovants Eugène Boudin et Johan Barthold Jongkind , qui, avec leurs techniques de peinture à forte intensité de couleur et structurellement différenciées, ont capturé les effets éphémères de la mer et du ciel.

Avec ses fans de studio à Gleyre, la méthode de Monet Boudin a pris le relais pour ne peindre que à l'extérieur - peinture Pleinair (de French: en Plein Air: "extérieur";) - et pour regarder le paysage réel au lieu de terminer une peinture basée sur des croquis en studio. Après que Gleyre a fermé son studio en 1864, Monet, Renoir, Sisley et Bazille ont temporairement déménagé dans la forêt de Fontainebleau, où ils se consacraient à la peinture de Pleinair.

La forêt de Fontainebleau avait auparavant attiré d'autres artistes, dont Théodore Rousseau et Jean-François Millet, qui soulignaient que l'art devait refléter la réalité de la vie quotidienne.

Le studio de Gleyre et les étudiants de l' Académie Suisse ont été inspirés par le célèbre artiste Édouard Manet , qui a lui-même suivi l'exemple du peintre réaliste Gustave Courbet et a présenté objectivement des sujets modernes. Dans l'art de Manet, le sujet traditionnel en faveur des événements actuels et des conditions de son temps est passé en arrière-plan, tandis que l'attention a été accordée à la manipulation consciente de la couleur, du son et de la texture comme une fin en soi.

Le motif est devenu un moyen de compositions artistiques en zones de couleur plate et des coups de pinceau précis, la profondeur de perspective étant minimisée. En conséquence, l'accent était mis sur les motifs de surface et les relations de la peinture au lieu de l'espace à trois dimensions illusoire.

Pissarro et les jeunes artistes se sont rencontrés vers 1866 avec Manet et Degas à Café Guerbois.

La pause tabou des impressionnistes

Non seulement la technologie artistique, mais aussi le choix du thème des peintures a été critiquée. Des représentations soudain réalistes de la vie ont été présentées, ce qui semblait inexact et superficiel pour les citoyens.

Certains motifs étaient perçus comme immoraux et scandaleux parce qu'ils ont pris des sujets tabous, tels que le "petit-déjeuner" dans le vert " à partir de 1863. Les impressionnistes ont rencontré peu de compréhension de leur style de peinture dans les collectionneurs d'art et les salons parisiens, qui ont commencé à organiser leurs propres présentations.

Gustave Courbet a présenté ses œuvres "Graves in Ornans" (1858) et "Das Atelier" (1863) dans son propre "Pavilion du RÉISME" . Les œuvres de Manet, Whistler, Cézanne et Pissarro n'ont pas non plus été reconnues dans le salon. Lorsque le jury n'a accepté qu'un tiers des 5000 soumissions pour le salon en 1863, cela a conduit à une grande excitation et contrainte de l'empereur Napoléon III. intervenir.

Avant l'ouverture, il a visité l'exposition et a examiné tous les travaux rejetés. L'empereur a ordonné que le "rejeté" dans le Palais de L'Ustrie reçoive sa propre exposition: le salon du refus [Salon des licenciés]. Cependant, de nombreux artistes ont refusé de crainte de rejet.

Napoléon III. atténué le jugement du jury en autorisant l'exposition des œuvres rejetées. Le président du jury, le comte Nieuwerkerke, les a accrochés dans le salon du refus, dans l'espoir de rejet par le public. "Breakfast in the Green" d'Edouard Manet "Symphony in White, No. I: The White Girl" de James McNeill , qui a déclenché des scandales.

Bien qu'il n'y ait plus de salon du refus, il a sensible la domination du salon et de l'Académie. Au cours des années suivantes, de plus en plus d'artistes ont fusionné dans des associations d'expositions auto-organisées (par exemple, les indépendants de la société des artistes , fondés en 1884 et significativement pour le néo-effressionnisme; Salon d'automne , fondée en 1903 et important pour les premières présentations de fausse et de cubisme).

Après plusieurs années, les impressionnistes ont trouvé leur succès. En particulier, les couches intellectuelles de la population appréciaient et acquièrent des œuvres impressionnistes, ce qui a largement répandu l'impressionnisme.

Expositions, groupes et associations importants

Dans les années 1860, les œuvres de la plupart des artistes d'avant-garde ont été incluses dans le salon , l'exposition publique annuelle financée par l'État à Paris. Cependant, ils ont été régulièrement rejetés à la fin de la décennie. Les artistes ont reconnu l'injustice du système de jury du salon et les inconvénients qui avaient des peintures plus petites comme les leurs dans les expositions de salon.

Il a été considéré comme organisant sa propre exposition, mais la guerre franco-allemande (1870-1871) a interrompu ces plans. Frédéric Bazille , qui a dirigé les efforts, a été tué dans le combat.

Les pourparlers ont repris à la fin de 1873 et la Société Anonymous Coopérative Artistes-Peintres, Sculpture, etc. Fondée. Les membres comprenaient Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas et Morisot, un autre artiste d'avant-garde qui a été présenté au groupe par Manet. Le collectif visait à organiser des expositions, à vendre des œuvres d'art et à publier un magazine.

Les anonymes sociétés ont délibérément choisi un nom qui n'a pas indiqué une école d'art spécifique. Lors de leur première exposition en 1874, les membres ont invité un grand nombre d'artistes de leur réseau. Bien que Manet ait décidé de ne pas participer, une trentaine d'artistes ont accepté l'invitation, ce qui a conduit à une présentation diversifiée de différents styles et médias.

Certains critiques ont salué les efforts du groupe pour se démarquer du courant dominant, mais la majorité n'était pas convaincue de l'art et a écrit des critiques nettes. La peinture de Monet "Impression, Sunrise" de 1872 a apporté le groupe de "impressionnistes" l'ajout moqueur de noms, caractérisé par le journaliste Louis Leroy dans le magazine Satire Le Charivari en 1874.

Financièrement, l'exposition a échoué et a finalement conduit à la dissolution des anonymes sociétés.

Au cours des années suivantes, certains des artistes qui ont fondé les anonymes sociétés entre 1876 et 1886 ont organisé sept autres expositions . La participation variait, avec certains artistes, dont Cézanne et Guillaumin, a fluctué tôt. Au cours de la préparation de chaque exposition, des différences d'opinion entre les groupes ont été utilisées par l'utilisation du terme "impressionnisme" et de l'unité stylistique associée, qui a conduit à des arguments particulièrement violents au cours des trois dernières expositions.

Au cours des années des expositions, les participants ont développé leurs propres styles personnels et individuels, mais ils combinent tous les principes de la liberté de technologie, un personnel au lieu d'une approche conventionnelle des sujets et de la représentation précise de la nature.

Les impressionnistes se sont dissous au début des années 1880 lorsque chaque artiste a de plus en plus poursuivi ses propres intérêts et principes esthétiques. Malgré sa courte existence, le groupe a dirigé une révolution de l'histoire de l'art et a jeté la fondation technique pour des artistes tels que Cézanne, Gauguin, Georges Seurat et Vincent Van Gogh ainsi que le mouvement post-impressionniste.

L'impressionnisme a ensuite ouvert des artistes ultérieurs en peinture occidentale l'opportunité de s'écarter des techniques traditionnelles et des approches des sujets.

Caractéristiques et caractéristiques - Comment reconnaissez-vous les images impressionnistes?

Les compositions qui sont générées ouvertement et facilement par des compressions visibles mais délicates. La reproduction précise de la lumière a une signification particulière dans ses qualités changeantes.

Le style de peinture impressionniste rend la nature compréhensible et capable, mais pas dans la méthode naturaliste commune, mais avec une technique qui semble dissoudre les contours.

Impressionnisme: couleurs vives

L'impressionnisme a été caractérisé par des conditions techniques telles que les couleurs synthétiques qui ont été conservées dans le tube en étain, le relais portable, le titulaire du relais portable, les toiles précédentes et les parasols. Ce dernier a non seulement servi à protéger contre les rayons du soleil, mais aussi à maintenir les couleurs des couleurs.

L'invention des couleurs synthétiques a permis aux peintres de peindre directement dans la nature. L'impressionnisme était surtout caractérisé par ses couleurs vives et vives .

Contrairement au réalisme et à la peinture au salon, les couleurs sombres étaient évitées. Au lieu de cela, les tons chromés jaune, orange et rose, vert et ultramarine ont été utilisés plus souvent. La proportion de blanc de plomb qui était utilisé pour égayer les couleurs a également augmenté.

Coup de pinceau lâche et application de couleur spontanée

Le chemin, en tant que impressionnistes peints, est indubitable et peut souvent être reconnu par la gestion des pinceaux . Par rapport à la manipulation lisse et à peine visible des pinceaux dans les peintures de la romance et du réalisme, les impressionnistes ont utilisé un coup de pinceau plus lâche et plus fort .

Ils ont souvent utilisé des coups de pinceau plus courts et placé des couleurs côte à côte avec différentes nuances.

Les couleurs ont été mélangées sur la toile le moins possible pour utiliser le contraste simultané et pour que les couleurs apparaissent plus vivantes. Un autre signifie que les artistes impressionnistes utilisés pour souligner la vivacité des couleurs étaient la peinture sur une toile blanche.

Composition et perspective d'image

Dans l'impressionnisme, la définition détaillée d'une peinture n'était pas au premier plan. Au lieu de cela, l'accent a été mis sur le guide des brosses lâches et visibles, ce qui brouillait la clarté des formes.

Les choses les plus importantes pourraient être distinguées des éléments les moins importants, comme ce fut le cas avec des peintures réalistes et romantiques. Les peintres impressionnistes ont également distribué la perspective à trois dimensions et la représentation de la perfection et de la symétrie qui étaient populaires dans les époques précédentes .

Pour les artistes de l'impressionnisme, le défi était de présenter le monde tel qu'il semble réellement.

Ils ont reconnu la beauté des imperfections et des changements actuels dans le monde qui nous entoure.
Afin de suivre cette approche, une nouvelle pratique est devenue populaire parmi les peintres de l'impressionnisme: peindre en plein Air , c'est-à-dire à l'extérieur sur les lieux.

Monet et d'autres artistes ont découvert qu'en peignant dans l'environnement naturel, ils pourraient mieux capturer un seul moment imparfait. Ils ont donc pu réaliser un enregistrement intime du monde.

Sélection du motif et sujets de la peinture impressionniste

forme d'art perçue comme un révolutionnaire , les impressionnistes étaient également une de la vie moderne , comme Charles Baudelaire a exigé autrefois.

Leur gamme de sujets comprenait des paysages, des figures, des portraits et des vies fixes convenu dans leur style de peinture, mais aussi dans le rejet de sujets historiques ou littéraires Les artistes se sentaient ainsi connectés de diverses manières.

Souvent, c'était des activités de loisir de la riche bourgeoisie , dont la plupart des impressionnistes et des impressionnistes sont venus, qui servaient de motifs dans leurs œuvres.

Ceux-ci comprenaient des restaurants d'amusement , des opéra (avec des danseurs et des lodges d'opéra), des boulevards occupés à Paris , des bateaux à voile et en rangs , ainsi que la fraîcheur d'été autant que la terre et la mer .

La mode, les espaces de course, les jardins et les parcs également trouvés dans les peintures impressionnistes.

Puisqu'il était considéré comme inapproprié pour les femmes de la société haut de gamme de passer du temps dans des cafés, les peintres de l'impressionnisme se consacraient principalement au monde domestique et aux thèmes féminins tels que la maternité et les portraits de membres de la famille .

Influences japonaises

Le contenu des peintures impressionnistes n'était peut-être pas révolutionnaire, mais la composition a toujours été. Les limites entre les figures et l'arrière-plan se sont brouillées , ce qui a rendu les caractères plus dans le cadre d'une image globale que comme motif principal.

Les scènes semblaient en un seul instant - un instantané - et non mise en scène. Cette approche innovante a coïncidé avec l'avènement de la photographie et a été inspirée par des impressions d'art japonaises Ukiyo -e .

Le style ukiyo-e a utilisé le raccourcissement et l'asymétrie en perspective pour provoquer le mouvement et l'action dans une scène. Pour les artistes impressionnistes, cette technique de l'Est est devenue un outil décisif dans la découverte d'un nouveau style de peinture moderne.

Impressionnisme en Allemagne

Les Macchiaioli étaient un groupe d'artistes italiens qui se sont installés en Toscane dans la seconde moitié du 19e siècle. Déjà actif sur dix ans avant les impressionnistes français, ils ont été influencés par divers peintres du XIXe siècle tels que Camille Corot, Gustave Courbet et la Barbizon School.

Ils ont été particulièrement inspirés lors de la visite à Paris, en particulier à l'exposition mondiale de 1855. Son travail comprend des scènes de combat du Risorgimento, des motifs militaires ainsi que des paysages et des scènes de la vie agricole et bourgeois.

Les plus connus sont leurs petites peintures sommaires, qui leur ont apporté un surnom (le "Macchia" fait référence aux compositions de couleurs sommaires). "La Rotonda dei Bagni Palmeri" est un exemple de cette peinture .

Impressionnistes importants de l'Italie:

• Giuseppe Abbati (1836-1868)
• Odoardo Borrani (1833-1905)
• Guglielmo Ciardi (1842-1917)
• Giovanni Fattori (1825-1908)
• Pietro Fragiacomo (1856-1922)
• Eugenio Gignous (1850–1906)
• Silvestro Lega (1826-1895)
• Giuseppe de Nittis (1846-1884)
• Andrea Pavanello (1842-1906)
• Daniele Ranzoni (1843-1889)
• Raffaello Sernesi (1838-1866)
• Telemaco Signorini (1835-1901)

Impressionnisme en Espagne

L'impressionnisme dans la péninsule Ibérique fut un mouvement artistique importé de France et se répandit en Espagne vers 1880, mais surtout à partir de 1900. L'un des représentants les plus importants de l'impressionnisme espagnol est sans conteste Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923), originaire de Valence. Ses œuvres se caractérisent par leurs scènes côtières lumineuses, capturant des moments spontanés de loisirs.

Sorolla, mais aussi des artistes comme Eliseo Meifren y Priog , Santiago Rusigñol y Prat et Joaquín Mir Trixet ont largement contribué à la fascination pour l'impressionnisme espagnol avec leurs peintures de jardins et de genre. La diversité des styles et des motifs de ce mouvement reflète le dynamisme et la créativité artistiques de cette époque.

Impressionnistes importants de l'Espagne:

• Aureliano de Beruete (1845-1912)
• Francisco Domingo (1842–1920)
• Marià Fortuny (1838-1874)
• Francisco Gieno Arasa (1858-1927)
• Carlos de Haes (1826-1898)
• Joaquim Mir (1873-1940)
• Ignacio Pinazo (1849-1916)
• Dario de Regoyos Valdes (1857-1913)
• Martín Rico y Ortega (1833-1908)
• Joaquín Sorolla (1863-1923)

Impressionnisme en Grande-Bretagne

Le lien étroit entre les artistes français et ceux qui vivaient au Royaume-Uni ont joué un rôle crucial dans la propagation de l'impressionnisme français au-delà du canal anglais. James McNeill Whistler et John Singer Sargent valent particulièrement la peine d'être mentionnés ici . Leurs influences ont été formatrices pour le développement de l'impressionnisme britannique.

Un pionnier dans ce domaine était le peintre Walter Sickert , qui a visité le studio de Degas pour la première fois en 1883 et a ainsi reçu des impulsions importantes. La base du nouveau club d'art anglais en 1885, avec la participation de John Singer Sargent, Stanhope Forbes et Thomas Cooper Gotch, a offert une plate-forme pour des artistes tels que Sickert, Philip Wilson Steer, Frederick Brown, Theodore Roussel et Bernhard Sickert pour présenter leurs œuvres à un public plus large.

Cependant, une controverse sur l'orientation du NEAC a conduit aux «impressionnistes de Londres» s'est échappé du groupe et s'est plutôt présenté dans une exposition distincte dans la galerie Goupil . Ces développements ont contribué de manière significative à l'établissement et à la reconnaissance de l'impressionnisme britannique.

Impressionnistes importants de la Grande-Bretagne:

• George Clausen (1852-1944)
• Wynford Dewhurst (1864-1941)
• Augustus Edwin John (1878-1961)
• Henry Herbert La Thangue (1859-1926)
• John Lavery (1856-1941)
• William Orpen (1878-1931)
• William Mactaggart (1835-1910)
• Philip Wilson Steer (1860-1942)
• James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)

Impressionnisme en Russie

L'impressionnisme en Russie est associé à une variété d'artistes talentueux, y compris des noms célèbres tels que Ilja Repin, Isaak Lewitan , ainsi que Valentin Serow et Konstantin Korowin . C'est à partir des années 1880 que les artistes russes qui ont été élargis par des voyages en Europe occidentale, en particulier en Italie et en France - y compris Paris - étaient de plus en plus fascinés par les influences de l'impressionnisme.

Ce nouveau courant artistique a été caractérisé par une application de couleur frappante et l'utilisation de couleurs plus vives. Contrairement à d'autres pays, l'impressionnisme en Russie n'était qu'un des nombreux styles possibles vers 1900. La tradition de la peinture historique et de genre avec une approche symbolique réaliste et une représentation lyrique des paysages ont continué à être maintenu.

À partir des années 1890 en particulier, cependant, une préférence passionnée pour les paysages ruraux détenus par le soleil développés en Russie, qui étaient censés contribuer au renforcement et à la consolidation de l'identité nationale.

Impressionnistes importants de la Russie:

• Lew Samoilowitsch Bakst (1866-1924)
• Alexander Nikolajewitsch Benua (1870-1960)
• Konstantin Iwanowitsch Gorbatoff (1876-1945)
• Igor Emmanuilowitsch Grabar (1871–1960)
• Konstantin Alexejewitsch Korowin (1861–1939)
• Isaak Iljitsch Lewitan (1860-1910)
• Vladimir Jegorowitsch Makowski (1846-1920)
• Wassili Grigorjewitsch Perow (1834-1882)
• Wassili Dmitrijewitsch Polenow (1844-1927)
• Illarion Mikhailowitsch Prjanischnikow (1840-1894)
• Walentin Alexandrowitsch Serow (1865-1911)
• Konstantin Andrejewitsch Somow (1869-1939)
• Wassili Wassiljewitsch Werschagin (1842-1904)
• Sergei Arsenjewitsch Winogradow (1869–1938)

La fin de l'impressionnisme

Au fil du temps, les impressionnistes se sont efforcés d'une valeur permanente, les artistes tels que Renoir, Cézanne et les représentants du pointillisme en ont atteint différentes techniques. Cela est devenu clair en 1886 à la huitième exposition impressionniste.

Paul Cézanne s'est retiré dans le sud de la France et s'est consacré à Montaigne Sainte-Victoire Mountain ainsi qu'à des taches de peinture de plus en plus abstraites. Pierre-Auguste Renoir a également exprimé des doutes quant à l'impressionnisme parce qu'il en avait assez émulé le moment éphémère. Il aspirait à un art avec un caractère durable et éternel, qui pourrait être présenté à nouveau dans les musées.

Inspiré par les anciens maîtres italiens et Jean-Auguste-Dominique Ingres, Renoir reflétait cette influence dans ses peintures dans le style du classicisme de 1887. Le développement ultérieur de l'impressionnisme a été avec Claude Monet, qui a commencé à peindre des séries d'œuvres en 1876.

Sa première œuvre de ce genre - la peinture de la gare de St. Lazare à Paris présente en 1877 lors de la troisième exposition impressionniste. Dans les années 1880, il a fait de nombreux voyages et a continué à développer le concept de la peinture de la série, qu'il a démontré à Giverny au début des années 1890 et sur la base de ses images de la façade de la cathédrale Rouen.

Que reste-t-il? L'héritage des impressionnistes

Dans le monde occidental, les réactions, les critiques et les réinterprétations de l'impressionnisme ont considérablement influencé de nombreux mouvements artistiques modernes. L'éthique de l'impressionnisme a non seulement façonné l'art visuel, mais a également influencé la musique et la littérature.

En musique, des tests ont été faits pour créer des atmosphères ou des humeurs, qui étaient particulièrement populaires en France à la fin du 19e siècle. Les écrivains et poètes français ont à leur tour reflété l'impressionnisme à travers des variations syntaxiques et de la prose fragmentaire.

Aujourd'hui, les œuvres sont extrêmement populaires sur le marché de l'art car elles bénéficient d'un grand intérêt de la part des collectionneurs privés et des institutions publiques. Sotheby’s, par exemple, a vendu les Meules Meules pour 110,8 millions de dollars en 2019 et a ainsi établi un nouveau record pour l’artiste. La même année, les rétrospectives avec des œuvres de Berthe Morisot, une impressionniste de premier plan, ont eu lieu dans le Musée de Paris d'Orsay.

Les œuvres impressionnistes peuvent être admirées dans de nombreuses institutions publiques renommées du monde entier, y compris dans le Musée Marmottan Monet à Paris, au Metropolitan Museum of Art de New York, à la National Gallery de Londres, dans le Musée d'Orsay à Paris, au Musum of Fine Arts Boston et à Saint-Petersbourg.

Les meilleurs livres et les plus belles illustrations sur l'impressionnisme

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"Impressionnisme: un monde de couleur et de lumière", par Norbert Wolf

Ce grand livre illustré conçu par opulence fournit un aperçu complet du monde de l'impressionnisme et de son influence sur l'art et la culture.

Le travail de Norbert Wolf explique pourquoi l'impressionnisme est considéré comme un pionnier de la modernité et pourquoi il déplace encore de nombreux visiteurs fascinés dans les musées du monde entier aujourd'hui. L'auteur illumine les précurseurs historiques, les critiques contemporaines et les courants ultérieurs à travers l'Europe. Des liens avec d'autres formes d'art tels que la photographie, la musique et la littérature sont établies. Ce groupe richement illustré est un recueil indispensable pour les amateurs d'art et les connaisseurs.

"Impressionnisme: Great Masters of Art", par Florian Heine

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Avec des illustrations généreuses, le livre présente des œuvres de Manet, Monet, Renoir et d'autres impressionnistes importants, avec des détails biographiques et un contexte historique.

"Peinture de l'impressionnisme. 1860-1920", par Ingo F. Walther

Bien que l'impressionnisme soit répandu comme une direction artistique et ait produit de nombreuses œuvres, il existe encore de nombreuses facettes qui n'ont pas encore été largement recherchées. Ce livre est dédié à ces zones non découvertes et se concentre sur des artistes négligés tels que Berthe Morisot, Lucien Pissarro et Gustave Caillebotte.

De plus, il met en lumière la peinture impressionniste à l'extérieur des frontières de la France pour permettre une vue complète de ce genre d'art. Avec des analyses bien fondées et de nouvelles connaissances, ce travail comprend un écart important dans la recherche de l'impressionnisme et invite le lecteur à découvrir la diversité et la beauté de ce mouvement artistique d'une manière complètement nouvelle.

"Impressionnisme" par Karin H. Grimme

Cette perspicacité captivante sur le monde de l'impressionnisme nous permet de nous immerger dans les chefs-d'œuvre de certains des artistes les plus importants de leur temps. En plus des représentants de célibataires du monde tels que Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot et Camille Pissarro, les artistes moins connues mais aussi talentueux sont également sous les projecteurs.

Des personnalités telles que Marie Bracquemond, Medardo Rosso et Fritz von Uhde méritent sans aucun doute d'être reconnues pour leur travail.

Depuis son introduction en 1985, la série d'art de base est devenue une source indispensable pour les amateurs d'art et les acheteurs du monde entier. Avec un contenu exceptionnel et un large éventail d'artistes, elle s'est établie comme la série de livres d'art la plus vendue de tous les temps.

"Impressionnisme: The Hasso Plattner Collection" par Ortrud Westheider

Il n'y a pas de collection comparable qui peut présenter la peinture de paysage impressionniste de manière complexe et dans son développement et son iconographie aussi convaincante que celle de Hasso Plattner au cours des dernières décennies. Les plus de 100 peintures sont maintenant exposées en permanence au musée Barberini qu'il a fondé à Potsdam.

En utilisant cette collection, Ortrud Westheider, directeur du musée Barberini, mène à travers l'histoire de l'impressionnisme français.