Concentrez-vous sur les tendances de l'art numérique: une discipline émergente

En 2024, le monde de l'art numérique un changement passionnant. La technologie progressive régulièrement a ouvert de nouvelles opportunités pour inspirer les artistes à prendre des moyens innovants. En particulier, la montée de l'intelligence artificielle a signifié que les artistes et les concepteurs utilisent de nouveaux outils et techniques pour créer des œuvres d'art fascinantes.

Dans ce contexte de révolution technologique, nous assistons également à un regain d'intérêt pour l'animation 2D . Cette forme classique d'animation connaît une renaissance, ravissant artistes et spectateurs par son esthétique nostalgique et ses possibilités créatives. L'association de l'animation 2D traditionnelle et des techniques numériques modernes promet des œuvres d'art fascinantes et uniques qui explorent les limites du possible.

L'année 2024 sera sans aucun doute façonnée par des tendances excitantes d'art numérique qui stimulent davantage la diversité et la créativité de la scène artistique. Avec un mélange de tradition et d'innovation, les artistes peuvent battre un pont entre le passé et l'avenir.

Comment définissez-vous l'art numérique?

L'art numérique englobe toutes les formes d'art qui utilisent les outils informatiques, l'intelligence artificielle et la technologie en général en conjonction avec l'art. Le terme « art numérique » englobe toutes les créations artistiques utilisant les technologies modernes.

Les créations sonores et électroniques, les dessins virtuels, les vidéos et de nombreuses autres formes d'expression font partie du répertoire des artistes numériques. Semblable à la façon dont la musique est renouvelée et devenant plus démocratique grâce à un progrès technologique, l'art numérique reçoit également un nouveau public et gagne de plus en plus acceptation dans le grand public.

La discipline a été créée dans les années 1950, mais n'a connu que la démocratisation des années 1990 avec l'accessibilité croissante des ordinateurs pour la population générale. De nombreux domaines doivent encore être recherchés et les artistes numériques innovent davantage chaque jour pour créer des œuvres créatives uniques qui sont auparavant inconnues et révolutionnent le monde de l'art.

La création de musées spécialisés et des expositions accrues témoignent de l'intérêt croissant pour ces disciplines, qui évoluent en permanence avec les progrès des nouvelles technologies.

Une brève revue de l'histoire de l'art numérique

L'art numérique a une origine peu claire. On pourrait dire qu'il a été créé avec l'émergence de nouvelles technologies, qui ont ensuite été utilisées pour des projets artistiques. Certains prétendent que l'art numérique a commencé dans les années 1950 avec les premières images électroniques de la génération de fins visuelles et esthétiques d'oscilloscopes

Ces symboles abstraits ont servi de terreau aux développements ultérieurs et ont marqué un tournant dans l'aliénation des objets numériques et des logiciels de programmation qui en ont découlé. On pourrait également citer les premières tentatives de musique électronique à la fin du XIXe et au début du XXe siècle.

Bien que les origines de l’art numérique puissent être débattues et qu’il n’existe pas de réponse définitive, il est néanmoins important de citer quelques dates et références artistiques significatives qui ont contribué à l’émergence de cette nouvelle discipline.

" Oscilllon 40" Ben Laposky (1950) est la première image électronique qui a été créée avec des oscilloscopes. Laposky, un pionnier de l'art informatique, a utilisé les possibilités technologiques des oscilloscopes pour créer des modèles complexes et esthétiquement attrayants par manipulation habile des rayons électroniques. Ces premières œuvres d'art électronique ont ouvert de nouvelles perspectives sur la combinaison de l'art et de la technologie, et leurs influences peuvent encore être ressenties dans la scène de l'art numérique.

Dans la vidéo suivante, Jack DiLaura de The Interactive & Immersive HQ dans la création d'art génératif basé sur le feedback en utilisant la technique de génération d'art et le style esthétique de Laposky comme source d'inspiration.

La «tour spatiale-dynamique» de Nicolas Schöffer est une étape importante de l'art interactif. Cette structure métallique à haute altitude de 1954 a utilisé des capteurs pour réagir aux changements dans leur environnement. En cas de perturbations dans la zone d'installation, les capteurs ont envoyé des signaux aux haut-parleurs, qui ont ensuite produit des sons.

Dans la vidéo, nous voyons les Chronos 5 du Créateur, qui a été créé 6 ans plus tard:

Schöffer, artiste et ingénieur visionnaire, a créé la première œuvre d'art interactive pour interagir activement avec son public et réagi à ses mouvements et comportements. Cette œuvre illustre le potentiel de l'art pour devenir une expérience dialogique qui implique le spectateur dans le processus créatif et brouille les frontières entre l'œuvre de l'art et le spectateur.

En 1963, des ordinateurs algorithmiques ont d'abord été utilisés pour créer des œuvres visuelles , qui ont jeté les bases de l'art numérique. Huit ans plus tard, en 1971, l'artiste Harold Cohen a développé une imprimante avec l'aide d'un programme d' intelligence artificielle , qui a pu produire de manière autonome des images grâce à des œuvres enregistrées précédemment. Ce développement révolutionnaire a ouvert la voie à de nouvelles approches innovantes dans l'art numérique.

Une étape importante a suivi en 1986 lorsque les premières créations complètement interactives avec le spectateur ont été prises. Le mouvement du corps a été converti en tons devant un capteur de mouvement, créant des objets sonores Cette forme d'art interactive a fusionné la technologie et la créativité d'une manière nouvelle et fascinante.

La grande percée de l'art numérique a eu lieu dans les années 90 avec le développement d'ordinateurs et de programmes pour le grand public. Pendant ce temps, l'art numérique a connu une énorme reprise, soutenue par les ajustements logiciels et la création de programmes spécifiques à des fins artistiques. Ces développements ont éclaté par les frontières précédentes et ont permis de créer une variété de compositions qui vont de l'abstrait à des œuvres réalistes.

Depuis lors, l'art numérique s'est régulièrement développé, inspiré par les progrès technologiques et les visions créatives. De nos jours, il est possible de créer une bande passante impressionnante d'œuvres artistiques avec des outils et des techniques modernes, qui fascinent de manière traditionnelle et révolutionnaire.

Digital Art Today: une forme créative d'expression en harmonie avec le zeitgeist

La propagation de cette forme d'art dans le monde change l'industrie créative. Grâce à l'accès mondial à la technologie, les artistes ont établi de nouvelles normes, inspirées de mouvements artistiques historiques tels que la Renaissance .

L'innovation numérique conduit non seulement à de nouvelles façons de travailler, mais aussi à une façon évolutive de penser dans la scène artistique. Les machines et l'intelligence artificielle façonnent la création d'œuvres virtuelles et permettent des courants innovants dans le monde de l'art.

Un monde de diversité

L'art numérique comprend diverses tendances artistiques qui sont constamment développées avec des technologies en développement constantes. Certaines de ces pratiques sont déjà fermement établies et font partie de notre vie quotidienne, tandis que d'autres sont toujours sur le point de développer et d'ouvrir de nouvelles opportunités artistiques.

Peinture numérique / peinture numérique

Les peintures numériques (en allemand: la peinture numérique) sont devenues l'une des formes les plus connues de l'art numérique.

Dans cette technique, l'artiste crée des œuvres graphiques directement sur l'ordinateur à l'aide d'une gamme graphique, qui comprend un plateau graphique , un stylet et un logiciel de dessin numérique tel qu'Adobe Photoshop ou ProCreat .

Cela permet à l'artiste de travailler comme sur une feuille blanche. Cependant, un large éventail d'options, de pinceaux, d'effets et d'autres outils sont disponibles, lui permettant d'obtenir des rendus difficiles à obtenir avec des outils de peinture ou de dessin traditionnels.

Le dessin numérique est utilisé dans divers domaines tels que l'illustration , la conception de jeux vidéo , l'animation et la publicité et fait donc partie intégrante de notre vie quotidienne, que ce soit professionnellement ou comme passe-temps.

Parmi les styles de peinture numérique les plus courants figurent le réalisme, le semi-réalisme, l'impressionnisme , l'expressionnisme, l'art conceptuel , l'art fantastique, le fan art, l'anime/manga et l'art abstrait . Parmi les logiciels les plus populaires pour ce type de peinture, on trouve Adobe Photoshop, référence du secteur, Corel Painter pour la simulation réaliste des pinceaux, et Procreate pour les utilisateurs d'iPad. Krita est un logiciel gratuit et open source très apprécié, et Clip Studio Paint est idéal pour les illustrateurs et les dessinateurs de bandes dessinées.

Tayler Olivas, graphiste et concepteur de jeux vidéo, présente un tutoriel de peinture pour débutants. Il nous montre étape par étape comment configurer un espace de travail, utiliser des outils numériques, pratiquer l'édition non destructive, utiliser habilement les pinceaux de texture et combiner tous ces éléments pour créer une peinture numérique époustouflante.

Représentants célèbres de la peinture numérique

Des artistes talentueux sont apparus dans le domaine de la peinture numérique, mais seuls quelques-uns se distinguent par leurs techniques, leur popularité, leur influence et leur style:

Craig Mullins

Craig Mullins est souvent appelé dans les cercles spécialisés comme un pionnier de la peinture numérique. En tant que l'un des premiers artistes qui a utilisé Photoshop pour des dessins de concepts professionnels, il a créé des œuvres de cinéma Ziff pour produire la qualité en combinant des techniques de peinture traditionnelles avec des méthodes numériques.

Son travail a eu une influence durable sur l'industrie conceptuelle et la scène de l'art numérique, qui l'apprécie en tant qu'artiste exceptionnel dans le monde entier.

Prêt

Lois van Baarle , également connu sous le nom de Loish , est l'un des artistes les plus respectés et les plus influents de notre temps. Avec son style vivant et expressif, elle façonne la création d'une génération entière. Il convient de noter en particulier leur talent dans la conception des personnages, dans lequel leurs personnages se réveillent littéralement à la vie à travers des poses dynamiques et des palettes de couleurs animées.

Dans ses œuvres, nous rencontrons souvent des figures féminines fantaisistes et fortes caractérisées par un style inimitable qui combine des éléments doux et picturaux avec des lignes puissantes.

Aaron Blaise

L'artiste de renom Aaron Blaise est l'un des experts les plus expérimentés en art numérique. Ses animations révolutionnaires pour les films Disney, tels que « Le Roi Lion » et « Frère des Ours », ont profondément marqué la scène artistique numérique. Il est particulièrement reconnu pour sa connaissance approfondie de l'anatomie animale et de la faune sauvage.

Dans ses peintures numériques, il combine habilement des animaux sauvages réalistes avec des éléments ludiques et animés, ce qui rend ses œuvres émotionnellement et visuellement attrayantes pour un large public.

Photographie numérique

Dans le monde de la photographie numérique, les images sont créées à l'aide de caméras numériques ou d'appareils tels que les smartphones et les tablettes qui ont une caméra construite. Contrairement à la photographie conventionnelle basée sur des films, cette forme de photographie utilise des capteurs électroniques pour capturer des images, puis les enregistrer sous forme de fichiers numériques.

Cela permet au photographe de vérifier et de modifier les enregistrements presque immédiatement, ce qui a une influence révolutionnaire sur le processus photographique.

Dans la photographie numérique, il existe différents styles tels que le portrait, le paysage, la rue, la mode, l'architecture, la photographie animale et sportive. Ces styles présentent des moments fascinants et uniques, des scènes naturelles , des individus ou des groupes à des fins artistiques ou commerciales et montrent la diversité et la vivacité de la photographie numérique dans l'enregistrement de notre monde.

Des logiciels tels qu'Adobe Photoshop, Adobe Lightroom, Capture One et DXO Photolab sont souvent utilisés pour la gestion et le traitement des photos. Ces programmes offrent une retouche approfondie, la composition, l'édition, le traitement, le traitement des images brutes et la correction de photos qui sont très appréciées par les photographes professionnels.

Pour prendre des photos numériques, vous avez besoin de l'équipement de base suivant:

• Caméras numériques
• Lentilles
• Trépieds et stabilisation
• Équipement d'éclairage
• Dispositifs de stockage
• Un ordinateur portable ou un PC

Célèbre photographe numérique

Annie Leibovitz

Annie Leibovitz est actuellement l'un des photographes les plus respectés de notre temps. Leur capacité à capturer des motifs avec une profondeur exceptionnelle et une approche narrative est légendaire. Dans son portrait, elle se concentre sur la capture de la personnalité et des émotions de ses modèles d'une manière impressionnante.

Que ce soit des célébrités, des politiciens ou des icônes culturelles - Leibovitz, elle avait tous devant l'objectif et est sans aucun doute l'une des personnalités les plus influentes de la photographie de portrait contemporaine.

Steve McCurry

Steve McCurry est un photographe respecté qui capture des histoires humaines profondes avec des images animées et colorées. Il est particulièrement connu pour sa photo emblématique "Afghan Girl" , qui a été initialement enregistrée sur le film.

Malgré les progrès technologiques, McCurry continue sans relâche de documenter l’activité humaine et de raconter des histoires du monde entier, capturant magistralement l’essence de l’émotion humaine et reflétant l’esprit des lieux qu’il photographie.

Cindy Sherman

Cindy Sherman est une artiste américaine renommée qui, avec ses auto-portraits innovants, explore les sujets de l'identité, de la présentation et de la technologie de manière fascinante. Grâce à sa transformation créative en personnages divers et à l' utilisation habile des technologies numériques , elle parvient à modifier son environnement et son apparence externe d'une manière unique.

Le développement ultérieur de la photographie numérique a ouvert de nouvelles opportunités artistiques pour créer des compositions encore plus complexes et profondes, pour affiner leurs compétences en traitement d'image et pour intensifier le niveau narratif de ses portraits.

Collages numériques

Le collage numérique est une forme d'art exigeante qui combine divers éléments dans une composition fascinante. Avec l'aide des derniers outils, des photos, des graphiques, des textes et des textures sont fusionnés dans une pièce multimédia complexe et impressionnante.

Contrairement au collage traditionnel, la variante numérique utilise un logiciel innovant, qui garantit une liberté créative, une flexibilité et une expérimentation étendues.

Les styles de collage numérique les plus populaires incluent le photomontage, qui fusionne diverses photos pour créer des compositions surréalistes ou abstraites  Les collages pop art , qui associent des éléments médiatiques populaires à des couleurs vives et des messages ironiques, connaissent également

Les logiciels professionnels tels qu'Adobe Photoshop, GIMP, Corel Painter et Adobe Illustrator sont plébiscités par les artistes du collage en raison de leurs fonctionnalités avancées de retouche d'image (calques, masquage, fusion et peinture numérique), ainsi que de leurs capacités vectorielles. Ces programmes permettent également aux artistes de créer des œuvres d'art à succès commercial à partir de leurs créations.

Pour créer des collages numériques, un ordinateur ou un ordinateur portable puissant , une tablette graphique ou une tablette pour l'édition d'images et un écran haute résolution avec des paramètres de couleur précis sont essentiels, surtout si vous prévoyez d'imprimer ou de reproduire les collages numériques.

Artistes remarquables de cette direction artistique:

Julie Cockburn

Julie Cockburn crée des œuvres d'art impressionnantes en affinant des photographies trouvées avec de la broderie, des couleurs et d'autres matériaux. Les œuvres créées de cette manière sont numérisées et traitées davantage.

Leur compétence extraordinaire, les portraits vintage utilisant des motifs géométriques et des couleurs rayonnantes dans les images originales, est particulièrement fascinante.

Erik Johansson

Erik Johansson est un photographe et artiste renommé de Suède, qui est estimé à l'international pour ses fascinants collages numériques. Ses œuvres sont caractérisées par leur esthétique surréaliste et encouragent le spectateur à repenser sa perception de la réalité.

La fusion transparente de différents éléments photographiques crée de nouvelles scènes apparemment impossibles dans son travail.

Matt Wisniewski

Matt Wisniewski est un artiste respecté de New York, qui est connu pour ses œuvres exceptionnelles, qui entrelacent magistralement la beauté de la nature avec la présence de l'homme.

Ses œuvres d'art numériques créent une fusion fascinante d'harmonie et de contraste en combinant artistiquement des paysages naturels avec des éléments urbains et humains.

Modèle 3D Art / 3D Art / 3D

L'art 3D décrit l'utilisation d'outils numériques pour créer des œuvres d'art dans un espace tridimensionnel. Le spectre va des objets modélisés aux environs et aux animations. Cette forme d'art permet une représentation plus réaliste des objets, des personnages et des scènes de différentes perspectives.

Les styles les plus courants d'art 3D sont le style réaliste qui reproduit avec précision les textures, l'éclairage et les détails afin de créer des images et des animations réalistes; Le style stylisé qui utilise des formes, des couleurs et des textures exagérées ou simplifiées pour transmettre une vision esthétique spécifique; Le style abstrait qui utilise des formes géométriques, des structures non conventionnelles et des interprétations créatives des sujets; Et le style à faible poly , qui utilise un nombre limité de polygones pour un effet rétro ou simple.

Les programmes populaires pour la création de l'art 3D sont Autodesk Maya, Blender, Zbrush et Cinema 4D, qui sont utilisés pour la modélisation, la sculpture, l'animation, la simulation et le rendu. Bien que certains programmes tels que des mélangeurs soient disponibles gratuitement, d'autres tels que Zbrush et Cinema 4D coûtent.

Pour mettre en œuvre des œuvres d'art 3D, vous avez besoin d'un ordinateur puissant avec un CPU et un GPU solides ainsi qu'un RAM suffisant pour répondre aux exigences de traitement élevées du rendu 3D et de la simulation. En outre, un dispositif d'entrée 3D est essentiel, qu'il s'agisse d'un bac graphique , d'une souris 3D ou d'un clavier supplémentaire pour programmer et pour assurer une interaction efficace avec le logiciel et les modèles 3D.

Artistes 3D remarquables

Antoni Tudisco

Antoni Tudisco est un artiste 3D contemporain renommé, dont les œuvres représentent une fusion créative d'éléments terrestres et extraterrestres. Avec un art impressionnant, il transforme les figures humanoïdes en objets 3D abstraits et extraordinaires.

Sa collaboration avec les principales marques de mode comme Gucci montre son talent et vous inspirera sans aucun doute pour créer quelque chose de futuriste vous-même.

Ton visuel

Visualdon s'efforce de combiner des couleurs vintage avec des éléments contemporains, qui constituent la base de ses œuvres d'art uniques. En raison de l'utilisation de palettes de couleurs animées, comme populaires dans les années 1980 , il donne à son art moderne un flair rétro nostalgique.

Il intègre également des éléments cosmiques tels que des étoiles ou des planètes dans tous ses projets qui contribuent à la fusion de l'esthétique rétro et de l'art contemporain.

Yonito Tanu et Jessica Chapiness

Le duo Yonito Tanu & Jessica Chapiness a créé un studio renommé en Espagne qui produit des œuvres d'art 3D enchanteur. Avec leur dernière collection d'art, ils veulent rester animés toute l'année - et ils ont atteint cet objectif sans aucun doute.

Grâce à l'utilisation artistique des couleurs, ils racontent des histoires derrière chaque élément individuel et combinent des choses incompatibles de manière fascinante. Vos œuvres d'art sont vraiment une fête pour les yeux.

Animation 2D

Dans le domaine de l'animation 2D , l'accent est mis sur la création de l'illusion de mouvement dans un espace bidimensionnel. Les caractères, la nature, les effets et les arrière-plans sont conçus dans des environnements plats plutôt que dans des pièces à trois dimensions.

Les animateurs utilisent des séquences d'image pour présenter les mouvements; Chaque image a des différences minimales avec les autres et est jouée dans une séquence pour simuler le mouvement. L'animation 2D a une longue tradition qui va des débuts du film aux techniques numériques modernes. Malgré le succès de l'animation 3D, la 2D est toujours un support estimé et formateur en raison de sa polyvalence artistique et de sa attraction émotionnelle.

Il se développe en permanence avec la technologie et intègre de nouveaux outils et méthodes utilisés dans les domaines du divertissement, de l'éducation et du marketing.

Les styles les plus courants dans les animations 2D comprennent:

• Animation traditionnelle: cette forme classique d'animation dessinée à la main comprend le dessin manuel de chaque image individuelle. Il se caractérise par des mouvements liquides et une expression artistique.
• Animation basée sur les vecteurs : Les graphiques vectoriels générés par ordinateur sont utilisés, ce qui permette un traitement facile, car les images peuvent être mises à l'échelle et modifiées sans perte de qualité. Cette technologie est particulièrement populaire dans les caricatures et les programmes pour enfants.
• Graphiques animés : ce style comprend des éléments de conception graphique animés qui sont principalement utilisés pour la marque des médias, les clips et les publicités.

Le logiciel pour l'animation 2D varie en fonction du style et de l'objectif. Adobe Animate est souvent utilisé pour l'animation basée sur des vecteurs, tandis que Toon Boom Harmony est considéré comme une norme industrielle pour la télévision et le film et est connu pour sa vaste gamme d'outils. After Effects est utilisé pour les graphiques animés ainsi que pour les animations dans les films publicitaires et post-procédure. Clip Studio Paint est idéal pour l'anime et les animations traditionnelles cadre par trame.

Pour créer des animations 2D, vous avez besoin d'un plateau graphique , d'un ordinateur puissant et idéalement de deux moniteurs pour présenter clairement les différents chronologies, outils et fenêtres du logiciel d'animation préféré.

Artiste 2D pionnier:

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki est souvent considéré comme l'un des artistes les plus connus et les plus respectés de l'industrie. En tant que co-fondateurs du célèbre studio Ghibli, ses films sont célèbres pour leurs histoires profondes, leur beauté esthétique et leur mise en scène artistique des mondes dessinés à la main avec des personnages multi-répartis.

Des sujets tels que la nature, l'humanité et la spiritualité sont explorés avec sensibilité et astucieusement. Des chefs-d'œuvre tels que "Chihiro's Trip to the Magic Land" , "The Princess Mononoke" et "The Walking Castle" ont touché le cœur de nombreuses générations et ont inspiré de nombreux artistes et animateurs en soins créatifs.

L'utilisation de Miyazaki pour les méthodes d'animation traditionnelles fait de lui un défenseur passionné de l'art d'animation 2D à un moment où les images générées par ordinateur deviennent de plus en plus présentes.

Rebecca Sugar

Rebecca Sugar , le créateur talentueux de "Steven Universe" , représente une nouvelle génération d'animateurs 2D qui pionnient à la fois stylistiquement et en termes de contenu. La série "Steven Universe" est non seulement très populaire pour son style artistique unique, mais établit également de nouvelles normes par rapport à la présentation du genre et des relations dans les médias pour enfants.

Genndy Tartakovsky

Genndy Tartakovsky se caractérise par un style unique qui combine des formes géométriques frappantes avec des mouvements lisses et dynamiques.

En tant que créateur de séries emblématiques telles que "Samurai Jack" et "Dexter's Laboratory", Tartakovsky a façonné le paysage de l'animation occidentale à travers ses techniques narratives créatives et ses compositions visuelles.

Art vectoriel

Le graphisme vectoriel peut également être considéré comme une forme d'art contemporain, où les images sont créées à l'aide de logiciels spécialisés basés sur des formules mathématiques plutôt que sur des pixels . Cette technique permet d'adapter les images à n'importe quelle taille sans perte de qualité, ce qui est particulièrement important pour les logos et les supports imprimés où un dimensionnement précis est requis.

Dans le monde des graphiques vectoriels, il existe différents styles, y compris des conceptions plates (conception plate) avec des lignes claires et des symboles monochromes, des dessins de ligne avec des lignes droites ou incurvées sur des arrière-plans simples, l'art géométrique avec des formes abstraites ainsi que des caricatures avec des couleurs fortes pour les médias et les animations des enfants.

Des solutions logicielles populaires telles qu'Adobe Illustrator, CorelDraw, Inkscape et Affinity Designer offrent des outils puissants et des interfaces utilisateur contemporaines qui inspirent les concepteurs et les illustrateurs.

Bien qu'une tablette graphique ne soit pas indispensable pour créer des graphiques vectoriels, elle peut faciliter le travail et permettre un contrôle plus précis des lignes et des courbes. Un ordinateur doté d'un écran haute résolution est essentiel pour gérer les détails intenses et les fichiers volumineux, ainsi que pour reproduire fidèlement les couleurs pour les supports imprimés et les travaux de conception.

Bien que l' iPad Pro avec Apple Pencil permette aux artistes de travailler sur des fichiers vectoriels, les versions de l'application sont encore assez limitées et donc déconseillées pour le travail professionnel.

Artiste d'art vecteur

Certains artistes remarquables dans le monde de l'art vectoriel sont:

Yukio miyamoto

Yukio Miyamoto est une figure respectée du graphisme vectoriel, particulièrement connu pour sa maîtrise exceptionnelle d'Adobe Illustrator et ses impressionnantes illustrations vectorielles photoréalistes. Ses œuvres se distinguent par leur grande sophistication et témoignent avec brio de son habileté exceptionnelle à utiliser ce logiciel.

Sa capacité à reproduire des textures et des subtilités de matériaux tels que le métal, le verre et la peau uniquement par des formes vectorielles est particulièrement impressionnante. Ce niveau de détail méticuleux représente non seulement les diverses possibilités des graphiques vectoriels, mais élargit également les limites de ce que les artistes ont jusqu'à présent pu réaliser avec ce support.

Tom Whalen

Tom Whalen est un artiste renommé qui s'est fait connaître grâce à son style graphique audacieux, influencé par le design vintage et les bandes dessinées. Ses œuvres se caractérisent par une utilisation puissante de la couleur et des formes et sont particulièrement populaires dans le monde des affiches de culture pop.

Ses affiches pour des films classiques et des séries télévisées populaires capturent avec brio l'essence de leurs sujets grâce à des lignes et des formes épurées et stylisées. Cela rend son art très prisé des collectionneurs et des amateurs de Pop Art.

Cristiano Siqueira

L'artiste brésilien Cristiano Sisqueira , connu sous le pseudonyme de ChrisVector, impressionne par ses illustrations vectorielles précises, alliant magistralement réalisme et graphisme. Ses œuvres jouissent d'une popularité commerciale considérable et ont déjà inspiré des œuvres pour des événements sportifs de renom tels que la Coupe du Monde de la FIFA, ESPN et Nike, ainsi que pour des entreprises de renom comme Adobe.

Son portfolio diversifié englobe un large éventail de sujets, des portraits d'athlètes qui capturent la passion et la concentration du sport aux œuvres d'art fantastiques de super-héros qui mélangent méticuleusement l'esthétique de la bande dessinée avec l'art numérique.

Concept art

L'art conceptuel (et non, dans ce contexte, au sens d' art conceptuel ) est une forme spécifique d'illustration. Dans ce type d'illustration, les artistes présentent des idées qui seront ensuite utilisées dans des films, des jeux, des animations ou des bandes dessinées avant leur intégration au produit final. Cette forme d'art sert à représenter visuellement des environnements, des personnages et des objets tels que des véhicules, des armes et autres accessoires, fournissant ainsi une représentation picturale avant leur développement complet.

Les artistes conceptuels utilisent leur créativité pour donner vie à ces idées, servant de guide aux autres créatifs tout en inspirant les autres artistes de l'équipe.

L'art conceptuel une variété de styles Il existe également que l'on retrouve souvent l'animation et les jeux vidéo

Un autre aspect est la scénographie atmosphérique, qui se concentre sur les arrière-plans, l'éclairage et la composition de la scène. La conception des personnages , quant à elle, s'occupe du développement des personnages dont l'apparence et la personnalité se reflètent dans des détails tels que les vêtements, les accessoires et les caractéristiques physiques.

Cette forme d'art utilise souvent des logiciels similaires à ceux utilisés pour la peinture numérique. Cependant, comme ce processus intervient tôt dans le jeu, il est plus facile d'adapter des croquis et des dessins que de modifier des modèles 3D et des illustrations entiers. Parmi les logiciels couramment utilisés, on trouve Adobe Photoshop, Corel Painter et Procreate ; SketchUp et Blender utilisés pour les décors.

Wacom Cintiq ou un iPad Pro utile pour la création de dessins de concept Un plateau graphique de haute qualité est préféré, en particulier avec une utilisation professionnelle. Un affichage haute résolution et un ordinateur puissant sont particulièrement importants, en particulier dans le domaine du concept environnemental.

Vous devriez connaître ces artistes conceptuels :

Feng Zhu

Feng Zhu jouit d'une immense renommée dans le monde du concept art . Il est connu pour ses contributions révolutionnaires au cinéma et aux jeux vidéo.

Au cours de sa carrière, Zhu a travaillé avec des sociétés renommées telles que Electronic Arts, Sony et Microsoft et a contribué de manière significative à la conception visuelle de projets importants.

Syd Mead

Syd Mead est souvent appelé "futuriste visuel" car il est capable de développer des concepts visionnaires qui combinent la technologie moderne avec l'art créatif .

Son travail sur des films tels que "Blade Runner" , "Tron" et "Aliens" a façonné le genre de science-fiction et offrent des visions futures fascinantes qui ont également un effet inspirant et d'avertissement.

Ralph McQuarrie

Ralph McQuarrie a joué un rôle crucial dans la création de l' univers "Star Wars" Ses premiers dessins de concept pour la trilogie originale ont contribué de manière significative à apporter des idées de George Lucas sur la vie.

Les illustrations de McQuarrie de personnages tels que Dark Vador, R2-D2 et les Stormtroopers, ainsi que ses représentations de scènes et d'environnements clés, ont été essentielles à l'esthétique emblématique de la série.

Anime Art / Manga

L'art anime comprend le style et le style d'animation, qui a son origine au Japon ou qui a été influencé par lui. Créée au Japon dans les années 1910, cette forme d'art s'est fait un nom dans le monde entier. L'anime est caractérisé par des couleurs animées, des sujets fantastiques et des personnages frappants.

L'anime aborde un large public avec une variété de genres et est utilisé dans divers médias tels que des programmes de télévision et des films. L'accent est mis sur la conception mondiale, la narration, la conception des personnages et la cinématographie.

Divers styles sont communs dans le monde de l'art anime. Cela comprend des représentations réalistes qui visent une précision proportionnelle des figures et des arrière-plans, Chibi avec des proportions mignonnes exagérées pour l'apparence d'un enfant, ainsi que le MOE en mettant l'accent sur les jeunes et doux pour soulever de l'affection parmi le public.

Shoujo, d'autre part, montre des personnages avec de longs membres, de grands yeux et des cheveux fluide pour souligner la beauté et les "émotions romantiques" . Le style gothique est souvent très détaillé et traite souvent de sujets tels que l'imagination et l'horreur, tandis que Mecha comprend des conceptions complexes et détaillées de robots et de machines.

Différents logiciels sont utilisés pour créer des illustrations d'anime, selon les compétences, les objectifs et les phases de production. Des logiciels comme Medibang Paint , Ibis Paint et PaintTool SAI sont des outils courants pour dessiner des illustrations d'anime et de manga. Pour les illustrations et les arrière-plans, des logiciels comme Adobe Photoshop et Clip Studio Paint particulièrement adaptés. Pour l'animation, ToonBoom Harmony, OpenToonz et Clip Studio Paint comptent parmi les programmes les plus utilisés.

Vous trouverez notre article détaillé sur l'art de l'anime ici : Anime et Manga – Tout sur l'art japonais . Vous y découvrirez également la différence entre anime et manga.

Artistes d'anime populaires :

Akira Toriyama

Akira Toriyama est une personnalité exceptionnelle dans le secteur des mangas et des anime et bénéficie d'une grande réputation dans le monde entier. Il est particulièrement connu pour la création de "Dragon Ball" , une série qui est devenue une partie essentielle de la culture pop mondiale.

Son style indubitable se caractérise par des conceptions de personnages animés avec des caractéristiques expressives frappantes et des séquences d'action impressionnantes qui ont façonné toute une génération de passionnés d'anime et ont inspiré de nombreux créatifs dans le monde.

Masashi Kishimoto

Masashi Kishimoto , le créateur de "Naruto" , est l'une des principales personnalités de la région de l'anime et du manga. Sa série n'est pas seulement l'une des mangas et une franchise d'anime les plus vendus dans le monde, mais a également façonné de manière significative tout un genre de comptage d'anime.

L'art de Kishimoto impressionne avec des mouvements courants et des conceptions de personnages expressives qui peuvent transmettre des émotions complexes et une action de préhension.

Eiichirō oda

Eiichirō ODA est l'un des artistes de mangas japonais les plus célèbres, dont l'œuvre "One Piece" est l'une des séries de mangas les plus réussies et les plus influentes de tous les temps. Sa technologie de dessin concise et créative et le style narratif captivant lui ont apporté une reconnaissance mondiale, à la fois avec des experts et un large lectorat.

Son style se caractérise par des illustrations détaillées et dynamiques, qui donnent même vie les personnages et les environnements les plus inhabituels. Cette technique rappelle l'utilisation des points raster et du pointillisme dans l'art occidental, où de petits points précis créent une image globale plus grande et harmonieuse.

L'art narratif d'ODA combine des scénarios dramatiques avec des moments humoristiques et des messages profonds. "One Piece" illumine des sujets tels que l'amitié, la liberté et la recherche de votre propre chemin - des aspects fondamentaux qui reviennent toujours dans les formes d'art occidentales.

Makoto Shinkai

Makoto Shinkai est félicité pour ses films visuellement impressionnants tels que "Your Name" et "Weathering With You" . Ses œuvres se caractérisent par des représentations à couper le souffle détaillées et saturées artistiquement des environnements fantastiques et quotidiens.

Sa capacité à capturer la lumière et le paysage d'une manière presque photo-réaliste, mais toujours chaleureuse, donne à ses films une unicité visuelle dans le monde de l'anime.

Entrée dans l'art numérique - commencez votre propre voyage

Être artiste ne signifie pas se limiter à une forme d'art spécifique. Même si vous appréciez une forme d'art classique, vous pouvez consacrer votre temps à l'explorer et découvrir si le collage numérique, le concept art, la peinture numérique, l'art numérique ou même la modélisation 3D vous intéressent.

Au lieu de rester coincé au même endroit, concentrez-vous sur le plaisir du voyage et sur l’acquisition de connaissances approfondies à travers chaque forme d’art que vous découvrez.

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Dans le domaine de l'art numérique, il est crucial de suivre les dernières technologies et en même temps de développer des styles d'art extraordinaires qui résonnent dans le groupe cible de leur marque ou de leurs clients.

Chez Kunstplaza, nous espérons sincèrement que cet article complet sur l'art numérique pour les débutants, enrichi d'exemples et de représentants exceptionnels de l'art numérique, vous fournira un excellent premier aperçu.