Música barroca: características de la era de la música clásica

El estilo barroco no se limitó a la pintura, la escultura y la arquitectura. Además de maestros de la pintura barroca como Caravaggio y Peter Paul Rubens, la escultura barroca y la arquitectura barroca (especialmente los edificios religiosos), la música clásica fue una forma particularmente destacada del arte barroco en los siglos XVII y XVIII.

El período barroco (1600 – 1750)

El período barroco en la música —también conocido como la era del bajo continuo— abarcó aproximadamente desde 1600 hasta 1750. Esta época se considera parte de la música antigua y fue precedida por el Renacimiento. El período clásico sucedió al barroco.

El estilo barroco se caracteriza por la introducción del bajo continuo en muchas composiciones y se extendió por toda Europa durante el siglo XVII, con compositores barrocos notables que aparecieron principalmente en Alemania, Italia, Francia e Inglaterra.

Los dos compositores barrocos más famosos son los alemanes Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel. Otros compositores barrocos alemanes incluyen a Dieterich Buxtehude (1637-1707), Johann Pachelbel (1653-1706) y Georg Philipp Telemann (1681-1767).

Entre los compositores barrocos ingleses destacan Byrd y Purcell. En Italia, distinguieron Monteverdi, Corelli, Vivaldi y Scarlatti. Entre los representantes franceses más prominentes del barroco se encuentran Lully, Couperin y Rameau.

La era musical barroca (véase el artículo “Música barroca: características y ejemplos” en https://online-musik24.com/ ) se puede dividir a grandes rasgos en tres fases:

• Barroco temprano (circa 1600 a 1650) – bajo dominio italiano
• Alto Barroco (aproximadamente de 1650 a 1710) – con importantes influencias francesas
• Barroco tardío (circa 1710 a 1750) – inspirado en estilos regionales

La fundación de la ópera también se sitúa en esta época . El canto solista , así como la música instrumental con acompañamiento vocal, se abrieron paso en los principales escenarios europeos.

¿Qué caracteriza al período barroco? Las características más importantes de la música barroca.

Los siguientes vídeos ofrecen una breve introducción a la época barroca :

El youtuber Fabian Zirkler ofrece una contribución más detallada desde la perspectiva de un músico:

El renovado interés por las posibilidades dramáticas y retóricas ampliadas de la música dio lugar a una gran cantidad de nuevos ideales sonoros en el período barroco.

1. Centrarse en la dinámica

pianoforte sustituyó al clavecín como principal instrumento de teclado. El piano pulsaba las cuerdas con martillos recubiertos de fieltro, mientras que el clavecín las pulsaba.

Esto trajo consigo la nueva posibilidad estilística de poder tocar tanto suave como fuertemente, lo que abrió nuevos estilos de interpretación dinámicos.

Otros instrumentos barrocos nuevos, como la trompeta de pistones y el violín, también poseían un inmenso potencial dinámico. Instrumentos predominantes en el Renacimiento, como el laúd, aún se tocaban, pero su popularidad disminuyó notablemente debido a la aparición de alternativas más nuevas y dinámicas.

2. El contraste como elemento dramático

Para crear dinamismo, los contrastes son un elemento importante en el dramatismo de una composición barroca. Las diferencias entre fuerte y suave, solista y conjunto (como en un concierto), distintos instrumentos y timbres desempeñan un papel destacado en muchas composiciones barrocas.

Los compositores también comenzaron a hacer la instrumentación más precisa e intrincada, especificando a menudo de antemano los instrumentos en los que debía interpretarse una pieza, en lugar de dejar la elección al intérprete.

Los instrumentos de sonido brillante, como la trompeta y el violín, también se hicieron cada vez más populares.

3. La música instrumental y sus características sonoras

Antes del período barroco, el canto estaba estrictamente ligado a la música. Los elementos vocales se utilizaban con frecuencia en contextos litúrgicos.

Si bien los compositores barrocos seguían incorporando elementos vocales en forma de coros, cantatas y óperas, la música puramente instrumental se hizo cada vez más popular. Algunas de las obras más conocidas de la música barroca, como «Las cuatro estaciones» de Vivaldi o los «Conciertos de Brandeburgo» de Bach, son sin duda las obras instrumentales más famosas de esta época.

Como parte del renovado interés suscitado en las últimas décadas, científicos y músicos han dedicado innumerables horas a intentar descubrir qué características sonoras eran típicas y distintivas de la música de los siglos XVII y XVIII.

Su trabajo ha revelado algunas diferencias notables entre conjuntos barrocos y modernos :

3.1. Toque

En 1939, las orquestas modernas acordaron afinar a una altura estandarizada de la' = 440 Hz (la nota La con una frecuencia de 440 hercios). Esto reemplazó una altura anterior más baja (la' = 435 Hz) definida en 1859.

Sin embargo, antes de 1859 no existía una afinación estándar. Por lo tanto, la nota a la que afinaban los conjuntos barrocos variaba considerablemente en diferentes épocas y lugares.

Como resultado, la música escrita en una partitura puede haber sonado medio tono más baja de lo que suena hoy en día.

3.2. Timbre

Algunos miembros destacados de una orquesta barroca ya no están representados en los conjuntos modernos. El clavecín era el principal instrumento de teclado y un miembro importante del grupo del continuo .

Aunque instrumentos importantes como el laúd y el violín se siguieron utilizando en los siglos XVI y XVII, las variaciones modernas de estos instrumentos dan a un conjunto barroco moderno un sonido diferente al de aquella época.

Los instrumentos de cuerda como el violín, la viola y el violonchelo utilizaban cuerdas de tripa en lugar de las cuerdas entorchadas en metal que llevan hoy en día. Este cambio les confiere un tono más suave y dulce.

3.3. Diseño y tecnología

Una partitura barroca contiene poca o ninguna información sobre elementos como la articulación , la ornamentación o la dinámica .

Por lo tanto, los conjuntos modernos deben tomar sus propias decisiones informadas antes de cada actuación.

Las diferencias mecánicas entre los instrumentos barrocos y modernos también sugieren que los instrumentos más antiguos habrían sonado diferente, por lo que conjuntos como Music of the Baroque a menudo adaptan su técnica para que esto sea posible.

Debido a que los arcos barrocos y modernos difieren estructuralmente, por ejemplo, los instrumentistas de cuerda que utilizan arcos modernos a menudo emplean un toque más suave sobre las cuerdas y realizan crescendos y diminuendos en las notas más largas.

El vibrato con los dedos (una técnica en la que un instrumentista de cuerda hace vibrar la yema de los dedos sobre la cuerda para enriquecer el tono) se usaba con más moderación, mientras que el vibrato con el arco (un movimiento ondulatorio del arco) era el preferido.

4. Ornamentación, decoraciones y expresión

El lenguaje musical y la formación melódica se basaban en un rico sistema de figuras sonoras que intentaban representar estados emocionales humanos.

Al igual que la arquitectura y la escultura de esta época, la música barroca se caracteriza por la ornamentación, el embellecimiento y el virtuosismo. Incluso las melodías más sencillas se decoraban a menudo con ornamentos musicales como trinos , acciaccaturas ( apoyaturas breves), apoyaturas (apoyaturas largas), mordentes (trinos breves) y dobles apoyaturas.

5. Monodia y bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza musical solía consistir en una sola melodía, posiblemente con un acompañamiento improvisado, o en varias melodías interpretadas simultáneamente.

"melodía" y "armonía" comenzaron a tomar forma. Como parte de un esfuerzo por imitar la música antigua, los compositores se centraron menos en la intrincada polifonía que dominó los siglos XV y XVI y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, o la llamada monodia .

La música se consideraba ahora una forma de retórica que requería un orador elocuente. ¿Quién mejor para ello que un solista vocal principal?

La nueva fusión entre la expresión emocional y el canto solista se manifiesta de forma clara y distintiva en de Monteverdi al «Combattimento di Tancredi e Clorinda» de su octavo libro de «Madrigales» (1638). Allí escribe: «Me parece que las principales pasiones o inclinaciones de nuestra mente son tres: la ira, la ecuanimidad y la humildad. Los filósofos coinciden en que la naturaleza de nuestra voz, con sus registros agudos, graves y medios, refleja esto».

Las primeras óperas son un excelente ejemplo de esta nueva interpretación de la dramaturgia y la estética.
Junto con el énfasis en una sola melodía, de bajo continuo como una línea de bajo continua y coherente.

Esta forma de notación musical contiene una línea de bajo completa, generalmente interpretada por un violonchelo en un conjunto barroco. Un intérprete de un instrumento de teclado, como un clavecín o un piano, improvisa entonces acordes en notación de bajo cifrado.

Los organistas solistas a menudo interpretan la notación de bajo continuo completamente solos.

Dado que el bajo continuo o bajo cifrado siguió siendo el estándar hasta el final del período barroco, a esta época también se la conoce a veces como la "Era del Bajo Cifrado" .

Obras maestras de la música barroca

Más información

Una época tan significativa e influyente en la música actual como el Barroco solo puede abordarse brevemente en un artículo como este. Espero haberles brindado una mejor comprensión de los rasgos y características esenciales de la música de este período y haber despertado su interés en el rico mundo de las composiciones musicales barrocas.

Entonces probablemente tengas muchas más preguntas. Los siguientes recursos pueden ayudarte:

¿Qué compositores vivieron durante el período barroco? → El artículo “La música del barroco” de WebHistoriker reúne a los representantes más destacados e importantes de la música barroca de una manera clara y concisa.

¿Cómo se toca la música barroca? → El artículo “Guía de música de la época barroca: una breve historia de la música barroca” proporciona más información sobre la forma musical de la música y ofrece numerosas lecciones magistrales para aprender directamente el estilo de interpretación especial de esta época.