Un estudio de arte suele ofrecer una visión del mundo emocional del artista. En los estudios, las paredes, los suelos, las ventanas y las puertas quedan plasmadas las huellas de los procesos creativos, los métodos de trabajo, los avances e incluso los errores. Son testigos silenciosos del viaje de descubrimiento y creación del artista hasta la obra .
Los estudios narran una historia de desarrollo creativo, así como de los contratiempos sufridos a lo largo de los años en el perfeccionamiento de un oficio o estilo. Un estudio puede ser un espacio muy personal, cargado de emoción, que ofrece valiosas perspectivas tanto a artistas como a visitantes.
El estudio de arte como incubadora del progreso social
Numerosos estudios sugieren que el contacto intenso con el arte y la creación artística a cualquier edad promueve el bienestar físico y mental (véase la fuente de Internet n.º 1 ). Brindar a las personas tiempo, espacio y materiales para la expresión creativa puede reducir el estrés, mejorar la memoria y fortalecer los lazos sociales.
En una era donde se valora enormemente el pensamiento creativo, la sociedad se beneficia indudablemente de la inversión en las artes y la educación artística. Los lugares donde el entorno facilita y fomenta la creatividad tienden a experimentar mayores niveles de participación ciudadana, estabilidad social y prosperidad económica.
Los espacios creativos (públicos, corporativos o privados) siempre se han creadola creación artística .
El estudio de arte en consideración teórica
Al entrar en un estudio de arte, comprendemos mejor los métodos de trabajo y los conocimientos que los artistas emplean en su proceso creativo. Los historiadores del arte parten de la base de que una obra de arte, y por consiguiente el artista, no surgen de la nada.
El arte y los artistas se basan en prácticas de conocimiento integral y en un conocimiento espacial específico. La clave de ello es el taller de arte.
Si bien cada espacio de estudio es único para el artista y su proyecto, a menudo se utiliza como un lugar donde los artistas pueden reflexionar, exponer, investigar, almacenar y crear arte. Tener su propio estudio les permite mantener su producción individual y su proceso creativo, y es fundamental para consolidar su presencia y participar en el discurso profesional, así como para desarrollar una identidad artística (véanse las referencias 1-3 ).
En el estudio, los artistas tienen la oportunidad de desarrollar sus ideas y experimentos creativos, encontrando atención y transformación en un espacio destinado a la reflexión y la elaboración artística. Aquí, surgen obras de arte de calidad estética a través de la acción experimental, que abre nuevos campos de experiencia y permite que escenas y objetos familiares se presenten bajo una nueva luz (véanse las referencias bibliográficas n.º 4-6 ).
El estudio sirve como lugar donde las ideas de los artistas se concretan y constituye un laboratorio artístico . Según el filósofo estadounidense John Dewey, la experimentación es de gran importancia no solo en el laboratorio científico, sino también en la creación artística (véase la referencia n.º 7 ).
El estudio contemporáneo aúna imaginación, conocimiento y creación artística en un espacio que conecta la privacidad, la producción material, el saber y el aprendizaje. Es un lugar de búsqueda civilizada del conocimiento.
Estudios y espacios artísticos: ayer y hoy
Hoy en día, el arte se produce tanto en ordenadores portátiles como en estudios llenos de salpicaduras de pintura. Sin embargo, el estudio conserva su aura única como el lugar de creación por excelencia.
Independientemente de su tamaño y estilo de mobiliario, el estudio de arte posee un aura única como el lugar ideal para la creación. Fuente de la imagen: DC Studio, vía Freepik
Como se muestra en pinturas como el autorretrato alegórico de Courbet de 1855 o en las fotografías de mediados de siglo de luminarias modernistas por el director de arte de Vogue, Alexander Liberman , el estudio es un lugar donde la experiencia se transforma en oro a través de la lucha de un genio, tanto metafórica como literalmente (ver fuente de Internet n.° 2 ).
De los talleres (bottegas) en la Edad Media a los estudios sin taller.
En siglos pasados, la mayoría de los artistas trabajaban en talleres, donde se formaban con maestros artesanos, o en los scriptoria de los monasterios. El bajo estatus de los artistas artesanos en la Edad Media empezó a cambiar a medida que adoptaban los estándares académicos establecidos por sus mecenas aristocráticos.
El taller se transformó en el estudio , un lugar de refinamiento intelectual, más propicio para la contemplación silenciosa que para el bullicio y la artesanía. Artistas de éxito como Tintoretto podían permitirse tanto un taller como un estudio, lo que les permitía separar espacialmente la investigación de la producción.
Este desarrollo fue de la mano con la creciente división del trabajo, acelerada por el auge del capitalismo. Leonardo da Vinci rechazó el principio de la Bottega e hizo hincapié en que el estudio de un artista debía ser pequeño para disciplinar la mente (véase la fuente de Internet n.º 2 ).
El estudio se convierte en el lugar central de la identidad del artista.
la pintura holandesa del siglo XVII el estudio se convirtió en el lugar central de la identidad del artista, como se observa en la obra de Rembrandt y Vermeer , quienes plasmaron su entorno de trabajo en autorretratos.
En el siglo XVIII , las escuelas ofrecieron una alternativa al taller tradicional. Félix Duban influyó notablemente École des Beaux-Artsla escuela de Mackintosh en Glasgow y la Bauhaus de Weimar , un enfoque que redefinió tanto la producción artística como la industrial.
La pared acristalada era también el sello distintivo de la fábrica, una doble codificación ( expresada explícitamente Bauhaus de Dessau por Gropiusde William Morris de recalibrar las formas de producción artística e industrial.
Pintura al aire libre: una escapada a la naturaleza
El programa de Morris impulsó a algunos pintores a abandonar el estudio para pintar al aire libre. Esto ocurrió en una época en que las pinturas se fabricaban industrialmente y, por lo tanto, eran fácilmente accesibles. Los impresionistas revelaron más tarde que incluso la naturaleza se estaba industrializando, pero continuaron la tradición de la pintura al aire libre, que ahora se consideraba más un pasatiempo burgués que un trabajo agrícola.
Este arco de desarrollo culminó en el gran estudio al aire libre de Anselm Kiefer cerca de Nîmes.
En su relato «La cosa real», el autor estadounidense Henry James un estudio donde la luz juega un papel crucial , otorgándole al espacio un carácter particular. El estudio se presenta como un lugar para artistas, un hecho que se enfatiza explícitamente por su ventana orientada al norte.
Conciliar la vida y la creación artística en un mismo lugar
Al mismo tiempo, la urbanización industrial está fusionando ciudad y campo, abriendo nuevas posibilidades para la pintura al aire libre en suburbios artísticos. Mientras las academias profesionalizan la disciplina, Morris buscó superar la fragmentación institucional y espacial. Sin embargo, la unidad entre vida y arte suele seguir siendo un privilegio de los ricos.
A lo largo de la historia, los artistas se han enfrentado a diversos entornos laborales. En el pasado, solo unos pocos podían permitirse una casa con estudio en un barrio residencial de prestigio, mientras que otros tenían que trabajar en zonas urbanas marginadas. Surgieron famosas colonias de artistas como Montmartre y Chelsea como centros creativos alternativos. Si bien a menudo se caracterizaban por la pobreza, estos lugares también fomentaban un fuerte sentido de comunidad y ofrecían un espacio para el activismo político.
La transición de los talleres tradicionales a los estudios de vanguardia propició una transformación del espacio urbano por parte de artistas como Andy Warhol , quien se inspiró en las zonas más desfavorecidas. El desarrollo de estos espacios creativos también reflejó cambios sociales y, en repetidas ocasiones, generó resultados inesperados.
Estado post-estudio hoy: Regreso al sistema Bottega y a los espacios de coworking
Damien Hirst y Jeff Koons se han unido a Warhol en su regreso al sistema Bottega. Han desechado todo rastro de Morris y, en su lugar, han imitado los procesos industriales menos románticos del capitalismo.
Hoy en día, impera un estado post-estudio , en el que un precariado grupo de productores artísticos que viajan constantemente llevan sus portátiles de un lado a otro entre Londres, Lisboa y Berlín. Si pueden permitírselo, sus espacios de trabajo se ubican en almacenes subdivididos en las afueras de las ciudades, mientras que en "revitalizados" , donde todos aspiran al estatus de "creatividad , los espacios de coworking como Second Home sirven como modelos a seguir poco convencionales.
Montar tu propio estudio de arte o espacio creativo
La transición de un estudio casero a un estudio de arte profesional es un sueño común para los artistas. Una vez que el cuarto de invitados o el cobertizo del jardín se te quedan pequeños, montar un estudio profesional es el siguiente paso lógico.
Cómo montar tu propio estudio de arte o espacio creativo: consejos y sugerencias. Fuente de la imagen: senivpetro, vía Freepik
firmar un contrato de arrendamiento para un espacioconversión de una propiedad existente (por ejemplo, antiguas instalaciones o naves industriales), hay muchos aspectos a considerar.
Con frecuencia, quedan disponibles espacios o edificios enteros cuando los artistas se mudan o cierran sus estudios. Dado que un espacio adecuado puede contribuir significativamente al éxito artístico, elegir con cuidado las propiedades existentes
En algunos casos, una renovación completa (que a veces incluye una remodelación) resulta conveniente para adaptar de forma óptima las instalaciones existentes a sus necesidades individuales. En todas las ciudades importantes encontrará proveedores de servicios fiables para ello (por ejemplo, Welsch Bausanierung en https://welsch-bausanierung.de/dienstleistung/komplettsanierung/ para Ulm y alrededores).
La cuestión de los costes
Los costos son un factor crucial para determinar si un artista puede permitirse un estudio. Al igual que cualquier persona o empresa, los artistas deben incluir en sus cálculos de ganancias los gastos relacionados con el local, como el alquiler (o los pagos del préstamo si lo compran), los servicios públicos y los costos de seguro, conexión a internet, contrato telefónico, etc.
Es importante abordar esta decisión como cualquier otro proyecto empresarial. Debes determinar qué es financieramente viable (en relación con tus ingresos) y el valor de tener tu propio espacio. El espacio no tiene por qué estar diseñado específicamente para artistas, pero suele facilitar mucho el trabajo. Si es necesario y cuentas con los fondos , también puedes realizar (o encargar) reformas y renovaciones, como se mencionó anteriormente.
Los escultores y ceramistas necesitan equipos costosos y acceso a espacios al aire libre. Los pintores también deben verificar si pueden usar pinturas al óleo y materiales inflamables como la trementina. Si va a instalar su taller en un polígono industrial, debería considerar cómo reaccionarán las demás empresas al olor a pintura fresca en los pasillos.
Los precios de los terrenos se suelen calcular por metro cuadrado, lo que permite una fácil comparación de costes.
A qué debes prestar atención
Los servicios básicos incluyen acceso a internet y servicios públicos estándar. A continuación, conviene informarse sobre el horario de apertura (algunos establecimientos ofrecen acceso las 24 horas), la seguridad y las instalaciones de aparcamiento .
Igualmente importante es la disponibilidad de instalaciones sanitarias , lavabos , acceso a zonas exteriores y los requisitos de seguro del inmueble que se utilice.
Otro punto importante es la iluminación . Los pintores deben evitar las habitaciones sin ventanas, ya que carecen de luz natural. Los estudios de arte profesionales suelen tener esto en cuenta y garantizan una buena iluminación independientemente del tamaño de la sala.
El estudio también debe fácilmente accesible ; por lo tanto, no elijas una ubicación demasiado alejada. A menudo, los artistas se ven tentados a trabajar desde casa porque la habitación libre está más cerca.
En un contrato de alquiler, un arrendamiento a corto plazo una buena idea.
¿Deberías unirte a un estudio ya existente?
Los estudios profesionales existentes son edificios dedicados, diseñados o amueblados para artistas. Es posible alquilar estudios individuales en un edificio compartido, que ofrecen todas las comodidades necesarias, como buena luz natural para pintar, lavabos y equipo especializado.
La gran ventaja de unirse a un estudio ya existente es que muchos aspectos ya se han tenido en cuenta y todos los servicios pueden estar incluidos en una sola tarifa. Solo es necesario firmar el contrato y podrás comenzar tu trabajo creativo.
Sin embargo, esta comodidad podría tener un precio más elevado. Es posible comenzar con un espacio más pequeño o compartido y, en función del éxito, ir trasladándose gradualmente a un local más grande.
Un aspecto importante a la hora de decidir trabajar en un estudio profesional consolidado es el fácil acceso a otros artistas . El trabajo creativo suele ser solitario, por lo que poder intercambiar ideas con colegas en cocinas compartidas o en eventos supone una ventaja significativa.
Al entrar en un estudio de este tipo, conviene también fijarse en los demás artistas. Por razones prácticas, ceramistas, vidrieros, alfareros y escultores suelen compartir sus espacios de trabajo y, por lo tanto, pueden utilizar juntos el equipo necesario y los gastos asociados.
Configurar tu propio espacio de estudio
Si has encontrado un espacio adecuado o te gustaría establecer una colonia de artistas, hay algunas cosas importantes que debes aclarar antes de dar el paso definitivo.
¿Posees las habilidades y la experiencia necesarias?
Es fundamental haber trabajado previamente en un espacio de trabajo compartido, e incluso haberlo gestionado, para comprender todas las responsabilidades.
Muchos estudios profesionales cuentan con un gerente que se encarga de tareas organizativas como el pago del alquiler, el cumplimiento de la normativa del edificio, el seguro y el marketing, lo que permite a los artistas centrarse por completo en su arte. Es comprensible que muchos estudios opten por contratar gerente
¿Hay ayuda financiera disponible?
A nivel local, estatal y federal, se destinan importantes sumas de dinero para apoyar a los artistas. Se proporciona financiación específica para determinados medios, temas, regiones geográficas y artistas.
Parte de esta financiación suele quedar sin utilizar porque no se presentan artistas idóneos. Un buen punto de partida es el Fondo Nacional para las Artes, que otorgó casi 230 millones de dólares en 2023.
En Alemania, numerosas instituciones, entre ellas el gobierno federal, los gobiernos estatales y fundaciones, apoyan proyectos culturales y artísticos a través de diversos programas de financiación . Los profesionales creativos pueden solicitar estas subvenciones para llevar a cabo sus proyectos artísticos.
Estas subvenciones para proyectos pueden adoptar diversas formas. Los beneficiarios pueden ser personas físicas, grupos o instituciones, y el alcance creativo suele estar limitado por los objetivos de la institución financiadora. La Fundación Cultural Federal Alemana se centra en apoyar programas y proyectos innovadores en un contexto internacional, así como en el intercambio cultural.
Fundación Cultural Federal también selecciona proyectos para su financiación dos veces al año en el marco de su programa de financiación de proyectos interdisciplinarios y de convocatoria abierta.
Además de ellas, existen muchas otras instituciones de financiación , tanto a nivel nacional como europeo, que apoyan específicamente a los artistas.
servicio de asesoramiento sobre financiación del BMWK y la guía "¿Cualquier cosa menos un emprendedor?" de la Iniciativa de Industrias Culturales y Creativas del Gobierno Federal también ofrecen consejos para fundadores y trabajadores autónomos de las industrias .
Infórmese sobre las diversas oportunidades de financiación y subvenciones, así como sobre el proceso de solicitud. Existen subvenciones generosas y programas de financiación especiales para grupos específicos de artistas. Sin embargo, la mayor parte de los fondos se destinan a proyectos que acercan el arte a la comunidad.
Al incorporar talleres a tu horario, podrías recibir apoyo financiero para tu estudio de arte profesional. Tras familiarizarte con los procesos nacionales y estatales, también deberías explorar las oportunidades de financiación locales
¿Existe la posibilidad de obtener patrocinio financiero?
Sin duda, gestionar estudios es costoso. Sin embargo, existen soluciones comerciales para el complejo problema de la financiación. Por ejemplo, las empresas locales podrían estar dispuestas a proporcionar financiación o equipos a cambio de publicidad. Esta publicidad podría consistir en aparecer en la página web del estudio, realizar actividades de marketing o participar en exposiciones.
Muchas personas aman las artes y desean participar en el mundo del arte.
Integrar espacio de exposición / galería
estudio de arte profesional es que puede operar sin la intermediación de una galería y establecer un canal directo con sus compradores.
Hasta el 50% de las ventas de arte se realizan a través de galerías. las jornadas de puertas abiertas en estudios o las visitas individuales a estudios también pueden generar ingresos significativos.
Si formas parte de un estudio colectivo profesional , deberías considerar la posibilidad de crear un espacio de exposición permanente para las obras de todos los artistas.
Aquí hay algunos puntos a considerar para un mayor éxito:
Asegúrese de que todas las obras estén disponibles para la venta.
Ofrecemos una variedad de niveles de precios.
Empiece con grabados pequeños o cerámica de menos de 100 euros y vaya aumentando gradualmente hasta llegar a pinturas, cerámica o esculturas de mayor tamaño con precios correspondientemente más altos.
Mantenga un horario de apertura regular y asegúrese de que haya personal presente durante ese horario (los artistas pueden turnarse).
Cambie regularmente las obras expuestas y planifique eventos especiales de inauguración.
Acuerden las condiciones de pago. Esto puede incluir el pago mediante factura o, actualmente, a través de numerosos proveedores de pago digital (en línea o mediante una aplicación móvil). Si aceptan pagos electrónicos, deberán configurar una cuenta bancaria para el estudio o una cuenta de PayPal a la que se transferirá el dinero antes de abonarlo al artista.
Observaciones finales
Una vez que tengas tu estudio de arte listo, no dudes en comenzar tu trabajo creativo de inmediato. Piensa en cómo quieres sentirte en este espacio. Nada es más frustrante para un artista que sentir que el espacio en el que trabaja restringe su creatividad en lugar de fomentarla.
Recuerda las palabras de Pablo Picasso :
Hay pintores que convierten el sol en una mancha amarilla, y hay otros que, con su arte e inteligencia, convierten una mancha amarilla en un sol.
¿Tu espacio te ofrece esta libertad para el crecimiento artístico?
Quizás encuentres inspiración en nuestros dos artículos sobre el tema:
Bain, A. (2005): La construcción de una identidad artística. Trabajo, empleo y sociedad , págs. 25-46.
Bain, A. (2004): La identidad artística femenina en el lugar: el estudio. Geografía social y cultural , págs. 171-193.
Buren, D. (2007): En el estudio (Galería de Dublín, 2007, págs. 104-106). Una conversación entre Buren y Jens Hoffman, Christina Kennedy y Georgina Jackson.
Jacob, MJ (2010): Prólogo. En Jacob, MJ y Grabner, M (eds.). 2010. The Studio Reader: On the Space of Artists . Chicago: University of Chicago Press.
O'Doherty, B. (2007): El estudio y el cubo: la relación entre el lugar de creación y el de exhibición del arte, Princeton Architectural Press
Wainright, L. (2010): Prólogo. En Jacob MJ y Grabner M (eds.), <i>The Studio Reader: On the Space of Artists</i>, Chicago: University of Chicago Press.
Dewey, J. (1934): El arte como experiencia, Nueva York: Penguin Group
Internet:
Samantha Frew en Architizer : Art House: La arquitectura inspiradora de los estudios de arte , https://architizer.com/blog/inspiration/collections/art-house-the-architecture-of-art-studios/
Tom Wilkinson en The Architectural Review : Tipología: Estudio de artista, https://www.architectural-review.com/essays/typology-artist-studio
Galerías MAC ART : Cómo montar tu estudio de bellas artes , https://macfineart.com/how-to-set-up-your-fine-art-studio/
Blog de ART WEBCómo montar un estudio de arte profesional , https://blog.artweb.com/how-to/set-up-a-professional-art-studio/
Fundación Cultural Federal : Financiación , https://www.kulturstiftung-des-bundes.de/de/foerderung.html
Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
Una necesidad básica de toda persona creativa artísticamente es probablemente poder vivir de su arte.
Para ganarse la vida, obtener ingresos a través del arte . De hecho, contrariamente a la creencia popular, muchos artistas hoy en día pueden vivir bien de su trabajo creativo. Sin embargo, la gran mayoría de los artistas independientes aún dependen de fuentes de ingresos adicionales (por ejemplo, impartir cursos, realizar encargos, trabajos ocasionales, etc.).
El reconocimiento como artista a menudo no trae consigo seguridad financiera inmediata. Por lo tanto, los artistas suelen ser también artistas de la vida.
Las oportunidades para vivir del arte han aumentado significativamente gracias a internet y las redes sociales. Sin embargo, para tener éxito, los artistas necesitan ser versátiles y flexibles. Un cierto grado de perseverancia también es esencial.
Las relaciones con los clientes y el autopromoción son también pilares importantes para el éxito de un artista .
En esta sección, recopilamos numerosos artículos, información, consejos y sugerencias para ayudarte a ganarte la vida con tu arte.
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