Un estudio de arte a menudo ofrece una mirada al mundo emocional de un artista. Los estudios son lugares donde se registran en paredes, suelos, ventanas y puertas rastros de procesos creativos, métodos de trabajo, avances e incluso errores. Son testigos silenciosos del viaje de descubrimiento y creación del artista hasta la obra .
Los estudios narran la historia del desarrollo creativo, así como los contratiempos que han surgido a lo largo de los años en el perfeccionamiento de un oficio o estilo. Un estudio puede ser un espacio muy personal y lleno de emoción, que ofrece valiosas perspectivas tanto a artistas como a visitantes.
El estudio de arte como incubadora de progreso social
Numerosos estudios sugieren que el contacto intensivo con el arte y la creación artística a cualquier edad promueve el bienestar físico y mental (véase la fuente de Internet n.º 1 ). Dar a las personas tiempo, espacio y materiales para la expresión creativa puede reducir el estrés, mejorar la memoria y fortalecer las conexiones sociales.
En una época donde el pensamiento creativo se valora enormemente, la sociedad se beneficia sin duda de la inversión en las artes y la educación artística. Los lugares donde el entorno facilita y fomenta la creatividad tienden a experimentar mayores niveles de compromiso cívico, estabilidad social y prosperidad económica.
Los espacios creativos siempre se han creado han contribuido significativamente a apoyar la creación artística
El taller de arte en consideración teórica
Al entrar en un estudio de arte, comprendemos los métodos de trabajo y los conocimientos que los artistas emplean en su proceso creativo. Los historiadores del arte asumen que una obra de arte, y por lo tanto el artista, no surge de la nada.
El arte y los artistas se basan en prácticas de conocimiento integrales y un conocimiento espacial específico. La clave para ello es el taller de arte.
Aunque cada estudio es único para cada artista y su proyecto, a menudo se utiliza como un espacio donde los artistas pueden reflexionar, exponer, investigar, almacenar y crear arte. Tener un estudio propio les permite mantener su producción y proceso creativo individuales, y es crucial para estabilizar y participar en el discurso profesional, así como para desarrollar una identidad artística (véanse las referencias 1-3 ).
En el estudio, los artistas tienen la oportunidad de desarrollar sus ideas y experimentos creativos, encontrando atención y transformación en un espacio de reflexión y elaboración artística. Aquí, obras de arte de calidad estética emergen mediante la acción experimental, que abre nuevos campos de experiencia y permite que escenas y objetos familiares se reflejen bajo una nueva luz (véanse las referencias bibliográficas n.° 4-6 ).
El estudio sirve como lugar donde las ideas de los artistas se concretan y constituye un laboratorio artístico . Según el filósofo estadounidense John Dewey, la experimentación es fundamental no solo en el laboratorio científico, sino también en la creación artística (véase la referencia n.° 7 ).
El estudio contemporáneo une imaginación, conocimiento y creación artística en un espacio que conecta la privacidad, la producción material, el conocimiento y el aprendizaje. Es un lugar para la búsqueda civilizada del conocimiento
Estudios y espacios de arte: ayer y hoy
Hoy en día, el arte se produce tanto en portátiles como en lofts salpicados de pintura. Sin embargo, el estudio conserva su aura única como el lugar de creación por excelencia.
Independientemente del tamaño y el estilo del mobiliario, el estudio de arte posee un aura única como el lugar de creación por excelencia. Fuente de la imagen: DC Studio, vía Freepik.
Como lo muestran pinturas como el autorretrato alegórico de Courbet de 1855 o las fotografías de luminarias modernistas de mediados de siglo realizadas por el director de arte de Vogue, Alexander Liberman , el estudio es un lugar donde la experiencia se transforma en oro a través de la lucha de un genio, tanto metafórica como literalmente (ver fuente de Internet #2 ).
De los talleres (bottega) en la Edad Media a los talleres sin estudio
En siglos pasados, la mayoría de los artistas trabajaban en talleres, donde recibían formación de maestros artesanos, o en los scriptoria de los monasterios. El bajo estatus de los artistas artesanos en la Edad Media comenzó a cambiar a medida que adoptaban los estándares académicos establecidos por sus mecenas aristocráticos.
La bottega se convirtió en el studiolo , un lugar de refinamiento académico, más propicio para la contemplación silenciosa que para el ruido y la artesanía. Artistas de éxito como Tintoretto podían permitirse tanto una bottega como un studiolo, lo que permitía separar espacialmente la investigación de la producción.
Este desarrollo fue de la mano de la creciente división del trabajo, acelerada por el auge del capitalismo. Leonardo da Vinci rechazó el principio de Bottega y enfatizó que el estudio de un artista debía ser pequeño para disciplinar la mente (véase la fuente de Internet n.° 2 ).
El estudio se convierte en el lugar central de la identidad del artista
del siglo XVII , el estudio se convirtió en el lugar central de la identidad del artista, como se ve en el trabajo de Rembrandt y Vermeer , quienes capturaron su entorno de trabajo en autorretratos.
en el siglo XVIII , las escuelas ofrecieron una alternativa al taller tradicional. Félix Duban significativamente en la École des Beaux-Artsla escuela de Mackintosh en Glasgow y la Bauhaus de Weimar , un enfoque que redefinió la producción artística e industrial.
La pared de cristal era también el sello distintivo de la fábrica, una doble codificación ( explícitamente expresada Bauhaus de Dessau de Gropiusde William Morris de recalibrar las formas de producción artística e industrial.
Pintura al aire libre: una escapada a la naturaleza
El programa de Morris provocó que algunos pintores abandonaran el estudio para disfrutar de la naturaleza. Esto ocurrió en una época en que las pinturas se fabricaban industrialmente y, por lo tanto, eran fáciles de conseguir. Los impresionistas revelaron posteriormente que incluso la naturaleza se estaba industrializando, pero continuaron la tradición de la pintura al aire libre, que ahora se consideraba más un pasatiempo burgués que un trabajo agrícola.
Este arco de desarrollo culminó en el gran estudio al aire libre de Anselm Kiefer cerca de Nimes.
En su cuento "The Real Thing", el autor estadounidense Henry James un estudio donde la luz juega un papel crucial , dotando al espacio de una personalidad particular. El estudio se presenta como un lugar para artistas, hecho que se enfatiza explícitamente con su ventana orientada al norte.
Conciliar la vida y la creación artística en un solo lugar
Al mismo tiempo, la urbanización industrial está fusionando la ciudad y el campo, abriendo nuevas posibilidades para la pintura al aire libre en los suburbios artísticos. Mientras las academias profesionalizaban la disciplina, Morris buscó superar la fragmentación institucional y espacial. Sin embargo, la unidad entre la vida y el arte a menudo sigue siendo patrimonio exclusivo de los ricos.
A lo largo de la historia, los artistas se han enfrentado a diversos entornos laborales. En el pasado, solo unos pocos artistas podían permitirse una casa con estudio en un barrio residencial atractivo, mientras que otros tenían que trabajar en zonas urbanas descuidadas. Colonias de artistas famosos como Montmartre y Chelsea surgieron como centros creativos alternativos. Aunque a menudo se caracterizaban por la pobreza, estos lugares también fomentaban un fuerte sentido de comunidad y ofrecían un espacio para el activismo político.
La transición de los talleres tradicionales a los estudios de vanguardia propició un rediseño del espacio urbano por parte de artistas como Andy Warhol , quienes se inspiraron en las zonas más pobres. El desarrollo de estos espacios creativos también reflejó los cambios sociales y produjo repetidamente resultados inesperados.
Estado post-estudio hoy: Regreso al sistema Bottega y espacios de coworking
Damien Hirst y Jeff Koons se han unido a Warhol en su regreso al sistema Bottega. Han descartado todo rastro de Morris y, en cambio, han imitado los procesos industriales menos románticos del capitalismo.
Hoy en día, prevalece un estado post-estudio , en el que un precariado jet-set de productores artísticos transporta sus portátiles entre Londres, Lisboa y Berlín. Si se lo pueden permitir, sus espacios de trabajo se ubican en naves subdivididas en las afueras de las ciudades, mientras que en "revitalizados" , donde todos aspiran al estatus de "creatividad , los espacios de coworking como Second Home sirven como modelos a seguir poco convencionales.
Montar tu propio estudio de arte o espacio creativo
La transición de un estudio casero a un estudio de arte profesional es un sueño común para los artistas. Una vez que la habitación de invitados o la caseta del jardín se te quedan pequeñas, montar un estudio profesional es el siguiente paso lógico.
Crea tu propio estudio de arte o espacio creativo: consejos y sugerencias. Fuente de la imagen: senivpetro, vía Freepik
firmar un contrato de arrendamiento de un espacioconversión de una propiedad existente (por ejemplo, antiguas instalaciones de fábrica o naves), hay muchos aspectos a tener en cuenta.
A menudo, espacios o edificios enteros quedan disponibles cuando los artistas se mudan o cierran sus estudios. Dado que una instalación exitosa puede contribuir significativamente al éxito artístico, las propiedades existentes elegirse con cuidado.
En algunos casos, conviene realizar una renovación completa (que a veces incluye remodelación) para adaptar óptimamente las instalaciones existentes a sus necesidades. Encontrará proveedores de servicios fiables en todas las ciudades importantes (por ejemplo, Welsch Bausanierung en https://welsch-bausanierung.de/dienstleistung/komplettsanierung/ para Ulm y alrededores).
La cuestión de los costes
Los costos son cruciales para determinar si un artista puede permitirse un estudio. Como cualquier persona o empresa, los artistas deben tener en cuenta los gastos de construcción, incluyendo el alquiler (o el pago de un préstamo si se trata de una compra), los servicios públicos, los seguros, la conexión a internet, el contrato telefónico, etc., en sus cálculos de ganancias.
Es importante abordar esta decisión como cualquier otro negocio. Debe determinar qué es financieramente viable (en relación con sus ingresos) y el valor de tener un espacio propio. El espacio no tiene por qué estar diseñado específicamente para artistas, pero suele facilitar considerablemente el trabajo. Si es necesario y cuenta con los fondos necesarios, también puede realizar (o encargar) renovaciones y reformas, como se mencionó anteriormente.
Los escultores y alfareros requieren equipos costosos y acceso a espacios exteriores. Los pintores también deben verificar si pueden usar pinturas al óleo y materiales inflamables como la trementina. Si se instala en un polígono industrial, debe considerar cómo reaccionarán otros negocios al olor a pintura fresca en los pasillos.
Los precios del terreno generalmente se calculan por metro cuadrado, lo que permite una fácil comparación de costos.
A qué debes prestar atención
Los servicios básicos incluyen acceso a internet y servicios básicos. A continuación, debe informarse sobre el horario de apertura (algunos ofrecen acceso las 24 horas), la seguridad y el estacionamiento .
Igualmente importante es la disponibilidad de instalaciones sanitarias , lavabos , acceso a zonas exteriores y los requisitos de seguro de la propiedad que se utilice.
Otro punto importante es la iluminación . Los pintores deben evitar habitaciones sin ventanas, ya que estas no ofrecen luz natural. Los estudios de arte profesionales suelen tener esto en cuenta y garantizar una buena iluminación independientemente del tamaño de la habitación.
El estudio también debe de fácil acceso , así que no elijas una ubicación demasiado lejana. A menudo, los artistas se sienten tentados a trabajar desde casa porque la habitación libre está más cerca.
En un contrato de alquiler, un contrato de arrendamiento a corto plazo una buena idea.
¿Deberías unirte a un estudio existente?
Los estudios profesionales existentes son edificios diseñados o amueblados para artistas. Es posible alquilar estudios individuales en un edificio compartido, que ofrecen todas las comodidades necesarias, como buena luz natural para pintar, lavabos y equipo especializado.
La gran ventaja de unirse a un estudio ya existente es que ya se han tomado muchas consideraciones y todos los servicios pueden estar incluidos en una sola tarifa. Solo se necesita firmar el contrato y luego puede comenzar su trabajo creativo.
Sin embargo, esta comodidad puede tener un precio más elevado. Es posible empezar con un espacio más pequeño o compartido y, gradualmente, mudarse a un local más grande según el éxito.
Un aspecto importante al decidir trabajar en un estudio profesional consolidado es el fácil acceso a otros artistas . El trabajo creativo suele ser solitario, por lo que poder intercambiar ideas con colegas en cocinas compartidas o en eventos ofrece una ventaja significativa.
Al entrar en un estudio de este tipo, también conviene estar atento a los demás artistas. Por razones prácticas, ceramistas, vidrieros, alfareros y escultores suelen compartir sus estudios y, por lo tanto, pueden utilizar el equipo necesario y los gastos asociados juntos.
Configurar tu propio espacio de estudio
Si has encontrado un espacio adecuado o te gustaría establecer una colonia de artistas, hay algunas cosas importantes que debes aclarar antes de dar el paso definitivamente.
¿Tiene usted las habilidades y experiencia necesarias?
Es fundamental haber trabajado previamente en un espacio de trabajo compartido e incluso haberlo gestionado para poder comprender todas las responsabilidades.
Muchos estudios profesionales cuentan con un gerente que se encarga de tareas organizativas como el pago del alquiler, la normativa de construcción, los seguros y el marketing, lo que permite a los artistas centrarse por completo en su arte. Es comprensible que muchos estudios opten por contratar a un gerente .
¿Hay apoyo financiero disponible?
A nivel local, estatal y federal, se destinan considerables sumas de dinero a apoyar a los artistas. Se otorgan fondos específicos para medios, temas, regiones geográficas y artistas específicos.
Parte de esta financiación suele quedar sin utilizar porque los artistas idóneos no la solicitan. Un buen punto de partida es el Fondo Nacional para las Artes, que otorgó casi 230 millones de dólares en 2023.
En Alemania, numerosas instituciones, como el gobierno federal, los gobiernos estatales y fundaciones, apoyan proyectos culturales y artísticos a través de diversos programas de financiación . Los profesionales creativos pueden solicitar estas subvenciones para desarrollar sus proyectos artísticos.
Estas subvenciones para proyectos pueden adoptar diversas formas. Los beneficiarios pueden ser personas, grupos o instituciones, y el alcance creativo suele estar limitado por los objetivos de la institución financiadora. La Fundación Cultural Federal se centra en apoyar programas y proyectos innovadores en un contexto internacional, así como en el intercambio cultural.
Fundación Federal de Cultura también selecciona dos veces al año proyectos para su financiación en el marco de su programa de financiación de proyectos interdisciplinario y de solicitud abierta.
Además de ellos, existen muchas otras instituciones de financiación, tanto a nivel nacional como europeo, que apoyan específicamente a los artistas.
servicio de asesoramiento sobre financiación y financiación del BMWK como la guía "¿Algo más que un emprendedor?" de la Iniciativa para las Industrias Culturales y Creativas del Gobierno Federal también ofrecen consejos para fundadores y autónomos en el sector cultural y creativo .
Infórmese sobre las diversas oportunidades de financiación y subvenciones, así como sobre el proceso de solicitud. Existen subvenciones generosas y programas de financiación especiales para grupos específicos de artistas. Sin embargo, la mayoría de los fondos se destinan a proyectos que acercan el arte a la comunidad.
Al incorporar talleres a tu agenda, podrías recibir apoyo financiero para tu estudio de arte profesional. Después de familiarizarte con los procesos nacionales y estatales, también deberías explorar las oportunidades de financiación locales
¿Existe la posibilidad de patrocinio financiero?
Operar estudios es, sin duda, costoso. Pero existen soluciones comerciales para la difícil cuestión de la financiación. Por ejemplo, los negocios locales podrían estar dispuestos a proporcionar financiación o equipo a cambio de publicidad. Esto podría consistir en una presencia en el sitio web del estudio, acciones de marketing o exposiciones.
A muchas personas les encanta el arte y quieren involucrarse en el mundo del arte.
Integrar espacio expositivo/galería
estudio de arte profesional es que puede operar sin la intermediación de una galería y establecer un canal directo con sus compradores.
Hasta el 50% de las ventas de arte se realizan a través de galerías. los eventos de estudio abierto o las visitas individuales a estudios también pueden generar ingresos significativos.
Si formas parte de un estudio grupal profesional , deberías considerar montar un espacio de exposición permanente para las obras de todos los artistas.
A continuación se presentan algunos puntos a tener en cuenta para lograr un mayor éxito:
Asegúrese de que todas las obras estén disponibles para la venta.
Ofrecer una variedad de niveles de precios.
Comience con pequeñas impresiones o cerámicas de menos de 100 euros y aumente gradualmente a pinturas, cerámicas o esculturas más grandes con precios correspondientemente más altos.
Mantener un horario de apertura regular y asegurarse de que el personal esté presente durante estos horarios (los artistas pueden turnarse).
Cambiar periódicamente las obras expuestas y planificar eventos especiales de inauguración.
Acordar las condiciones de pago. Esto puede incluir el pago mediante factura o, actualmente, a través de numerosos proveedores de pagos digitales (en línea o mediante una aplicación para smartphone). Si acepta pagos electrónicos, deberá crear una cuenta bancaria en el estudio o una cuenta de PayPal a la que se transferirá el dinero antes de que se le pague al artista.
Observaciones finales
Una vez que tu estudio de arte esté listo, no dudes en comenzar tu trabajo creativo de inmediato. Piensa en cómo quieres visualizarte en este espacio. Nada es más frustrante para un artista que sentir que el espacio en el que trabaja limita su creatividad en lugar de fomentarla.
Recuerde las palabras de Pablo Picasso :
Hay pintores que convierten el sol en una mancha amarilla, y hay otros que con su arte e inteligencia convierten una mancha amarilla en un sol
¿Tu espacio te ofrece esta libertad para el crecimiento artístico?
Quizás encuentres inspiración en nuestros dos artículos sobre el tema:
Bain, A. (2005): Construyendo una identidad artística Trabajo, empleo y sociedad , pp. 25-46
Bain, A. (2004): Identidad artística femenina en el lugar: el estudio. Geografía social y cultural , pp. 171-193
Buren, D. (2007): In The Studio (Dublin Gallery, 2007 pp. 104-106) Una conversación entre Buren y Jens Hoffman, Christina Kennedy y Georgina Jackson
Jacob, MJ (2010): Prólogo En Jacob, MJ y Grabner, M eds. 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists , Chicago University of Chicago Press
O'Doherty, B. (2007): Estudio y el cubo sobre la relación entre el lugar donde se crea el arte y el lugar donde se exhibe, Princeton Architectural Press
Wainright, L. (2010): Prólogo en Jacob MJ y Grabner M eds 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
Dewey, J. (1934): El arte como experiencia, New York Penguin Group
Internet:
Samantha Frew en Architizer : Art House: La inspiradora arquitectura de los estudios de arte , https://architizer.com/blog/inspiration/collections/art-house-the-architecture-of-art-studios/
Tom Wilkinson en The Architectural Review : Tipología: Estudio de artista, https://www.architectural-review.com/essays/typology-artist-studio
Galerías MAC ART : Cómo montar tu estudio de bellas artes , https://macfineart.com/how-to-set-up-your-fine-art-studio/
Blog ART WEBCómo montar un estudio de arte profesional , https://blog.artweb.com/how-to/set-up-a-professional-art-studio/
Fundación Cultural Federal : Financiación , https://www.kulturstiftung-des-bundes.de/de/foerderung.html
Propietario y Director General de Kunstplaza. Publicista, editor y bloguero apasionado del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciado en Diseño Web (2008), perfeccionó sus técnicas creativas con cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, adquirido a través de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con actores e instituciones clave del sector artístico y cultural.
Una necesidad básica de toda persona creativa artística es probablemente poder vivir de su arte.
es esencial ganarse la vida a través del arte . De hecho, contrariamente a la creencia popular, muchos artistas hoy en día pueden ganarse bien la vida con su trabajo creativo. Sin embargo, la gran mayoría de los artistas independientes aún dependen de fuentes de ingresos adicionales (por ejemplo, impartir cursos, encargos, trabajos secundarios, etc.).
El reconocimiento como artista no suele traer seguridad financiera inmediata. Por lo tanto, los artistas suelen ser también artistas de la vida.
Las oportunidades de ganarse la vida con el arte han aumentado significativamente gracias a internet y las redes sociales. Sin embargo, los artistas necesitan ser versátiles y flexibles para triunfar. Cierta perseverancia también es esencial.
Las relaciones con los clientes y el auto-marketing también son pilares importantes para el éxito como artista .
En esta sección recopilamos numerosos artículos, información, consejos y recomendaciones para ayudarte a vivir de tu arte.
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